Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 855667 bytes, checksum: b06558922e129c45bf687a0cbd0ceb4e (MD5) Previous issue date: 2013-06-19 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This study consists in analyzing Horace s Carmen Saeculare, public poem created to become the official hymn of the Ludi Saeculares. The purpose of this work is to show how the Carmen Saeculare, poem with the status de religious hymn, can be, at same time, a political propaganda of Augustus, through cultural, mythical and religious aspects of roman society. We propose to analyze the poem, regarding theories that approaches, mainly, literature and its influence in Rome. In order to achieve a better comprehension of the text, we present an operational translation of the whole original text. / Neste trabalho realizo um estudo do Carmen Saeculare de Horácio, poema público criado para ser hino oficial dos Ludi Saeculares. O objetivo é mostrar como o Carmen Saeculare, poema que se encontra na categoria de hino religioso, se configura, ao mesmo tempo, em uma propaganda política de Júlio César Otaviano Augusto, através de elementos culturais, míticos e religiosos da sociedade romana. Propomos analisar o poema, considerando teorias que abordem, principalmente, literatura e sua influência na política de Roma. Para melhor entendimento do texto, apresentamos uma tradução operacional do texto original.

Entender a poesia clássica japonesa exige conhecimentos não só do significado das palavras, mas também dos recursos retóricos que se fazem presentes nesse gênero literário. Por essa razão, neste trabalho, dedicar-nos-emos a analisar os recursos que possibilitam a leitura dos poemas da antologia Kokinwakashû, do Período Heian. Os mais significativos recursos são: makurakotoba, jokotoba, kakekotoba e engo. Como o recurso mais característico dos poemas dessa antologia é o kakekotoba, dedicaremos mais atenção a este, não apenas definindo e apresentando classificações e questões tradutológicas, mas também estabelecendo uma breve comparação com o recurso retórico da literatura ocidental e analisando as relações estabelecidas entre o kakekotoba e os três outros recursos retóricos. Para conseguir realizar nosso objetivo, partiremos da observação de poemas que contêm vários exemplos desses recursos e procuraremos obter conclusões a partir do método dedutivo. Também utilizaremos conceitos da Semiótica Francesa, como isotopia e conector de isotopia, a fim de melhor compreender os efeitos de sentido decorrentes dos recursos de retórica nos textos. Dessa maneira, procuramos contribuir com os estudos da língua e literatura clássicas japonesas, especialmente no Brasil, e inspirar novos estudos no futuro. / Understanding the classical Japanese poetry requires knowledge of not only the meaning of words, but also of rhetorical devices that are present in this literary genre. For this reason, in this work, we dedicate ourselves to analyse the devices that enable the comprehension of poems from the anthology Kokinwakashû, from Heian Period. The most significant devices are: makurakotoba, jokotoba, kakekotoba and engo. The most important device in the poems of this anthology is the kakekotoba. Then, we pay more attention to this, not only defining and classifying the devices and theirs problems of translations, but also comparing them with the Western literature and analyzing the relationships established between the kakekotoba and the three other rhetorical devices. To achieve our goal, we will assume the note of poems that contain several examples of these devices and will analyse them to obtain conclusions by using the deductive method. Also we will use concepts from Semiotics, as isotopy and connector of isotopy, in order to better understand the effects of sense arising from rhetoric devices in the texts. In this way, we aim to contribute to the study of Classical Japanese Language and Literature, especially in Brazil, and inspire other studies in the future.

