Submitted by Nathalya Silva (nathyjf033@gmail.com) on 2017-06-06T17:42:16Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_AmanheceuPaideguaSonho.pdf: 4962610 bytes, checksum: 991148e7463d9bca50911367a093ed02 (MD5) / Approved for entry into archive by Edisangela Bastos (edisangela@ufpa.br) on 2017-06-09T14:08:04Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_AmanheceuPaideguaSonho.pdf: 4962610 bytes, checksum: 991148e7463d9bca50911367a093ed02 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-06-09T14:08:04Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_AmanheceuPaideguaSonho.pdf: 4962610 bytes, checksum: 991148e7463d9bca50911367a093ed02 (MD5) Previous issue date: 2016-06-23 / A proposta desta pesquisa tem como foco os processos criativos de três sambas de enredo compostos para três escolas de samba de Belém do Pará: Amanheceu (1985), do Grêmio Recreativo Jurunense Rancho Não Posso Me Amofiná; Paid’égua (1986), do Império de Samba Quem São Eles, e Sonho Cabano (1985) da Escola de Samba Acadêmicos da Pedreira. O objetivo geral é investigar aspectos dos processos criativos destes sambas. Em se tratando de uma pesquisa cujo objeto está inserido em escolas de samba, ela se embasa no contexto da Etnomusicologia a partir do olhar de teóricos que a fundamentaram. Os objetivos específicos visam: conhecer a trajetória artística dos compositores dos sambas objetos do projeto; verificar os aspectos históricos das três escolas de samba já referidas e analisar os três sambas enredo. Para tanto, levou-se em consideração as trajetórias artísticas dos seus compositores, o histórico do carnaval em Belém do Pará e das três escolas de samba onde os sambas enredo tiveram suas origens. O processo metodológico apoiou-se em levantamento bibliográfico relativo às áreas do conhecimento que abrangem: carnaval, carnaval paraense, história oral, etnomusicologia, samba, samba de enredo, ditadura militar e Cabanagem. Procedeu-se levantamento documental em jornais, revistas e periódicos em busca de subsídios incluindo imagens. O trabalho de campo foi dirigido para a elaboração de entrevistas semi estruturadas que foram realizadas com os compositores dos três sambas de enredo e também com algumas pessoas que, embora não estejam no rol dos compositores, apresentam trajetórias marcantes no carnaval paraense. Após a obtenção dos dados procedi à análise dos sambas e dos processos criativos dos seus compositores. / This research focuses on the creative process used to compose three samba themes of Belém do Pará samba schools: Amanheceu (1985), Grêmio Recreativo Jurunense Rancho não posso me Amofiná; Paid'égua (1986), Samba Empério quem são eles, and Sonho Cabano (1985) Academicos Escola de Samba da Pedreira. The overall goal is to investigate aspects of the creative processes of these sambas. Since the studied object is samba schools, it was grounded in the context of Ethnomusicology and from the theorists´ perspectives. The specific objectives are to: To know the artistic career of the composers of the sambas mentioned, to check the historical aspects of the three samba schools, and analyze the three samba themes. Therefore, we took into account the artistic trajectories of their composers, carnival history in Belém do Pará and the three samba schools where the samba themes had their origins in. The methodological process relied on literature on general carnival, paraense carnival, oral history, ethnomusicology, standard samba, samba themes, military dictatorship and Cabanagem movement. The research was also based on documentary survey in newspapers, magazines and periodicals in order to obtain grants including images. The field work was directed to the development of semi-structured interviews with not only the composers of the three samba themes but also some people who although not on the list of composers, show marked paths in Para carnival. After obtaining the data, the analysis of the sambas and the creative processes of their composers was proceed.

