Thèse réalisée en cotutelle (Université de Montréal et Université Paris Diderot - Paris 7) / Antonin Artaud et Jean Genet ont respectivement connu l’enfermement asilaire et carcéral. Ils conçoivent tous les deux l’écriture comme le théâtre, sur le même plan que la vie, et partagent en outre la même conviction que la littérature, comme toute forme d’art, peut quelque chose pour nous. Malgré leurs nombreux points de contact biographiques, poétiques et éthiques, leurs œuvres n’ont jamais fait l’objet d’un rapprochement exclusif, une étonnante lacune que l’introduction substantielle de cette étude se donne pour tâche d’éclairer. En fait, si les œuvres d’Artaud et de Genet sont souvent comparées, c’est invariablement de façon limitée : brièvement, par le biais d’un tiers auteur et au plan du théâtre. Or toute leur écriture est théâtrale : c’est la prémisse sur laquelle se base ce travail qui constitue, donc, la première étude comparative approfondie de leurs œuvres. Dans un premier temps, nous étudions la conception du théâtre d’Artaud et de Genet dans la perspective de la tragédie qu’ils privilégient, parce qu’ils estiment primordiale la reprise vivante de l’œuvre par chacun de nous. En fait, nous nous intéressons à Genet et Artaud aussi bien en tant qu’écrivains que lecteurs, en analysant la manière singulière dont ils puisent l’un et l’autre de grandes figures dans les textes de la mythologie, de la littérature et de l’histoire pour les faire intervenir, indifféremment de leur provenance, dans leur propre texte. Pour démontrer ce travail de "reconfiguration" tout à la fois biographique, esthétique et éthique chez Artaud et Genet, nous analysons leur traitement de la figure tragique par excellence d’Antigone, dans "Antigone chez les Français" et "Journal du voleur". Dans un second temps, nous examinons comment Artaud et Genet s’en prennent à la dialectique du jugement qui préside à la lecture univoque qu’ils récusent : d’une part, par la conjuration, dans les textes qu’ils rédigent en 1948 pour une même série radiophonique, "Pour en finir avec le jugement de dieu" et "L’Enfant criminel" (tous deux censurés) et, d’autre part, par la révélation, en pratiquant ce que nous appelons une écriture de l’évanouissement – qui n’a rien de sublime, qui ne conserve en fait de la relève hégélienne que la structure du coup de théâtre, à savoir l’interruption qu’elle introduit dans la délibération de la conscience. Nous analysons alors les commentaires de dessins d’Artaud et les nombreuses scènes d’évanouissement dans l’œuvre de Genet. Dans un troisième temps, nous suggérons d’approcher de manière éthique les troublants termes de "cruauté" et de "trahison" qu’Artaud et Genet nous ont légués. Plus que des notions, celles-ci, avançons-nous, sont des méthodes visant l’acquisition d’un nouveau mode de lecture. Par l’entremise de ces concepts anti-conceptuels, Artaud et Genet nous invitent en fait à vivre comme ils écrivent et lisent : à "voire" la réalité. Pour le démontrer, nous proposons une micro-lecture du "Théâtre et son double" d’Artaud au regard de "La Sentence" de Genet, texte dont la publication toute récente vient confirmer la pertinence du rapprochement que nous établissons dans cette étude. / Antonin Artaud and Jean Genet experienced confinement in an asylum and a prison respectively. They both also conceived of writing as theatre, on the same level of tragedy as life, and shared the same conviction that literature, like all forms of art, has the power to do something for us. Despite their many points of contact in terms of biography, poetics, and ethics, their works have never been the object of an exclusive comparative study, a surprising omission that the substantial introduction of this study sets out to elucidate. In fact, if the works of Artaud and Genet are often compared, it is inevitably in a limited fashion: briefly, via a third author, and in terms of the theatre. Yet all their writing is theatrical: it is the premise on which this, the first full-length comparative study of their works, is based. Firstly, I study Artaud and Genet’s conception of theatre from the perspective of the tragic which they both privilege, because above all they value the reanimation of their work performed by the reader. In fact, I engage with Genet and Artaud as both writers and readers, analysing the singular way in which each takes great figures from mythology, literature, and history, in order to introduce them, irrespective of their provenance, into their own works. To demonstrate this work of "reconfiguration" in Artaud and Genet, which is at once biographical, aesthetic, and ethical, I analyse their treatment of Antigone, in "Antigone chez les Français" and "Journal du voleur". Secondly, I examine how Artaud and Genet defy the dialectic of judgement ruling the univocal