Considerada ainda na antiguidade como a \"ancestral de todas as narrativas monogatari\", Taketori monogatari é a obra mais antiga de seu gênero. Escrita provavelmente entre os séculos IX e X, a narrativa conta a trajetória da personagem Kaguyahime, desde que foi encontrada pelo personagem que dá título à obra até a ocasião em que é levada de volta para o mundo de onde veio. Os acontecimentos que se desenrolam a partir da corte amorosa empreendida por cinco pretendentes que desejam se casar com ela ocupam considerável espaço na narrativa. Esse arco é considerado pelos estudiosos japoneses como exclusivo de Taketori monogatari, não constando em nenhum outro registro anterior da lenda. A partir desta hipótese e amparados pelo trabalho de Roland Barthes, propusemos uma reflexão sobre a construção do discurso pretensamente amoroso nessa parte em que se acredita vislumbrar o ineditismo da obra. / Regarded as \"the ancestor of all monogatari narratives\" since Classical Japan, Taketori monogatari is the most ancient piece of work in monogatari genre. Written probably between the 9th and 10th centuries, the narrative tells the story of Kaguyahime, from the moment she was found by the character whose name is in the title of the narrative until she is taken back to her homeland. The episodes starred by the five noble men who wish to marry her occupy the most of the narrative and are thought, by the Japanese scholars, to be exclusively Taketori monogatari author\'s creation. Considering the Japanese scholars\' view and supported by Roland Barthes\'s treatise on amorous discourse, we aimed to expose the way the discourse spoken by Kaguyahime and her suitors is built in those supposedly romantic episodes.

Nō é uma arte cênica japonesa em que representação, dança e música misturam-se em apresentações estilizadas onde poucos elementos são trabalhados para o aprofundamento de uma unidade imagética. Apesar de encontrarmos seus primeiros registros em documentos da era Heian (794-1185), a complexificação de todos os seus aspectos ocorreu na era Muromachi (1334-1573), com os esforços de Zeami (1363-1443) e de seu pai, Kan\'ami (1333-1384). Além de desenvolver a atuação e a orquestração, ambos fizeram avanços significativos na composição de peças. Felizmente, o maior artista de nō, Zeami, nos deixou muitos escritos críticos em que detalha todas as pesquisas empreendidas durante sua vida. A partir de um desses tratados e trechos de outros dois, este trabalho buscará analisar o método, estabelecido por Zeami, pelo qual a criação dramatúrgica divide-se em três frentes: shu, saku e sho, \"semente\", \"estrutura\" e \"composição\", respectivamente. Shu é o meio pelo qual se trabalha com a fonte que dá origem à peça e que será inevitavelmente revista pela linguagem do nō; saku é a estruturação musical que possibilita o desvendamento da semente; e sho é a junção de palavras e sons que transmitem essa revelação. Com o apoio de estudiosos e poetas recentes, procuraremos identificar os princípios que regem esses três caminhos e os modos pelos quais eles se unem para a formação de um todo orgânico, onde yūgen, a beleza contrária à imitação da realidade externa, nasce da distribuição de qualidades vivificadas por uma abordagem maleável do tempo chamada jo-ha-kyū. No primeiro capítulo, veremos como divisões e subdivisões das matérias-primas musicais do nō, ritmos e melodias, interagem para a estruturação da peça; no segundo, como a fonte e demais citações são rediagramadas para a realização gradual do material original; e no terceiro, como palavras são organizadas em aglomerados de sons e imagens para a estabelecimento de camadas significantes. / Nō is a Japanese performing art in which representation, dance and music blend into stylized presentations where few elements are handled to create and give depth to an imagistic unit. Although we find its first records in documents from the Heian period (794-1185), the increase of its complexity ocurred only in the Muromachi period (1334-1573), through the efforts of Zeami (1363-1443) and his father, Kan\'ami (1333- 1384). In addition to the development of performance and orchestration, both made significant advances in the composition of plays. Fortunately, the greatest n? artist, Zeami, left us many critical writings in which he detailed all the researches undertaken during his lifetime. Based on one of these treatises and on excerpts of two others, this study will analyse the method, established by Zeami, in which the creation of plays is dividided into three areas: shu, saku and sho, \"seed\", \"structure\" and \"composition\", respectively. Shu is the means by which the artist works with the source that gives rise to the play and that will inevitably be revised by the nō language; saku is the musical structuring that enables the seed to be unveiled; and sho is the combination of words and sounds that convey this revelation. Supported by recent scholars and poets, we will try to identify the principles governing these three paths and the ways by which they unite to form an organic totality, where yūgen, a beauty opposed to the imitation of external reality, is born out of the distribution of qualities vivified by a flexible approach of time, called jo-ha-kyū. In the first chapter, we will see how divisions and subdivisions of the musical primal resources of nō, rhythm and melody, interact to structure a play; in the second, how source and citations are reshaped to progressively recreate the original material; and third, how words are arranged in clusters of sounds and images to stablish layers of meanings.