Esse trabalho discute a performance ritual e musical durante a Festa da Boa Morte e Glória realizada anualmente na segunda quinzena de agosto na cidade de Cachoeira, Recôncavo da Bahia. Elaborada através de elementos simbólicos, culturais, religiosos e de resistência política e social, a Festa da Boa Morte compreende performances musicais dentro de uma complexa performance ritual que é ao mesmo tempo coletiva e absolutamente restritiva. A Irmandade de Nossa Senhora da Boa Morte é um coletivo de mulheres idosas, todas religiosas enquanto praticantes do candomblé e do catolicismo popular. Como grupo a Irmandade é considerada elite na luta e resistência do negro contra o sofrimento e a escravidão no Brasil. As irmãs foram e são mulheres diferenciadas em vários sentidos: aos olhos da sociedade colonial eram chamadas de negras do partido alto; miticamente transgressoras da ordem masculina são consideradas iamis e organizadas em sacerdócio religioso unindo diferentes nações são donas do axé ou eleyes. As irmãs antigas compraram as alforrias de outros sacerdotes e sacerdotisas africanos, se comprometeram em garantir funerais dignos a si mesmas e aos seus, e mantém uma festa associada aos seus antepassados femininos (eguns) e aos seus orixás durante rituais católicos públicos e do candomblé (secretos). Segundo as irmãs, elas cumprem uma promessa feita pelas mais antigas: se todos os escravos fossem libertos elas cultuariam Maria na vida e na morte. Personagens narrando e encenando repetidamente performances, as irmãs desenvolvem seqüências rituais e musicais que vão da anunciação da morte ao velório de Nossa Senhora no primeiro dia da Festa. No segundo dia é realizado o enterro, e, no terceiro, demonstram sua crença na vida após a morte através da glorificação e assunção de Maria aos céus. Esses são os três principais momentos do ritual público, aos quais se seguem outros três dias de samba de roda que se fundem aos rituais secretos, já em desenvolvimento antes da Festa. O encerramento é marcado pela entrega de um presente às águas, para os orixás femininos Nanã, Iemanjá e Oxum. / This work discusses the musical and ritual performance during the Sisterhood of Good Death Celebration, which occurs in the second half of August in the city of Cachoeira, Recôncavo Area of Bahia. Involving symbolic, cultural, religious, social and political elements, the Sisterhood of Good Death Celebration engages musical performances inside a complex ritual performance that is at the same time collective and absolutely restrictive. The Sisterhood of Good Death is a collective of elderly women, all of them religious while devoted to candomblé and popular Catholicism. As a group, the Sisterhood is considered the elite in the stuggle of black people against oppression and slavery in Brazil. The Sisters were and still are distinguished women in many different ways: during the colonial period, they were called black women from the partido alto; mythically transgressing the dominant masculinity, they are considered iamis and organized in a religious ministry that congregates different candomblé nations. They are also the ones who possess the axé (eleyes). In the past, the sisters bought the manumission of other priests and priestesses, and commited to guaranteeing dignified funerals to themselves and to their people. The Celebration is associated with their female antecessors (eguns) and to their orixás during public catholic rituals and secret candomblé ceremonies. According to the sisters, they are living up to a promise made by their antecessors: If all the slaves were freed, they would all worship Mary in life and in death. Characters narrating and staging repeated performances, the sisters develop ritual and musical sequences which go from the annunciation of the death of the Virgin Mary to her vigil on the first day; on the second she is buried and on the third the Sisters demonstrate their belief in life after death through the glorification and elevation of Mary. These are the three most important moments of the public ritual, followed by three days of samba de roda . The samba takes place parallel to the development of the secret rituals started before the Celebration. On the last day of feast, the sisters deliver a gift to the waters, destinated to the female orixás Nanã, Iemanjá and Oxum.