O presente trabalho tem como objetivo entender a partir da observação participante, da etnografia musical e do estudo de trajetórias, os processos e procedimentos técnico estéticos que fundamentaram a construção da performance das musicalidades e liturgias performatizadas nas sessões e festividades da Quimbanda do Sr. Exu Rei das Sete Encruzilhadas, através da médium e mãe de Santo Ieda Viana da Silva, conhecida como Mãe Ieda do Ogum, residente na cidade de Porto Alegre, no Rio Grande do Sul. Este ser espiritual apresenta-se nos ritos da modalidade religiosa denominada Quimbanda ou Linha Cruzada, que faz parte do campo religioso afro-gaúcho. Para dar conta do objetivo proposto, a pesquisa focou nos elementos e procedimentos performativos (dança, música e magia) realizados durante as sessões semanais de Quimbanda e no período do calendário festivo do mês de agosto, quando diversas festas são celebradas em homenagem à entidade no terreiro de Mãe Ieda, sendo a principal realizada no dia dezoito de agosto e contando com a presença de aproximadamente mil e quinhentas pessoas de diversas regiões do Brasil e Conesul. / The present work aims to understand from participant observation, etnography of music and trajectory studies, the processes and technical aesthetical procedures that underlie the construction of performance and musicality of the liturgies performed at the sessions and festivities in the Quimbanda of the Mr. Exu King of the Seven Crossroads, trough the medium Ieda do Ogum, resident in the city of Porto Alegre, Rio Grande do Sul. This spiritual being is presented in the form of religious rites named Quimbanda or Linha Cruzada, which is part of the afro-gaucho religious field. This research focused on the performative elements and procedures (dance, music and magic) conducted during the Quimbanda sessions, that happened weekly and during the festive calendar of the month of August, when occur at the Mãe Ieda’s house, various festivals that are celebrated in honor of the spirit, being the primary held on August 18 and with the presence of about fifteen hundred people from different regions of Brazil and Southern Cone.

A presente dissertação constitui um estudo etnomusicológico do musicar de artistas imigrantes haitianos no estado do Rio Grande do Sul. O trabalho etnográfico contemplou a observação-participante de eventos do grupo diaspórico haitiano, apresentações musicais, sessões de gravação, entrevistas e apresentações de programas de rádio feitas por e/ou com diversos artistas haitianos. A pesquisa foi fundamentada em trabalho colaborativo e participativo, no qual exerci uma função de mediação e tornei-me ator social dentro do próprio fenômeno, e incluiu trabalho netnográfico em redes sociais e de comunicação. Através de um olhar voltado à autonomia da migração, o objetivo do trabalho foi analisar na produção e atuação musical de artistas imigrantes haitianos as dimensões e fluxos transnacionais, as questões de cosmopolitismo inerentes à condição diaspórica de haitianos enquanto imigrantes negros no Brasil, a manutenção e reposicionamento de identidades socioculturais assim como tensões ligadas à religião e a processos de construção de alteridade racial. / The present thesis constitutes an ethnomusicological study of the musicking of Haitian immigrant artists in the state of Rio Grande do Sul. The ethnographic work consisted in participant-observation conducted in events of the Haitian diasporic group, musical performances, recording sessions, interviews and radio broadcasting, done with/by various Haitian artists. The research was based in a collaborative and participative work ethos, in which I exercised the role of mediator and social actor within the actual phenomenon studied, and included virtual fieldwork in social and communication networks. By means of an autonomy of migration gaze, the purpose of this work was to analyze, through the music of Haitian immigrant artists: transnational flows and dimensions, issues of cosmopolitanism inherent to the Haitian condition as black migrants in Brazil, the maintenance and repositioning of sociocultural identities, as well as anxieties regarding religion and processes of racial othering.