reading which they oppose. In part, I focus on their defiance in the texts that they composed in 1948 for the same radio broadcast, "Pour en finir avec le jugement de dieu" and "L’Enfant criminel" (both of which were censored). And in part I focus on the defiance they practice by way of a revelation that I call a writing of fainting—which has nothing of the sublime in it, which in fact only retains the structure of the interruption from the Hegelian Aufhebung, that is to say the coup de theatre that it introduces in the deliberation of consciousness. I further analyse the commentaries of Artaud on his drawings and numerous scenes of fainting in Genet’s works. Thirdly, I put forward an ethical way of approaching the troubling terms "cruelty" and "treason" that Artaud and Genet have bequeathed us. More than being notions, I propose, these are methods aiming towards a new mode of reading. By the intervention of these anti-conceptual concepts Artaud and Genet invite us to live in the same way they write and read, that is to say in the same way they "see" the multiplicities of reality. As an exemplification, I advance a close reading of Artaud’s "Théâtre et son double" in relation to Genet’s "La Sentence"—a text whose recent publication confirms the pertinence of the comparative approach taken in this study.

Antonin Artaud et Jean Genet ont respectivement connu l’enfermement asilaire et carcéral. Ils conçoivent tous les deux l’écriture comme le théâtre, sur le même plan que la vie, et partagent en outre la même conviction que la littérature, comme toute forme d’art, peut quelque chose pour nous. Malgré leurs nombreux points de contact biographiques, poétiques et éthiques, leurs œuvres n’ont jamais fait l’objet d’un rapprochement exclusif, une étonnante lacune que l’introduction substantielle de cette étude se donne pour tâche d’éclairer. En fait, si les œuvres d’Artaud et de Genet sont souvent comparées, c’est invariablement de façon limitée : brièvement, par le biais d’un tiers auteur et au plan du théâtre. Or toute leur écriture est théâtrale : c’est la prémisse sur laquelle se base ce travail qui constitue, donc, la première étude comparative approfondie de leurs œuvres. Dans un premier temps, nous étudions la conception du théâtre d’Artaud et de Genet dans la perspective de la tragédie qu’ils privilégient, parce qu’ils estiment primordiale la reprise vivante de l’œuvre par chacun de nous. En fait, nous nous intéressons à Genet et Artaud aussi bien en tant qu’écrivains que lecteurs, en analysant la manière singulière dont ils puisent l’un et l’autre de grandes figures dans les textes de la mythologie, de la littérature et de l’histoire pour les faire intervenir, indifféremment de leur provenance, dans leur propre texte. Pour démontrer ce travail de "reconfiguration" tout à la fois biographique, esthétique et éthique chez Artaud et Genet, nous analysons leur traitement de la figure tragique par excellence d’Antigone, dans "Antigone chez les Français" et "Journal du voleur". Dans un second temps, nous examinons comment Artaud et Genet s’en prennent à la dialectique du jugement qui préside à la lecture univoque qu’ils récusent : d’une part, par la conjuration, dans les textes qu’ils rédigent en 1948 pour une même série radiophonique, "Pour en finir avec le jugement de dieu" et "L’Enfant criminel" (tous deux censurés) et, d’autre part, par la révélation, en pratiquant ce que nous appelons une écriture de l’évanouissement – qui n’a rien de sublime, qui ne conserve en fait de la relève hégélienne que la structure du coup de théâtre, à savoir l’interruption qu’elle introduit dans la délibération de la conscience. Nous analysons alors les commentaires de dessins d’Artaud et les nombreuses scènes d’évanouissement dans l’œuvre de Genet. Dans un troisième temps, nous suggérons d’approcher de manière éthique les troublants termes de "cruauté" et de "trahison" qu’Artaud et Genet nous ont légués. Plus que des notions, celles-ci, avançons-nous, sont des méthodes visant l’acquisition d’un nouveau mode de lecture. Par l’entremise de ces concepts anti-conceptuels, Artaud et Genet nous invitent en fait à vivre comme ils écrivent et lisent : à "voire" la réalité. Pour le démontrer, nous proposons une micro-lecture du "Théâtre et son double" d’Artaud au regard de "La Sentence" de Genet, texte dont la publication toute récente vient confirmer la pertinence du rapprochement que nous établissons dans cette étude. / Antonin Artaud and Jean Genet experienced confinement in an asylum and a prison respectively. They both also conceived of writing as theatre, on the same level of tragedy as life, and shared the same conviction that literature, like all forms of art, has the power to do something for us. Despite their many points of contact in terms of biography, poetics, and