Lorsque l’on s’intéresse au dégoût comme forme d’affect, on remarque que son application abonde au niveau des études cinématographiques et des arts visuels. Par contre, peu de chercheurs se sont intéressés à son analyse à travers les médias dont l’institutionnalisation académique est plus récente, comme la bande dessinée, la télésérie et le jeu vidéo. Ce mémoire a pour objectif d’étendre la pratique des études du dégoût comme affect sur ces médias, en s’attardant sur l’analyse de certaines composantes de la franchise transmédiatique The Walking Dead. De plus, comme ce corpus est marqué par une transmédialité qui dépasse les simples récurrences narratives, ce mémoire veut également produire un modèle d’analyse capable de déceler les structures génératives du dégoût qui tendent à migrer ou être partagées entre les médias de la franchise. Ce modèle sera conçu dans un premier temps par l’établissement d’un dialogue entre les études de l’affect appliquées au cinéma et aux arts visuels et les études sur l’intermédialité. La fonctionnalité de ce modèle sera ensuite testée à travers son application sur la bande dessinée, la télésérie et l’un des jeux vidéo de la franchise The Walking Dead. / When we seek for works that focus on disgust as a form of affect, we note that its application abounds in film and visual art studies. However, few researchers dedicated its analysis through media whose academic institutionalization is newer, such as comics, TV series, and video games. This thesis aims to extend the studies of disgust as an affect’s practice on these media, focusing on the analysis of certain components from the transmedia franchise The Walking Dead. Moreover, because this body of media is marked by a transmediality that exceeds simple narrative recurrences, this thesis also wants to produce an analytical model capable of detecting disgust’s generative structures that tend to migrate or be shared between the media of the franchise. This model will be developed initially by the establishment of a dialogue between affect studies applied to cinema and visual arts, and intermedial studies. Then, this model’s functionality will be tested through its application within the comics, the television series and one of the video games of The Walking Dead franchise.

L'objectif de cette recherche est de réfléchir à la notion de vrai dans l'économie discursive du témoignage. C'est-à-dire que ce mémoire se concentre sur le rapport entre le discours critique et académique d'une part, et le discours littéraire de l'autre. Une première partie s'attache à délimiter les contours de du problème, à partir notamment des notions de de vrai et de vraisemblable. Une étude comparative permet d'introduire trois auteurs qui serviront d'exemple tout au long de la recherche: Primo Levi, Jorge Semprun, et Charlotte Delbo. On fait un bref survol de l'évolution des deux économies discursives depuis les tout premiers témoignages (années 40-50) jusqu'au tournant narratif symbolisé par le procès Eichmann. Cela correspond aussi à la parution d'un témoignage à part: Le sang du ciel, de Piotr Rawicz. La seconde partie est un état de la question sur le roman de Rawicz. Comment le fait qu'il s'agisse d'une fiction, notamment, a été discuté par la critique et dans les contributions universitaires qui lui sont consacrées. Cette incursion dans l'herméneutique nous permet d'identifier trois vagues critiques distinctes, selon les époques et les pays. Enfin, la dernière partie s'attache à montrer que Le sang du ciel est un témoignage pensé comme un projet esthétique, dont la modernité ne cède pas à la facilité du refus de dire de quoi on parle, mais qui au contraire pose des questions de son temps et ose aborder les sujets que l'on doit taire selon la doxa. / The purpose of this research is to reflect the notion of truth in the discursive economy of testimony. This study examines, on the one hand, the critical or academic discourses and, on the other, the literary discourse itself. The first part defines the nature of the problem, particularly with references to notion of truth and verisimilitude. As the basis of comparison, the analysis introduces three authors who will be points of refernence throughout the research: Primo Levi, Jorge Semprun, and Charlotte Delbo. At the outset, this study presents the general lines of the two discursive economies' evolution, from the very first survivor accounts (the 40's and the 50's) to the narrative turning point symbolized by Eichmann's trial. This latter coincides with the publication of a unique literary account: Blood from the Sky, of Piotr Rawicz. The second part examines the critical and academic reception of Rawicz's novel, which revolved around the work's fictionality. This foray into hermeneutics allows for indentfying free stages of criticism, varying according to time periods and countries. Finally, the last part aims to show that Blood from the Sky is a witness account conceived as an aesthetic project whose modernity does not stop at refusing to say what is at issue. On the contrary, the novel asks questions of its own time and dares to broach topics that the general consensus we should avoid.