O presente trabalho objetivou, de um lado: reconstituir as trajetórias individuais e coletivas de músicos da noite de Porto Alegre, foram eles: Ari Fernando, Cigano Durque Costa, Luiza Hellena, Jô de Sousa, Gilberto [Pedro] Lara, Sabiá Juvêncio Rodrigues, Paulo Jorge Linier, Eneida Martins, Fabrício Rodrigues, Norminha Duval, Ziláh Machado, Zé Carlos Silveira, Zé da Terreira e outros; de outro lado, através do trabalho de campo realizado entre 2016 e 2017, etnografar o cotidiano dos colaboradores da pesquisa, indivíduos que têm em comum a idade acima de 60 anos, que frequentam o Sindicato dos Músicos do Rio Grande do Sul, a Casa do Artista Rio-Grandense, bares, etc. Através de uma etnomusicologia da memória, busquei compreender os motivos pelos quais alguns músicos são lembrados e outros estão esquecidos socialmente. Ao longo da pesquisa, observei que suas atividades profissionais, iniciadas entre os anos 1950 e 1970, nos circos, cabarés e casas noturnas, têm em comum as relações trabalhistas em condições de subalternidade. Percebi, também, que o esquecimento social que pesa sobre suas carreiras musicais está ligado aos prejuízos sociais causados pelas condições socioeconômicas desfavoráveis, pelo racismo, pela opressão masculina sobre as mulheres e pela velhice. / The present work aimed at reconstituting the individual and collective trajectories of the night musicians of Porto Alegre: Ari Fernando, Cigano Durque Costa, Luiza Hellena, Jô de Sousa, Gilberto [Pedro] Lara, Sabiá Juvêncio Rodrigues, Paulo Jorge Linier, Eneida Martins, Fabrício Rodrigues, Norminha Duval, Ziláh Machado, Zé Carlos Silveira, Zé da Terreira and others; On the other hand, through the fieldwork conducted between 2016 and 2017, ethnographing the daily life of the research collaborators, individuals who have in common the age of over 60, who attend the Sindicato dos Músicos do Rio Grande do Sul, the Casa do Artista Rio-Grandense, pubs, etc. Through an ethnomusicology of memory, I sought to understand the reasons why some musicians are remembered and others are socially forgotten. Throughout the research, I observed that his professional activities, begun between the 1950s and 1970s, in circuses, cabarets and nightclubs, have labor relations in common under subaltern conditions. I also noticed that the social forgetfulness that weighs on their musical careers is linked to the social damages caused by unfavorable socioeconomic conditions, by racism, by male oppression of women and by old age.

A presente dissertação é fruto da pesquisa de campo realizada com o grupo musical Family Soul na cidade de Porto Alegre, Rio Grande do Sul. Negros evangélicos, eles desenvolvem há mais de dez anos a prática musico-performática de pertencimento étnico-racial na liturgia dos cultos de diferentes denominações evangélicas da capital e região metropolitana. Com uma abordagem qualitativa e método etnográfico refletimos sobre os processos de construção étnico-racial, mediados pela música, no contexto evangélico. Este trabalho foi desenvolvido através da vivência em campo, percebendo através da música as conexões que estabelecem as dinâmicas do grupo e as interações em cultos evangélicos. O trânsito dos interlocutores em diferentes denominações evangélicas, a comunicação com a cultura musical afro-americana e com os universos da música gospel, mediado pelos meios de comunicação, forjaram novas formas de se relacionar com a música e atuar com esta musicalidade no contexto evangélico. / This ethnomusicological study is the result of a research carried out with the Family Soul group in the state of Rio Grande do Sul. Black Christians develop a performance-musical practice of ethnic-racial belonging the liturgy of cults of different evangelical denominations. With a qualitative approach and ethnographic method, we reflect on the processes of ethno-racial construction mediated by music in the evangelical context. This work was developed through the experience in the field, perceiving musical connections that establish the dynamics of the group and the interactions in evangelical cults. The flow of interlocutors in different evangelical denominations, communication with Afro-American musical culture and the universes of gospel music, mediated by the media, forged new ways to relate to music and to act with this musicality in the evangelical context.