ethics, their works have never been the object of an exclusive comparative study, a surprising omission that the substantial introduction of this study sets out to elucidate. In fact, if the works of Artaud and Genet are often compared, it is inevitably in a limited fashion: briefly, via a third author, and in terms of the theatre. Yet all their writing is theatrical: it is the premise on which this, the first full-length comparative study of their works, is based. Firstly, I study Artaud and Genet’s conception of theatre from the perspective of the tragic which they both privilege, because above all they value the reanimation of their work performed by the reader. In fact, I engage with Genet and Artaud as both writers and readers, analysing the singular way in which each takes great figures from mythology, literature, and history, in order to introduce them, irrespective of their provenance, into their own works. To demonstrate this work of "reconfiguration" in Artaud and Genet, which is at once biographical, aesthetic, and ethical, I analyse their treatment of Antigone, in "Antigone chez les Français" and "Journal du voleur". Secondly, I examine how Artaud and Genet defy the dialectic of judgement ruling the univocal reading which they oppose. In part, I focus on their defiance in the texts that they composed in 1948 for the same radio broadcast, "Pour en finir avec le jugement de dieu" and "L’Enfant criminel" (both of which were censored). And in part I focus on the defiance they practice by way of a revelation that I call a writing of fainting—which has nothing of the sublime in it, which in fact only retains the structure of the interruption from the Hegelian Aufhebung, that is to say the coup de theatre that it introduces in the deliberation of consciousness. I further analyse the commentaries of Artaud on his drawings and numerous scenes of fainting in Genet’s works. Thirdly, I put forward an ethical way of approaching the troubling terms "cruelty" and "treason" that Artaud and Genet have bequeathed us. More than being notions, I propose, these are methods aiming towards a new mode of reading. By the intervention of these anti-conceptual concepts Artaud and Genet invite us to live in the same way they write and read, that is to say in the same way they "see" the multiplicities of reality. As an exemplification, I advance a close reading of Artaud’s "Théâtre et son double" in relation to Genet’s "La Sentence"—a text whose recent publication confirms the pertinence of the comparative approach taken in this study. / Thèse réalisée en cotutelle (Université de Montréal et Université Paris Diderot - Paris 7)

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Mémoire réalisé grâce à l'appui du Conseil de recherche en sciences humaines. / Ce mémoire porte sur les interrelations entre les dynamiques spatiale, mémorielle et identitaire dans Le premier jardin d’Anne Hébert et Surfacing de Margaret Atwood. Ainsi, on cherche à savoir comment les concepts d’espace et de lieu permettent de mieux comprendre les dynamiques mémorielles et identitaires en jeu dans les récits de retour. En s’appuyant sur une expérience commune, celle du retour au pays natal, nous étudierons comment les difficultés qu’éprouvent les personnages à se remémorer, à se situer, à habiter ou tout simplement à être sont liées à leur relation conflictuelle à l’espace. Même si elles sont tentées par l’oubli, le retour aux lieux de l’enfance impose aux protagonistes une mémoire sensorielle. Le retour montre également comment les êtres sont liés au lieu, voire façonnés par lui, et comment ils peuvent cependant agir en retour sur lui. Le désir d’exister à travers une identité cohérente en est aussi un d’habiter et d’appartenir à l’espace. Finalement, nous verrons comment il est possible de repenser l’espace du retour à partir de la notion de non-lieu d’Alexis Nouss. / This work examines the interrelations between space, memory and identity in Le premier jardin by Anne Hébert and Surfacing by Margaret Atwood. We seek to know how the concepts of space and place can provide a better understanding of the memory and identity dynamics involved in return narratives. Based on a common experience, that of returning to homeland, we will study how the characters’ difficulties in recalling, situating, living or simply being are linked to their conflictual relationship to space. Even if they are tempted by oblivion, the return to the places of childhood imposes on the protagonists a sensuous memory. The return also shows how beings are linked to place, even shaped by it, and how they can however act on it. The desire to exist through a coherent identity is also one of dwelling and belonging to space. Finally, we will see how Alexis Nouss’ concept of non-place of makes it possible to rethink the space of return.