Submitted by LARA JATKOSKE LAZO (larajlazo@yahoo.com) on 2018-10-19T18:27:17Z No. of bitstreams: 1 Definitiva Texto Dissertação.pdf: 2169042 bytes, checksum: 0852a551f61bb30892f3ffa8cca26bd8 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Aparecida Puerta null (dripuerta@rc.unesp.br) on 2018-10-19T19:01:23Z (GMT) No. of bitstreams: 1 lazo_lj_me_rcla.pdf: 2013779 bytes, checksum: b66d1d28ea8901b028df045516b50452 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-10-19T19:01:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 lazo_lj_me_rcla.pdf: 2013779 bytes, checksum: b66d1d28ea8901b028df045516b50452 (MD5) Previous issue date: 2018-08-27 / A presente dissertação traz observações e elaborações teóricas da experiência de uma professora com a Literatura Clássica. Apresenta reflexões sobre a interseção entre leitura, escrita e práticas artísticas na formação e constituição do espaço subjetivo fronteiriço entre essas práticas, na formação do aluno adolescente leitor. De abordagem qualitativa, apresenta- se como uma pesquisa narrativa e autobiográfica (ARFUCH, 2002). A professora parte de observações ao longo de alguns anos de experiências realizadas em uma escola pública agrícola de período integral de um município de São Paulo. Das colocações discursivas, “Amo ler” e “Odeio ler", identificam-se três tipos de leitores: o que ama, o que odeia ler e o indiferente; dois níveis de leitura: o narrativo ("Tempo Relativo") e o atemporal ("Tempo Absoluto"), que se interligam pela "Ponte de Einstein-Rosen", processo pelo qual se dá a diluição e reconstituição do eu no ato de ler. Outras elaborações teóricas, que possibilitam outras relações do aluno com o ato de ler, também foram desenvolvidas. O'Sullivan et al., (2015) e Calvino (2007) embasam o porquê da proposta da Literatura Clássica. E a partir das ideias de Barthes (1987) e Proust (2003), observou-se que, e como, os espaços físico e psicológico influenciam o “espaço psicológico” da leitura. No âmbito artístico, com Chekhov (2015), na representação teatral, e Vigotski ([1999?]), na valorização do social, as práticas artísticas tornaram o contexto de ler um ambiente criativo de liberdade, de releitura e recriação da literatura e de si, em que a construção dialógica polifônica (BAKHTIN, 2015) assumiu destaque e potência. A pesquisa identificou elementos cognitivos, psicológicos, sociais e concretos importantes no processo de formação de alunos leitores adolescentes, e constatou a importância e a efetivação da leitura coletiva de clássicos na escola pública em que foi experimentada, a sua não efetivação nas práticas individuais e a importância das atividades artísticas no processo de ler. Valorizou-se a experiência do discurso num espaço enunciativo criativo. / The present dissertation brings one teacher’s theoretical observations and elaborations from experiencing Classic Literature. It is a compilation of reflections on the co-interactions among practices of reading, writing and artistic tasks, as well on their influence on adolescent-student-reader’s formation and constitution. Findings, obtained from qualitative approach, are presented as a narrative and autobiographical research (ARFUCH, 2002). Observations were conducted, experiences gathered over several years at a public agricultural school in Sao Paulo city (Brazil). Based on statement positions: "I love to read" and "I hate read", three types of readers were identified: “loves reading”, “hates reading” and “indifferent”. Adjacently defined two levels of reading: the narrative -"Relative Time" and the timeless and continuous time -"Absolute Time", which are interconnected by an "Einstein- Rosen Bridge”. This is a process by which the "I" is diluted and reconstituted in the act of reading. Other theoretical elaborations that enabled other student relations with the act of reading were also developed. O'Sullivan et al. (2015) e Calvino (2007) substantiate the proposal of Classical Literature reasoning. Barthes (1987) and Proust (2003) ideas supported observations of physical and psychological spaces influence on the reading "psychological space". Chekhov (2015)’s theatrical performance along with Vygotsky ([1999?])’s social valorization transformed the context of reading in a creative environment of freedom, of re- reading and re-creation of the “literature” and “self”. In this context the polyphonic dialogic construction (BAKHTIN, 2015) got emphasis and power. This research project identified important cognitive, psychological, social and concrete elements in the process of training adolescent students. It was verified the importance and the effectiveness of the collective reading of classics in the public school where the observation was conducted. Classics individual reading failed to deliver effectiveness reinforcing the importance of artistic activities in the reading process. Discourse experience was valued in a creative enunciate space, making representation also a reinvention.