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 5477035 bytes, checksum: fb9e7c74fc013396c072aff992c6e979 (MD5) Previous issue date: 2013-06-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Indian Carnival Tribe is the name of a cultural expression that traditionally participates into the city´s carnival of Joao Pessoa. Musical and danced staging of an Amerindian inspiriting ritual, represents a fight between Indians where the matança and the ressurreição are musically differentiated moments. This work studies, from an ethnomusicology perspective and so, focusing as much the artistic constitutive elements as the social, economic and politic context in which is inserted, the ways of its transmission. Thus, the main data collection tool is the participant observation achieved in the Mandacaru borough, where, currently, takes place the main group investigated, the Indian Carnival Tribe called Tupinambá. The present text is product of this ethnographic process as well as the result of a bibliographic research that follows two prevailing threads. One is the revision of the literature destined to Indian Carnival Tribes or Cabocolinhos,expression that shares characteristics and influences with the first one. The other is the looking for the concepts that provides the study theory basis brought, principally, from the area of ethnomusicology and music education. Providing a wider theoretical scheme for the analyses of music transmission in these contexts, Blacking, Nettl and Merriam supply the first theories. Some works of Brazilian researchers, as Margarete Arroyo and Luciana Prass, provided precious models of investigating in music transmission. The idea of participatory performance developed by Thomas Turino is the basis for the exam of how the elements that construct the artistic expression work as mechanisms of music transmission. The ideas of Shils and Hobsbawm about tradition and identity contribute to understand the signification that the play takes for their makers. Therefore, I aim to know how the very constitution of the activity, the participants way of life as well as the signification that this means to their makers, influence into the learning and the transmission processes of the same. / Denominam-se Tribo Indígena Carnavalesca uma das expressões culturais que desfilam tradicionalmente no carnaval da cidade de João Pessoa. Encenação dramática de um ritual de inspiração ameríndia, dançada e musicada, representa uma luta entre índios onde matança e ressurreição dão lugar a momentos musicais diferenciados. Este trabalho estuda, desde uma perspectiva etnomusicológica, e portanto, focada tanto nos elementos que constituem a manifestação artística quanto no contexto social, econômico e político em que está inserida, os modos de transmissão da mesma. Com este objetivo, o principal instrumento de coleta de dados é a observação participante realizada no bairro Mandacaru, onde hoje tem sede o grupo principal da pesquisa, a Tribo Indígena Carnavalesca Tupinambá. O texto presente é resultado deste processo etnográfico assim como de uma pesquisa bibliográfica que segue duas linhas predominantes. Uma é a revisão de literatura dedicada até a data às Tribos de Índio ou Cabocolinhos, manifestação com a que as primeiras compartilham traços e influências. A outra é a procura dos conceitos que fornecem a base teórica deste estudo, provenientes, na maioria dos casos, da área da etnomusicologia e da educação musical. Proporcionando o marco mais amplo de pensamento para a análise da transmissão da música nestes contextos, Blacking, Nettl e Merriam fornecem as primeiras teorias. Trabalhos de pesquisadoras brasileiras, como Margarete Arroyo e Luciana Prass, forneceram modelos valiosos de pesquisa sobre transmissão musical. A ideia de performance participativa de Thomas Turino é a base para o exame de como os elementos que constituem a manifestação funcionam como mecanismos de transmissão musical. As ideias de Shils e Hobsbawm sobre tradição e identidade irão contribuir para entender a significação que a brincadeira tem para seus realizadores. Deste modo, procuramos entender como a própria constituição desta, o modo de vida dos seus realizadores assim como a significação que a primeira tem para estes, influenciam na aprendizagem e na transmissão da mesma.