Dans l’ensemble des recherches consacrées au vêtement, la mode enfantine française reste peu étudiée. Pourtant le vestiaire enfantin occidental du 18e siècle à nos jours, est abondamment présent dans les collections des musées de mode, d’ethnologie ou d’arts décoratifs. En partant de l’étude de ces fonds majoritairement inexploités et en les croisant avec des archives de la confection et des témoignages d’usagers, notre thèse analyse la relation de l’enfant à son vêtement. S’il possède des capacités à parler, à manipuler et à vouloir, l’enfant quand il nait n’est pas imprégné des usages qui fondent nos vies en société. L’éducation de l’enfant consiste, dans un rapport de dépendance constant à l’adulte, à socialiser le petit d’homme pour le faire entrer dans l’histoire. En prenant en compte la capacité du vêtement à habiller les identités et à investir le porteur d’un statut particulier, notre étude l’envisage comme un outil essentiel d’imprégnation dans les mains de l’adulte. Parallèlement, système technique manipulable, ensemble de sensations, objet d’envies et de fantasmes, le vêtement est utilisé par l’enfant à sa manière. Afin de sortir d’un regard purement adulte, nous avons cherché à déconstruire ce processus de socialisation en analysant l’appropriation du vêtement par l’enfant. Ainsi, croisée avec des données historiques, sociologiques ou ethnologiques, l’étude des vêtements d’enfant issus des collections muséales française apporte un autre éclairage à l’histoire de l’enfant et montre l’apport de la culture. / Despite the abundance of children’s clothes in the collections of French Fashion, Applied Arts and Folk Museums, Children’s Fashion is not a major topic in Fashion History. Crossing a corpus of artefacts with ethnographical, historical and sociological testimonies and archives from the Fashion Industry, this research intends to analyse the relationship between the child and its clothing. Despite its abilities to talk, manipulate and desire, the child is not imbued by the habits defining social beings. Therefore, in a constant interdependence with the adult, the child’s education consists in its socialisation to bring him into history. Through the analysis of the capacity of Fashion to dress the identities, this research approaches clothing as an education tool in the hands of the adults. In parallel, as a technical handling kit, a set of sensations and an object of desire, clothing is an adoptable system by the child who dresses up itself as it wants. In order to avoid an adult focus, this study looks also at the deconstruction of this socialisation process by analysing the appropriation of fashion by children. Finally, this study of children’s clothing provides another approach to Childhood History and shows the essential contribution of the study of the Material Culture to a Childhood Sociology, source of knowledge of the mechanisms of our society.

Aquest tesi doctoral es presenta com una aportació dins de l'activitat d'investigadora corresponent a la història de l'art valencià. Gràcies a l'anal'tica i l'estudi en profunditat de la documentació es pretén recuperar un buit historiogràfic, especialment dels pintors, però també d'altres artífexs i les seues obres, dintre del marc històric de la València dels segles XIII al XV. Per la qual cosa, i en primer lloc, hem recollit les fonts d'informació publicades, fent una exhaustiva revisió de les mateixes per a extraure aquells documents publicats, a més d'exhumar nombrosos documents inèdits per desenvolupar aquesta investigació sobre els pintors valencians i altres artífex, gràcies a lo qual hem pogut realitzar un discurs sobre l'activitat artística, social i particular de tots ells, resultant poder dispondre d'una nombrosa quantitat de fitxes d'artífexs, amb la sua documentació, per a futures investigacions. / Mocholi Roselló, A. (2010). Estudi dels documents dels pintors i altres artífexs valencians. Segles XIII, XIV i XV (1238-1450) [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/8606 / Palancia

L'euphorie du marché de l'art sous l'Occupation est aussi le reflet d'un afflux de marchandises issues des spoliations artistiques des personnes de confessions juives ou de tout opposant du IIIe Reich. Le nœud d'exploration de la présente thèse se place volontairement sur cette question. Elle propose une analyse des paradigmes d'un marché de l'art en période de guerre sous contrôle d'État collaborationniste. / The euphoria of the art market under the Nazi Occupation is also a reflection of an influx of goods resulting from the artistic spoliations of the Jewish community along with any opponent of the Third Reich. The main concern of this thesis deliberately places itself on this question. It proposes an analysis of the paradigms of an art market during a war period under the control of a collaborationist State.

