L'exposition CHROMATISME VÉGÉTAL présente une installation picturale directement inspirée d'éléments organiques provenant de la richesse formelle des végétaux et de l'harmonie chromatique saillante du spectre de l'arc-en-ciel. Des représentations végétales circulaires sont peintes au centre de surfaces monochromatiques carrées. Superposés à ces figurations végétales aux factures réalistes, on retrouve des ornements de l'ordre du dessin, du motif ou du graffiti. Ce brouillage est effectué dans le but de provoquer des connexions entre différents langages visuels, enrichissant par le fait même le sens des œuvres. Les nouvelles technologies, principalement les logiciels Photoshop et Illustrator, deviennent les outils de travail pour élaborer des esquisses numériques qui mèneront à l'élaboration de peintures à l'acrylique et à l'huile sur toile. Le moteur alimentant mes recherches tout au long de ces réflexions est un questionnement sur la beauté en art actuel. Ainsi, je cherche à représenter ce qui correspond, pour moi, à la beauté.

Cette recherche propose d’investiguer l’espace entre ma pratique artistique et ma pratique comptable à travers une approche qui déploie des activités de recherches théoriques sur l’art, des activités de recherches théoriques en comptabilité, la réalisation d’un protocole de création en atelier, et la prestation d’une conférence. L’approche flexible, multifocale et exploratoire adoptée se situe en affinité avec Intermedia, développé par Dick Higgins. Partant de ces deux figures type d’opposition, l’art et la comptabilité, je contextualise cette opposition avec l’analyse socio-historique d’Ève Chiapello. Je présente plusieurs pratiques artistiques contemporaines et actuelles de la posture d’opposition spécifique appelée critique artiste. Ces artistes représentent une pluralité de figures d’opposition que j’explique, pour ensuite proposer d’autres figures telles la permutation, la fusion par That’s Painting et la confusion par Dick Higgins et Intermedia. Je convoque les recherches comptables aux fondements historiques de la comptabilité hors de l’implication monétaire et se situant majoritairement dans le champ interprétatif de la recherche selon Burrell et Morgan. La comptabilité moderne ayant comme point de repère Fra Luca Pacioli, j’y relie mes recherches comptables aux recherches de l’archéologue Denise Schmandt-Besserat afin de développer une réflexion sur l’objet analogique dans l’histoire du calcul comptable, et ce, jusqu’à la mise en place de la monétarisation que l’on connait aujourd’hui. Je convoque les écrits de Bernard Colasse portant sur les principes comptables. J’engage les principes de monétarisation, d’indépendance des exercices et le principe de continuité à travers une réflexion critique sur la valeur, la durée et la finitude. Ce mémoire privilégie les recherches théoriques expliquant la quête humaine de savoir combien et les fonctions de mémoire et de contrôle de la comptabilité. Je présente le protocole d’atelier intitulé Compter mes jours de même qu’une analyse dialectique qui convie ces théories comptables et des pratiques artistiques, en particulier Tehching Hsieh. J’exprime comment Compter mes jours est le récit qui rend compte et devient l’archive d’un récit, un compte rendu. Cette comptabilité domestique a été divulguée lors de La Conférence présentée le 30 mai 2017. La Conférence poursuit l’analyse d’une pratique rituelle, morale et politique, soulignant les recherches de James A. Aho, Ève Chiapello, Hans Derks, Mahmoud Ezzamel, Basil S. Yamey. L’ensemble de cette recherche exploratoire engage une réflexion singulière sur l’existence.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal. / Dans le cadre de ce mémoire, nous étudions les artistes en tant que public des arts et de la culture au Québec. Nous allons donc principalement nous intéresser à leur consommation culturelle et non à leur création. C'est en posant l'hypothèse que les artistes constituent un public spécifique face aux arts que nous abordons cette recherche. Leur spécificité, à la différence de certaines autres catégories socioprofessionnelles, tiendrait à leur compétence due à une plus grande familiarité avec le monde de la culture, puisqu'ils en sont aussi des producteurs. Pour cerner les différentes approches qui étudient les pratiques culturelles d'une population, nous avons choisi de présenter dans une première partie, les enquêtes qui nous semblaient les plus pertinentes pour notre étude comme celle dirigée par Rosaire Garon au Québec et celle dirigée par Olivier Donnât2 en France. Dans ces enquêtes, on nous expose quelles sont les pratiques culturelles les plus répandues au sein de la population. En les comparant avec celles des artistes interrogés dans le cadre de notre recherche, nous voulons montrer que les différences notées dans leur consommation culturelle, tiennent en partie à une conception spécifique qu'ils se font de la culture. Cette conception à laquelle s'ajoute une formation scolaire élevée engendreraient un comportement culturel typique à la profession d'artiste, qui se caractériserait par la volonté d'établir une certaine qualité dans la relation à l'objet culturel ou encore par la recherche d'une certaine authenticité dans ce rapport. La contribution de ce mémoire dans le champ de la sociologie de l'art a pour objectif de mettre en lumière sous un angle nouveau, la façon de considérer le rapport à l'art et à la culture afin de mieux comprendre les disparités qui existent entre les goûts chez certains groupes sociaux.