Dix années après le décès d’Haroldo de Campos, il n’existe pas encore à ce jour d’études exhaustives sur la théorie de la traduction du poète, critique et traducteur littéraire brésilien. Dans la présente thèse, nous examinons de manière critique une affirmation d’Haroldo de Campos à l’effet qu’il aurait été influencé par le philosophe allemand Max Bense. Nous tentons de retracer dans les textes publiés d’Haroldo de Campos quand et comment ce dernier a été initié aux thèses du concepteur de l’esthétique de l’information. Pour parvenir à évaluer la nature et la valeur de cette influence nous avons passé en revue l’ensemble des textes, c’est-à-dire des monographies, des essais, des articles de journaux ou tout autre type de source de référence, afin de questionner la pertinence de l’affirmation d’Haroldo de Campos. Diverses hypothèses sont examinées, à partir de la visite de Décio Pignatari à Ulm, jusqu’à l’analyse d’une allocution d’Elisabeth Walther-Bense sur le rapport qui existait entre Haroldo de Campos et son feu mari, Max Bense. Au terme de notre investigation, nous devons constater que les textes théoriques d’Haroldo de Campos sont insuffisants en soi pour que l’on puisse expliquer comment s’est opérée et articulé le rapport entre ces deux ténors de la poésie concrète. / Ten years after the death of Haroldo de Campos (1929-2003), we are still waiting for the publication of a comprehensive study on Haroldo de Campos’ theory of translation. In this thesis, we examine Haroldo de Campos’ early assertion, made in 1959, to the effect that the German philosopher Max Bense has had a paramount influence on his own theory of translation. We are trying to validate this assertion. In other words, our main concern is to locate in Haroldo de Campos’ texts when and how he was exposed to Max Bense’s ideas. At the end of our investigation, we have found that Haroldo’s de Campos theoretical texts are insufficient to explain how and when Haroldo de Campos came in touch with Bense’s ideas.

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L’objet de ce travail est de montrer le rôle capital qu’a joué la parodie dans la construction du genre romanesque, le seul de ce que l’on considère aujourd’hui comme les grands genres à ne pas être théorisé jusqu’à la fin du XVIIe siècle. La parodie est considérée comme une pratique facile et gratuite, comme une attaque déloyale visant à détruire sans pitié un modèle supérieur. Pourtant, on peut plaider en faveur de son pouvoir habilement corrosif et régénérateur : en critiquant une esthétique, elle en dénonce les défauts et invite à la renouveler. Tournée vers le passé du texte qu’elle imite, elle est aussi tournée vers l’avenir et porte en germe, dans sa critique, la suggestion de voies de renouvellement. Cette capacité de la parodie de régénérer par-delà la critique explique que le roman, en l’absence de théorisation, se soit largement défini par la parodie. Son rôle a, de ce fait, été crucial aux époques où le roman n’était ni théorisé ni accepté et elle a constitué un des lieux majeurs de la réflexion sur le genre romanesque. Non seulement la parodie bouscule le genre du roman et, par ce geste même, le constitue comme genre, mais elle permet aussi de mettre en évidence la conscience générique d’une époque et les formes qu’elle adoptait. Œuvre de lecteur, elle reflète la vision qu’a eue une époque du roman et les manières dont elle entendait le renouveler : elle est donc doublement théoricienne. Il s’agit ici de voir comment la parodie, du roman grec au roman du XVIIIe siècle a été le laboratoire du genre romanesque, situé dans un fragile équilibre entre la destruction des esthétiques qui l’ont précédé et la promotion de nouvelles formules. / The aim of this dissertation is to show the decisive role that parody played in the construction of the novel as a genre, that has not been theorized before the end of the XVIIth century (a unique case within the main forms of literatures). Parody is often considered as an