Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-08T17:27:06Z No. of bitstreams: 1 RAÍSA FARIAS SILVEIRA.pdf: 5235146 bytes, checksum: 50251aba3821222a74c2433a01184120 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-08T17:27:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 RAÍSA FARIAS SILVEIRA.pdf: 5235146 bytes, checksum: 50251aba3821222a74c2433a01184120 (MD5) Previous issue date: 2016-06-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / In general, mediation is a recurrent issue when talking about Radamés Gnattali, even if it is not directly referred to. In this study the issue has been called into the foreground, in an intent to recognize the ways in which this mediatorial trait is expressed in the choros for solo piano entitled Manhosamente, Canhoto and Negaceando, all of them composed in the 1940s. Considering that Radamés is not an isolated case in Brazilian music, nor in music produced in the West as a whole, this study proposes a discussion about the impact of the development of mass media in the transition from the 19th to the 20th century, using Jacques Attali’s “Noise: The Political Economy of Music” (2003 [1977]) and Jesús Martín-Barbero’s “Dos meios às mediações: comunicação, cultura e hegemonia” (2009 [5ªedição]) as main references. Roberto Schwarz’s studies on national identity in the work of the Brazilian writer Machado de Assis have also been used as reference. His studies present an alternative to recurrent concepts of Brazilian nationalism, particularly that of musical nationalism coined within the modernist movement in the beginning of the 20th century, whose main mentor was Mário de Andrade. Whilst on the one hand romantic nationalism was characterized through the choice of nationalistic themes and modernist nationalism in the assimilation of material derived from folklore, the kind of nationalism which we identified in Radamés refers primarily to processes of cultural mediation. / Em linhas gerais, a temática da mediação está sempre presente quando o assunto é Radamés Gnattali, mesmo que de forma indireta. Nesta investigação propomos colocar o tema em primeiro plano, buscando reconhecer de que forma este caráter mediatório se manifesta no repertório por ele composto, mais especificamente nos choros para piano solo, Manhosamente, Canhoto e Negaceando, datados da década de 1940. Partindo do princípio de que Radamés não seria um caso isolado dentro da música brasileira, tampouco dentro dos fluxos de produção musical a nível do ocidente como um todo, a pesquisa coloca em diálogo as leituras sobre o impacto do desenvolvimento dos meios de comunicação massivos na transição do século XIX para o século XX propostas por Jacques Attali no livro Noise: The Political Economy of Music (2003 [1977]), e por Jesús Martín-Barbero, no livro Dos meios às mediações: comunicação, cultura e hegemonia (2009 [5ªedição]). Soma-se a estas duas referências a proposta de identidade nacional reconhecida pelo crítico Roberto Schwarz em análises sobre obra de Machado de Assis. Seus estudos nos interessam como alternativa aos conceitos correntes de nacionalismo, particularmente o de nacionalismo musical cunhado no âmbito do movimento modernista do início do século XX, cujo principal mentor foi Mario de Andrade. Enquanto, por um lado, o nacionalismo romântico caracterizava-se pela escolha da temática e o nacionalismo modernista na assimilação de materiais oriundos do folclore, o tipo de nacionalismo que identificamos em Radamés refere-se prioritariamente a processos de mediação cultural.

