Esta dissertação tem como tema a história da música em Porto Alegre e a participação dos afrodescendentes em sua construção no pós-abolição, mais especificamente na Primeira República. Partindo dos pressupostos da História Social, este estudo tem por objetivo problematizar como as categorias de raça, classe e cultura permearam as disputas em torno da legitimação do cenário musical e como os diferentes usos da música proporcionaram formas de mobilidade social para músicos e grupos afrodescendentes. Através de jornais (principalmente A Federação e O Exemplo) e de documentações oficiais (principalmente Relatórios municipais e estaduais) procura-se perceber o campo musical como uma arena de conflitos e disputas agenciadas por diferentes sujeitos em relação. Para isto, busca-se analisar estas questões sob variados ângulos que articulam diferentes locais e usos da música, assim como os sujeitos que atuaram na construção e legitimação desta cultura musical. Por fim, tenciona-se a relação entre música popular e música erudita com os afrodescendentes na formação de uma cultura nacional. / This dissertation has as a theme the history of music in Porto Alegre and the participation of afrodescendants in the construction in the post-abolition, more specifically at first republic. Starting from assumptions of Social History, this study has as goal problematize how the categories of race, class and culture permeate the disputes surrounding the legitimization of the music cenary and how the differents musical uses provided ways of social mobility for musicians and afrodescedants groups. Through the journals (mainly A Federação e O Exemplo) and official documentation (mainly state and municipal reports) seeks to realize the musical field as arena of conflicts and brokered disputes by differents people in relation. For this, seeks to analyse this questions from several angles that articulate differents places and musical uses, as the people who act in construction and legitimization of this musical culture.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 RobertoRossbach.pdf: 3579379 bytes, checksum: e5cda1ba92c0ddbcc926af8f2f1aa8db (MD5) Previous issue date: 2009-12-09 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / At the beginning of the German colonization in the region of Blumenau (SC), one of the main cultural manifestations of the immigrants were the singing societies, consisting of male choirs which sang secular repertoires. The activity of these societies was intense since the first years of the foundation of the Blumenau Colony until the prohibition of the cultural manifestations of the Germans in Brazil, with the Campaign of Nationalization instituted by the Brazilian Federal Government in 1937. Based on textual documents, both manuscripts and printed, such as statutes, proceedings, correspondences, reports, periodicals, as well as photographs and songbooks, the purpose of this work is to clarify the role of these groups in the diffusion of the local cultural movement and its contributions to the perpetuity of this tradition, which still exists today. Despite the process of acculturation and assimilation of new cultural values which emerged from the contact of German immigrants with the Brazilian culture, some elements were maintained, such as the associative spirit of the immigrants and the preservation of the German language in the songs. This contributed to a current tendency of the descendants of German immigrants in the region to preserve the culture of the first colonists, reflected in the associative, cultural activities and in the promotion of several events connected to the German culture / No início da colonização alemã na região de Blumenau (SC), uma das principais manifestações culturais dos imigrantes foram as sociedades de canto, que eram coros masculinos que cantavam repertório secular. A atividade destas sociedades foi intensa desde os primeiros anos da fundação da Colônia Blumenau até a proibição das manifestações culturais dos alemães no Brasil, com a Campanha de Nacionalização, instituída pelo Governo Federal Brasileiro, a partir de 1937. Baseado em documentos textuais manuscritos e impressos como estatutos, atas, correspondências, relatórios, jornais, além de fotografias e livros de canções, buscou-se neste trabalho esclarecer o papel desses grupos na difusão do movimento cultural local e suas contribuições para a continuação desta tradição que se mantém viva até os dias de hoje. Apesar do processo de aculturação e assimilação de novos valores culturais ocorrido com o contato dos imigrantes alemães com a cultura brasileira, alguns elementos mantiveram-se intactos, como o espírito associativo do imigrante e a preservação do idioma alemão nas canções. Isso contribuiu para uma tendência atual dos descendentes de imigrantes alemães na região de preservar a cultura dos primeiros colonizadores, refletida nas atividades associativas, culturais e nas diversas promoções ligadas à cultura alemã