easy process, an unfair and merciless way to attack a superior model. However, its defenders can valuably argue for its caustic and regenerative impact : by criticizing the novel’s aesthetic, parody points out its weaknesses and thus shows the way to renew it. By the process of imitation, parody inevitably confines the parodied text into the past; but at the same time it looks towards the future and suggests, in its criticism itself, new territories to explore. This fertile feature of parody explains why it has largely helped to define the novel in the absence of theoricians. At times when the novel was neither theorized, nor even accepted, parody has played a crucial role, concentrating most of the intellectual reflection about the novel. Not only has parody shaken the form of the novel – which by the way helped establishing it as a genre, it has also highlighted how conscious people were of the existence of this genre, the forms it took. Being a reader’s work, parody reflects how an audience considered the novel and how it intended to renew it : in that sense it has a double contribution to theory. Our objective is to see how, from the greek novel to the XVIIIth century, parody has been a think tank for the novel, in a fragile balance between the destruction of former aesthetics and the promotion of new formulas.

Alix Cléo Roubaud (1952-1983) était une photographe et écrivain d’origine canadienne. D’abord connue comme l’épouse du poète et mathématicien Jacques Roubaud, ou l’amie du réalisateur Jean Eustache, Alix Cléo Roubaud a longtempsété découverte par d’autres oeuvres que la sienne. Jusqu’en 2009, seul son Journal publié aux éditions du Seuil en 1984, permettait de découvrir ses textes et ses images. Cet ouvrage qui a permis à l’oeuvre de ne pas sombrer dans l’oubli aégalement, en l’assimilant entièrement au registre de l’intime, durablement influé sur sa réception.Cette thèse, fondée sur un corpus essentiellement inédit de plus de six cents photographies, de centaines de lettres et de textes théoriques de l’artiste, propose une nouvelle lecture de l’oeuvre. Faisant fond sur la dimension inachevée de saproduction, ce travail de recherche s’attache à l’étude de l’élaboration des textes comme des photographies, mettant au coeur de son propos les notions d’intention et de production qui découvrent le faire de l’oeuvre plutôt que l’oeuvre fait.Dans une perspective photolittéraire, cette thèse propose une analyse des différentes écritures de soi développées par l’artiste, de la dimension photographique de son oeuvre, à savoir la production de photographies et la construction d’une théorie originale de l’image et, enfin, des différents moments de la réception de l’oeuvre qui ont contribué à sa compréhension, comme à sa qualification. / Alix Cléo Roubaud (1953-1983) was a Canadian photographer and writer known as the wife of the poet and mathematician Jacques Roubaud or as the friend of the movie director Jean Eustache. Alix Cléo Roubaud has been for a long time known by other works than her own. Until 2009, her diary, which was published in 1984 by the French publishing house le Seuil, was the only way of discovering her photographs and texts. This book has allowed her work not to be forgotten and has also influenced for a long time the way it has been welcome, that is to say as a private record.This doctoral thesis, based on an unpublished body of more than six hundred photographs, hundreds of letters and theorical essays, proposes to see Alix Cléo Roubaud's work in a new way. Relying on an unfinished production, itstudies the making of the texts as of the photographs and focuses on two main elements, the purpose and the manner of the artist which reveal more the process than the product.In an approach both photographic and literay this thesis proposes to analyse the several forms the artist uses to write about herself, the photographic dimension of her work , not only the photographs she made but also the building of an original picture theory, and finally how the different ways it has been received have contributed to make it understood as well as defined