Ce mémoire présente une réflexion sur la mise en récit de l’indicible. Essentiellement insaisissable parce qu’inexprimable et / ou inexprimé, son étude consiste en une tentative de le démasquer, et de comprendre quelle(s) architecture(s) littéraires en permettent la révélation. Cette analyse approfondira le sens littéral des textes : il s’agira d’en investiguer les différentes interprétations possibles afin d’en définir le noyau originel. Cette entreprise ne peut s’effectuer que de manière indirecte, le sens totalisant ne s’inscrivant jamais dans l’instant présent. De ce fait, le médium artistique du langage se trouvera au centre de ma recherche, notamment avec le concept de la Différance derridienne comme point d’ancrage. L’indicible sous-tend nécessairement un mouvement précédant le texte et allant au-delà de celui-ci, signifiant une impossibilité d’arriver en présence de l’événement traumatique, ou du référent originel. Le mouvement même du discours, de sa structure, génère et fait ressurgir l’indicible. Je penserai le langage (et les mouvements le constituant) comme socle de l’indicible : ironiquement, il en est à la fois la source (soulignant son incapacité à produire une représentation du réel) et ce qui en permet le dévoilement. Nous nous concentrerons sur trois formes d’indicible, à travers trois œuvres distinctes : les conséquences d’un traumatisme et ses temporalités (W ou le souvenir d’enfance, George Perec), la mise en image des affects (L’Écume des jours, Boris Vian), et le récit de soi (Orlando, Virginia Woolf). Ces trois cas de figure témoignent – malgré leurs divergences thématiques – d’une déstructuration de la temporalité, de l’espace et du langage, signifiant l’inaptitude de l’écriture normative à retranscrire le réel, ainsi qu’une remise en question des codes littéraires traditionnels. / This master’s thesis explores the narratives poetics of what in French is called the indicible – a noun that, in English translation, hovers between the “unsayable” (i.e., that for which there is no precise or prehensible language) and the “unspeakable” (i.e.; that which concerns affects that are not easily expressed). As a thematic or affective content that slides between the inexpressible and unexpressed, the indicible generates various literary architectures of indirect story-telling. The goal of this thesis is to illuminate these innovative signifying structures. Accordingly, the analytical project that unfolds here is a necessary movement beyond and beneath the literal thematics of the texts. Within a range of possible interpretations, the text will reveal something of its original conception, its traumatic mark or primal scene. Language as an artistic medium is the essential focus of this work – language, or discourse, as a matrix informed by Jacques Derrida’s model of Différance is, above all, a theory of the movement of narrative or expository language in time. The very movement of discourse around a thematic project – that of bearing witness, of conceptualizing desire, or of mapping identity – is itself generative of the unsayable. Ironically, language is at once the matrix of representation’s limits and incapacities, and the medium of its unveiling and illumination. This mémoire explores three distinct narrative examples of the unsayable by way of three radically different texts : trauma and its temporalities (W, of the memory of childhood, by George Perec), the image-structure of the affects (Froth on the Daydream, by Boris Vian), and the gendered metamorphosis of the self (Orlando: a biography, by Virginia Woolf). Although these narratives vary in form, subject, and thematic content, they collectively dismantle the linear sequence of events and the familiar contours of space; they deconstruct the referential certainties of language; and they point to the limitations of traditional narrative codes in the encounter with reality and the real.