Esta dissertação tem como tema a história da música em Porto Alegre e a participação dos afrodescendentes em sua construção no pós-abolição, mais especificamente na Primeira República. Partindo dos pressupostos da História Social, este estudo tem por objetivo problematizar como as categorias de raça, classe e cultura permearam as disputas em torno da legitimação do cenário musical e como os diferentes usos da música proporcionaram formas de mobilidade social para músicos e grupos afrodescendentes. Através de jornais (principalmente A Federação e O Exemplo) e de documentações oficiais (principalmente Relatórios municipais e estaduais) procura-se perceber o campo musical como uma arena de conflitos e disputas agenciadas por diferentes sujeitos em relação. Para isto, busca-se analisar estas questões sob variados ângulos que articulam diferentes locais e usos da música, assim como os sujeitos que atuaram na construção e legitimação desta cultura musical. Por fim, tenciona-se a relação entre música popular e música erudita com os afrodescendentes na formação de uma cultura nacional. / This dissertation has as a theme the history of music in Porto Alegre and the participation of afrodescendants in the construction in the post-abolition, more specifically at first republic. Starting from assumptions of Social History, this study has as goal problematize how the categories of race, class and culture permeate the disputes surrounding the legitimization of the music cenary and how the differents musical uses provided ways of social mobility for musicians and afrodescedants groups. Through the journals (mainly A Federação e O Exemplo) and official documentation (mainly state and municipal reports) seeks to realize the musical field as arena of conflicts and brokered disputes by differents people in relation. For this, seeks to analyse this questions from several angles that articulate differents places and musical uses, as the people who act in construction and legitimization of this musical culture.

Orientadores: Jose Roberto Zan, Yvan Nommick / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T03:11:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Chernavsky_Analia_D.pdf: 4263784 bytes, checksum: f2595efdd163424c81cf1787a8dbb514 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Este trabalho propõe um estudo do nacionalismo musical a partir de uma perspectiva comparativa. As trajetórias e as obras de dois grandes ícones da música do século XX, Heitor Villa-Lobos e Manuel de Falla, identificados como os maiores expoentes do nacionalismo em seus países, dão fundamento a esta comparação. Em primeiro lugar, estudamos como algumas "constâncias" identificadas pelos estudiosos do fenômeno do nacionalismo se manifestaram no Brasil e na Espanha. Em seguida, a partir das trajetórias de nossas duas personagens principais, observamos como os ideais nacionalistas se desenvolvem nesses países, e quais foram as soluções propostas em cada caso para os problemas da criação de uma identidade musical nacional. Nesse sentido, observamos como, à medida em que os ideais nacionalistas ganham contornos mais nítidos, as trajetórias de Villa-Lobos e Falla, que haviam partido de um início de carreira semelhante e que tiveram Paris como uma primeira rota de fuga, vão progressivamente se distanciando. Se Falla, por um lado, para concretizar o seu projeto nacionalista, prefere a reclusão e a atuação nos bastidores do meio musical espanhol, Villa-Lobos, por outro, insere-se no aparato público, comandando um grande programa disciplinador das massas através da doutrina do canto orfeônico. A apreciação musical das obras também nos ajudam a entender as respostas musicais dadas por esses compositores ao problema da criação de uma identidade nacional. Ao longo de suas trajetórias, estas obras ganham novos contornos que finalmente acabam por servir de parâmetros para as gerações seguintes de músicos brasileiros e espanhóis / Abstract: This work comprises a study of musical nationalism from a comparative perspective founded in the careers and works of two icons of 20th-century music, Heitor Villa-Lobos and Manuel de Falla, who are considered the greatest exponents of musical nationalism in their countries. First, it considers how "continuities" of nationalism, as identified by scholars, have manifested themselves in Brazil and Spain. Later, from the career paths of both musicians, it observes how nationalistic ideals developed in the two countries, and what solutions were proposed for the problems put forward by the creation of a national musical identity in each case. In this sense, it notes how, as the nationalistic ideals gained clearer definition, the paths of Villa-Lobos and Falla, who