Este estudo etnomusicológico, pautado pelo método etnográfico, busca explorar as dimensões sonoras dos manifestos e espaços de ocupação dos atuais movimentos de contestação estudantil ocorridos na Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS) iniciados nos dois últimos meses de 2016, concomitantemente às mobilizações nacionais que geraram grande impacto na sociedade e na comunidade escolar e acadêmica. A partir da noção de narrativas sonoras baseadas em relatos e materiais audiovisuais proveniente do contato com os participantes, esta pesquisa se propôs a compreender as dinâmicas de participação dos sujeitos envolvidos na criação e difusão de performances nos espaços reais/virtuais, incluindo sites e redes de compartilhamento. O referencial teórico-metodológico foi construído a partir das perspectivas etnomusicológicas que abordam os estudos da performance (SEEGER, 2008), (LUCAS, 2013), (TURINO, 2008), (WONG, 2008), além de abordagens aliadas às interfaces dos Sound Studies como o ethos sônico cohabeiro (ZAMBIAZZI DOS SANTOS, 2015) e a realização de soundwalks (percursos sonoros) propostos pela acustemologia (FELD, 1982, 2001, 2004, 2015). O estudo dialoga com as contribuições teóricas recentes sobre o contexto dos protestos e movimentos de ocupação, bem como uma relação entre campos reais e virtuais (MILLER, 2012), (MANABE, 2015), (COOLEY, 2008) e com os estudos sobre as juventudes latino americanas (REGUILLO, 2000, 2012), (CANCLINI, 2011, 2012, 2105). / This ethnomusicological study, based on the ethnographic method, seeks to explore the sound dimensions of the manifestos and spaces of occupation of the current student protest movements that occurred in the Federal University of Rio Grande do Sul (UFRGS) initiated in the last two months of 2016, concomitantly with the national mobilizations which have had a great impact on society and the school and academic community. Based on the notion of sound narratives based on reports and audiovisual materials from contact with participants, this research aimed to understand the participation dynamics of the subjects involved in the creation and diffusion of performances in real / virtual spaces, including websites and networks. sharing. The theoretical-methodological framework was constructed from the ethnomusicological perspectives that approach the performance studies (SEEGER, 2008) (LUCAS, 2013), (TURINO, 2008), (WONG, 2008) Sound Studies interfaces like a ethos sônico cohabeiro (ZAMBIAZZI DOS SANTOS, 2015) and the realization of soundwalks proposed by the acustemology (FELD, 1982, 2001, 2004, 2015). The study discusses recent theoretical contributions on the context of occupational protests and movements, as well as the relationship between real and virtual fields (MILLER, 2012), (MANABE, 2015), (COOLEY, 2008) and the studies on the Latin American youths (REGUILLO, 2000, 2012), (CANCLINI, 2011, 2012, 2105).

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em História. / Made available in DSpace on 2012-10-20T20:57:52Z (GMT). No. of bitstreams: 0 / O estudo efetua um levantamento de canções atribuídas aos imigrantes italianos, ainda lembradas com freqüência por seus descendentes na localidade rural catarinense de Lajeado dos Pintos, Município de Concórdia, Estado de Santa Catarina, e analisa a temática destas canções. Centra-se no estudo do contexto sociocultural da imigração italiana, detalhado na acepção de uma cultura da mobilidade, que emoldura as canções no seu país de origem (Itália). Atribui o efeito de circularidade a temas e a estilos cancionísticos originados na Itália, especificando as temáticas daquelas levantadas em Lajeado dos Pintos como canções que circulam mundos. O estudo apresenta diversas perspectivas para vários outros desdobramentos.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em Antropologia social / Made available in DSpace on 2012-10-20T07:33:44Z (GMT). No. of bitstreams: 0 / Estudo antropológico exploratório sobre a música dos mbyá-guarani do Morro dos Cavalos, Palhoça, Santa Catarina. Com base em trabalho de campo, procurei analisar as categorias musicais nativas jeroky e jerojy: a primeira, jeroky, refere-se a música apresentada pelo grupo Kuaray Ouá, do qual realizei a etnografia do ensaio, e a segunda, jerojy, cobre o poraei, o qual também descrevo. Apresento a classificação dos instrumentos, algumas transcrições musicais e analiso as letras de determinados cantos. Esta pesquisa visa contribuir para a etnomusicologia das terras baixas da América do Sul, particularmente com relação aos guarani, e para os estudos comparativos etnomusicológicos sobre educação musical.