Cotutelle Université de Montréal et Université Sorbonne Nouvelle / Ce travail se propose d’étudier la poésie d’Amelia Rosselli (1930-1996), de Toni Maraini (1941), de Dahlia Ravikovitch (1936-2005) et d’Yona Wallach (1944-1985) sous l’angle de la contestation. L’objectif principal est d’analyser l’hybridité poétique et son potentiel politico-contestataire chez ces femmes qui, à travers leur écriture, se rebellent contre les diktats du système patriarcal. L’après-guerre en Italie (Rosselli et Maraini) et la fondation de l’État d’Israël (Ravikovitch et Wallach), deux époques marquées par une forte valorisation du virilisme militariste et héroïque, constituent les contextes d’énonciation de ces œuvres. Selon notre hypothèse, c’est aussi en raison de cette valorisation du virilisme que l’expression poétique de ces femmes se conçoit comme une bataille : chacune à sa manière, les auteures aspirent à une révolution sociétale, concernant en particulier le statut des femmes et de leur écriture. Quelles sont les modalités de configuration de cette bataille, et comment celle-ci se reflète-t-elle dans la poésie de nos auteures ? Comment leur écriture s’exprime-t-elle en tant qu’espace de négociation au sein de la langue des pères ? Cette réflexion prendra la notion d’hybridité comme point de départ, examinant l’idée d’une expression contestataire qui émanerait des interstices mêmes du discours dominant (Bhabha). L’étude sera développée en trois parties principales. D’abord, il s’agira de montrer en quoi l’absorption et l’altération du langage masculin peuvent être utilisées par les femmes comme un outil de révolte aboutissant à un langage renouvelé. Ensuite sera abordée une autre manière, plus subtile, de s’approprier la langue et le pouvoir masculins : l’appropriation et l’ingestion du corpus des hommes, entendu au double sens de matière littéraire (intertextualité) et de corps stricto sensu (cannibalisme). Enfin, nous verrons comment le sujet-femme se déplace à la conquête de l’espace et du temps – ceux-ci étant définis comme des dimensions du privilège masculin – qu’elle hybride aussi. Nous constaterons que la traduction est consubstantielle à cette opération d’hybridation : l’acte traduisant se réalise par une nouvelle cannibalisation du corpus, lequel est alors déplacé vers une autre dimension spatio-temporelle, elle aussi conséquemment hybridée. En étudiant des textes en langue originale (italien, français, hébreu) et dans leurs langues de traduction (anglais, français, italien), nous verrons comment celle-ci agit comme une caisse de résonnance pour poursuivre le geste originaire de bataille et le prolonger dans une autre dynamique à même d’en amplifier le caractère hybride et d’en attiser la flamme contestataire. À travers ces nouvelles pistes interprétatives qui mettent de l’avant la dimension subversive de la poésie de ces auteures, ce travail démontre comment, substituant aux catégories fixes imposées par la société patriarcale une vision plus fluide du monde, l’écriture hybride des femmes fait de la page un espace révolutionnaire depuis lequel un nouveau paradigme peut surgir. / This thesis analyzes the poetry of Amelia Rosselli (1930–1996), Toni Maraini (1941), Dahlia Ravikovitch (1936–2005), and Yona Wallach (1944–1985) from the angle of protest. The main aim of this research is to study the subversive potential of poetic hybridity, as it shows in the work of these women poets. Through their writing, in fact, they rebel against the dictates of the patriarchal system. The context of these works are post-war Italy (Rosselli and Maraini) and the founding of the State of Israel (Ravikovitch and Wallach), both periods marked by militarist virilism and heroic values. According to my hypothesis, such virilism is one of the reasons why the poetic expression of these women is conceived as a battle. Each in their own way, the authors aspire to a social revolution, which focuses on the status of women and their writing. Which shapes does this battle take, and how is it reflected in the poetry of these authors? How is their writing expressed as a space for negotiation within the language of the fathers? Starting from the notion of hybridity, this thesis investigates the idea of a protest expression emanating from the interstices of the dominant discourse (Bhabha). This work is divided into three main parts. Firstly, I show how women appropriate and alter male language as a tool of dissent, thus creating a renovated language. Secondly, I focus on the appropriation and ingestion of the corpus of men: both in the sense of literary material (intertextuality), and as body stricto sensu (cannibalism). Finally, I analyze how the woman-subject conquers and hybridizes space and time, which have been normally defined by male privilege. The act of translation is directly connected with the process of hybridization. Translating, in fact, resolves in a new cannibalization of the corpus, which is then moved to another space-time dimension. By approaching the texts in the original languages (Italian, French, Hebrew), as well as their translations (English, French, Italian), I show how the translation acts as a sounding box, amplifying the original intention of battle. Thanks to these new interpretive trajectories, focusing on the subversive dimension of these authors’ poetry, this work highlights the transformative power of substituting fixed categories imposed by patriarchal society with a more fluid vision of the world. Thus, the hybrid writing of women has the potential to transform the written page into a revolutionary space from which a new paradigm can emerge.