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1418057 bytes, checksum: 19e6412c0cf0255fd78780f842c1e5bc (MD5) Previous issue date: 2008-10-21 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Throughout the twentieth century audio technology has contributed greatly to the development of ethnomusicology. Initially with the creation of the phonograph and techniques of sound recording, enabling the development of phonographic archives and later with creation of technologies that provide better sound quality, lower cost and more appropriate concepts to new paradigms of the discipline, even knowing that until the middle of the twentieth century ethnomusicology not had this name, scientific approach or methodological orientation. Despite the important contribution of audio technology for ethnomusicology, seem that phonographic processes can influence the results of acoustic musical traditions recorded. This study attempts to understand how different concepts and procedures of production music can influence the acoustic outcome of the sound recordings and, consequently, the musical-aesthetic structure of events transmitted by oral tradition in the state of Pernambuco. Thus, it is composed of bibliographic research on the main scientific productions of audio technology in ethnomusicology, field research with techniques of interviews, questionnaires and direct observation of contexts and important people in music production and oral tradition music in the State. Another important aspect for research was the experience gained over many years of work in ethnomusicology and audio technology, in addition to daily work in the Centro de Difusão e Realizações Musicais SESC - Casa Amarela (PE - Brasil) aimed mainly to Brazilian classical music and Brazilian oral tradition music. This study showed that the phonographic production process can influence the acoustic outcome of oral tradition music, providing differences between the sound of performance context and the sound recorded on media. Inappropriate concepts for the production of this type of music seems to contribute, indirectly, to the occurrence of changes in social structures of these events. Thus, the phonographic processes constitute an important topic of study for ethnomusicology calling attention to issues of changes in music after a production process beyond show gaps in the discipline about issues of power and relevance related to music production. Finally, it was possible to conclude that physical or conceptual factors in the production process of the oral tradition music influence it, sometimes in irreversible form in both artistic and cultural as socio-political and philosophical point of view. / Durante todo o século XX a tecnologia de áudio contribuiu muito para o desenvolvimento da etnomusicologia. Inicialmente com a criação do fonógrafo e de técnicas de registro sonoro, possibilitando o desenvolvimento dos arquivos fonográficos e, posteriormente, com a crição de tecnologias que apresentassem melhor qualidade sonora, menor custo e conceitos mais adequados aos novos paradigmas da disciplina, mesmo sabendo que até meados do século XX a etnomusicologia não apresentava esta denominação, orientação metodológica ou abordagem científica. Apesar da importante contribuição da tecnologia de áudio para a etnomusicologia, observa-se que os processos fonográficos podem influenciar os resultados acústicos de tradições musicais gravadas. Este trabalho busca compreender como diferentes conceitos e procedimentos de produção fonográfica podem influenciar o resultado acústico dos fonogramas e, conseqüentemente, a estrutura estético-musical de manifestações transmitidas por tradição oral no Estado de Pernambuco. Para tanto, é composto de pesquisa bibliográfica sobre as principais produções científicas em tecnologia de áudio na etnomusicologia, pesquisa de campo com técnicas de entrevistas, questionários e observação direta de contextos e pessoas importantes da produção musical e da música de tradição oral no Estado. Outro aspecto importante para a realização da pesquisa foi a experiência adquirida ao longo de alguns anos de trabalho em etnomusicologia e tecnologia de áudio, além do trabalho diário no Estúdio do Centro de Difusão e Realizações Musicais do SESC - Casa Amarela (PE - Brasil), voltado, principalmente, para música erudita brasileira e música brasileira de tradição oral. Este trabalho demonstrou que o processo de produção fonográfica pode influenciar os resultados acústicos de manifestações de tradição oral, propocionando diferenças entre a sonoridade do contexto de performance e a sonoridade da mídia. Assim, conceitos impróprios para a produção deste tipo de música parecem contribuir, indiretamente, para a ocorrência de mudanças nas estruturas sociais destas manifestações. Dessa forma, os processos fonográficos representam um importante tópico de estudos para a etnomusicologia alertando para questões de mudanças na música após um processo de produção, além de evidenciar lacunas na disciplina sobre questões de poder e pertinência relacionadas à produção musical. Finalmente, foi possível concluir que fatores físicos ou conceituais do processo de produção da música de tradição oral a influenciam, por vezes, de forma irreversível tanto do ponto de vista artístico-cultural quanto sócio-político e filosófico.