Made available in DSpace on 2015-05-14T16:53:06Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-04-30Bitstream added on 2015-05-14T16:59:25Z : No. of bitstreams: 1 000822831.pdf: 1439296 bytes, checksum: dedde1e032820dddd90aaf8a5313d447 (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / Este trabalho analisa as Odes e elegias, livro de poemas de Carlos Magalhães de Azeredo (1872-1963), publicado em 1904, focando em sua tentativa de transposição dos metros clássicos gregos e latinos para a língua portuguesa. Magalhães de Azeredo foi o mais jovem fundador da Academia Brasileira de Letras, e procurou imitar, em seu livro, os versos das Odi barbare, do italiano Giosuè Carducci (1835-1907). Carducci chamava a seus versos metros bárbaros, por contraste com os versos clássicos que imitara. Sabe-se que a métrica utilizada por poetas e tratadistas da Antiguidade baseava-se em características fonológicas e prosódicas das línguas latina e grega que não se encontram mais nas línguas românicas. Assim, toda tentativa de transposição desta métrica em português - uma língua românica - é um problema que exige algum artifício poético como solução. O que se entende por metro clássico em cada época e círculo literário define as condições de recepção dos poemas gregos e latinos nos mesmos círculos; influi, por consequência, na elaboração dos sentidos que vão ser atribuídos à estrutura formal dos poemas. A análise de Odes e elegias, portanto, abrange suas condições tanto quanto seus resultados: não apenas qual foi sua proposta métrica, mas por que se propôs, ao que atenderia tais propostas, qual o contexto de suas tentativas de transposição da métrica clássica. Neste sentido este trabalho se propõe a contribuir para um campo de investigação que tem merecido um interesse crescente no Brasil, qual seja os estudos de história da tradução e da recepção dos clássicos, o que tem condicionado também um aumento de interesse na história das estratégias formais em tradução de poesia antiga / This work analyzes Carlos Magalhães de Azeredo‘s 1904 Odes e elegias, focusing on his transposition of classical meters to Portuguese. Magalhães de Azeredo (1872-1963) was the youngest founder of the Academia Brasileira de Letras (Brazilian Academy), and he emulated, in his book, the verses of Giosuè Carducci‘s Odi barbare, made in what Carducci (1835-1907) called barbarian meters, contrasting with the true classical verse. It is widely known that ancient metrics was quantity-based-which is to say that it was grounded on Greek and Latin phonological and prosodical features alien to Romance languages. Therefore, every attempt to transpose its meters to Portuguese demands some poetic device to make it work. What, in time and space, is understood as classical meter defines the conditions of ancient poetry reception in literary circles; it has an influence, so, in the meanings attributed to the poems‘ formal structure. Odes e elegias, then, is to be analyzed in a way that keep in mind conditions as well as results: not only what was the metrical contract, but why was this contract proposed, what demands this contract, and what is its context. In this way, this work aims to add to an interesting and new field of investigation in Brazil: the studies on classics‘ translation and reception. These studies are conditioning a crescent interest on the history of formal strategies to translate ancient poetry

Nō é uma arte cênica japonesa em que representação, dança e música misturam-se em apresentações estilizadas onde poucos elementos são trabalhados para o aprofundamento de uma unidade imagética. Apesar de encontrarmos seus primeiros registros em documentos da era Heian (794-1185), a complexificação de todos os seus aspectos ocorreu na era Muromachi (1334-1573), com os esforços de Zeami (1363-1443) e de seu pai, Kan\'ami (1333-1384). Além de desenvolver a atuação e a orquestração, ambos fizeram avanços significativos na composição de peças. Felizmente, o maior artista de nō, Zeami, nos deixou muitos escritos críticos em que detalha todas as pesquisas empreendidas durante sua vida. A partir de um desses tratados e trechos de outros dois, este trabalho buscará analisar o método, estabelecido por Zeami, pelo qual a criação dramatúrgica divide-se em três frentes: shu, saku e sho, \"semente\", \"estrutura\" e \"composição\", respectivamente. Shu é o meio pelo qual se trabalha com a fonte que dá origem à peça e que será inevitavelmente revista pela linguagem do nō; saku é a estruturação musical que possibilita o desvendamento da semente; e sho é a junção de palavras e sons que transmitem essa revelação. Com