Aquest tesi doctoral es presenta com una aportació dins de l'activitat d'investigadora corresponent a la història de l'art valencià. Gràcies a l'anal'tica i l'estudi en profunditat de la documentació es pretén recuperar un buit historiogràfic, especialment dels pintors, però també d'altres artífexs i les seues obres, dintre del marc històric de la València dels segles XIII al XV. Per la qual cosa, i en primer lloc, hem recollit les fonts d'informació publicades, fent una exhaustiva revisió de les mateixes per a extraure aquells documents publicats, a més d'exhumar nombrosos documents inèdits per desenvolupar aquesta investigació sobre els pintors valencians i altres artífex, gràcies a lo qual hem pogut realitzar un discurs sobre l'activitat artística, social i particular de tots ells, resultant poder dispondre d'una nombrosa quantitat de fitxes d'artífexs, amb la sua documentació, per a futures investigacions. / Mocholi Roselló, A. (2010). Estudi dels documents dels pintors i altres artífexs valencians. Segles XIII, XIV i XV (1238-1450) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/8606

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2006-2007 / Au milieu du seizième siècle, les femmes artistes occidentales commencèrent à créer des autoportraits autonomes. Exclues du canon, elles se créèrent une image d'elles-mêmes dans ces oeuvres afin de prouver qu'elles étaient parfaites en tant que femmes et artistes. Au moins jusqu'au début du dix-septième siècle, différents objets étaient souvent utilisés à cette fin, tels des miroirs, des matériaux d'art, des instruments de musique, des bijoux et des vêtements dispendieux ou d'apparat et démonstration savante. Certains de ces éléments avaient comme source des textes importants, notamment Le Livre du courtisan de Castiglione. L'accent était placé à la fois sur les filiations artistiques féminines et sur l'individualité des femmes artistes. L'autoportrait était d'une telle importance pour elles que certaines décidèrent même d'inclure leur image dans d'autres genres d'oeuvres, tels les natures mortes. / During the middle of the sixteenth century, female artists in the West began making autonomous self-portraits. Excluded from the canon, they created their images through these works in an attempt to prove that they were perfect artists and perfect women. Until at least the early seventeenth century, certain objects were repeatedly used in this self-fashioning, including mirrors, artistic materials, musical instruments, jewelry, and expensive or scholarly clothing. Some of these items were inspired by important texts, notably Castiglione's The Book of the Courtier. These women both placed themselves within a female artistic lineage and emphasized their uniqueness as female artists. Self-portraiture was of such importance to them that some even decided to include their image in other genres, such as still-life paintings.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2019 / La présente étude propose d'approcher la pratique sculpturale de l'artiste américain Brian Dettmer. Désarticulés, scellés avant d'être soigneusement découpés, les livres qui constituent la matrice de son travail échangent leur aspect traditionnel contre des formes inusitées n'ayant de cesse de subvertir les propriétés structurelles et esthétiques de l'objet. Résolument délinquants, ces ouvrages altérés, encore aujourd'hui marqués de l'empreinte du premier codex, voient leur caractère survivant ouvrir à un questionnement sur le rapport que nous entretenons avec le livre à l'ère du numérique. Une relation conflictuelle, oscillante, qui sous-tend la démarche de Dettmer dont le discours, indissociable de sa pratique, porte à considérer la forme livresque tel le symptôme de changements socioculturels profonds. Tressant anthropologie, philosophie et sociologie, l'enjeu de cette recherche multidisciplinaire est de mettre au jour les chemins de pensée empruntés par l'artiste pour instaurer un dialogue entre l'objet-livre et l'environnement informationnel dématérialisé qui lui disputerait son statut de gardien de la connaissance. C'est donc par une attention accordée aux propos de Dettmer, à la matérialité de ses sculptures et aux effets épistémologiques qu'elles induisent que notre analyse tente de donner corps à cette rencontre entre deux dispositifs du savoir. / This study focuses on the sculptural practice of Brian Dettmer. Disarticulated, sealed prior to being carefully carved, the books at the center of the artist’s practice forego their traditional aspect and take on strange forms that relentlessly subvert the structural and esthetical proprieties of the object itself. Definitely delinquent while still bearing to this day the imprint of the first codex, these altered objects, through the survival of their fundamental quality, question the relationship we have with books in the digital age. Conflictual, oscillating, this relationship underlies the process of the artist, whose own discourse, always tightly related to his practice, sees in the book format a symptom of deep sociocultural changes. Drawing from anthropology, philosophy and sociology, this multidisciplinary study intends on revealing the pathof thought used by Dettmer in his effort to establish a dialogue between the “object-book” and the dematerialized informational environment, the latter contending the former’s claim to the guardianship of knowledge. Through a careful consideration of the artist’s commentaries, the materiality of his sculptures and the epistemological effects they induce, our study ultimately explores the encounter between these two different devices of knowledge.