Dissertação (mestrado) - Programa de Pos-Graduação em Antropologia Social, Universidade Federal de Santa Catarina / Made available in DSpace on 2012-10-17T02:11:13Z (GMT). No. of bitstreams: 0Bitstream added on 2016-01-08T21:39:33Z : No. of bitstreams: 1 110250.pdf: 39126925 bytes, checksum: 27adfa434c829a9bf64558f6055ca316 (MD5) / Este é um estudo exploratório da música dos Ye'pâ-masa, grupo indígena conhecído como Tukano da região do Alto Rio Negro, no Noroeste Amazônico. Pretende-se enriquecer os dados existentes na literatura etnológica da região com informações mais densas sobre o sistema musical Ye'pâ-masa, apresentando classificações nativas para os seus gêneros musicais. Busca-se também dialogar com estudos sobre outros domínios da cultura e refletir sobre a interface e os impactos mútuos entre Etnologia e Etnomusicologia, e assim contribuir para estes campos de investigação.

Neste estudo, busco compreender como as performances musicais das cantoras/chanteuses dos clubes noturnos de Porto Alegre nas primeiras décadas do século XX podem mediar as relações de gênero dentro e fora destes espaços de sociabilidade moderna. O termo chanteuse é largamente difundido na imprensa e nas crônicas brasileiras de início de século, posto que uma parcela considerável de artistas-cantoras eram enviadas da Europa para o mercado sul-americano e o termo francês conferia-lhes status sobretudo em relação às cantoras nacionais que também disputavam espaço neste cenário artístico-musical. Através de uma etnografia histórica, procuro recompor esse cenário, para compreender como a música, através do repertório e da performance, contribui na construção social da figura dessas mulheres nas urbes modernas. Apesar da associação, via senso comum, dessas artistas à prostituição, observo que a profissionalização artística lhes proporcionava uma alternativa ao meretrício, garantindo sua sobrevivência sem necessariamente vender seu sexo. Entretanto, a prática musical feminina aparece estreitamente relacionada ao corpo, à sensualidade, o que é fortemente expresso nas imagens e crônicas jornalísticas, colocando-o em evidência. A partir dos estudos de gênero e na literatura musicológica, trato de examinar a trajetória musical dessas mulheres através do fenômeno social dos cabarés na modernidade urbana do Brasil. / This study aims to understand how the musical performance of the singers/chanteuses of the night clubs in Porto Alegre, in the early decades of the twentieth century, could mediate the gender relationships either inside or outside these spaces of modern sociability. The term chanteuse is widely spread and used by the press and in the Brazilian chronicles of the early century, once a considerable amount of artists-singers would be sent from Europe to South America, and the French term would give them a superior status in relation to the national singers that were also competing for a place in this artistic-musical scenario. Through a historical ethnography, I have sought to rebuild this scenario in order to learn how music, through repertoire and performance, contributes to the social construction of these women in modern cities. Despite the association of the figure of these artists with prostitution, I observe that the fact of women turning into professionals of arts provided them an alternative of not being involved with prostitution, ensuring their survival without the need of selling sex. However, the female musical performance happens to be closely related to the body, sensuality and this fact is strongly expressed in the pictures and in the newspaper chronicles. From the studies of gender and musicological literature, I examine the musical journey of these women through the social phenomenon of cabarets in the modern cities in Brazil.

