La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU) / Utiliser les caractéristiques du langage musical folklorique d’Europe de l’Est, principalement de la Hongrie, la Serbie et la Bulgarie, comme source d’inspiration à mon propre langage. / Integrating language features of folk music of Eastern Europe, mainly from Hungary, Serbia and Bulgaria, as a source of inspiration in my own language.

Entre transmission et médiation, les processus contemporains de mise en patrimoine et/ou de mise en médiation s'avèrent très complexes. Ce mémoire propose un questionnement ethnologique sur le statut du médiateur du patrimoine compte tenu de l'impact des médias actuels. La biographie d'Izidor Şerban, violoneux tsigane du village de Stâna (Roumanie), qui joue un rôle central dans le film Gadjo Dilo (1997) de Tony Gatlif, constitue le fondement empirique de ce mémoire. Cette biographie nous permet d'analyser de près l'évolution et les changements qu'un médiateur du patrimoine connaît suite à des interactions avec les moyens communicationnels modernes, - la radio, la télévision, le cinéma, le Web - et ce, pendant les dernières 50 années. Des logiques nouvelles de transmission actuelle du patrimoine sont affranchies, de même que certains concepts opératoires - plus adaptés aux réalités contemporaines du phénomène patrimonial - sont mis en discussion.

La sevdalinka, chanson traditionnelle bosnienne, fonctionne comme une représentation identitaire. À travers son contenu poético-littéraire et sa constitution musicale, elle raconte l’histoire d’un peuple, des points de vue historique, politique et socioculturel. Au fil du temps elle a su conserver, dans l’œil des membres de la culture au sein de laquelle elle s’exprime, l’essentiel de son rôle, soit la préservation de cette culture, malgré les développements historiques, changements politiques et modifications socioculturelles. Ce processus de préservation se reflète à travers les fondements de la musique en question étant « la dignité » et « l’équilibre ». Ces derniers se manifestent, tant au niveau poéticolittéraire que musical, respectivement par la nostalgie et la phonostylistique. L’unification de « la dignité » et de « l’équilibre » permet d’atteindre la perception axiologique, qualifiée autrement de la valorisation de la sevdalinka pour son contenu poético-littéraire et musical, sa transmission et sa réception, au point d’être qualifiée d’authentique. Le sevdah est alors atteint, un état de transcendance défini par la contemplation d’un style de vie de sérénité et d’épanouissement émotionnel, de découverte de soi par rapport à soi et aux autres. / Sevdalinka, a Bosnian traditional song, fonctions as a representation of identity. Through its poetical and literary content as well as its musical organization, it narrates the history of Bosnian people, from historical, political and sociocultural perspective. Over time, sevdalinka maintained the essential of its role, the cultural preservation, regardless of the historical developments, political changes and sociocultural modifications. The process of that preservation is reflected through the fundamentals of this music; “dignity” and “balance”. “Dignity” and “balance” are rooted at the poetical and literary levels as well as musical, through nostalgia and phonostylistics respectively. “Dignity” and “balance” are essential in order to achieve an axiological perception, defined by the valorization of the sevdalinka for its poetical and literary as well as musical content, its transmission and reception, to the point of being qualified “authentic”. That is when sevdah is achieved, state of transendance caused by a contemplation of a serene life style and emotional fulfillment, of personal discovery within oneself and within the others

