Contrairement à l'industrie graphique qui s'est très rapidement convertie à l'impression numérique à jet d'encre, l'industrie textile manifeste de fortes réticences envers cette nouvelle technologie. Ce procédé d'ennoblissement offre pourtant, dans les domaines de la création et de la production, de nombreuses possibilités d'innovation. L'objectif de ce travail est, d'une part de mettre en exergue le potentiel créatif iconographique de cette technologie et d'expliquer les changements de la notion de dessin textile qu'il induit. D'autre part, en les confrontant aux limites actuelles de l'impression traditionnelle aux cadres, il détaille les nouveaux modes de production à même d'insuffler une nouvelle dynamique aux métiers de l'impression textile. En dernier lieu, sont exposés les facteurs environnementaux qui seront appelés à jouer un rôle de plus en plus important dans l'économie du futur. L'ensemble offre ainsi une présentation complète et actualisée des différents aspects de l'impression textile à jet d'encre.

La pensée de Bergson situe l'esthétique à l'intérieur d'une philosophie de la nature, dont le principe métaphysique est loin d'être soumis au déterminisme, et encore plus loin de retomber dans le hasard, car elle se réfère à l'irréversibilité du temps. Au lieu d'être une discipline intellectuelle qui cherche la nature de la beauté, il s'agit d'une performance vitale, du processus virtuel de différenciation vers la position actuelle de nouveautés radicales, qui peuvent aboutir ou non à une activité artistique. Par conséquent, l'art n'est pas un ensemble d'attributs donnés ou la pratique de certaines compétences spécifiques. Il est, en effet, un mode d'action qui entremêle les régimes du virtuel et de l'actuel, sans jamais permettre que l'existence conquise recouvre complètement la consistance. Il se réalise exactement dans une telle ouverture métaphysique. Si la poussée de la vie est ce qui fait communiquer l'esprit et la matière, en insérant de la liberté dans la nécessité, il s'ensuit que l'activité artistique est l'une des voies où l'élan s'écoule, aux côtés des êtres vivants et de l'expression mystique. Pour que l'individuation d'une œuvre soit viable, il faut certains degrés de liberté et niveaux de conscience qui ne peuvent s'expliquer ni par l'espèce, ni par l'individu, car la durée prend d'autres tonalités vitales. Touché par une émotion créatrice, l'artiste va effectivement du Tout ouvert à la position de nouveaux mondes. Ainsi, le véhicule d'action se confond avec l'action elle-même, le créateur avec la créature, de sorte que le corps artistique instauré devient pur débordement de vitalité, excès joyeux à partir duquel le temps prend conscience de lui-même.

En quoi la notion de rupture permet-elle de comprendre ce qu'est un acte de création artistique ? Ce travail s'attache à montrer le lien entre trois figures de la rupture dans le domaine de l'art : au fondement de sa posture de créateur, il y aurait une rupture qui habite l'artiste ; comme principe de génération de l'œuvre, il y aurait acte de rupture ; dans la manière dont elle s'inscrit dans la civilisation, l'œuvre d'art ferait rupture. Faut-il ainsi penser que toute œuvre d'art reposerait sur l'exigence de rupture ? Et dans ce cas, pourquoi l'art serait-il déterminé par cette exigence ?