Esta pesquisa aborda, pelo método etnográfico, o Sopapo, um gênero de tambor de grandes dimensões existente nas cidades de Rio Grande, Pelotas e Porto Alegre, sua sonoridade e presença nos universos do carnaval e música popular. Este instrumento, produto da reconstrução diaspórica dos escravos trabalhadores nas Charqueadas em Pelotas, no século XIX, foi amplamente usado a partir da década de 1950 em escolas de samba nestas três cidades. Com a realização do festival de música chamado CABOBU, ocorrido em Pelotas no ano 2000, foi apresentado o ritmo cabobu, num processo de (re)invenção de uma tradição percussiva. Assim, artistas e grupos musicais do universo da música popular e da dança afro se apropriaram do instrumento, ressemantizando sua sonoridade e conferindo status diferenciado ao Sopapo, como elemento identitário e ideológico. Utilizando as categorias e falas dos colaboradores, esta pesquisa apresenta uma etnografia da cultura musical destes universos – o carnaval, a música popular e a dança afro, observando os repertórios, os instrumentistas e suas performances, tendo como fio condutor o Sopapo. / This research intends to approach, using an ethnographic method, the Sopapo, a kind of drum with big dimensions used in the cities of Rio Grande, Pelotas and Porto Alegre, its sonority and presence in the carnaval, afro dance, and popular music universes. This instrument, a product of the diasporic reconstruction of the slave workers in the Charqueadas in Pelotas, in the XIX century, has been largely used since the 1950s in samba academies in the cities mentioned previoulsy. When a music festival called CABOBU took place in Pelotas in 2000, the rhythm cabobu was introduced, in a process of (re)invention of a percussive tradition. In this way, artists and music groups of the universes of popular music and afro dance assumed the instrument, giving a new meaning to its sonority and giving the Sopapo a new status, as an element of identity and ideology. Using the folk evaluation and discourse of the collaborators, this research intends to present an ethnography of the musical culture of these universes – carnaval, popular music and afro dance -, observing the repertories, the players and their performances, with the Sopapo as a reference.

Neste estudo, busco compreender como as performances musicais das cantoras/chanteuses dos clubes noturnos de Porto Alegre nas primeiras décadas do século XX podem mediar as relações de gênero dentro e fora destes espaços de sociabilidade moderna. O termo chanteuse é largamente difundido na imprensa e nas crônicas brasileiras de início de século, posto que uma parcela considerável de artistas-cantoras eram enviadas da Europa para o mercado sul-americano e o termo francês conferia-lhes status sobretudo em relação às cantoras nacionais que também disputavam espaço neste cenário artístico-musical. Através de uma etnografia histórica, procuro recompor esse cenário, para compreender como a música, através do repertório e da performance, contribui na construção social da figura dessas mulheres nas urbes modernas. Apesar da associação, via senso comum, dessas artistas à prostituição, observo que a profissionalização artística lhes proporcionava uma alternativa ao meretrício, garantindo sua sobrevivência sem necessariamente vender seu sexo. Entretanto, a prática musical feminina aparece estreitamente relacionada ao corpo, à sensualidade, o que é fortemente expresso nas imagens e crônicas jornalísticas, colocando-o em evidência. A partir dos estudos de gênero e na literatura musicológica, trato de examinar a trajetória musical dessas mulheres através do fenômeno social dos cabarés na modernidade urbana do Brasil. / This study aims to understand how the musical performance of the singers/chanteuses of the night clubs in Porto Alegre, in the early decades of the twentieth century, could mediate the gender relationships either inside or outside these spaces of modern sociability. The term chanteuse is widely spread and used by the press and in the Brazilian chronicles of the early century, once a considerable amount of artists-singers would be sent from Europe to South America, and the French term would give them a superior status in relation to the national singers that were also competing for a place in this artistic-musical scenario. Through a historical ethnography, I have sought to rebuild this scenario