Considéré comme une étude préparatoire subordonnée à l’œuvre finale, le dessin a longtemps été un objet de collection réservé aux artistes et à quelques connaisseurs. À partir de la seconde moitié du XVIIIe siècle, ce regard porté sur le dessin évolue indéniablement. En prenant appui sur diverses sources (inventaires après décès, catalogues de ventes, presse périodique, correspondances, livrets et critiques d’expositions…), cette étude tente de déterminer quels facteurs contribuent à l’émergence de ce goût et de quelles manières il se manifeste au sein de divers Salons, sur le marché de l’art ainsi que dans les cabinets privés. La croissance du nombre de collectionneurs de dessins à partir de la seconde moitié du XVIIIe siècle constitue l’une des principales manifestations de la diffusion de ce goût. Nous avons ainsi cherché à déterminer qui sont ces « nouveaux » collectionneurs, quelle place est accordée au dessin au sein de leurs cabinets et quelles sont les grandes tendances de leurs goûts. Ces nombreuses collections qui apparaissent au cours du XVIIIe siècle réunissent plusieurs dizaines, centaines, voire milliers de feuilles. Nous avons ainsi étudié les méthodes de classement, de conservation et de présentation des dessins. Aborder cette question des pratiques quotidiennes implique de s’intéresser aussi aux nouvelles formes de sociabilité qui se développent autour de ce dernier. À l’instar du cabinet de tableaux, la collection de dessins devient au cours du XVIIIe siècle un espace de rencontre, d’échange et de formation. De plus, le XVIIIe est aussi marqué par l’essor du dessin en amateur, comme en témoignent les nombreuses feuilles conservées aujourd’hui dans les plus grands musées. / Considered as a preliminary work to painting, the drawing has for a long time been considered as a collection’s item only reserved to artists and a few connoisseurs. However, from the second half of the 18th century, this look at the drawing undeniably changed. On the basis of various sources (inventories after death, sales catalogs, correspondences, press, booklets and critics of exhibitions …), this study mainly aims at understanding which factors contributed to the emergence of this taste, and how this became perceptible in Salons, in the art market and in private collections. The growing number of drawing collectors in the second half of the 18th century, is one of the most significant expression of this emergence of a taste for drawings. We tried to determine who were these “new” collectors, which place was given to drawing in their cabinets and what were the main trends of the collectors’ tastes. These numerous collections which appeared during the second half of the 18th century included several tens, hundreds or even thousands of sheets. We thus studied the methods of classification, presentation and conservation of drawings. However, studying this issue of collectors’ daily practices involved to additionally study the new forms of sociability which developed around the drawings. Like the cabinet of paintings, the collection of drawings became a place of meeting, exchanging and educating ones’ self. Moreover, the 18th century was particularly marked by the rise of the amateur drawing, as evidenced by the large number of sheets which are conserved in the greatest museums.

Principal centre d’imprimerie du XVIe siècle, rassemblant les auteurs et les forces artistiques du royaume, Paris offre un échantillon parfait pour l’étude de l’illustration à la Renaissance. De 1530 à 1580, la typographie parisienne intègre des influences issues des éditions humanistes italiennes et des particularités artistiques de l’école de Fontainebleau. La participation des peintres à la préparation des illustrations est un fait clairement établi : les noms des dessinateurs sont parfois cités sur les pages de titre et dans le texte des éditions. Cependant, les modalités de leur collaboration avec les différents métiers du livre restent à préciser. Soumis à la commande des éditeurs et au contrôle des auteurs, contraints par la technique de l’élaboration du livre imprimé, les illustrateurs étaient amenés à s’adaptent à ce nouveau médium. Par ailleurs, la diffusion massive des images imprimées a, elle-même, bouleversé les pratiques artistiques. Associant l’étude des œuvres et la recherche des témoignages d’archives, cette étude se retrouve à l’intersection de l’histoire de l’art et de l’histoire du livre. Cette approche croisée permet de déterminer plus précisément la place des peintres dans le monde du livre imprimé parisien et d’analyser en détail leurs réseaux professionnels. La reconstitution des corpus d’illustrations permet l’étude plus précise d’un certain nombre d’artistes particulièrement actifs dans ce domaine, tels que Jean Cousin père, Baptiste Pellerin, Geoffroy Ballain et Charles Jourdain. / Paris presents a prefect example for the study of the book illustration as the main center of printing in the 16th century and where the prolific authors and the artistic forces of the Kingdom concentrated. From 1530 to 1580, Parisian typography integrated the influence of Italian humanist editions and the artistic particularities of the Fontainebleau school. The participation of painters in the preparation of illustrations is a well-known fact: we can sometimes find their names on the title pages and in the texts of books. However, the terms of their collaboration with other book printing trades are still to be clarified. Dependent on book publishers’ command, subjected to the authors’ control and limited by the book printing techniques, the illustrators had to adjust to this new medium. Besides, the massive diffusion of printed images profoundly changed artistic practices. Combining the study of artworks and archives, this research is at the junction of art history and book history. This complex approach highlights the place of painters in the world of the Parisian book printing and allows an analysis of their professional networks. The reconstruction of illustrations corpuses enables the study of the career of some Parisian artists who were particularly active in this field, such as Jean Cousin the Elder, Baptiste Pellerin, Geoffroy Ballain and Charles Jourdain.

