Notre travail s'inscrit dans une perspective d'histoire de la littérature et cherche à conduire une réflexion globale sur la nature, la signification et la portée de l’utilisation de l’apocryphe chez l'écrivain espagnol Max Aub (Paris, 1903, Mexico, 1972). Le procédé sous-tend l'ambitieux projet de "El Laberinto Mágico" _Le Labyrinthe Magique ̶, qui regroupe les œuvres consacrées à la guerre civile espagnole. Max Aub rompt avec une première pratique expérimentale de la littérature pour se focaliser désormais sur le jeu d’un personnage résolument plongé dans l’Histoire, et la création du personnage apocryphe prend chez l'auteur une valeur de témoignage existentiel, qui dépasse la dimension ludique du mélange entre fiction et réalité. Dans un siècle caractérisé par les guerres et la violence, chez un auteur profondément marqué par la guerre civile espagnole et la douloureuse expérience du déracinement, le personnage apocryphe renvoie aussi à la question identitaire, autant qu’à l’expérience de l’altérité et à l’exploration d’autres possibles itinéraires existentiels. Cette exploration des limites du genre narratif contribue à la résolution de la « crise du roman » des années vingt, s'inscrit dans une double perspective européenne et nationale, et s'ancre dans l'Histoire au point de donner de celle-ci une vision nouvelle. / This doctoral thesis has benn aproached in a perspective of history of literature, and aims to consider a global thought about the nature, the meaning and the impact of the use of the apocryphal for the Spanish writer Max Aub (Paris, 1903, Mexico City, 1972). The process underpins the ambitious project of "El Laberinto Mágico" ̶The Magic Labyrinth ̶, which groups together the works dedicated to the Spanish Civil War. Max Aub breaks with a first experimental practice of literature to focus from this point onward on the game of a character firmly immersed in History. The creation of the apocryphal character takes for the author a value of existential testimony, which goes beyond the playful dimension of the fiction and reality mix. In a century characterized by wars and violence, in an author deeply marked by the Spanish Civil War and the painful uprooting experience, the apocryphal character also goes back to the question of identity, as well as the otherness experience , and the exploration of the other possible existential paths. This exploration of the limits of the narrative genre contributes to the resolution of the "crisis of the novel" in the twenties, it is also part of a double perspective, national and European, and is anchored in History, to the point where it gives of it a new vision.

Dans le dernier tiers du XIIe siècle, la sculpture romane espagnole connaît un renouvellement de grande ampleur qui aboutit à la création de véritables chefs-d’œuvre et suscite une production d’une exceptionnelle fécondité. Au monastère de Silos eurent lieu à cette époque d’importantes transformations, au cours desquelles intervint un des plus grands sculpteurs de la période : le Second Maître de Silos. Celui-ci, fut, avec Maître Mathieu à Compostelle, le principal inspirateur d’un vaste courant de sculptures qui envahit tout le Nord de l’Espagne, à la fin du XIIe et au début du XIIIe siècle. La prospérité que connaît alors le pays entraîne en effet un développement considérable de l’activité architecturale. En Aragon, en Navarre, en Vieille-Castille, les sculpteurs espagnols s’inspirèrent des grands maîtres et décorèrent jusque dans les années 1200-1210, un grand nombre de monuments alors en chantier. De cette abondante production se dégagent d’importants pôles régionaux, qui apparaissent comme des relais de l’art de Silos : c’est le cas notamment pour Burgo de Osma, Soria, Estella ou Tudela. Ce renouvellement de la sculpture concerne aussi bien de grands ensembles, comme les cloîtres et les grandes façades, que des productions plus modestes, églises rurales ou petits reliefs. Ce travail visait à déterminer dans ces sculptures ce qui provient de Silos, de Compostelle ou d’ailleurs. Cela nous a permis d’émettre des hypothèses sur les chemins de diffusion de l’art du second Maître de Silos. La domination de l’art de Silos paraît claire dans les régions les plus proches du monastère, c’est-à-dire dans la meseta castillane. Dans les anciens évêchés de Burgos et d’Osma, l’empreinte de Silos est des plus prégnantes, et marque durablement les artistes, qui deviennent à leur tour des relais de l’art de Silos, qui se diffuse ainsi dans les régions voisines. Dans les zones plus éloignées du monastère castillan, la propagation de l’art de Silos est parfois plus complexe à déterminer, car s’y mêlent des éléments venus d’ailleurs, de Compostelle, notamment, ou des influences locales. / At the end of the 12th century, the Spanish Romanesque sculpture knows a great renewal, which leads to the creation of true masterpieces. In Santo Domingo de Silos, one of the greatest sculptor of the time, the Second Master creates one of the most beautiful example of Romanesque sculpture. With Maître Mathieu, he is the principal initiator of a vast movement, which spread over the entire Northern Spain. At this time, the prosperity of the country involves an important development of the architectural activity. In Aragon, Navarra, Castile, Spanish sculptors take inspiration from the great masters and carry out the decoration of many monuments. They work in Burgo de Osma, Soria, Estella, Tudela, in cloisters and cathedrals, but in small churches as well. This research tries to determinate how the art of the Second Master of Silos spread over in the latest Romanesque sculpture of Spain.