Si plusieurs femmes surréalistes ont reçu une attention méticuleuse dans les dernières décennies, Mimi Parent reste toujours méconnue du grand public et de la sphère académique. Puisqu’il n’existe pas encore de monographie à propos de l’artiste surréaliste d’origine montréalaise, ce mémoire se veut une première tentative de compte-rendu sur sa carrière. Ainsi, selon une perspective féministe, l’absence de Parent dans les grands récits artistiques du surréalisme et de l’histoire de l’art est interrogée de façon critique. Ce projet consiste donc à recontextualiser sa carrière par une approche biographique et chronologique. Par une analyse approfondie de sa production artistique et de ses manifestations contestataires, leurs aspects politiques, collaboratifs et surréalistes sont soulignés et expliqués. Parallèlement, l’originalité et la complexité narrative de ses œuvres sont dévoilées. Grâce à un examen attentif de la littérature surréaliste, les concepts psychanalytiques et alchimiques qui sous-tendent sa production sont mis en évidence. Par ailleurs, ce mémoire s’insère également, en second plan, dans une révision académique du surréalisme français qui atteste de son activité artistique et politique effervescente de la fin de la Seconde Guerre mondiale jusqu’à sa dissolution « officielle » en 1969. Enfin, grâce aux études de genre, l’existence subversive de Parent est mise en lumière. En ce sens, tout au long de sa carrière, même de façon inconsciente, elle conteste les structures patriarcales et binaires de la société et du groupe surréaliste. De ce fait, elle s’oppose également aux impératifs politiques et sociaux que subissent les femmes. De surcroît, son identité féminine perturbe les normes masculines associées au statut d’artiste. / Although a growing number of surrealist women artists have received serious critical attention, this has not yet been the case for Mimi Parent, who remains relatively unknown. No monograph has yet been published dedicated to this major surrealist artist. This dissertation is therefore intended to provide the first scholarly overview of her career. Born in Montreal, Parent would subsequently base herself in Europe where she was an important member of the surrealist movement, yet she is frequently marginalized in histories of surrealism. Through adopting a feminist critical framework combined with biographical insights and close analyses of artworks from across her career, this monograph questions why her contributions have been sidelined. The close readings of specific artworks explore their political, collaborative, and surrealist dimensions. This dissertation foregrounds Parent’s originality and the narrative complexity of works such as her tableaux boxes. Through a careful examination of Surrealist literature, the psychoanalytic and alchemical concepts that inform her artistic practice are highlighted. This monograph also reveals Parent’s subversive engagement with issues of sexual difference, showing ways her works can be read as challenges to patriarchy and to binary notions of gender. Her art actively disrupts masculine social norms and standards associated with artmaking and the figure of the artist. Finally, this dissertation also contributes to the ongoing academic revision of French surrealism, attesting to the movement’s important postwar artistic and political activities until its “official” dissolution in 1969.

Mes oeuvres de fin de maîtrise sont le résultat d'un long processus d'expérimentations par le biais de l'estampe et plus spécialement avec les techniques actuelles de la photogravure. Ma recherche a été axée particulièrement sur un univers en miniature, des fragments de plantes vasculaires, qui s'est métamorphosé en un univers biomorphique en pleine expansion. Mes images ont été créées en utilisant une stratégie de multiplication d'un élément récurrent à l'aide d'un logiciel de traitement de l'image. Ce mémoire fait état de tout ce cheminement qui a engendré une imagerie donnant à voir un réseau de lignes inextricables et de répétition de formes qui ouvrent vers un champ d'interprétation plurielle. La problématique de ma recherche s'est donc orientée vers le concept de saturation, par la ligne et la couleur au début, mais également par l'assemblage d'images dans des oeuvres uniques. La saturation dans mes oeuvres a une valeur en soi qui joue un rôle déterminant en détournant l'attention sur l'aspect matériel du signe plutôt que sur l'imagerie exclusivement, faisant émerger une poésie par l'insistance de sa matérialité.