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Cette étude que j'ai intitulé «Œuvre monstre, une création informe» s'inscrit dans une recherche dans l'art contemporain sur des phénomènes plastiques liés à l'idée de l'extrême. Ils restent tributaires d'une théorie de la forme vers celle de l'informe et d'une grande plasticité que rehaussent mes œuvres personnelles, mélangeant de façon heureuse la sculpture traditionnelle et le numérique. Or, associer l'image numérique, l'argile et la vidéo au sujet du monstre était une manière de toucher au plus profond des œuvres cruelles et informes, de ressemblances déchirantes et déchirées. La forme monstrueuse n'est donc pas réduite à une simple signification consciente, elle transcrit un discours univoque et le monstre devient alors le concept par excellence dans ma pratique plastique. L'œuvre devient de l'ordre de "monstrum", l'image est d'essence "monstrative". Chaque image, telle qu'elle soit, numérique, photographique ou vidéographique est une monstrance. La sculpture serait la représentation du corps déchu, ou de l'image de la mort, qui surgit dans le miroir de Narcisse qui n'a plus rien à faire de la ressemblance, donnant un reflet qui appréhende le masque de Méduse. Cette recherche qui s'attache à l'informe, débusque les mythes sous des pratiques violentes et accidentées, appuyée par une recherche théorique qui s'est développée notamment autour de la pensée de Georges Bataille, ainsi que des anthropologues et de la phénoménologie, et par leurs pensées, l'œuvre ramène les différentes expériences d'extrême, d'excès, et de perte, à la dimension du sacrifice. / This study I entitled "Monster Work, a Formless Creation" is to be inscribed within a contemporary art research that deals with the idea of the extreme in relation to plastic phenomena, for the latter depend on the theory of form and on a great plasticity enhanced by personal creations that happily melt traditional sculptures with digital technology. As a matter of fact, combining the digital image, the clay and the video, with the monster, was a way to reach what is profound within formless and cruel works of art that are of painful and torn resemblances. The monstrous form is, thus, not reduced to a simple conscious significance, it transcribes an unambiguous discourse and the monster becomes the concept, par excellence, of my plastic practice. The work of art becomes connected to the "monstrum" and the image is inherently endowed with a visual power (in French "monstrative"). Every image, be it digital, photographic or video graphic is a monstrance. Sculpture would be the representation of the fallen body or the image of death that appears in Narcissus Mirror and that is no longer related to any form of resemblance, showing a reflection that grasps the Mask of Medusa. This research that is focusing on formlessness serves to dispel the myths under violent and rugged practices supported by a theoretical research based on the philosophy of Georges Bataille as well as that of anthropologists and phenomenologists, and through their thoughts, the work brings the different experiences of extremes, excess and loss to the dimension of sacrifice.

La matière est la cellule fondamentale de la création. Elle est présente sous diverses formes et densités. Parfois souple, d'autres fois solides, elle est aussi réelle et irréelle. La dualité de son identité fait de sa nature un facteur propice à l'expression de l'art. Dans l'Interprétation de la Nature (Interprétation of Nature), l'élément visible mais aussi invisible subit le cycle de la vie qui dans un espace spatiotemporelle change, le fait naître de renaître. Dans ce contexte, mon étude porte sur l'être et le devenir. Le développement de la cellule primaire, sa croissance, sa formation, sa maturation, sa disparition et sa re-création. L'expérience de l'objet est variable selon l'espace. L'espace qui entoure le spectateur peut être la cause du changement, et modifier l'oeuvre. La situation n'est pas dépendante du créateur mais interactive avec le spectateur qui entretient un rapport ambigu. de possesseur-possédé. / Material is the fundamental cell of creation. It appears under different shapes and densities. Its dual identity turns its nature into an appropriate factor in the expression of art. In the Interpretation of Nature, visible as well as invisible elements undergo the existential cycle which, within a spatiotemporal framework, breathes endless life into it. In this context, my study revolves around being and becoming, that is, the development of primary cell, its growth, formation, maturation, demise and re-creation. The experience of the objects varies according to space. The space surrounding the viewer might be the cause of change and might even modify the artwork. The situation does not just rely on the creator but interacts with the viewer in an ambiguous relation where the possessor becomes possessed.