Au carrefour de la sociologie de la culture et de la sociologie de la déviance, ce travail porte sur les dimensions festives et oppositionnelles du monde des free parties, qui s’articule autour de manifestations techno clandestines et marginales. A partir d’une enquête ethnographique, il s’agit d’examiner une pratique culturelle et musicale mais aussi de saisir la variété des expressions oppositionnelles que les jeunes engagés dans ce monde y déploient. A la suite d’un travail de clarification théorique, cette recherche s’inspire de la notion de contre-culture, dans laquelle l’idée de conflictualité est centrale. Cet outil conceptuel permet d’explorer diverses facettes de l’univers free, controversé et encore largement méconnu, et notamment sa composante « contre ». On peut ainsi montrer que, si le monde free est loin d’être réductible à ses dimensions oppositionnelles, celles-ci peuvent donner un relief particulier à la fête – et réciproquement. La pertinence du croisement entre l’objet « free parties » et l’outil conceptuel « contre-cultures » est due en partie à la double déviance, sociale et légale, qui caractérise les fêtes techno étudiées. Les différents aspects oppositionnels mis en évidence dans ce monde juvénile, ainsi que la distinction entre non-conformité et contestation qui en émane, permettent d’analyser le rapport entre déviance, illégalité, conflictualité/illégalité à la lumière du cas des free parties. / At the crossroads of the sociology of culture and the sociology of deviance, this work focuses on the festive and oppositional dimensions of the free party world, which revolves around clandestine and marginal techno events. Based on an ethnographic research, this study aims to examine a cultural and musical practice but also to grasp the various oppositional expressions unfolding within this youth culture. After providing a theoretical clarification, I draw on the notion of counterculture, in which the idea of conflict is central. This conceptual tool enables me to explore various facets of the free party universe, controversial and still largely misunderstood, and in particular its antagonistic elements. Thus I show that, while the free party world does not amount to its oppositional dimensions, the latter can enhance the festive experience – and vice versa. The double deviance – both social and legal – characteristic of the studied techno parties makes it all the more relevant to bring together this object of study and the concept of counterculture. The various oppositional aspects of this youth culture I highlight, as well as the resulting distinction between nonconformity and contention, enable me to analyze the relationship between deviance, illegality, and conflict/counterculture in the light of the case of free parties.

Hippolyte Bellangé a connu une longue carrière qui s’est étendue de la Restauration au Second Empire. Après avoir exposé ses premières peintures au Salon de 1822, cet élève de Jean-Antoine Gros s’impose rapidement dans le milieu comme l’un des principaux chantres de la légende napoléonienne. Élevé en pleine gloire et effervescence du 1er Empire, il appartient à une génération d’artistes qui, au lendemain de Waterloo, va transposer dans son œuvre toute une palette de mélancolie et de nostalgie envers cette rutilance passée, tout autant entraperçue que fantasmée. Le succès de Bellangé, fortement corrélé à un contexte propice à la propagation de la légende napoléonienne, donne un aperçu intéressant sur les évolutions de l’opinion publique d’une part, et des attitudes politiques d’autre part, vis-à-vis de la figure de Napoléon Bonaparte. Ses œuvres se caractérisent en outre par l’application qu’il met dans l’évocation et la description du quotidien. Son installation à Rouen lui donne notamment l’occasion de créer une iconographie renouvelée de la campagne normande. Homme public et artiste aux multiples facettes, sa carrière a par ailleurs été marquée par son activité de conservateur du musée des Beaux-arts de Rouen. Ce parcours pluridisciplinaire nous offre un champ d’étude remarquable et une documentation précieuse sur la carrière et le statut des artistes du milieu du XIXe siècle. L’analyse de la vie et de l’œuvre d’Hippolyte Bellangé, resituées dans leur contexte politique, nous offre enfin l’occasion de questionner les notions d’art engagé, d’art populaire et d’art patriote dans les années qui ont suivi le 1er Empire. / Hippolyte Bellangé had a long career that extended from the Restoration to the Second Empire. After exhibiting his first paintings at the Salon of Paris in 1822, this disciple of Jean-Antoine Gros quickly established himself in the artistic environment as one of the main promoters of the Napoleonic legend. Raised during the full glory and effervescence of the First Empire, he belonged to a generation of artists who, the day after Waterloo, transposed into their work a whole palette of melancholy and nostalgia towards that past glow they half-caught a glimpse of, half-fantasized about. Bellangé's success, which was strongly correlated to a context that was supportive to the spread of Napoleonic legend, gives an interesting insight into the evolution of public opinion on the one hand, and political attitudes on the other, towards the figure of Napoleon Bonaparte.His works are also characterized by the application he puts into the evocation and description of everyday life. His moving to Rouen gave him the opportunity to create a renewed iconography of the Norman countryside. Simultaneously a public figure and a multifaceted artist, his career has also been marked by his position as curator of the Musée des Beaux-arts of Rouen. This multidisciplinary background definitely offers a remarkable field of study and a valuable documentation on the careers and the status of artists in the mid-nineteenth century. The analysis of the life and work of Hippolyte Bellangé, reviewed in their political context, finally gives us the opportunity to question the notions of committed art, popular art and patriotic art in the years following the First Empire.