Ce mémoire de maîtrise vise à comprendre le symbolisme de la mosaïque de Ganymède de la Maison de Dionysos à Néa Paphos (Chypre) datée de la fin du IIe ou du début du IIIe siècle p.C. et à préciser le contexte d’utilisation de la salle. Ce double questionnement découle de l’observation des motifs géométriques associés à la scène qui représente l’enlèvement de l’éphèbe troyen par un aigle. D’une part, la nature du « fleuron », associé au panneau figuratif, est analysée à l’aide de documents iconographiques et de textes anciens. Les résultats de cette analyse permettent de discuter du sens symbolique, idéologique ou philosophico-religieux que ces motifs confèreraient à la scène. D’autre part, la disposition des « fleurons » et des autres motifs géométriques suggère que la salle aurait pu être utilisée dans un contexte précis. Outre ces indices décoratifs, la fonction de la salle est aussi discutée selon les données architecturales et planimétriques. Certaines conclusions sur le symbolisme, qui découlent de l’étude de la mosaïque de Ganymède, sont ensuite confrontées à certains pavements figurés de la domus. / This masters essay aims to understand the symbolism of the Ganymede mosaic of the House of Dionysus in Nea Paphos (Cyprus) dated to the end of the 2nd or the beginning of the 3rd century AD and to determine the room’s use. This double inquiry arises from the observation of the geometric details associated with the scene representing the rapt of the Trojan ephebe by an eagle. Firstly, the nature of the "rosette" associated with the figurative panel is analyzed with the iconographic documents and the ancient texts. The results of this analysis allow us to discuss the symbolic, ideological or philosophical-religious meaning that motifs would confer on the scene. Secondly, the arrangement of the "rosette" and other geometric patterns suggests that the room could have been used in a specific context. In addition to these decorative clues, the function of the room is also discussed according to architectural and planimetric data. Some conclusions about the symbolism that emerge from the study of the mosaic of Ganymede are then confronted with certain figured pavements found in the domus.

Titre de l'écran-titre (visionné le 14 août 2023) / Ce mémoire en recherche-création conceptualise les espaces liminaux pour matérialiser la dépression à l'écran dans un effort d'adapter au cinéma The Bell Jar (1963) de Sylvia Plath, un roman semi-autobiographique dans lequel Plath fait la chronique de sa dépression pendant ses premières années à l'université. Le mémoire consiste en un essai qui explore comment les espaces liminaux peuvent être conceptualisés à l'écran pour matérialiser ce qu'on ressent physiquement et émotionnellement lorsqu'on est en dépression, ainsi qu'un « volet création » composé de cinq séquences et d'une scène d'un scénario adapté du roman The Bell Jar. La partie recherche est divisée en deux chapitres. Le premier présente la liminalité et les espaces liminaux tels qu'ils sont théorisés dans les Rites de passage (1909) d'Arnold van Gennep et offre un aperçu de la dépression dans The Bell Jar. Le deuxième chapitre présente trois approches originales pour conceptualiser les espaces liminaux afin qu'ils rendent la dépression plus accessible dans un format cinématographique. Nous expliquons ici la théorie qui sous-tend la matérialisation de la dépression à l'écran et décrivons comment elle se traduit à l'écran à l'aide d'extraits du roman. Le « volet création » du mémoire consiste en une partie d'un scénario : cinq séquences de scènes et une scène seule (scène 5) illustrant comment chaque théorie facilite la matérialisation de la dépression à l'écran. Ce « volet création » est imbriqué dans la partie recherche afin de mieux illustrer comment la théorie, le scénario et la cinématographie de la scène s'emboîtent. Le scénario illustre comment la conception théorique des espaces liminaux se traduirait dans un format filmique. Les deux scènes scénarisées pour chaque approche théorique sont ensuite analysées en fonction de la théorie présentée. Chaque section se focalise sur une approche théorique et explique comment elle informe l'esthétique de l'espace liminal dans les scènes ou séquences. Étant donné que l'objectif du mémoire est de conceptualiser les espaces liminaux, le scénario sera plus descriptif de ses éléments visuels à l'écran que riche de ses dialogues. Le mémoire cherche à présenter une approche plus nuancée de la représentation de la dépression à l'écran que ce que nous avons l'habitude de voir au cinéma. La dépression au cinéma est souvent explorée à des fins de narration, ou secondaire à l'enjeu principal (Side Effects, The Virgin Suicides, Little Miss Sunshine), ou fait partie d'une critique plus large sur des enjeux de société (Prozac Nation, Girl Interrupted). Certains de ces films traitant de la dépression présentent une esthétique et des techniques cinématographiques qui indiquent une volonté d'extérioriser les émotions complexes du personnage à l'écran sans avoir recours à des dispositifs linguistiques tels que la narration en