Le présent mémoire adopte une perspective topographique pour examiner la façon dont est appréhendée, dans les œuvres littéraires des générations post-génocidaires, la mémoire d’événements traumatiques survenus dans le passé, mais dont l’empreinte demeure visible dans le présent, selon les structures de ce que Marianne Hirsch a qualifié de « postmémoire ». À travers les analyses de Dora Bruder (1997) de Patrick Modiano et Peut-être Esther (Vielleicht Esther, 2014) de Katja Petrowskaja, on observe comment la mémoire envisagée comme expérience topographique permet, par le rapport incarné qu’elle sous-entend, un contact riche et singulier avec cet héritage traumatique, et la naissance d’un regard pluriel, trans-temporel et transculturel sur la postmémoire et sur sa portée dans la littérature contemporaine. Le premier chapitre est consacré à la présentation, la définition et l’illustration des principaux concepts théoriques et des thèmes qui orientent la réflexion, soit la postmémoire, la question de la mémoire du corps, et la notion de topographie mémorielle. Le second chapitre est une réflexion sur les itinéraires de mémoire dans Dora Bruder et sur la présence-absence, dans la topographie contemporaine de Paris, de la jeune fille qui donne son nom au récit. Y sont examinés les procédés narratifs et littéraires employés par Modiano pour dessiner les contours, à travers les brumes de l’histoire, d’un personnage qui demeure insaisissable et énigmatique. Le troisième chapitre se penche sur le récit fragmentaire et pluriel élaboré par Petrowskaja dans Peut-être Esther, en accordant une attention particulière à la façon qu’a la narratrice d’interagir avec les lieux mémoriels et de les relier entre eux par ses mouvements et voyages. L’analyse de différents passages met par ailleurs en lumière la richesse et la pertinence de la figure du palimpseste dans l’expression et l’appréhension de la topographie mémorielle. / This thesis uses a topographic perspective in order to examine how the memory of traumatic events is apprehended in the literary works of post-genocidal generations. While these traumatic events happened in the past, their imprint remains perceptible in the present, according to the structures of what Marianne Hirsch called “postmemory”. Through the analysis of Patrick Modiano’s Dora Bruder (1997) and Katja Petrowskaja’s Peut-être Esther (Vielleicht Esther, 2014), we look at how memory taken as a topographic experience allows for, by the embodied relation implied, a rich and singular contact with this traumatic heritage, as well as the emergence of a plural, trans-temporal and transcultural look on postmemory and its resonance in contemporary literature. The first chapter is dedicated to the presentation, definition and illustration of the main theoretical concepts and themes guiding the reflection, such as postmemory, embodied memory and the idea of memorial topography. The second chapter is a reflection on the memory itineraries in Dora Bruder and on the presence-absence, in the contemporary parisian topography, of the young girl who gives her name to the narrative. Therefore, the narrative and literary processes used by Modiano in order to draw, through the mists of history, the portrait of a character still remaining uncatchable and enigmatic are examined in this section. The third chapter addresses the fragmentary and plural narrative that Petrowskaja elaborates in Peut-être Esther, with a particular attention to the way that the narrator interacts with memorial sites and links them together through her movements and travels. The analysis of various passages also brings to light the richness and relevance of the figure of the palimpsest in the expression and apprehension of memorial topography.