Le concept d’un « dispositif d’objets » présent dans le Portrait d’un marchand (v. 1530) de Jan Gossart et le Portrait du marchand Georg Gisze (1532) d’Hans Holbein le Jeune a pour objectif de porter un regard nouveau sur des œuvres trop souvent réduites à des notions d’esthétisme et de symbolisme. En utilisant une approche pluridisciplinaire à notre analyse, nous voulons promouvoir les objets comme acteur dominant dans la mise en scène de l’identité sociale du marchand au 16e siècle. L’association entre histoire de l’art et anthropologie des techniques permet la validation d’une scénographie de la culture matérielle marchande, ainsi que le dégagement d’un commentaire social inhérent à la proposition artistique de Gossart et Holbein. L’intérêt d’une étude orientée sur les objets promet également l’ouverture d’une réflexion sur la manière de concevoir le portrait d’occupation indépendamment de la valeur anagogique qui lui est généralement associée à la Renaissance. Le Portrait d’un marchand et le Portrait du marchand Georg Gisze attestent d’un moment ponctuel dans la production spatio-temporelle des portraits de marchands en Europe du Nord au 16e siècle. L’analogie confondante qui unit les deux œuvres prend son essence dans la thématique visuelle engendrée par le « dispositif d’objets ». / The concept of an object system, as found in Jan Gossart’s Portrait of a Merchant (ca. 1530) and Hans Holbein the Younger’s Georg Gisze (1532) aims to reevaluate works which are too often reduced to aesthetics and symbolism. By means of a multidisciplinary approach, the study aims to promote the objects represented in the paintings as the dominant actors in the staging of the social identity of the sixteenth-century merchant. The association between art history and anthropology of techniques allows the validation of a scenography of the material merchant culture, as well as the emergence of a social commentary inherent to Gossart’s and Holbein’s artistic work. Attention to an object-oriented study also allows for new insights into how to understand the occupational portrait independently of an anagogical value, which is generally attributed to the Renaissance period. The Portrait of a Merchant and portrait of Georg Gisze attest to a specific moment in the production of merchant portraits in northern Europe during the sixteenth century. The apparently disparate works are united by the object system represented in the paintings.

This study concerns the declaimed performance of recitative in early French opera. Because the dramatic use of the voice was crucial to the opera genre, this investigation begins with a survey of historical definitions of declamation. Once the topic has been described, the thesis proceeds to thoroughly study three treatises dealing with sung recitation: Bacilly's Remarques curieuses, Grimarest's Traité de recitatif, and Dubos' Reflexions critiques. Principles from these sources are then applied to representative scenes from the literature. The paper closes with a commentary on the relationship between spoken and sung delivery and on the development of different declamatory styles.

Le but de cette thèse est de créer et d'utiliser un outil d'analyse des aspects de spiritualité chrétienne dans quatre tableaux de Rembrandt intitulés Les Pèlerins d 'Emmaüs. La modélisation de la grille d'analyse s 'établit sur des principes d'analyse iconographique d'Erwin Panofsky; d'analyse sémiologique de Wassily Kandinsky et Fernande Saint-Martin; et d'esthétique théologique de Hans Urs von Balthasar. Les résultats d'interprétation révèlent la pertinence et l'efficacité de la nouvelle grille d'analyse faisant entre autres ressortir la convergence graphique non pas sur la fraction du pain comme il est dit traditionnellement, mais sur l'attitude de contemplation du Christ.