Esta pesquisa aborda, pelo método etnográfico, o Sopapo, um gênero de tambor de grandes dimensões existente nas cidades de Rio Grande, Pelotas e Porto Alegre, sua sonoridade e presença nos universos do carnaval e música popular. Este instrumento, produto da reconstrução diaspórica dos escravos trabalhadores nas Charqueadas em Pelotas, no século XIX, foi amplamente usado a partir da década de 1950 em escolas de samba nestas três cidades. Com a realização do festival de música chamado CABOBU, ocorrido em Pelotas no ano 2000, foi apresentado o ritmo cabobu, num processo de (re)invenção de uma tradição percussiva. Assim, artistas e grupos musicais do universo da música popular e da dança afro se apropriaram do instrumento, ressemantizando sua sonoridade e conferindo status diferenciado ao Sopapo, como elemento identitário e ideológico. Utilizando as categorias e falas dos colaboradores, esta pesquisa apresenta uma etnografia da cultura musical destes universos – o carnaval, a música popular e a dança afro, observando os repertórios, os instrumentistas e suas performances, tendo como fio condutor o Sopapo. / This research intends to approach, using an ethnographic method, the Sopapo, a kind of drum with big dimensions used in the cities of Rio Grande, Pelotas and Porto Alegre, its sonority and presence in the carnaval, afro dance, and popular music universes. This instrument, a product of the diasporic reconstruction of the slave workers in the Charqueadas in Pelotas, in the XIX century, has been largely used since the 1950s in samba academies in the cities mentioned previoulsy. When a music festival called CABOBU took place in Pelotas in 2000, the rhythm cabobu was introduced, in a process of (re)invention of a percussive tradition. In this way, artists and music groups of the universes of popular music and afro dance assumed the instrument, giving a new meaning to its sonority and giving the Sopapo a new status, as an element of identity and ideology. Using the folk evaluation and discourse of the collaborators, this research intends to present an ethnography of the musical culture of these universes – carnaval, popular music and afro dance -, observing the repertories, the players and their performances, with the Sopapo as a reference.

350 f. / Submitted by JURANDI DE SOUZA SILVA (jssufba@hotmail.com) on 2013-03-08T14:21:39Z No. of bitstreams: 3 Tese Alice Lumi Satomi parte 2.pdf: 5262814 bytes, checksum: fb37044dde85413f1222ec9913d5645f (MD5) Tese Alice Lumi Satomi parte 3.pdf: 3707093 bytes, checksum: 18f7631c7e4cfa01384786a7d8e8499a (MD5) Tese Alice Lumi Satomi parte 1.pdf: 6268095 bytes, checksum: 52d351d8e4183636e8e242669d585078 (MD5) / Approved for entry into archive by Rodrigo Meirelles(rodrigomei@ufba.br) on 2013-03-22T14:39:44Z (GMT) No. of bitstreams: 3 Tese Alice Lumi Satomi parte 2.pdf: 5262814 bytes, checksum: fb37044dde85413f1222ec9913d5645f (MD5) Tese Alice Lumi Satomi parte 3.pdf: 3707093 bytes, checksum: 18f7631c7e4cfa01384786a7d8e8499a (MD5) Tese Alice Lumi Satomi parte 1.pdf: 6268095 bytes, checksum: 52d351d8e4183636e8e242669d585078 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-03-22T14:39:44Z (GMT). No. of bitstreams: 3 Tese Alice Lumi Satomi parte 2.pdf: 5262814 bytes, checksum: fb37044dde85413f1222ec9913d5645f (MD5) Tese Alice Lumi Satomi parte 3.pdf: 3707093 bytes, checksum: 18f7631c7e4cfa01384786a7d8e8499a (MD5) Tese Alice Lumi Satomi parte 1.pdf: 6268095 bytes, checksum: 52d351d8e4183636e8e242669d585078 (MD5) Previous issue date: 2004 / O presente estudo de caso examina a dinâmica da continuidade da ‘música para koto’, sōkyoku, no Brasil, a partir de grupos inicialmente observados por Dale Olsen (1983a), em 1981. A temática “música transterritorializada” ou “repertório dos imigrantes”, sob perspectiva etnomusicológica, busca contribuir para os estudos de antropologia urbana em discussões sobre “minorias étnicas”, especificamente, sobre “comunidade nikkei”, ou “nipobrasileiros”. O