Ce mémoire offre une réflexion théorique sur la question vestimentaire mise à l’œuvre dans le recueil de nouvelles Trois sentiers vers le lac (1972) et le roman Malina (1971) d’Ingeborg Bachmann. Le questionnement qui a initié ce projet de recherche a été de se demander si le vêtement joue un rôle dans les textes de cette autrice ; cela nous a mené à articuler l’hypothèse selon laquelle le vêtement servirait aux personnages féminins de stratégie de survie pour habiter le monde. Chez Bachmann, il s’agirait d’une stratégie textuelle de (re)construction ; par (re)construction, on entend que par le biais des vêtements, Bachmann réussit à introduire de nouvelles représentations de la (les) féminité(s), en ce que le sens et la conscience identitaire émaneraient des personnages féminins, voire même, ultimement, y résideraient. Les écrits sélectionnés présentent des portraits de femmes viennoises habitées par la crainte de disparaître, de passer inaperçues, et qui pourtant luttent par la volonté de se révéler au monde, de rendre perceptible leur être-au-monde ; dans ces textes, presque tout répond d’une tension entre retrait et affirmation de soi. Le rapport à l’Autre deviendrait donc constitutif pour ces Viennoises, tout en permettant de penser la possibilité d’une transformation de l’obscur (la violence) en lumière (l’amour), à partir de cette même relation. Dans le premier chapitre, en faisant appel au concept de mascarade (Irigaray, Doane, Apter), nous postulons que ces femmes semblent mettre en œuvre une forme spécifique de subordination féminine, à travers leur recours aux vêtements, laquelle se voudra presque toujours, puisque à degré variable, une voie de résistance et un cri du cœur contre la violence quotidienne, contre les petits crimes, qui sont les manifestations à petite échelle nous permettant de « comprendre pourquoi il est possible d’en arriver aux grands crimes », thématique incontournable de la poétique de Bachmann. Dans le deuxième chapitre, il s’agira d’interroger, à la lumière des théories sur le jeu (Huizinga, Gadamer, Caillois), le lien logique que nous observons entre le rôle du vêtement et la présence du jeu dans les textes, toujours en se questionnant sur l’interrelation qu’entretiennent les femmes avec le (leur) monde. Il sera question d’examiner les déclinaisons du grand jeu social, sur le fond duquel se jouent plusieurs parties, révélatrices de la dynamique complexe de la relation entre les hommes et les femmes et des combats sous-jacents s’y rapportant. / This thesis offers a theoretical reflection on the question of clothing in Ingeborg Bachmann’s short story collection Three Paths to the Lake (1972) and her novel Malina (1971). This project was initiated by the question whether clothing plays a role in Bachmann’s text, leading us to articulate the hypothesis that clothing serves female characters as a survival strategy for inhabiting the world. For Bachmann, it is a textual strategy of (re)construction; by (re)construction, we mean that through clothing, Bachmann succeeds in introducing new representations of femininity(ies), in that meaning and identity-consciousness emanate from, and ultimately even reside in, the female characters. The selected works present portraits of Viennese women inhabited by a fear of disappearing, or going unnoticed, yet constantly fighting, proving their will to reveal themselves to the world, to make their being-in-the-world perceptible; in these texts, almost everything is submitted to a tension between withdrawal and self-affirmation. For these Viennese women, the relationship to the Other thus becomes constitutive, while at the same time allowing us to consider the possibility of transforming the obscure (violence) into light (love), on the basis of the same relationship. Drawing on the concept of masquerade (Irigaray, Doane, Apter), we suggest that these women seem to enact a specific form of female subordination, through their use of clothing amongst other, which is almost always, albeit to a varying degree, a means of resistance and a cry from the heart against everyday violence, against small crimes, which are the small-scale manifestations that allow us to “understand why the great murders can occur.”, an inescapable theme of Bachmann's poetics. In the second chapter, in the light of the game theories (Huizinga, Gadamer, Caillois), we will examine the logical link we observe between the role of clothing and the presence of play in the chosen texts, always keeping in mind the interrelation between women and the (their) world. We will be examining the declensions of the great social game, against the backdrop of which several small games are played at the same time, revealing the complex dynamics of the