faced similar beginnings to their careers and shared Paris as their first escape, progressed. Whereas Falla, achieved his nationalistic project in reclusion, preferring to remain behind the scenes of the Spanish musical environment, Villa-Lobos inserted himself in the governmental machine, commanding a huge program to discipline the masses through the doctrine of Orpheonic singing. The musical appreciation of their works also helps us understand the musical answers given by those composers to the problem of creating a national identity. Finally, through their careers, these works acquire other features that are useful as parameters for subsequent generations of Brazilian and Spanish musicians / Doutorado / Doutor em Música

O tratado de contraponto, Arte Explicada de Contraponto, do lisboeta André da Silva Gomes, destaca-se na produção teórico-musical brasileira como uma obra que articula o ensino musical europeu, especialmente o português, com aquele praticado no Brasil durante o período colonial. Seu autor, quarto mestre-de-capela da Sé de São Paulo desde 1774, certamente apropriou-se dos principais modelos pedagógicos em voga na segunda metade do século XVIII, em Portugal. A única cópia encontrada de seu tratado recebeu estudos que contribuíram para a divulgação e explicação da maior parte dos preceitos dessa obra, demonstrando seu possível alcance, adquirido ao longo do século XIX. Apesar disso, a questão sobre sua recepção teórica manteve-se aberta, contendo problemas referentes aos modelos teóricos que pudessem ser verificados na obra. O objetivo geral deste trabalho é primeiro, realizar uma consolidação bibliográfica a respeito do ensino teórico-musical em Portugal ao longo dos séculos XVII e XVIII, por um lado, e, vasculhar o caminho teórico encontrado nos tratados musicais europeus que versassem, de modo explícito, sobre as regras de contraponto e as regras do acompanhamento, a fim de se verificar quais desses modelos poderiam ser identificados na obra de Silva Gomes. Como metodologia e, também, delineamento da amplitude do trabalho, elencamos os principais tratados portugueses que se encaixam em uma dessas duas categorias mencionadas, complementados oportunamente por autores espanhóis e italianos, em sua maioria. Através de análises comparativas entre os discursos desses tratados e a obra teórica de Silva Gomes, pudemos verificar a manutenção de certos cânones do ensino de música, provenientes da tradição do contraponto, e enxergar novas possibilidades de interpretação do conteúdo da Arte Explicada, através dos manuais de acompanhamento. Estes, por sua vez, sugerem caminhos aos estudos sobre a recepção teórica brasileira, pautados na tradição de ensino napolitana, cujos modelos possuíram livre trânsito entre os compositores e professores portugueses desde o século XVIII / The treatise on counterpoint Arte Explicada de Contraponto, by Lisboan André da Silva Gomes, stands out in Brazilian theoretical writings as a work which articulates European music teaching, especially Portuguese, with that conducted in Brazil during colonial period. Its author, fourth chapel master of São Paulo\'s cathedral, since 1774, certainly absorbed the main pedagogic models of Portugal in the second half of the 18th century. The only copy found of his treatise has been analyzed in few studies, which contributed to the diffusion and offered explanations for most of its precepts, demonstrating its potential range, acquired along the 19th century. However, its theoretical reception was kept open, presenting some problems regarding the possible theoretical models that could be mapped within the work. The general objective of the present work is, at first, to achieve a bibliographic consolidation concerning music theory teaching in Portugal along 17th and 18th centuries, on one hand, and on the other, to scavenge the theoretical path found in European music treatises that discuss explicitly the rules of counterpoint and accompaniment, in order to verify what are the models which could be identified within the work by Silva Gomes. As methodology and also for bounding the reach of the work, we listed the central Portuguese treatises that fit in one of the above categories, further complemented, majorly, by Spanish and Italian authors. Through comparative analyses between the discourses of such treatises and the theoretical work by Silva Gomes, we were able to verify the abiding of certain canons of music teaching, originated from the tradition of counterpoint, and to look into new possibilities of interpreting the content of Arte Explicada through manuals on accompanying. Those, in turn, suggest directions to further studies about Brazilian theoretical reception, rooted in Neapolitan tradition of teaching models, which transited freely among Portuguese composers and music teachers since the 18th century.