o apoio de estudiosos e poetas recentes, procuraremos identificar os princípios que regem esses três caminhos e os modos pelos quais eles se unem para a formação de um todo orgânico, onde yūgen, a beleza contrária à imitação da realidade externa, nasce da distribuição de qualidades vivificadas por uma abordagem maleável do tempo chamada jo-ha-kyū. No primeiro capítulo, veremos como divisões e subdivisões das matérias-primas musicais do nō, ritmos e melodias, interagem para a estruturação da peça; no segundo, como a fonte e demais citações são rediagramadas para a realização gradual do material original; e no terceiro, como palavras são organizadas em aglomerados de sons e imagens para a estabelecimento de camadas significantes. / Nō is a Japanese performing art in which representation, dance and music blend into stylized presentations where few elements are handled to create and give depth to an imagistic unit. Although we find its first records in documents from the Heian period (794-1185), the increase of its complexity ocurred only in the Muromachi period (1334-1573), through the efforts of Zeami (1363-1443) and his father, Kan\'ami (1333- 1384). In addition to the development of performance and orchestration, both made significant advances in the composition of plays. Fortunately, the greatest n? artist, Zeami, left us many critical writings in which he detailed all the researches undertaken during his lifetime. Based on one of these treatises and on excerpts of two others, this study will analyse the method, established by Zeami, in which the creation of plays is dividided into three areas: shu, saku and sho, \"seed\", \"structure\" and \"composition\", respectively. Shu is the means by which the artist works with the source that gives rise to the play and that will inevitably be revised by the nō language; saku is the musical structuring that enables the seed to be unveiled; and sho is the combination of words and sounds that convey this revelation. Supported by recent scholars and poets, we will try to identify the principles governing these three paths and the ways by which they unite to form an organic totality, where yūgen, a beauty opposed to the imitation of external reality, is born out of the distribution of qualities vivified by a flexible approach of time, called jo-ha-kyū. In the first chapter, we will see how divisions and subdivisions of the musical primal resources of nō, rhythm and melody, interact to structure a play; in the second, how source and citations are reshaped to progressively recreate the original material; and third, how words are arranged in clusters of sounds and images to stablish layers of meanings.

Orientador: Marcos Aurelio Pereira / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-08-25T05:07:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pini_Mariana_M.pdf: 615255 bytes, checksum: 51467bd71b14bb047c5105dea6592413 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: A obra Brutus, de Marco Túlio Cícero, conduz uma reflexão sobre a história da eloquência e uma avaliação sobre os grandes nomes da retórica, desde suas origens dentro da cultura grega antiga até suas contribuições romanas, cuja glória máxima é depositada sobre o próprio autor. No ocaso da República sob a tirania de César, o Arpinate apresenta seu panteão de oradores, associado a um conjunto de preceitos sobre o latim. Este trabalho advoga que a preceptiva ciceroniana dialoga com a obra De analogia, de César (por sua vez, dedicada a Cícero como resposta a seu influente De oratore). O estudo se dedica a investigar como Cícero formula suas concepções sobre o bom latim de forma incompatível, em numerosos aspectos, com as concepções de César. A discussão sobre a Latinitas é tomada como oportunidade, no Brutus, para que Cícero articule seu próprio ethos como um personagem, bem como o de César, também presente no diálogo. O latim é um campo de batalha que se tinge de tonalidades políticas: o orador concebe a Latinitas como questão de educação elementar e hábito alcançado através da prática com boas famílias. Júlio César, por sua vez, tinha por objetivo democratizar a Latinitas. Assim, a defesa do general, em favor de uma forma restrita de oratória, é regida pela ratio, isto é, de um método racional. A Latinitas está ligada à ideia de identidade propriamente romana; contudo, o debate sobre a fala adequada envolve inevitavelmente pontos de vista diferentes. O Brutus se inicia com a morte de Hortênsio, mas o eclipse do debate forense público imposto pelo general César representa, para Cícero, a morte da República; dessa forma, o texto compõe uma