relationship between men and women and the underlying struggles therefore involved. / Diese Masterarbeit bietet eine theoretische Reflexion über die Kleidungsfrage in Ingeborg Bachmanns Erzählungsband Simultan (1972) und Roman Malina (1971). Die Fragestellung, die dieses Forschungsprojekt initiierte war, ob Kleidung in den Texten dieser Autorin eine Rolle spielt, und führte uns zu der Hypothese, dass Kleidung den weiblichen Figuren als Überlebensstrategie dient, um die Welt zu bewohnen. Bei Bachmann würde es sich um eine textuelle Strategie der (Re-)Konstruktion handeln; mit (Re-)Konstruktion ist gemeint, dass es Bachmann gelingt, über die Kleidung neue Vorstellungen von Weiblichkeit(en) einzuführen, indem Sinn und Identitätsbewusstsein aus den weiblichen Figuren hervorgehen und letztlich sogar in ihnen wohnen. Die ausgewählten Schriften stellen Porträts von Wiener Frauen dar, die von der Angst beseelt sind, zu verschwinden, unbemerkt zu bleiben, und die dennoch ständig mit dem Willen kämpfen, sich der Welt zu offenbaren, ihr In-der-Welt-Sein wahrnehmbar zu machen; in diesen Texten würde fast alles auf eine Spannung zwischen Rückzug und Selbstbehauptung antworten. Die Beziehung zum Anderen würde also für diese Wienerinnen konstitutiv werden und gleichzeitig die Möglichkeit eröffnen, ausgehend von eben diese Beziehung das Dunkle (die Gewalt) in Licht (die Liebe) zu verwandeln. Im ersten Kapitel gehen wir unter Rückgriff auf das Konzept der Maskerade (Irigaray, Doane, Apter) davon aus, dass diese Frauen durch die Verwendung von Kleidung eine spezifische Form der weiblichen Unterordnung umsetzen, indem sie Kleidung tragen, die fast immer, wenn auch in unterschiedlichem Ausmaß, ein Weg des Widerstands und ein Aufschrei des Herzens gegen die alltägliche Gewalt ist, gegen die kleinen Verbrechen, die die kleinen Manifestationen sind, die es uns ermöglichen zu verstehen, „warum es zu den großen Morden kommen kann“, ein Thema, das aus Bachmanns Poetik nicht wegzudenken ist. Im zweiten Kapitel geht es darum, im Lichte der Spieltheorien (Huizinga, Gadamer, Caillois) die logische Verbindung zwischen der Rolle der Kleidung und der Präsenz des Spiels in den Texten hinterfragen, wobei wir uns auch mit der Frage beschäftigen, wie die Frauen mit der (ihrer) Welt interrelational verbunden sind. Wir werden die Variationen des großen sozialen Spiel untersuchen, vor dessen Hintergrund viele kleine Spiele gespielt werden, die die komplexe Dynamik der Beziehung zwischen Männer und Frauen und die zugrunde liegenden Kämpfe aufzeigen.

Cette thèse met en relief la dimension américaine de l’imaginaire québécois – son américanité − à partir de l’analyse de romans parus entre 2005 et 2011. L’américanité québécoise se comprend comme la manière dont les Québécois ont développé un rapport singulier à l’espace, au temps et à la collectivité selon, d’une part, une attitude de rupture ou de continuité par rapport à la France et, d’autre part, selon l’influence des États-Unis. Pour en définir la spécificité, cette thèse développe une méthodologie inspirée de la mythanalyse : la sociocritique du mythe fondateur. Une mise en rapport des mythes états-uniens du nouvel Adam, de la destinée manifeste et de la Frontière avec les mythes québécois du coureur des bois, de l’Amérique française et du Nord montre comment les deux imaginaires nationaux se sont développés dans une relation de familiarité, bien que les mythes québécois se distinguent par leur aspect compensateur. Deux grandes orientations illustrent l’évolution des manifestations littéraires de l’américanité québécoise à l’époque contemporaine. Alors que les « romans de l’américanisation » révèlent l’altérité des États-Unis perçus comme une menace, les « fictions de la Franco-Amérique » transcendent le nationalisme québécois de la Révolution tranquille afin de renouer avec le récit des communautés francophones diasporiques du continent. Le premier ensemble comprend les textes emblématiques Les failles de l’Amérique (2005) de Bertrand Gervais, Lazy Bird (2009) d’Andrée A. Michaud et Conséquences lyriques (2010) de Pierre Yergeau. Le second regroupe Nikolski (2005) de Nicolas Dickner, Les taches solaires (2006) de Jean-François Chassay et Atavismes (2011) de Raymond Bock. Une analyse de ces six textes en fonction de la voix narrative, du personnage, de l’espace et du temps fictionnels révèle l’ambition du sujet contemporain de créer sa propre mythologie du « Nouveau Monde » à l’aune de ses expériences, de son ici-maintenant traversé par un héritage accablant dont il n’ose se débarrasser totalement. Mots-clés : américanité, mythes fondateurs, identités culturelles, roman contemporain, États-Unis, espaces francophones d’Amérique du Nord, Canada français.