L’histoire biblique de Salomé est un vaste sujet qui passionne artistes et écrivains depuis longtemps. En musique, il semble toutefois plus présent au début du XXe siècle. L’œuvre testamentaire sur le sujet demeure encore aujourd’hui l’opéra de Richard Strauss, créé à Dresde en 1905. Pourtant, maints compositeurs vont également traiter la légende qui met en cause Salomé à la même époque, dont notamment Florent Schmitt, avec son ballet La Tragédie de Salomé et Antoine Mariotte qui s’inspirera, tout comme Strauss, de la pièce théâtrale éponyme d’Oscar Wilde pour écrire son opéra.Considérant la date de création de l’œuvre de Mariotte (1908) et l’existence du ballet de Schmitt composé en 1907, notre objectif est de comprendre pourquoi ces deux compositeurs se sont intéressés quasi simultanément en France à ce même sujet. Pour cela, nous nous concentrerons sur les rapports d’ordres historique, social, esthétique et musical qui uniront Salomé au symbolisme, avant d’orienter notre travail vers d’autres tendances de cette époque, comme l’orientalisme voire l’aspect psychanalytique du sujet, ainsi que vers l’étude des créations et des grandes représentations de l’œuvre.À travers cette approche comparative de La Tragédie de Salomé de Florent Schmitt et de la Salomé d’Antoine Mariotte, suivant leur conception, leur organisation et leur réception, nous pourrons conclure, outre la fascination, à la puissante représentativité de ce sujet dans la France musicale du début du XXe siècle. / The biblical story of Salome is a vast subject that has inspired artists and writers alike for years. In music however, the story was evoked the most at the beginning of the twentieth century. To this day, the work of reference on the subject remains Richard Strauss’s opera composed in Dresden in 1905. And yet, numerous composers of the same era were to use the legend of Salome, namely Florent Schmitt with his ballet ‘The Tragedy of Salome’ and Antoine Mariotte. The latter, like Richard Strauss, sought inspiration for his opera from the play of the same name by Oscar Wilde.Bearing in mind the date of conception of Mariotte’s work (1908) and the existence of Schmitt’s ballet composed in 1907, our aim is to understand why these two composers, both in France, became interested in the same subject at practically the same time. To this end, we will concentrate on historical, social, artistic and musical accounts that link Salome to symbolism. Our work will then explore other trends of the time, such as orientalism and even the psychoanalytical nature of the subject. The final part of our study will deal with the premières and major performances of the work. Through this comparative study of the conception, organisation and reception of ‘The Tragedy of Salome’ by Florent Schmitt and of ‘Salome’ by Antoine Mariotte, we can not only conclude that the subject was a source of great fascination, but also that it had a strong influence on music in France at the beginning of the twentieth century.

This thesis discusses the history of music in the city of Frenstat pod Radhostem at the turn of the 18th and 19th century, especially regarding the pastoral compositions made by local composers. It presents their life and work and also presents a complex historical contexts. An educational material was developed as a part of this thesis, it could be used in education, as well as in leisure time sector. These materials also include sheet music for potential practical use. Moreover, an analysis, transcription and digitization of selected works are also introduced in this thesis.