Cette recherche met en relation un travail de création artistique par le dessin et une réflexion sur le notion de transformation dans l'imaginaire taïwanais. Il s'agit de penser artistiquement les processus de reconstruction d'une identité, pendant la compréhension et l'adaptation à une culture différente. L'accent est mis sur le processus qui transforme des sentiments inhibés en expériences d'images. Ces images dont la composition peut rappeler les technique surréalistes ou de l'art fantastiques renvoient au rêve construit à partir d'un imaginaire vernaculaire propre à la culture Taïwanaise: rites familiaux, cérémonies collectives religionsyncrétique pour manifester ce choc et le décalage imaginaire. Le dessin peut montrer des images irréalistes, comme un rêve. Cette thèse entend comprendre comment cet imaginaireune fois formalisé par le dessin construit une identité tant artistique que culturelle / This research connects the creative artistic work of a drawing to reflections on the change in the Taiwanese imagination. It means to artistically think through the reconstruction process of an identity as it comprehends and adapts to another culture. The emphasis is placed on the way inhibited feeling are transformed into visual experiences. Using what could appear to be surrealist techniques or fantastic art, these images evoke dreams built on distinctive vernacular concepts found in the Taiwanese culture, as in family rituals, or collective syncretic religious ceremonies, to shock an highlight the differences. The illustration can depict unrealistic imaginings like in a dream. This thesis aims to explain how this imagination, once formalized by a drawing, shapes both artistic and cultural identity

Ce travail porte sur la construction identitaire des femmes dont la profession est centrée autour d’une activité artistique. L’envie de réaliser cette étude me vient du constat que le sexe féminin est autant (voire plus) représenté que le sexe masculin dans les formations culturelles et artistiques et, pourtant, les femmes qui accèdent au « devant de la scène », celles qui sont reconnues en tant qu’artistes, exposées dans les musées et célébrées comme références restent rares en proportion. Je me suis appuyée sur la notion d'intersectionnalité pour enrichir une analyse de la notion d'identité. Je me suis intéressée au concept de domination masculine pour voir comment s'effectuent les rapports de pouvoir au sein des mondes de l'art. J'ai analysé comment le rôle de l'artiste est socialement construit afin de mieux comprendre les mécanismes d'élaboration de l'identité professionnelle chez les femmes artistes. Cette recherche porte sur les parcours de femmes artistes lus sous trois angles différents. Dans les récits de vie de mes interviewées, j'ai mis en avant les marques d'une socialisation différentielle féminine, les dérèglements des identités genrées et les dépassements des stéréotypes de genre dans la façon dont les femmes artistes se représentent leurs identités. J'ai précisé les éléments de la socialisation primaire qui avaient pu leur permettre, dans l'enfance, de s'orienter vers une carrière artistique. Dans un deuxième temps, j'ai analysé comment, dans leurs socialisations secondaires, les femmes se construisent et se développent des carrières d'artistes, quels modèles donnent envie de créer, quelles formations façonnent les devenirs professionnels et quels réseaux sont mis en place dans le champ de la création. En observant leur parcours scolaire et leur entrée dans le métier j'ai détaillé les modalités d'apprentissage d'une profession ainsi que des codes et des normes qui la régissent. Dans un troisième temps, enfin, j'ai étudié comment se sentent perçues aujourd'hui les femmes artistes, comment elles trouvent leur place dans les mondes de l'art et quels rôles leur sont accordés. Dans un univers professionnel encore majoritairement masculin j'ai notamment examiné la façon dont les femmes se trouvent confrontées aux questions de la famille, du couple, de la maternité, comment elles se débrouillent avec les modèles préexistants et comment elles naviguent dans des réseaux professionnels souvent synonymes d'un entre-soi masculin.Ce travail de recherche apporte une vision de la construction identitaire genrée chez les femmes artistes aujourd'hui. Il nous permet d'entrevoir comment des enquêtées trouvent leur place dans une position professionnelle particulière, profession caractérisée par le peu de femmes qui la constitue et par le rôle que cette activité tient dans la vie sociale. Cette thèse est enfin l'occasion de faire un point plus général sur la façon dont peuvent se combiner au présent identités de genre, de classe et professionnelle. / This work is about the construction of identity for the women who work around an artistic activity. The will to do this study came from the statement that women are more represented than men in the artistic training. However the few that came “in the limelight”, are recognized as great artists, exhibited in museum and celebrated as mentors, are really rare.I based my work on the notion of intersectionality to enrich my analysis of the notion of identity. I was interested in the concept of male domination in order to see how the power relationship is built within art worlds. I have analyzed how the artist's role is socially constructed in order to understand the ways in which female artists build their professional identityThis research is about the path of women artists perceived by three different points of view. In the life story of my interviewees, I spotlighted the label from a female differential socialisation, the disruption of the gender identity and, finally, the average of gender stereotypes in the way that women artists saw their identity. I specified the elements of the primary socialisation that has allowed them to move towards an artistic career since their childhood.In a second time I analysed how, in their secondary socialisation, women built and developed an artistic career, whose role model gave inclination to create, whose training shaped professional aspiration and whose network was implemented in the field of creation. Viewing their academic career and the beginning of their work, I detailed the way of learning a profession and codes and standards that regulate them.Finally in a third time I studied how women artists may feel perceived today, how they find their place into art worlds and what roles are approved for them. In a working world still primarily masculine I examined how women are affected by the question of family, couple and maternity, how they manage the pre-existing patterns and how they navigate into professional networks, which often means masculine self-segregation.This research brings a vision of identity building for women artists today. It allows us to envisage how the survey participants find their place into a particular professional position, because of the small number of women in this work and because of the role that this activity plays in social relationships. This research is finally a way to assess, generally speaking, the manner that gender, class and professional identity can be combined.