Cette thèse porte sur l’étude des sanctuaires antiques arméniens depuis la période hellénistique jusqu'à la période chrétienne, qui marque le changement de religion et l’abandon progressif des temples païens. Ce travail est basé sur l’étude des sources historiques et sur les données de fouilles archéologiques. Il s’agit de savoir où se trouvaient les temples païens en Grande Arménie. En corollaire, différentes interrogations sont venues progressivement s’ajouter à cette première question. Il fallait, une fois ces temples identifiés, les étudier en les classant par catégorie et par type afin de comprendre leur statut dans la société païenne. Enfin, leur disparition pose la question de leur destinée et engage à étudier plus généralement la destruction des sites païens lors de la christianisation de l’Arménie. / This thesis deals with the study of ancient Armenian sanctuaries from the Hellenistic to the Christian period, which marks the change of religion and the gradual abandonment of pagan temples. This work is based on the study of historical sources and data from archaeological excavations. The question is knowing where the pagan temples stood in Great Armenia. As a corollary, various questions have gradually been added to this first one. Once these temples had been identified, they have to be studied by classifying them by category and type in order to understand their status in the pagan society. Finally, their disappearance raises the question of their destiny and commits to study more generally the destruction of the pagan sites during the Christianization of Armenia.

L'exposition CHROMATISME VÉGÉTAL présente une installation picturale directement inspirée d'éléments organiques provenant de la richesse formelle des végétaux et de l'harmonie chromatique saillante du spectre de l'arc-en-ciel. Des représentations végétales circulaires sont peintes au centre de surfaces monochromatiques carrées. Superposés à ces figurations végétales aux factures réalistes, on retrouve des ornements de l'ordre du dessin, du motif ou du graffiti. Ce brouillage est effectué dans le but de provoquer des connexions entre différents langages visuels, enrichissant par le fait même le sens des œuvres. Les nouvelles technologies, principalement les logiciels Photoshop et Illustrator, deviennent les outils de travail pour élaborer des esquisses numériques qui mèneront à l'élaboration de peintures à l'acrylique et à l'huile sur toile. Le moteur alimentant mes recherches tout au long de ces réflexions est un questionnement sur la beauté en art actuel. Ainsi, je cherche à représenter ce qui correspond, pour moi, à la beauté.