Orientador: Jose Miguel Soares Wisnik / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-07-15T18:11:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Medeiros_PauloTarsoCabralde_M.pdf: 4955493 bytes, checksum: c512b9dc52813e996e9b3f9198a5fcd6 (MD5) Previous issue date: 1986 / Resumo: Não informado / Abstract: Not informed. / Mestrado / Teoria Literaria / Mestre em Letras

Submitted by Ian Cardoso Sousa (iancardoso2@gmail.com) on 2018-07-24T12:09:55Z No. of bitstreams: 1 Trabalho Final ultimo PPGPROM ian cardoso - 06-07.pdf: 2314739 bytes, checksum: bcfcbbe60efff05796f74b4548e365b5 (MD5) / Approved for entry into archive by Nilson Nascimento Souza (nilson@ufba.br) on 2018-08-20T12:52:58Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Trabalho Final ultimo PPGPROM ian cardoso - 06-07.pdf: 2314739 bytes, checksum: bcfcbbe60efff05796f74b4548e365b5 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-20T12:52:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Trabalho Final ultimo PPGPROM ian cardoso - 06-07.pdf: 2314739 bytes, checksum: bcfcbbe60efff05796f74b4548e365b5 (MD5) / FAPESB / Este documento compreende o trabalho final apresentado ao Programa de Pós-Graduação Profissional em Música da UFBA e busca revelar o processo de produção do EP Reina, meu primeiro trabalho solo. Para isso traz reflexões sobre os meios e estímulos pelo qual ele foi gerado, abordando aspectos tanto de ordem mais material e pragmática quanto existenciais e subjetivas. De início apresento um memorial guiado em formato de conto, que aborda através de metáforas alguns processos e questões desencadeadas durante a pesquisa do mestrado. Na sequência, apresento um artigo que traz uma discussão sobre atmosfera criativa, improvisação, colaboração e outros tópicos que margeiam a produção artística, seguido dos relatórios das práticas orientadas desenvolvidas durante o curso. Finalmente, o EP virá em anexo acompanhado por um apêndice com a ficha técnica e fotos. / This document includes the final work presented to the Professional Postgraduate Program in Music of UFBA and seeks to reveal the production process of the EP Reina, my first solo work. For this, it brings reflections on the means and stimuli by which it was generated, addressing aspects of both a more material and pragmatic order, as well as existential and subjective aspects. Initially, I present a guided memorial, in short story format, which will approach some processes and issues triggered during the Master’s research through metaphors. Following, an article that deals with the creative atmosphere in the artistic production and the reports of the guided practices developed during the course will be presented. Finally, the EP is attached accompanied by an appendix with the technical file and some specific notes.

Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-12T17:16:59Z No. of bitstreams: 1 Rafael Dias de Oliveira.pdf: 450089828 bytes, checksum: 72ba28847f58a75a1485db9138f151dc (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-12T17:16:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rafael Dias de Oliveira.pdf: 450089828 bytes, checksum: 72ba28847f58a75a1485db9138f151dc (MD5) Previous issue date: 2016-03-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Esta investigación tiene como pregunta investigar los aspectos que permean el diálogo y el proceso de concientizar acciones pedagógicas de composición musical en una escuela de educación de jóvenes y adultos. Para responder a esta pregunta, la investigación tiene como objetivos: identificar y analizar los aspectos presentes en el establecimiento de un diálogo entre los sujetos durante el proceso de composición; identificar y analizar los aspectos que sugieren un cambio en la relación con la música de la EJA - educación de jóvenes y adultos durante el proceso de composición en la escuela. La investigación tiene el marco teórico construido en dos ejes: la concepción de la educación problematizadora (Freire, 1982; 1987; 2001; 2001a) y composición en la educación musical (SWANWICK, 2002; 2003; 2014. Debido a características como la inmersión del investigador en el contexto, la proximidad entre el investigador y los sujetos y la integración entre la investigación, la educación y la acción, la metodología adoptada fue la investigación participante de enfoque cualitativo y el diseño metodológico implicó la intervención del investigador en una escuela de EJA desarrollando una planificación didáctica con experiencias en la composición musical, registro de estas experiencias en video, observación participante y entrevistas de reflexión en grupos focales con la ayuda de los