Les fresques dites du Bon gouvernement qui ont été peintes en 1337-1340 par Ambrogio Lorenzetti au Palais public de Sienne sont, à travers le thème de la paix, examinées sous l'angle de leur héritage antique. L'auteur a recours pour ce faire à l'Ara Pacis Augustae avec lequel il établit une comparaison. Il met aussi à contribution certaines réalisations de la peinture romaine de même que des oeuvres de la sculpture, de la glyptique et de la numismatique. Examinée en relation avec l'Antiquité, l'oeuvre étudiée révèle une hérédité à caractère général qui n'exclut pas le legs spécifique. Cet héritage antique se situe à plusieurs niveaux: celui des idées politiques qui amènent les concepteurs des programmes à avoir recours à des stratégies artistiques analogues, celui des thèmes iconographiques qui sont parfois les mêmes, souvent proches ou encore appartiennent à la même catégorie, celui enfin des formes artistiques. La Pax Senensis devient ainsi une lointaine descendante de la Pax Romana / Québec Université Laval, Bibliothèque 2013

"Thèse en cotutelle Doctorat interuniversitaire en histoire de l’art Université Laval Québec, Canada, Philosophiae doctor (Ph.D.) et Université Sorbonne Nouvelle Paris 3, Paris, France, Docteure" / Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016 / Entre les décennies 1960 et 1980 émergent les courants de l’« art de la performance », du « happening », du « body art », de l’« art corporel » ou encore de l’« art de l’action », qui désignent les démarches des nombreux plasticiens qui font directement intervenir le corps, souvent leur propre corps, dans leurs travaux. À travers les productions des acteurs qui soutiennent ces courants le corps est fabriqué comme un sujet légitime d’attention et de valeur. La thèse décrit l’émergence de ces courants artistiques pendant la décennie 1970 en soutenant qu’ils peuvent et doivent être interrogés comme des phénomènes sociaux. En effet, jamais auparavant autant d’acteurs des mondes de l’art visuel n’avaient décidé simultanément de se tourner vers le corps lui-même, et de le mettre à l’œuvre, à l’ouvrage, à l’épreuve. Interroger leurs productions du point de vue du corps peut permettre de dérouler de comprendre en profondeur la présence incisive et percutante du phénomène. Ces courants viennent poser des questions cruciales à l’anatomie du travail créateur : rapports sociaux de sexe, interactions avec les spectateurs, engagements politiques, marchandisation. L’étude, sociohistorique, focalise autour de trois scènes (France, côtes est et ouest des États-Unis) à partir d’un corpus d’archives documentaires (entretiens, critiques, essais, manifestes, notations, photographies). La thèse comprend un volet d’enquête qui mesure la reconnaissance de ces pratiques, un second volet d’histoire institutionnelle et intellectuelle qui décrit les savoir-faire et les modalités d’énonciation liés aux actions et aux événements et enfin, une topographie qui résume les modèles du corps produits par les gestes les raisonnements des artistes et de leurs commentateurs. Mots-clés : Histoire des corps, art de la performance, critique d’art, féminismes, documentation, sociologie historique. / « Performance art », « body art » and « happenings » appeared on the art scene between the 1960s and the 1980s. The human body was at the heart of these artistic movements, to the extent that many artists embodied their own works. Within such creative processes and productions, the body undeniably became a legitimate subject of attention and value. This dissertation describes the initial stages of the art movements aforementioned, and argues that they must be analyzed as sociological phenomena. Never before had such a larger of artists within the same time period decided to focus on the entity of the body itself, to use and misuse it so intensely. Observing their approaches through the lens of the body allows us to voice critical questions about the anatomy of a creative work - gender relations, interactions with the viewers, political commitments, and marketing. This sociohistorical research studies three landmark art scenes of the time (France, the east coast, and the west coast of the USA), by delving into a documentary material of archives (interviews, reviews, essays, manifestos, notations and photographs). The thesis begins with a sociological inquiry which measures the visibility of these artistic movements; it is followed by a history of the institutional and critical apparatus which described the atistic skills and statements at work within body actions and happenings; lastly, the dissertation presents a topography of the workings of the body, drawn from the artists’ performances and theoretical stances, as well as art critics’ viewpoints and analyses. Key Words : body art, avant-gardes, history of the body, feminisms, documentation, historical sociology.

La présente étude est consacrée au peintre nantais du XIXe siècle, James Tissot, et à son œuvre d'inspiration biblique intitulée la Vie de Notre-Seigneur Jésus-Christ. Elle se veut une recherche sur la valeur artistique et historique de l'œuvre. Par diverses façons, James Tissot nous entraîne dans un univers réaliste, basé sur ses recherches archéologiques, typologiques et topographiques. En outre, une connexité s'installe entre les périodes picturales mondaine et biblique de sa carrière artistique, ce qui créera une œuvre teintée d'influences de toutes parts. L'analyse de l'œuvre religieuse se fera par un aperçu de la biographie de l'artiste, une recherche sur sa théorie de l'art biblique, un regard sur le contexte artistique, politique, social et religieux ainsi que sur la fortune critique du peintre, lesquels serviront à cerner les tendances picturales de l'artiste. Enfin, l'influence de l'œuvre religieuse de James Tissot dans le cinéma français et américain se retrouve en postface de ce mémoire. / Montréal Trigonix inc. 2018