Cette recherche propose d’investiguer l’espace entre ma pratique artistique et ma pratique comptable à travers une approche qui déploie des activités de recherches théoriques sur l’art, des activités de recherches théoriques en comptabilité, la réalisation d’un protocole de création en atelier, et la prestation d’une conférence. L’approche flexible, multifocale et exploratoire adoptée se situe en affinité avec Intermedia, développé par Dick Higgins. Partant de ces deux figures type d’opposition, l’art et la comptabilité, je contextualise cette opposition avec l’analyse socio-historique d’Ève Chiapello. Je présente plusieurs pratiques artistiques contemporaines et actuelles de la posture d’opposition spécifique appelée critique artiste. Ces artistes représentent une pluralité de figures d’opposition que j’explique, pour ensuite proposer d’autres figures telles la permutation, la fusion par That’s Painting et la confusion par Dick Higgins et Intermedia. Je convoque les recherches comptables aux fondements historiques de la comptabilité hors de l’implication monétaire et se situant majoritairement dans le champ interprétatif de la recherche selon Burrell et Morgan. La comptabilité moderne ayant comme point de repère Fra Luca Pacioli, j’y relie mes recherches comptables aux recherches de l’archéologue Denise Schmandt-Besserat afin de développer une réflexion sur l’objet analogique dans l’histoire du calcul comptable, et ce, jusqu’à la mise en place de la monétarisation que l’on connait aujourd’hui. Je convoque les écrits de Bernard Colasse portant sur les principes comptables. J’engage les principes de monétarisation, d’indépendance des exercices et le principe de continuité à travers une réflexion critique sur la valeur, la durée et la finitude. Ce mémoire privilégie les recherches théoriques expliquant la quête humaine de savoir combien et les fonctions de mémoire et de contrôle de la comptabilité. Je présente le protocole d’atelier intitulé Compter mes jours de même qu’une analyse dialectique qui convie ces théories comptables et des pratiques artistiques, en particulier Tehching Hsieh. J’exprime comment Compter mes jours est le récit qui rend compte et devient l’archive d’un récit, un compte rendu. Cette comptabilité domestique a été divulguée lors de La Conférence présentée le 30 mai 2017. La Conférence poursuit l’analyse d’une pratique rituelle, morale et politique, soulignant les recherches de James A. Aho, Ève Chiapello, Hans Derks, Mahmoud Ezzamel, Basil S. Yamey. L’ensemble de cette recherche exploratoire engage une réflexion singulière sur l’existence.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal. / Dans le cadre de ce mémoire, nous étudions les artistes en tant que public des arts et de la culture au Québec. Nous allons donc principalement nous intéresser à leur consommation culturelle et non à leur création. C'est en posant l'hypothèse que les artistes constituent un public spécifique face aux arts que nous abordons cette recherche. Leur spécificité, à la différence de certaines autres catégories socioprofessionnelles, tiendrait à leur compétence due à une plus grande familiarité avec le monde de la culture, puisqu'ils en sont aussi des producteurs. Pour cerner les différentes approches qui étudient les pratiques culturelles d'une population, nous avons choisi de présenter dans une première partie, les enquêtes qui nous semblaient les plus pertinentes pour notre étude comme celle dirigée par Rosaire Garon au Québec et celle dirigée par Olivier Donnât2 en France. Dans ces enquêtes, on nous expose quelles sont les pratiques culturelles les plus répandues au sein de la population. En les comparant avec celles des artistes interrogés dans le cadre de notre recherche, nous voulons montrer que les différences notées dans leur consommation culturelle, tiennent en partie à une conception spécifique qu'ils se font de la culture. Cette conception à laquelle s'ajoute une formation scolaire élevée engendreraient un comportement culturel typique à la profession d'artiste, qui se caractériserait par la volonté d'établir une certaine qualité dans la relation à l'objet culturel ou encore par la recherche d'une certaine authenticité dans ce rapport. La contribution de ce mémoire dans le champ de la sociologie de l'art a pour objectif de mettre en lumière sous un angle nouveau, la façon de considérer le rapport à l'art et à la culture afin de mieux comprendre les disparités qui existent entre les goûts chez certains groupes sociaux.

Le texte suivant est une réflexion sur la création et la théorie derrière mon projet de maitrise appelé ‘Of course I love you, the flower said’. Cette installation, basée sur la littérature classique pour enfants, est composée de plusieurs éléments dont trois cabanes distinctes et un environnement qui les entoure. Cette installation a comme but d’entièrement transformer la salle d’exposition afin de créer une possibilité d’immersion pour le visiteur. Elle est de l’ordre du fantastique et de l’imaginaire et prend son point de départ dans la dualité entre l’enfance et l’état adulte. Chaque cabane présente un diffèrent type d’art à l’intérieur, notamment un surplus de dessins, une muraille et une projection d’images virtuelles. Ainsi chaque forme d’art, l’élément de la cabane et le jardin entourant sont discutés prenant en compte comme ensemble, ils créent l’effet d’immersion désirée. / The following text is a reflection on the creation and theory behind my master’s project titled ‘Of course I love you, the flower said’. This installation, based on classic literature for children, is composed of various elements such as distinct cabins and the environment around them and aims to entirely transform the gallery space in order to create a possibility of immersion for the viewer. The installation itself is of the order of the imaginative and the fantastic and has a starting point in the child-adult duality. Each cabin features a different type of art on the inside, namely a surplus of drawings, a mural and a projected slideshow of virtual images. Hence each of these different art-forms, alongside the element of the cabin and the outside ‘garden’, are discussed with special regards to how together, they achieve the aimed for immersion.