vídeos. Los resultados obtenidos mostraron que durante los diálogos que ocurrieron en los procesos de composición, el reconocimiento del otro, el aprendizaje musical con el otro y la importancia del discurso musical del sujeto surgieron como principales aspectos. La manera como se construyó el reconocimiento del otro en cada grupo de composición influyó en los resultados de las composiciones. En las entrevistas realizadas a los estudiantes expusieron que desarrollaron habilidades musicales durante el proceso y que también aprendieron música con los colegas. Mencionaron que sus experiencias musicales fueron importantes para el surgimiento de ideas para las composiciones. Con respecto a los aspectos que apuntan a un cambio en la relación de ellos con la música, se identificaron y analizaron dos: una visión más amplia del discurso musical, porque demostraron tener una mayor comprensión sobre cómo y cuales elementos forman una música, y una mayor identificación mientras sujetos musicales, cuando hablaron acerca de si ellos se sintieron con un papel más activo en la realidad musical y no sólo como consumidores. A partir de esta tesis se sugiere como investigaciones futuras el estudio de los temas presentados por los alumnos en las composiciones, del rol del maestro, del producto de las composiciones por medio de diferentes lentes teóricos y de las particularidades de la EJA en este proceso. La aproximación entre autores de la Educación Musical con los conceptos de Paulo Freire puede ayudar a traer ideas de cómo el pensamiento pedagógico “freireano” puede ser aporte para reflexiones y prácticas en educación musical. Esta investigación puede servir para los profesores que actúan en la EJA como una posibilidad más de acción pedagógica para la educación de música en este ambiente. / Esta pesquisa investiga os aspectos que permeiam o diálogo e o processo de conscientização em ações pedagógicas de composição musical em uma escola de Educação de Jovens e Adultos (EJA). Para responder essa questão a pesquisa tem como objetivos: identificar e analisar aspectos presentes no do diálogo entre os sujeitos durante o processo de composição; identificar e analisar aspectos que sugerem uma mudança na relação com a música de alunos da EJA durante o processo de composição na escola. A pesquisa tem o referencial teórico construído em dois eixos: a concepção de educação problematizadora (FREIRE, 1982; 1987; 2001, 2001a) e composição na educação musical (SWANWICK, 2002; 2003; 2014). Devido a características como a imersão do pesquisador no contexto, a proximidade entre pesquisador e sujeitos e a integração entre pesquisa, educação e ação, a metodologia adotada foi a pesquisa participante de abordagem qualitativa. O desenho metodológico envolveu a intervenção do pesquisador em uma escola de EJA, desenvolvendo um planejamento didático com vivências em composição musical, registro dessas vivências em vídeo, observação participante e entrevistas de reflexão em grupos focais com auxílio dos vídeos. Os resultados obtidos mostraram que durante os diálogos ocorridos nos processos de composição o reconhecimento do outro, o aprendizado musical com o outro e a importância do discurso musical do sujeito emergiram como aspectos principais. O modo como se construiu o reconhecimento do outro em cada grupo de composição influenciou nos resultados das composições. Nas entrevistas os estudantes expuseram que desenvolveram habilidades musicais durante o processo e que também aprenderam música com os colegas. Mencionaram que suas experiências musicais foram importantes para o surgimento de ideias para as composições. Com relação aos aspectos que apontam para uma mudança na relação deles com a música, foram identificados e analisados dois: uma visão mais ampla do discurso musical, pois evidenciaram ter uma maior compreensão sobre como e de que elementos uma música é feita, e uma maior identificação enquanto sujeitos musicais, quando falaram sobre se perceberem com um papel mais ativo na realidade musical e não só como consumidores. A partir dessa dissertação sugerem-se como pesquisas futuras o estudo das temáticas trazidas pelos estudantes nas composições, do papel do professor, do produto das composições por meio de diferentes lentes teóricas e das particularidades da EJA nesse processo. A aproximação entre autores da Educação Musical com concepções de Paulo Freire pode ajudar a trazer ideias de como o pensamento pedagógico freireano pode ser subsídio para reflexões e práticas em educação musical. Esta pesquisa pode contribuir como mais uma possibilidade de ação pedagógica para os professores que atuam no ensino de música na EJA.

Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-14T16:20:02Z No. of bitstreams: 1 MARISLEUSA DE SOUZA EGG.pdf: 1515048 bytes, checksum: db4f111c93b7ce31817fcab6203083cb (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-14T16:20:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 MARISLEUSA DE SOUZA EGG.pdf: 1515048 bytes, checksum: db4f111c93b7ce31817fcab6203083cb (MD5) Previous issue date: 2016-03-28 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The aim of this research is to analyze how a teacher develops singing activities in the classroom and to know his reflections about teacher training. The study was realized throughout one semester with a music teacher who works at an Early Childhood School in a class with 4 and 5 years old children. This was a qualitative research with an ethnographic approach. The data collection was realized with semi-structured interviews and participant observation with video recordings, and field notebook. The results showed that singing activities was the main musical content developed in the classroom. The teacher’s background as keyboard player and singer in a rock band, and also as singer in many choirs was notable in his pedagogical practice. His musical training out of university was confirmed by the teacher, who emphasized the necessity of a vocal pedagogical skills for Early Childhood teachers. The research results allow to point out that the vocal training of the music teacher engaged in early childhood education is required and reflects in the learning and development of the children.. Future researches may contribute to building new programs for Education or Music Education students. / Esta pesquisa teve como objetivo geral observar e analisar como o professor desenvolveu as atividades cantadas na sala de aula e conhecer suas reflexões acerca de sua formação docente. O estudo foi realizado com um professor de música atuante em um Centro de Educação Infantil (CEI) durante um semestre na turma do Pré II com crianças de 4 a 5 anos de idade. A pesquisa é de cunho qualitativo utilizando a abordagem do tipo etnográfico. A coleta de dados foi realizada por meio de entrevista semiestruturada, observação participante com registro em vídeo e diário de campo. Os resultados mostraram que as atividades cantadas estiveram no centro dos conteúdos musicais desenvolvidos nas aulas. As experiências anteriores vivenciadas pelo professor como tecladista/cantor em uma banda de rock e cantando em diversos corais foram percebidas em suas práticas. A formação fora do contexto acadêmico e em outros lugares foi confirmada pelo participante da pesquisa que também ressaltou a necessidade de formação pedagógica vocal direcionada para o professor da educação infantil. Os resultados desta pesquisa permitem destacar que a formação vocal do professor de música que atua na educação infantil é necessária e, consequentemente, reflete no aprendizado e no desenvolvimento das crianças. Futuras pesquisas poderão contribuir tanto para a construção de programas curriculares dos cursos de Licenciatura em Música quanto para os cursos de Pedagogia.

Orientador: Eduardo Augusto Ostergren / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-04T00:41:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pimenta_JosaniKeunecke_M.pdf: 5965197 bytes, checksum: 4d96d20724fd197b5ce5391a295d0297 (MD5) Previous issue date: 2003 / Resumo: Este trabalho tem dois objetivos principais. O primeiro é o de divulgar a obra de canto coral a cappella do compositor brasileiro Heitor Villa-Lobos através do estudo de suas obras: Missa São Sebastião e Bendita Sabedoria. O segundo objetivo é o de, através das duas obras do compositor, apresentar um método de estudo de música coral para estudantes de regência e regentes. O trabalho está dividido em 3 capítulos: 1. Estudo Preliminar da Partitura; 2. Estudo Interpretativo da Partitura; 3. Preparação dos Ensaios e Considerações Interpretativas. No Estudo Preliminar da Partitura são apresentados aspectos gerais das obras como número de movimentos, extensão das vozes, origem do texto, duração aproximada, entre outros. Assim, o regente terá dados suficientes para analisar se o seu grupo está apto tecnicamente e musicalmente para interpretar as obras. O Estudo Interpretativo da Partitura inicia-se com uma introdução de cada obra e segue com a análise de todos os movimentos das mesmas com foco no