in order to learn how music, through repertoire and performance, contributes to the social construction of these women in modern cities. Despite the association of the figure of these artists with prostitution, I observe that the fact of women turning into professionals of arts provided them an alternative of not being involved with prostitution, ensuring their survival without the need of selling sex. However, the female musical performance happens to be closely related to the body, sensuality and this fact is strongly expressed in the pictures and in the newspaper chronicles. From the studies of gender and musicological literature, I examine the musical journey of these women through the social phenomenon of cabarets in the modern cities in Brazil.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:27:26Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-06-12Bitstream added on 2014-06-13T19:35:33Z : No. of bitstreams: 1 vaccari_pr_me_ia.pdf: 734728 bytes, checksum: 49db31e488d22f9da7288e8966719b05 (MD5) / O trabalho foca um estudo do gênero do coco de embolada, em três peças de José Siqueira (1907-1985), sob a perspectiva do contexto cultural e social das expressões populares utilizadas pelo compositor, voltando-se para suas origens e sua história, baseando-se em Hobsbwn e Blacking. Sobretudo, a pesquisa aponta como poderia o cantor lírico brasileiro, imbuído dos elementos sócio-históricos formadores desse gênero da música folclórica, interpretar as três peças escolhidas. Propõe-se que as canções devam ser entoadas com esses conhecimentos prévios, aproximando o canto das origens da embolada, e do local onde hoje ela aparece nas cidades, nas praças dos centros. Procurou-se uma interpretação guiada pela história social de cada canção, como é interpretada pelos cantadores contemporaneamente e como executá-la, considerando seus aspectos originais e sua procedência principal. O gênero do coco de embolada possui uma história delimitada pela sociedade e pelo ambiente de sua época, e os poemas e as melodias dessas canções mostram um universo de práticas e costumes peculiares, de diversos aspectos da formação cultural brasileira. As três canções analisadas são canções de coco de embolada populares-tradicionais, e tratam da questão do êxodo Nordeste-Sudeste. Propõe-se que “Benedito pretinho”, “Dança do sapo” e “Vadeia cabocolinho” devam ser interpretadas levando-se em conta o ambiente no qual a embolada se desenvolveu e no qual hoje ela continua popular, que é a praça urbana. Neste caso, foi analisada a interpretação dos cantadores Verde Lins e Pena Branca, da Praça da Sé, em São Paulo, considerando principalmente os seguintes aspectos: nasalidade e oralidade na performance. / This paper focuses on studying the coco de embolada genre via three pieces by José Siqueira (1907-1985) in the cultural and social context of popular expressions which this composer employed to reach for both his origin and history, based on Hobsbawn and Blacking. Above all, suggestion is made on how a Brazilian classical singer, under the social historical elements forming that folk song genre, might sing the three pieces of choice. A proposal is given that such songs should be chanted from that previous notions so that the singing comes closer not only to the origins of the embolada itself but also to where nowadays it appears in cities and urban squares. An attempt is made to interpret each song with an ear to its social history just as it has been sung by contemporary singers, with an execution that should take its original aspects and main provenance into account. The history of the coco de embolada genre is enveloped by the society and the environment of its days, and the poems and melodies of those songs are pervaded with unique practices and usage arising from manifold scenes of the Brazilian cultural formation. The three songs investigated are popular-traditional coco de embolada pieces addressing the Northeast to Southeast exodus. The proposition here is that “Benedito pretinho,” “Dança do sapo,” and “Vadeia cabocolinho” are to be interpreted regarding the urban square environment that surrounded the development of the embolada (in which it remains popular). This is why the interpretations of singers Verde Lins and Pena Branca at Praça da Sé in São Paulo are covered here. Two main aspects have been considered: Performance nasality and utterance.