voix off. Un objectif fisheye, « objectif photographique ayant une distance focale très courte et donc un angle de champ très grand » (Ang, Toute la photo, 150), est parfois utilisé pour matérialiser la tristesse, l'engourdissement, ou pour désorienter le spectateur. Ce mémoire s'éloigne de ces représentations de la dépression au cinéma et explore comment les espaces liminaux au cinéma peuvent matérialiser les émotions complexes et parfois incongrues qu'Esther éprouve dans The Bell Jar. Les scènes scénarisées dans la partie création brossent le portrait d'une maladie qui influence le processus cognitif et le rapport qu'à le personnage avec son environnement. Nous avons développé trois approches différentes pour conceptualiser les espaces liminaux à l'écran, chacune visant à élucider différentes facettes de la dépression d'Esther. Les deux premières explorent la désorientation, un symptôme moins préjudiciable, tandis que la troisième approche tente de matérialiser les idées suicidaires du personnage. Ce mémoire met en évidence la capacité du cinéma à transmettre des nuances sensorielles et émotionnelles, et s'ancre dans une conviction défendue par les études cinématographiques selon laquelle la représentation mène à la démocratisation, ce qui, dans le cadre de ce travail, équivaut à une meilleure compréhension de la dépression. / This mémoire en recherche-création conceptualizes liminal spaces to materialize depression on-screen through an adaptation of Sylvia Plath's The Bell Jar (1963), a semi-autobiographical novel in which Plath chronicles her depression during her early college years. The thesis consists of an essay that explores how liminal spaces can be conceptualized on-screen to materialize depression on a physical and an emotional level, as well as a « volet création » consisting of five sequences and one scene of a screenplay adapted from the novel The Bell Jar. The essay is divided into two chapters. The first introduces liminality and liminal spaces as they are theorized in Arnold van Gennep's Rites of passage (1909) and provides an overview of depression in The Bell Jar. The second chapter presents three original approaches to conceptualizing liminal spaces so that they render depression more accessible through a cinematic format. In this chapter, I explain the theoretical basis behind materializing depression on-screen and then, I describe how it translates on-screen using excerpts from the novel. The creative section of the thesis consists of a partial screenplay: five sequences and one single scene (scene 5) illustrating how each theory can help materialize depression on-screen. This « volet création » is interwoven with the research section to better illustrate how the theory, screenplay, and cinematography of the scene fit together. The screenplay illustrates how the theoretical conception of liminal spaces would translate to a filmic format. The two scenes scripted for each theoretical approach are then analyzed in terms of the theory presented. Each section focuses on a theoretical approach and explains how it informs the aesthetics of the liminal space in the scenes or sequences. Given the thesis's objective in conceptualizing liminal spaces, the screenplay will be more descriptive of its on-screen visual elements than rich in dialogue. The thesis seeks to present a more nuanced approach to the representation of depression on-screen than what we are used to seeing in cinema. Depression in film is often explored for narrative purposes, or secondary to the main thematic (Side Effects, The Virgin Suicides, Little Miss Sunshine), or as part of a broader critique of social or political issues (Prozac Nation, Girl Interrupted). Some of these films that engage with depression display an aesthetic and cinematographic techniques that indicate a desire to exteriorize the character's complex feelings on-screen without resorting to linguistic devices such as voice-over narration. A fisheye lens, « an ultra-wide-angle lens that produces strong visual distortion intended to create a wide panoramic or hemispherical image » (Ang, Fundamentals of Modern Photography, 146), is sometimes used to materialize sadness, numbness, or to disorient the viewer. This thesis departs from such representations of depression in film and explores how liminal spaces in film can materialize the complex and sometimes incongruous emotions Esther experiences in The Bell Jar. The scenes in the « volet création » depict an illness that influences the character's cognitive process and her relationship with her surroundings. We have developed three different approaches to conceptualizing liminal spaces on-screen, each approach aiming to elucidate different facets of Esther's depression. The first two explore disorientation, a less detrimental symptom, while the third approach attempts to materialize suicidal ideation. This thesis highlights the capacity of cinema to convey sensory and emotional nuances and is rooted in a belief held within cinema studies that representation leads to democratization, which, in our framework, equates to a better understanding of depression.