reflexão sobre a morte não apenas de um orador, mas de numerosos princípios caros ao Arpinate na Roma que se desenhava sob o domínio da censura / Abstract: The work Brutus, by Marcus Tullius Cicero, builds a reflection upon the history of eloquence and an evaluation about the greatest names of Rhetoric, since its emergence within the ancient Greek culture until its Roman contributions, whose most glorious representative is Tully himself. At the end of the Republic, under Caesarian tyranny, the Arpinate displays his pantheon of speakers, associated with a set of precepts about the Latin language and culture. The present study advocates that the Ciceronian perceptive is related to De analogia, a work by Julius Caesar (and dedicated to Cicero, as a reaction to his influential De oratore). This dissertation aims at investigating how Cicero formulates his conceptions about Latin in a way incompatible with Caesar¿s convictions. The discussion about Latinitas is seen as an opportunity, in Brutus, for Cicero to articulate his own ethos as a character, as well as Caesar¿s (also included in the dialogue). Latin is a battlefield tinted with political hues: The Roman orator conceives Latinitas as a matter of basic education and a habit reached through practice with worthy families. Julius Caesar, on the other hand, aims to democratize Latinity. Hence, the general¿s standpoint, favoring a restricted understanding of oratory, is governed by ratio ¿ in other words, by a rational method. Latinitas is connected to the idea of a properly Roman identity; the adequate speech is understood differently according to those different perspectives. The Brutus begins with the death of Hortesius, but the obliteration of public forensic debate (enforced by Caesar) represents, for Cicero, the death of Republic. Therefore, the text composes a reflection on death ¿ not merely the death of a speaker, but also the death of a number of principles cherished by the Arpinate in a Rome which had been recently brought under control by means of censorship / Mestrado / Linguistica / Mestra em Linguística

O estudo de obras clássicas literárias japonesas do gênero zuihitsu é um desafio para pesquisadores no Brasil, pois, além das dificuldades trazidas pelas diferenças entre as línguas, incorre em novas conceituações de modalidade de escritos. Apesar de ser considerado em geral como equivalente ao ensaio ocidental, é possível observar divergências que indicam uma necessidade de adequar o olhar crítico ao gênero oriental. Para isso, foram abordadas questões concernentes às definições de gênero literário no ocidente através de um apanhado histórico da crítica, levando em conta a etimologia do termo; e algumas considerações a respeito do caráter linguístico dos conceitos conforme a teoria de Wittgenstein. Em seguida, pretendeu-se esquematizar as abordagens do ensaio enquanto gênero, remontando sua história, através de passagens dos Ensaios de Montaigne, de alguns textos de Bacon, Hume e Adorno, entre outros ensaístas e críticos que versam sobre o assunto, de maneira a delinear características próprias dessa categoria ocidental. Além disso, examinamos, a partir de suas formulações e de sua recepção, a possibilidade de se encontrar uma tradição também no Brasil. Posteriormente, buscamos mapear as origens do zuihitsu em paralelo com as do ensaio. E, então, analisamos alguns textos de Makura no Sôshi em comparação a outros de Tsurezuregusa , duas das três obras consideradas basilares e essenciais à compreensão do gênero japonês. Essa análise comparativa foi feita tendo por base principalmente a presença de certos temas em comum, como a motivação da escrita, certas considerações sobre as quatro estações, sobre os momentos de ócio ou, ainda, sobre os monges. Nosso intuito foi trazer à tona semelhanças e diferenças entre as obras de modo a elucidar características do gênero que o aproximam ou o distanciam dos ensaios e de outros gêneros ocidentais, na esperança de que isso nos levasse à adequação do olhar supramencionada. E, por fim, foi realizado um fechamento a partir de considerações a respeito dos gêneros ocidentais e do ensaio, do zuihitsu e do cotejo das obras clássicas japonesas, que nos leve à conceituação desse gênero japonês. / The study of classic Japanese literatures genre zuihitsu is a challenge for scholars in Brazil, because besides the difficulties about languages differences, it incurs in a new conceptualizations of written genres. Although some scholars consider it as equivalent to Western essays, it is possible to observe some disparitys that indicate a need to adjust our critical view to