Un mouvement d'affirmation et de renouveau identitaire mā'ohi ou autochtone s'est produit en Polynésie française à partir des années 1980 à travers une réappropriation de différentes pratiques culturelles comme la danse tahitienne, le tatouage ou la navigation traditionnelle. Ce mouvement de renouveau a aussi pris une dimension extraterritoriale puisqu'y participent aussi les Polynésiens vivant en dehors de la Polynésie française, soit en France hexagonale ou ailleurs dans le monde. La promotion de la culture polynésienne sur la scène internationale se fait notamment par la mise en valeur du *‘ori Tahiti* ou danse tahitienne à travers des spectacles, des compétitions de danse et une offre de cours de danse. C'est le cas dans la ville de Montréal où une école de danse et une troupe offrent des cours de danse tahitienne, en plus d'avoir organisé en 2017 et 2018 une compétition de danse, le *Heiva i Montréal*. Ces organisations ont également offert des prestations, en collaboration avec Tahiti Tourisme, lors du Salon du tourisme de Montréal. Ce mémoire s'intéresse aux Polynésiens habitant à Montréal, de façon temporaire ou permanente. Il en brosse un portrait d'ensemble, en s'intéressant aux raisons de leur venue à Montréal et à leur expérience de la ville. Il explore notamment le rôle que joue l'association des étudiants et des étudiantes de Polynésie française (AEPF) dans la communauté que forment les Polynésiens à Montréal. Il se penche ensuite sur les rapports que ces derniers maintiennent avec leur culture et la Polynésie française plus généralement ainsi que sur la réception réservée à la culture polynésienne dans leur terre d'accueil. Y sont alors discutées les notions d'« appropriation culturelle » et d'« appréciation culturelle » mises en avant par les Polynésiens et les Polynésiennes. Enfin, il explore différents aspects de la pratique du *‘ori Tahiti* par les Polynésiens à Montréal, laquelle permet l'affirmation de leur identité polynésienne. / From the 1980s onwards, French Polynesia witnessed a movement of affirmation and renewal of the Mā'ohi or indigenous identity, through the reappropriation of various cultural practices such as Tahitian dance, tattooing and traditional sailing. This revival movement has also taken on an extra-territorial dimension, involving Polynesians living outside French Polynesia, either in mainland France or elsewhere in the world. The promotion of Polynesian culture on the international scene is achieved in particular by promoting *'ori Tahiti* or Tahitian dance through performances, dance competitions and dance classes. This is the case in the city of Montreal, where a dance school and a troupe offer Tahitian dance classes, in addition to having organized in 2017 and 2018 a dance competition, the *Heiva i Montreal*. These organizations also offered performances, in collaboration with Tahiti Tourisme, at the Montréal tourism show. This master's thesis focuses on Polynesians living in Montreal, either temporarily or permanently. It paints an overall portrait of these migrants, focusing on their reasons for coming to Montreal and their experience of the city. It explores the role played by the French Polynesian Student Association (FPSA) in the community formed by Polynesians in Montreal. It then looks at the relationships that they maintain with their culture and French Polynesia more generally as well as the reception reserved for Polynesian culture in their host land. The notions of "cultural appropriation" and "cultural appreciation" put forward by Polynesians are then discussed. Finally, it explores various aspects of the practice of *'ori Tahiti* by Polynesians in Montreal, which enables them to assert their Polynesian identity.

Ce mémoire rend compte de la création du « documentaire acousmatique » Littorale, une œuvre musicale à visée informative, élaborée au moyen de prises de son in situ, d’extraits d’archives sonores et des témoignages de sept informateurs. En tissant des liens entre les deux disciplines médiatiques que sont la composition acousmatique et le documentaire, l’œuvre retrace l’histoire d’un impressionnant corpus de chants folkloriques récoltés en 1918 par l’ethnologue Marius Barbeau, dans les villages côtiers de Sainte-Anne-des-Monts et Tourelle, Haute-Gaspésie. La démarche de composition s’élabore ainsi en trois axes communicants : la mise en lumière de liens préexistants mais sous-exploités entre le documentaire et l’acousmatique, la recherche de terrain entourant le répertoire de chansons et sa résurgence dans la population actuelle de la Haute-Gaspésie, ainsi que la composition des trois mouvements musicaux constituant Littorale. À travers l’investigation d’enjeux identitaires qui découlent de la redécouverte du répertoire et la mise en lumière de certains flous historiques qui y sont reliés, cet alliage de deux genres médiatiques vise l’émergence d’une démarche de composition informative et socialement pertinente. / This thesis explains the creative process behind the “acousmatic documentary” Littorale, a musical work with informative perspectives, which primarily makes use of on-site sound recordings, sound archives and the testimonies of seven informers. Aiming to establish links between the two media practices consisting of documentary and acousmatic music, the work investigates the story behind an impressive repertory of folksongs collected by ethnologist Marius Barbeau in 1918, within a small population of fishermen in Sainte-Anne- des-Monts and Tourelle, two remote villages on the north shore of the Gaspésie peninsula. The composing process is thus divided into three distinct yet interrelated steps: shedding light onto existing but underused links between documentary practices and acousmatic music, investigating the repertory of folksongs and its contemporary rediscovery by the local people, which reveals underlying identity concerns, as well as the composing itself of the three musical movements of Littorale. Through investigating the aforementioned identity concerns and shedding new light on some historical misconceptions, this alloy of two media practices aims to approach acousmatic composition in a way that is both informative and socially relevant.