Les narrations de jeunesse ont souvent pour thème le développement d’un jeune protagoniste ; elles racontent alors des expériences transformatrices qui constituent pour les petits héros autant de moments de passage, d’initiations. L’initiation jouait autrefois un rôle très important dans la vie humaine, marquant un passage d’âge socialement reconnu par la communauté toute entière. Toutefois, l’histoire de la société occidentale a vu progressivement disparaître ces moments de passage officiels, comme déjà en 1956 Mircea Eliade l’annonçait. Une fois l’initiation disparue, une compensation au niveau de la vie intérieure s’est rendue nécessaire, et le rêve apparaît un des lieux et des moments possibles pour cette compensation. Ainsi, à partir de Alice in Wonderland et The Wonderful Wizard of Oz, les fictions de jeunesse contemporaines ont souvent exploré le potentiel initiatique du rêve, qui fournit aux protagonistes une expérience liminaire marquant un avant et un après dans leurs vies. Dans nombreux romans, le protagoniste vit un rêve initiatique qui le conduit à travers un chemin de mort et de résurrection symboliques, et duquel il se réveille renouvelé. Cette thèse se propose donc de questionner le rêve en tant que seuil entre deux formes d’existence et catalyseur du passage d’âge dans les narrations de jeunesse européennes au XXIe siècle. / Youth fiction often focus on the development of a young hero. Such stories tell us about transformative experiences which work as initiations. Initiation was once a very important moment in human life, marking a passage which was recognized by the community as a whole. However, in the history of Western society official rites of passage has gradually disappeared, as already in 1956 Mircea Eliade announced it. Since then, a compensation for the inner life has become necessary, and the dream has become one of the possible places and times for this compensation. Thus, from Alice in Wonderland and The Wonderful Wizard of Oz, contemporary youth fiction has often explored the initiatory potential of dreams, which provides the protagonists with an introductory experience marking a turning point in their lives. In many novels, the protagonist lives an initiatory dream that leads him through a path of symbolic death and resurrection, from which he/she wakes up renewed. This thesis proposes to question the dream as a threshold between two forms of existence and a catalyst for initiation in contemporary European youth literature.

Robinson Crusoé est un mythe littéraire moderne en ce qu'il élabore au début du XVIIIè siècle un nouveau statut du sujet : il construit la figure médiatrice d'un "je" souverain qui relie le social et le sacré dissociés par le "désenchantement du monde". Il fonctionne à la manière d'un mythe en proposant une solution narrative à un dilemme d'ordre idéologique. Apparu grâce à la convergence de plusieurs thématiques de la solitude insulaire (observées depuis le "Philoctète" de Sophocle) que le roman de Defoe réunit pour la première fois, le mythe de Robinson se métamorphose dans ses versions de la seconde moitié du XXè siècle. Cinq romans du corpus retenu privilégient le thème de la quête d'un ailleurs (textes de M. Tournier, G. Compere, A. Hervé, J.G. Ballard, P. Theroux), quatre celui de la reproduction insulaire du monde extérieur (W. Golding, M. Spark, J.M. Coetzee). Tout en reprenant le schéma narratif et l'organisation structurale de leur hypotexte, ces robinsonnades remettent radicalement en question le sujet. Marquées par le silence ou la mort de Dieu, elles mettent en évidence la rupture des liens à autrui et à la transcendance à l'époque dite "postmoderne". Le "je" est alors conduit à disparaître ou à se dissoudre dans une identité nouvelle. Paradoxe du mythe littéraire qui se perpétue en s'investissant de contenus sémantiques opposés à ceux qui l'ont fait naître.