Luís da Câmara Cascudo publicou uma vasta obra centrada no homem brasileiro visto pela ótica da etnografia, do folclore e da história. Muito se tem escrito e estudado sobre seu legado. Embora não tenha escrito nenhum livro tratando especificamente sobre música, verifica-se em seus escritos uma grande preocupação pelo assunto e constantes menções, estudos e comentários. Detalhes de sua biografia indicam como a música estava presente em sua vida e, principalmente, o quanto se dedicou ao estímulo aos musicistas de sua terra e à ajuda e incentivo às instituições musicais da cidade de Natal. A atividade de Câmara Cascudo como musicólogo é praticamente desconhecida, pois este aspecto de sua vida ainda não havia sido devidamente estudado. O propósito deste trabalho é trazer um pouco de luz sobre o assunto. / Luís da Câmara Cascudo published a vast amount of work focused on the Brazilian man as seen from the optics of ethnography, folklore and history, and much has been written and studied on his enormous legacy. Although he has not written any book dealing specifically with music his concern on the subject is clear from his writings, as can be noticed on frequent references, studies and comments. Details of his biography show how music was present in his life and, particularly, how and how much he devoted himself both to encouraging musicians and to support musical institutions from his home land. All of Câmara Cascudos activities as a musicologist is in fact unknown for certainly this aspect of his life has not been properly acknowledged in the specialized literature. The purpose of this paper is to shed some light on this subject.

Schlesische Modernität um 1930 wird an zwei Breslauer Komponisten untersucht: Hans Zielowsky und Edmund von Borck. Von ihrer Herkunft und Ausbildung her könnten sie kaum unterschiedlicher sein, und so stecken sie Endpunkte ab, zwischen denen sich das Komponieren Breslauer Musiker der Zeit abspielte. Der eine, Zielowsky, schreibt mit anrührendem Dilettantismus, der andere, von Borck, mit bewundernswerter stilistischer Unabhängigkeit und mit großem handwerklichen Geschick. Der eine gelangt mit den meist kleinen Besetzungen seiner Werke kaum übers Private hinaus, der andere konzentriert sich dagegen auf das Schreiben von Orchesterliteratur. Dennoch ist ihnen etwas gemeinsam: die Orientierung an einer auf je eigene Weise verstandenen Linearität und die Verehrung sowie das Maßnehmen an Bruckner. In dem Beitrag wird die spezifische Bruckner-Rezeption untersucht unter Bezugnahme auf die damals neuartige Musiktheorie.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts spielte Mendelssohns Musik in Kompositionslehren noch eine keineswegs unbedeutende Rolle. Insbesondere in deren Abteilungen zur sogenannten freien Komposition, soweit sie Fragen der musikalischen Form und der Orchestration betrafen, wurde Mendelssohn oft zitiert. Vor allem in Salomon Jadassohns Kompositionslehre erlangte sein Werk Modellcharakter. Der Beitrag zeigt, wie dieser Lehrer am Leipziger Konservatorium im späten 19. Jahrhundert auf der einen Seite Mendelssohns musikalische und ästhetische Haltung fortwirken lassen wollte, wie er sich jedoch andererseits bereits vorsichtig von gewissen Aspekten des Mendelssohnschen Komponierens distanzierte. Aus um 1900 geschriebenen Lehren verschwindet Mendelssohns Name zusehends ebenso wie die Namen jüdischer oder französischer Komponisten wie Halévy oder Meyerbeer. / In the second half of the 19th century Mendelssohn’s music played a prominent role in treatises upon composition. Especially the volumes on socalled „free composition“, including recommendations concernig musical forms, instrumentation and orchestration, often quote from his works. Mendelssohn claimed the figure of a model-composer. The paper concentrates on Mendelssohn as a model for young composers, as it was given by teachers at the Leipzig conservatoire. Treatises upon musical forms and instrumentation, written by Mendelssohn’s successors at the conservatoire show how the teachers on the one hand try to continue Mendelssohn’s compositional attitude and on the other hand try to part themselves from certain aspects of Mendelssohn’s music.