Ce mémoire a pour ambition d’étudier la démarche revivaliste des musiciens qui font appel à la musique Gnawa avec une vision cosmopolite, en prenant comme cas le maître Gnawi Mustapha Bakbou et la contribution de Marcus Miller. L’objectif de ce mémoire est d’étudier la créativité personnelle puisée des sources de la tradition ancestrale des anciens descendants d’esclaves de l’Afrique subsaharienne. La question de recherche est, par conséquent, en quoi les musiciens revivalistes Gnawa réinterprètent et reproduisent-ils les composantes traditionnelles Gnawa pour perpétuer l’ancestrale tradition dans le présent ? Dans ce contexte, on comprend bien que leur but est d’être des agents qui agissent pour le revivalisme musical de la musique Gnawa, issue d’une pratique traditionnelle, ce faisant, le point d’interrogation est mis sur : De quelle manière procèdent-ils pour se démarquer par leur pratique musicale revivaliste ? Quels sont les éléments utilisés en tant que moyens opérateurs pour faire revivre la tradition et quelles sont leurs motivations personnelles à travers ce revivalisme ? Sur quelle perspective esthétique se basent-ils pour présenter l’art gnawi sur une nouvelle forme particulière et innovante ? Notre étude présente les fondements caractéristiques d’une expression esthétique, exposée par des musiciens d’un groupe typique revivaliste, représentant une culture d’une communauté spécifique, et ce dans un contexte cosmopolite. En exprimant leur propre façon de recréer une tradition à travers la nouvelle stylisation du répertoire traditionnel et en explorant d’autres éléments musicaux tels que les rythmes, les notes, les instruments, et la performance vocale. Pour comprendre la démarche revivaliste de ces musiciens, le concept du cosmopolitisme esthétique élaboré par le sociologue Ulrich Beck a été employé. En effet, celui-ci indique que le cosmopolitisme est une caractéristique déterminante de la modernité réflexive, il suggère qu’il s’agit de la perspective la plus adéquate pour donner, aux réalités et contradictions globales, interconnectées et continuellement floues de l’ère moderne, une perception plus claire (Beck 2006). / This memoir aims to study the revivalist approach of musicians who use Gnawa music, taking as a case the master Gnawi Mustapha Bakbou and the contribution of Marcus Miller. The objective of this essay is to study personal creativity drawn from the sources of the ancestral tradition of the ancient descendants of slaves from sub-Saharan Africa. The research question is therefore the following: How do Gnawa revival musicians reinterpret and reproduce the traditional Gnawa components to perpetuate the ancestral tradition in the present? In this context, we understand that their goal is to be agents who act for the musical revivalism of Gnawa music from a traditional practice, in doing so, the question mark is put on what way do they proceed to stand out by their revivalist musical practice? What are the elements used as operative means to revive the tradition and what are their personal motivations through this revivalism? What aesthetic perspective are they using to present Gnawi art on a new, creative, and innovative form? Therefore, our study presents the characteristic foundations of an aesthetic expression exhibited by musicians from a typical revivalist group representing a culture of a specific community. By expressing their own way of recreating a tradition through the new stylization of the traditional repertoire by exploring other musical elements such as rhythms, notes, instruments, vocal performance. To understand the revivalist approach of these musicians, the concept of aesthetic cosmopolitanism developed by sociologist Ulrich Beck was used. Indeed, this indicates that cosmopolitanism is a defining characteristic of reflective modernity, it suggests that it is the most adequate outlook to give to the global, interconnected and continually blurred realities and contradictions of the modern era a clearer perception (Beck 2006).