primeiro capítulo esclarece sobre a natureza do estudo situando o tema, as bases teórico-metodológicas, as intenções, as descobertas e questões iniciais da pesquisa. “Dados Musicais Imigrados”, parte I, aproxima-se da abordagem “pré-partida” (Schramm 1990) e fornece as bases organológicas apreendidas da literatura musicológica e com os co-autores dos grupos observados. O capítulo 2, “Dragão Deitado na Areia Confabula com as Ondas”, situa o instrumento e a diacronia das escolas sōkyoku. O capítulo 3 esboça um tutorial sobre a “Notação Musical e os Recursos Sonoros” do koto, para iniciados em notação ocidental. O capítulo 4 agrega uma “Introdução à Análise do Repertório para Koto”, focalizando “Rokudan no Shirabe”, peça representativa das escolas. As partes II e III seguem a linha de abordagem “surgimento, manutenção e adaptação” (Satomi 1998), uma aproximação de “construção histórica, manutenção social e criação individual da música” (Rice 1987). As duas partes indicam as circunstâncias históricas e sócio-culturais, os principais agentes dos grupos e as atitudes e conceitos em torno do ensino, aprendizagem e performance. A pesquisa de campo, iniciada em 1996, envolve três entidades sociais sediadas na cidade de São Paulo: a AOKB – Associação Okinawa Kenjin do Brasil, o grupo Miwa-Kai e a ABMCJ – Associação Brasileira de Música Clássica Japonesa. Estes três casos dividem-se de acordo com o comportamento observado durante a pesquisa. Nas duas filiais das sōkyoku de Ryūkyū, da AOKB, e no grupo Miwa-Kai, simpatizante do estilo Ikutaryū, prevalecem atitudes coletivistas peculiares ao imigrante pré-guerra. A análise desses dois grupos consta nos capítulos 5 e 6, que compõem a parte II intitulada “Surgimento e Continuidade de Atitudes Pré-Guerra.” A parte III, “Implantação da Mentalidade Pós-Guerra”, composta pelos capítulos 7 e 8, discorre sobre a ABMCJ. Esta entidade congrega uma exprofessora do estilo Yamada-ryū, e os grupos Miyagi-kai e Seiha Brasil de Koto, adeptos de ramificações da Ikuta-ryū. No interior desses grupos convivem a conduta rural pré-guerra e a mentalidade urbana “moderna” ou “ocidentalizada” do pós-guerra. A “Conclusão” justifica que as atitudes culturais de etnicidade, herança ou ideologia podem ser consideradas tanto como manutenção de valores da terra emigrada, quanto como adaptação aos valores da terra de acolhimento. Especulando as razões dessa resistência cultural, detectou-se que praticar a música clássica de minoria étnica em uma megalópole como São Paulo pode ser um eficaz “mecanismo de defesa” ou de “elaboração do conflito” (Hashimoto 1995). Os imigrantes reconstroem a terra perdida, no espaço ou no tempo, e os descendentes, internos e externos à comunidade, um mundo “idealizado” livre de contaminações. / Salvador

181 f.:il / Submitted by JURANDI DE SOUZA SILVA (jssufba@hotmail.com) on 2013-03-15T12:01:47Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao Cassio Leonardo Nobre de Souza Lima.pdf: 3174270 bytes, checksum: 2d4748668eed2d0dad85440dd37fb92d (MD5) / Approved for entry into archive by Rodrigo Meirelles(rodrigomei@ufba.br) on 2013-03-22T14:42:13Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertacao Cassio Leonardo Nobre de Souza Lima.pdf: 3174270 bytes, checksum: 2d4748668eed2d0dad85440dd37fb92d (MD5) / Made available in DSpace on 2013-03-22T14:42:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Cassio Leonardo Nobre de Souza Lima.pdf: 3174270 bytes, checksum: 2d4748668eed2d0dad85440dd37fb92d (MD5) Previous issue date: 2008 / Viola nos Sambas do Recôncavo Baiano é um estudo etnomusicológico sobre o instrumento musical de cordas popularmente conhecido como “viola”, introduzido no Brasil por europeus, e que na região do Recôncavo Baiano (Bahia, Brasil) está associado a formas de expressão musical tradicionais em comunidades caracterizadas por fortes remanescentes culturais de matriz africana. Estas expressões populares estão organizadas em torno de alguns