Le Supply Chain management a pour finalité de piloter un ensemble d'acteurs appartenant à une ou plusieurs chaînes dans le but d'optimiser globalement la chaîne et ainsi proposer de créer de la valeur commune. L'analyse systémique permet de mieux appréhender les attentes en termes de performance en se situant sur une perspective plus globale et en intégrant dans un ensemble chaque élément d'une chaîne. La mise en place des meilleures pratiques de Supply Chain management concourt à la création de valeur pour les clients et les actionnaires. Nous avons montré par un modèle statistique que plus les entreprises s’engagent dans une démarche d’excellence Supply Chain plus leur valeur clients et actionnaires sont élevées. Les entreprises ayant mis en place les meilleures pratiques du Supply Chain management sont celles qui sont amenées à observer les plus fortes valorisations vis-à-vis des actionnaires et des clients. Nous avons ensuite analysé les différents modèles d’évaluation de la performance du Supply Chain management et montré que les modèles existants ne sont pas tous orientés vers l’analyse de la création de valeur. Nous avons ainsi comparé quinze modèles en les distinguant en plusieurs catégories. Ayant constaté certains manques, nous avons proposé un modèle d'évaluation de la performance Supply Chain management (SCALE) orienté vers la création de valeur sur la chaîne permettant ainsi aux entreprises de s’orienter efficacement vers cette création de valeur étendue. Le modèle a été mis en oeuvre dans une entreprise de la grande distribution pour montrer l'impact de l'utilisation de ce modèle sur la création de nouvelles richesses pour l'entreprise et la chaîne. Les conclusions apportées par cette étude d’entreprise montrent que le modèle SCALE permet d'aider les décideurs des entreprises d’une chaîne à mieux piloter leurs organisations en prenant en compte les paramètres de chaque acteur et de l'environnement. / The purpose of supply chain management is to pilot a group of actors belonging to one or several chains, thereby achieving a global optimisation of the chain(s) and creating shared value. Systemic analysis has improved understanding of actors’ performance expectations, and with today’s broader outlook, chains tend to be viewed as encompassing a whole range of disparate elements. Determining the best supply chain management practices helps to create value for customers and shareholders. Using a statistical model, we have been able to show that the more companies commit to a supply chain excellence approach, the greater the value for their customers and shareholders. The companies that have established the best supply chain management practices are those that will benefit most from customer and shareholder goodwill. We then analysed the different supply chain management performance evaluation models and showed that existing variants are not all geared towards value creation analysis. This led us to compare 15 models differentiated by several categories. Having observed several weaknesses in these variants, we came up with our own supply chain management performance evaluation model (SCALE), one that is more oriented towards value creation within the chain and will enable companies to move as efficiently as possible to adopt an extended value creation construct. The model was implemented in a large retail company to demonstrate how its utilisation can impact the creation of new wealth for company and chain alike. The conclusions of this corporate study show that the SCALE model helps corporate decision-makers within a particular chain to improve the way in which they pilot their organisations by incorporating the characteristic parameters of each actor and the environment as a whole.