Cette étude est une analyse du rapport entre la poésie d’Auguste Brizeux et la chanson bretonne, inspirée par l’étrangeté de sa forme et de son style poétiques, semblables aux particularités de la chanson folklorique de Basse-Bretagne. Nous supposons donc que cette étrangeté résulte de l’adaptation de la forme de la chanson bretonne à la poésie française. Si tel est le cas, ceci nous amène à une nouvelle question : comme Brizeux était très proche de Théodore Hersart de La Villemarqué, auteur du Barzaz-Breiz, cet art poétique a-t-il quelque rapport avec ce fameux recueil de la chanson bretonne ? C’est ce qui a motivé nos recherches et nous amène à en présenter le résultat. / This study is an analysis of the relation between the poems of Auguste Brizeux and traditional Breton folksongs. It is inspired by the curious and unconventional poetic structure found in his poems, similar to the forms particular to the traditional song of Lower-Brittany. We suppose that this particularity comes from the adaptation of the poetic system found in Breton song to French poetry. If that is the case, this hypothesis would also lead to a new question: As Brizeux was close to Théodore Hersart de La Villemarqué, author of the Barzaz-Breiz, had there been a real influence between the poetic practice of our poet, Brizeux, and the production of the so-called “Breton folksongs" published in this La Villemarqué's famous book? This compelling question is the source of interest in our comparative study, its motivation and the thread that leads us to an intriguing conclusion.

Ce mémoire décrit une approche interdisciplinaire transposée à la composition musicale, s’appuyant sur le texte et les arts visuels, en passant par des principes humanistes. L’interdisciplinarité artistique est élaborée dans trois sections : premièrement, les arts visuels comme guide sonore explore les liens théoriques, esthétiques et philosophiques entre la musique et les arts visuels. Deuxièmement, la textualité à l’œuvre musicale élabore l’importance des mots et du langage comme guides aidant le compositeur et l’auditeur dans l’expérience musicale. Troisièmement, musique inclusive examine la musique folklorique et d’autres techniques de composition musicale avec l’intention de communiquer et de transmettre un message précis à l’auditeur. Ces trois idées sont ensuite appliquées dans une analyse détaillée de mes compositions musicales écrites dans le cadre de la maîtrise sous la supervision de Denis Gougeon. / This memoire describes an interdisciplinary approach to musical composition using text and visual arts based on the principles of humanism. Artistic interdisciplinarity is elaborated in three sections: Firstly, Visual Arts as a Sonic Guide explores the theoretical, esthetic, and philosophical connections between music and visual arts. Secondly, The Textuality of the Musical Work elaborates the importance of words and language to lead the composer and the listener within the musical experience. Thirdly, Inclusive Music examines folkloric music and other compositional techniques that possess the intention of communicating and transmitting a specific message to the listener. These three ideas are then applied in a detailed analysis of my musical compositions written during the frame of my master’s under the supervision of Denis Gougeon.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

En prenant comme exemple la musique traditionnelle instrumentale canadienne-française à Québec, dans les années 1930 à 1960, cette étude analyse le comportement d'une pratique culturelle traditionnelle dans un contexte de modernisation et d'urbanisation. En orientant notre recherche sur les porteurs de la tradition musicale, nous examinons l'influence médiatique et urbaine sur le répertoire, l'apprentissage et la performance des musiciens de la ville de Québec. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2013