grupos musicais existentes em certas localidades do Recôncavo atual, conhecidos genericamente como sendo grupos de “samba de roda”. Tais grupos contam com a presença da viola na formação instrumental dos seus conjuntos musicais, que executa “modalidades” de samba localmente reconhecidas como sendo “samba-chula”, “samba de viola” ou “barravento”, dentre outras denominações. A viola é, reconhecidamente, um dos mais fortes símbolos de “tradição” nesta região. Neste sentido, o objetivo principal de Viola nos Sambas do Recôncavo Baiano é levantar informações e relatos sobre a presença de violas e a participação de violeiros em alguns grupos de samba com viola observados, descrevendo suas características principais, bem como usos e funções sonoras e simbólicas de ambos. Em paralelo, serão observadas também quais mudanças estão ocorrendo ali em relação à transmissão oral de saberes e práticas musicais de viola frente à atual influência de mudanças gerais na sociedade, bem como frente à interferência de políticas públicas e estudos acadêmicos na vida das pessoas destas comunidades. / Salvador

Este estudo etnomusicológico tem por objetivo examinar a constituição de uma música popular do sul do Brasil a partir da trajetória dos Tápes, grupo criado em uma cidade do interior do Rio Grande do Sul, e atuante no período entre o começo da década de 1970 e o final da década de 1980. Pretendo problematizar esse passado musical e suas reverberações em atuais músicos do Estado. Focalizando nas narrativas musicais e nos discursos sobre música, busco evidenciar a agência dos atores sociais e os significados atribuídos a esse fazer sonoro local como um espaço de negociações, e cuja noção de politização opera como um signo expressivo, delineado desde uma cultura de esquerda. Através das inserções em campo, das interlocuções com músicos do passado e do presente, do contato com acervos e gravações, pretendo discutir memória e política como duas dimensões emergentes nesses diálogos. Do Canto da Gente, projeto de disco e espetáculo dos Tápes, aos atuais cantos politizados, apontados por perspectivas insider, transversalizo passado/presente, e sugiro memória e política enquanto nexos, como proposto pelo etnomusicólogo Kwabena Nketia, indicados por esse fazer sonoro musical. A noção de música popular do sul remete ao projeto da Marcus Pereira Discos, na década de 1970, no Brasil, condicionante para o desdobramento da trajetória dos Tápes e demais continuadores de um modo de performatizar a música popular. / This ethnomusicological study aims to examine the constitution of a popular music in southern Brazil from the trajectory of Os Tápes, a group created in a country town of Rio Grande do Sul, and active in the period between the early 1970s and end of the 1980s. My research proposal is to problematize this musical past and its reverberations in current musicians from the state of Rio Grande do Sul. Focusing on the musical narratives and discourses about music, I seek to highlight the agency of social actors and the meanings attributed to this local musical practice as a space for negotiations, and whose notion of politicization operates as an expressive sign, outlined from a leftwing culture. Through field researches, dialogues with musicians from the past and present, and the contact with collections and recordings, I intend to discuss memory and politics as two emerging dimensions in these dialogues. From Canto da Gente, a disc project and a concert of Os Tápes, to the current politicized chants, pointed for an insider’s perspectives, I mainstream past/present, and suggest memory and politics while nexuses, as proposed by the ethnomusicologist Kwabena Nketia, indicated by this sound and musical practicing. The notion of popular southern music refers to Marcus Pereira Discos project in the 1970s, in Brazil, a conditioning factor for the unfolding of Os Tápes’ trajectory and other heirs of a way to performatize the popular music.