the Eastern genre. In order to achieve that goal, we had approached some questions about Western genres definitions through a historical and literary overviews, as well as we had taken into consideration the terms etymology, and referred some ponderations about the linguistic character following some of the Wittgenstein theory concepts. After that, we intended to outline a scheme of essays as a literary genre, retracing its history, through passages of Montaigne\'s Essays, of some texts from Bacon, Hume and Adorno, among others essayists and critics that deal with the subject, in order to delineate its characteristics. More than that, we have examined, from its formulations and its reception, the possibility of finding also such a tradition in Brazil. Subsequently, we have seek mapping zuihitsu origins in confrontation to the essays ones. In addition, thereafters, we have analysed some texts from Makura no sôshi and compared them to others from Tsurezuregusa, two of the three masterpieces which are considered basic and essential to understanding the Japanese genre. This comparative analysis was done by means of their common themes, such as the written motivations, some considerations of four seasons, moments in idleness or even monks. Our aim was to bring out similarities and differences between them to elucidate genre characteristics that bring them nearer or make them apart of essays, hoping that this would lead us doing some adjustments of our critical view. Finally we have finalized this dissertation by referring some considerations on the Western genre, the essays, the zuihitsu, and the comparison of Japanese classical pieces, which lead us to conceptualyze the Japanese genre.

Orientador: Paulo Sergio de Vasconcellos / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-08-08T03:30:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bem_LucyAnade_M.pdf: 1381102 bytes, checksum: 5c9a54105f6fd8923369f803a7e85cbd (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Este trabalho de pós-graduação propõe a tradução latina-portuguesa e a análise lingüística e literária do livro I d¿Os Amores de Ovídio. Essa análise visa principalmente o(s) discurso(s) que compõem o volumen: acreditamos que o discurso elegíaco, típico da poesia amorosa da época de Augusto, seja em si mesmo um lugar de encontro e confronto de diversos discursos, entre eles o épico (o bélico), o cômico, o amoroso e o trágico. Através de nossa análise, demonstramos que Ovídio deixou manifesta essa mistura discursiva, tão própria da elegia em seus Amores ¿ a todo o momento vemos que, para o poeta, o amor e a guerra constituem milícias importantes, ora distintas, ora semelhantes. Dessa forma, podemos entender que o poeta, através de sua postura n¿Os Amores, tenta valorizar aquele que se dedicava ao amor (entenda-se a poesia amorosa) em vez dos assuntos militares e da vida pública. Podemos dizer, também, que o(s) discurso(s) que ele utiliza para compor Os Amores revelam o quanto a vida militar (e sua violência peculiar) e seu discurso se encontravam presentes nas mais distintas esferas da vida romana. Finalmente, também podemos dizer que essa obra demonstra, claramente, que nenhum discurso é isolado em si mesmo, mas que é permeado por muitos gêneros e tipos de discursos / Abstract: This post-graduating work proposes the translation from Latin to Portuguese and the linguistic and literary analysis of the book one from Ovid¿s Loves. This analysis aims, especially at discourses that integrate the volumen: we believe that the elegiac discourse, typical of the love poetry of Augustan age, is in itself a point of meeting and confrontation of many other discourses, and among them, the epic (warlike), the comic, the love and the tragic discourses. Through our analysis, we demonstrate that Ovid let evident this blend of speeches, so usual in the elegy of his Amores ¿ all the time we can see that, for the poet himself, love and war are significant armies, sometimes distinct, sometimes similar. Thus, we can see that the poet, in the posture his persona adopts in the Loves, tries to valorize that one who dedicates himself to love (and to the poetry of love) instead of military matters and public life. We also can say that the discourses in the Loves show how the military life (and the violence inherent to it) and his peculiar speech were present in the most distinct areas of private life from the Roman Empire. At last, we can also say that this work shows, clearly, that no speech is isolated in itself, but that it is permeated by a lot of genres and types of discourses / Mestrado / Mestre em Linguística