Cette recherche propose une réflexion sur les enjeux que recouvre la pédophilie dans la société occidentale contemporaine. Dans le premier chapitre, il sera d’abord question d’autorité : afin de bien comprendre le rapport entretenu avec l’autorité et l’importance accordée au système hiérarchique dans la société occidentale contemporaine, nous établirons une comparaison avec les sociétés grecques puisque celles-ci ont accepté et valorisé les relations intergénérationnelles. C’est à travers une lecture de différents textes de Michel Foucault et de Kenneth James Dover que nous approfondirons ces rapports. Cette première partie sera essentielle en ce qu’elle nous aidera à comprendre la façon dont les bases de la société occidentale contemporaine ont été édifiées, l’importance de la catégorisation des genres et les raisons du rejet des relations pédophiliques aujourd’hui. Dans le second chapitre, nous analyserons plus spécifiquement deux œuvres littéraires, La Mort à Venise de Thomas Mann et Quand mourut Jonathan de Tony Duvert, afin de percevoir le malaise que provoque la pédophilie. C’est notamment à travers une étude des figures sociales et de l’éducation que nous tenterons de saisir la place attribuée à la pédophilie. Cette étude se terminera par une réflexion autour de la photographie et du cinéma, afin de souligner l’impact apporté par le réalisme de ces arts. Nous aborderons ici des œuvres non pornographiques qui exposent des sexualités existantes mais non reconnues. Les différents aspects abordés nous permettront non seulement de saisir l’embarras que suscite la pédophilie, mais également de capter la place qu’on y accorde, ou non, au sein de la société contemporaine. / This research proposes a reflection on the stakes of pedophilia in contemporary western society. In the first chapter, we will raise the question of authority: in order to understand the relation with authority and the importance of a hierarchic system in the contemporary western society, we will compare it with the Greek society which accepted and valued intergenerational relationships. It is especially through a reading of various texts from Michel Foucault and Kenneth James Dover that this study will be conducted. This first part is necessary to understand how the bases of contemporary western society were established, the importance of genders’ categorization and the reason behind the rejection of pedophilia today. In the second chapter, we will more specifically analyze two novels, Thomas Mann’s La Mort à Venise and Tony Duvert’s Quand mourut Jonathan. It is mainly through a study of social figures and education that we will be able to understand the place given to pedophilia. This study will close in a reflection about photography and cinema in order to emphasize the impact of these arts’ realism. We will therefore approach non-pornographic works of art that present existing but never recognized sexualities. These different aspects will enable us to fully understand the embarrassment provoked by pedophilia today, but also to recognize the place it is given, or not, within contemporary society.

Ce mémoire décrit l’imaginaire sonore tel qu’il s’est transformé par l’apparition de dispositifs de reproduction (téléphone, phonographe et radio) à la fin du 19ème siècle et au début du 20ème siècle. Si ces appareils de reproduction sonore signalent un nouveau contexte socioculturel permettant la captation, la conservation et la transmission de manifestations sensibles, ils transforment également la manière de concevoir le son, ils modifient le statut de l’audition par rapport aux autres sens et reconfigurent un imaginaire qui traduit un rapport à soi, à autrui et au monde. Cette étude littéraire de la reproductibilité sonore propose une réflexion entre technologie et poétique en questionnant l’idée de communication. L’élément spécifique qui caractérise les appareils de reproduction sonore est un objet technique nommé «transducteur ». Je considère le transducteur à la fois comme métaphore et matérialité de médiation; conçu en termes de dispositif de transduction, ce concept permet une différente compréhension des pratiques sociales et de l’imaginaire constituant cet artefact culturel. / This thesis focuses on sound reproduction devices (telephone, phonograph and radio) that emerged in the late 19th and early 20th centuries. These aural technologies brought forth a new social and cultural context in which hearing became a distinctive characteristic of modern communication. But more importantly, they present new figures which translate different modalities of technological mediation. Technical means to inscribe, preserve, and broadcast matter are embedded socially in a constellation of institutions, practices and discourses ; they also configure particular relations that present a singular worldview that literary thought articulates. Understanding the unfolding of modern sound technologies and how we embody them calls for a critical account of a cordoned off visualist imaginary that accompanies technocultural analysis. This study takes up this question by elaborating a concept which encompasses the imaginary intertwined with sound reproduction media. The telephone, the phonograph and radio use a device called a « transducer ». By conceiving this specific object’s tropological and material structure, I argue that this transduction apparatus presents a new interpretative model that conveys the resonance of modern auditory cultural productions.