texto, ritmo, melodia, tonalidade/modalidade, harmonia, textura, timbre, elementos de expressão e forma; finalizando com o estudo paralelo à análise que abrange o estudo de cada voz, a linha de regência, o gestual, os ensaios e a concepção da peça. Por fim, no capítulo 3, há um levantamento de aspectos que podem gerar dificuldade na execução, sugestão de andamento e alguns exercícios de técnica vocal que preparam o coro para a linguagem composicional utilizada nas obras. O trabalho destaca a importância de se estudar e preparar a obra antes do 10 ensaio do regente com o coro. Há aspectos importantes da obra que só são revelados através da análise e só através dela é que o regente sentir-se-á preparado para trabalhar a obra com seu coro e interpretá-Ia. O método de estudo desenvolvido neste trabalho pode ser utilizado no estudo de outras obras musicais / Abstract: The two-fold purpose of this dissertation is: first to divulge Villa-Lobos a cappella choral music through the study of his two masterpieces: Missa São Sebastião and Bendita Sabedoria; second, to present a method for the study of choral music to be used by students and conductors. The work is divided into 3 chapters: 1. Preliminary Score Study; 2. Interpretive Score Study; 3. Rehearsal Preparation and Interpretative Considerations. In the Preliminary Score Study general aspects of the pieces are presented such as number of movements, voice extensions, text origin, approximate duration of each movement, amongst others. Thus, the conductor has basic data to help consider whether his ensemble is technically and musically able to perform the pieces. The Interpretive Score Study includes an introduction to each piece and the analyses of the various movements of the compositions focusing on: text, rhythm, melody, tonality/modality, harmony, texture, timbre, expression elements and formo The detailed examination of each voice, conducting gestures, rehearsal considerations and the overall conceiving of the pieces are also included in this chapter. Finally, in chapter 3, there is a discussion about technical aspects pointing to. performance difficulties, suggestions for expressive conducting beat-pattems and vocal technique exercises which will help the choir with the stylistic language used throughout the pieces. The study calls attention to the importance of score preparation before the leading of the first choir rehearsal by the conductor. There are important musical and technical aspects of the score that are only revealed through preliminary analysis and only through this procedure will he be better prepared for an effective rehearsal and moving performance. The study method here proposed can also be used to advantage for the preparation of Other musical compositions / Mestrado / Mestre em Artes

El concepto de "Tonalidad" es un concepto que jerarquiza los tonos y los colores en las disciplinas de la música y el arte visual hasta nuestros días. Esta característica contribuye a establecer la funcionalidad de los elementos presentes en una pieza musical o en un espacio bidimensional o tridimensional, determinado por los colores que le ocupan. Con el concepto de una "Tonalidad Sinestésica", haremos referencia a una relación de correspondencias entre sonidos afinados y colores, determinados por la visión de personas que padecen de la condición clínica conocida como "Sinestesia". Partiendo del establecimiento de los elementos que conforman el concepto de un tono en cada disciplina en lo individual, se unirán los elementos propios de la tonalidad en la música y en el color, a partir de una revisión del fenómeno perceptivo de la sinestesia. El objetivo de esta tesis es la creación de un nuevo concepto denominado como "Tonalidad Sinestésica", el cual constituya una nueva correspondencia de relaciones entre disciplinas artísticas, además de extraer formas de trabajo interdisciplinar que han trascendido en la historia del arte para con éstas, formular una nueva forma de trabajo en el campo de las traducciones de la música al color, y de la composición musical. Esta investigación se basa preferentemente en el método inductivo, a partir de la observación de diferentes formas de trabajo en el campo del arte interdisciplinario, y de los patrones del trabajo creativo personal, que extraeremos de los estudios de la sinestesia (R. E. Cytowic, John Harrison, Paul Hertz, Flournoy, entre otros) y de la teoría de la música y el color (John Gage, E. Goldstein, Scriabine, A. Schoenberg, Kandinsky, Messiaen, Ligeti, etc.), con el fin de crear las bases de un código de relaciones para el establecimiento de un concepto: la "Tonalidad Sinestésica". Los resultados logrados en esta investigación sobre la correspondencia sinestésica se encuentran especialmente en los experimentos prácticos, tomando en primer lugar la forma de traducciones de música de compositores históricos (J. S. Bach, Claude Debussy y Arnold Schoenberg) y llevados a el color; y en segundo lugar, mediante la composición de música propia ('Miniatura de Colores en Gris-Azul' para piano y un 'Trío para marimba y dos vibráfonos') cuyos elementos fueron construidos con criterios de armonía de color en diferentes formatos de instrumentación y duración, así como su presentación pública en concierto multimedial ('Festival Internacional Cervantino 2010'), de forma que estuvieran demostradas las posibilidades creativas de la correspondencia sinestésica. / González Compeán, FJ. (2011). Tonalidad Sinestésica: Relaciones entre la tonalidad de la música y del color a través de una propuesta personal [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/13835 / Palancia

El presente trabajo está dedicado a estudiar el repertorio existente para violín solo hasta Paganini, y analizar sus diferencias de estilo, intenciones y funciones. Las dos obras cumbre de este género son las Sonatas y Partitas de Johann Sebastián Bach, y los Caprichos Opus 1 de Paganini. Al observar la trayectoria de la cronología artística, apreciamos cómo existe un repertorio que nace en el primer Barroco, que ha conducido a que estas creaciones no sean piezas aisladas sino obras insertas en una tradición compositiva hoy día bastante desconocida.

Em Arte de Música, livro de poemas motivados por peças musicais, grandes intérpretes e compositores da História da música ocidental, a questão da legitimidade das composições poéticas assume um papel fundamental. Neste sentido e, após um enquadramento histórico das relações entre a música e a poesia, a presente dissertação incide sobre o estudo dos tipos de relação de motivação que unem o objectivo musical/paramusical ao objecto poético, trabalho sustentado pela definição da autonomia dos dois sistemas sígnicos, que exclui o factot descritivo ou imitativo do Livro. Toda esta investigação conduz ao ensaio de uma nova abordagem da "série musical" de Jorge de Sena, onde se enfatiza o domínio temático da música nos poemas sobre a música como matériaou como presencialidade.

This work focuses on the automatic identification of musical piece versions (alternate renditions of the same musical composition like cover songs, live recordings, remixes, etc.). In particular, we propose two core approaches for version identification: model-free and model-based ones. Furthermore, we introduce the use of post-processing strategies to improve the identification of versions. For all that we employ nonlinear signal analysis tools and concepts, complex networks, and time series models. Overall, our work brings automatic version identification to an unprecedented stage where high accuracies are achieved and, at the same time, explores promising directions for future research. Although our steps are guided by the nature of the considered signals (music recordings) and the characteristics of the task at hand (version identification), we believe our methodology can be easily transferred to other contexts and domains. / Aquest treball es centra en la identificació automàtica de versions musicals (interpretacions alternatives d'una mateixa composició: 'covers', directes, remixos, etc.). En concret, proposem dos tiupus d'estratègies: la lliure de model i la basada en models. També introduïm tècniques de post-processat per tal de millorar la identificació de versions. Per fer tot això emprem conceptes relacionats amb l'anàlisi no linial de senyals, xarxes complexes i models de sèries temporals. En general, el nostre treball porta la identificació automàtica de versions a un estadi sense precedents on s'obtenen bons resultats i, al mateix temps, explora noves direccions de futur. Malgrat que els passos que seguim estan guiats per la natura dels senyals involucrats (enregistraments musicals) i les característiques de la tasca que volem solucionar (identificació de versions), creiem que la nostra metodologia es pot transferir fàcilment a altres àmbits i contextos.