Orientador: Maria Viviane do Amaral Veras / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-08-27T07:47:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Meinberg_AdrianaFiuza_M.pdf: 1245656 bytes, checksum: edd7db261afb70073aee2489590bb27a (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: Este trabalho reflete sobre a canção vertida e cantável (do português para o inglês e do inglês para o português), entendendo que considerá-la somente com base na letra seria tirar dela toda a poesia, uma vez que seu valor poético está cravado de sentimentos que a música vem acordar. Minha proposta é oferecer uma nova escuta para a versão cantável de canções populares, partindo do princípio de que são criadas para serem cantadas, por serem uma combinação de letra e música, passando assim a intercambiarem uma teia sempre renovável de significações. Além disso, mostrar que essa teia de significações é criada e articulada não somente pelo versionista, mas também pelo cantor e pelo arranjador, que atuam como coautores. Para tanto, o corpus da pesquisa faz um recorte que seleciona canções vertidas do português para o inglês no disco Brasil (1987), gravado pelo grupo vocal americano The Manhattan Transfer, com canções brasileiras de Ivan Lins, Djavan, Milton Nascimento e Gilberto Gil. O trabalho também se apoia, para efeito de comparação, em um breve estudo das versões do inglês para o português criadas por Carlos Rennó. Apliquei à escuta e ao cotejo dessas canções a abordagem teórica oferecida principalmente pelo Princípio do Pentatlo de Peter Low e por Klaus Kaindl em sua perspectiva sociossemiótica / Abstract: This study draws some thought on translated and singable popular songs (from Portuguese into English and from English into Portuguese), understanding that considering only the lyrics as analysis basis would probably have all its poetics withdrawn, since there poetic density is engraved with feelings awaken only by the music. My proposal is to offer a new hearing to singable versions of popular songs, having in view that a song is created to be sung, as they are a match of lyrics and music, and therefore both exchange an ever renewable web of meanings. In addition, the present research aims at pointing that not only the translator plays a role in the way such web is created and articulated, but also, and particularly, the singer and the arranger play a coauthor's role. In order to do so, the corpus of this research comprises songs translated from Portuguese into English, found in the album Brasil (1987), recorded by the American vocal quartet The Manhattan Transfer, that sings translated tunes by Ivan Lins, Djavan, Milton Nascimento and Gilberto Gil. The work also refers to the songs translations from English into Portuguese created by Carlos Rennó.. The proposed listening was approached having in view the theoretical ground provided mainly by Peter Low's Principle of Pentathlon and Klaus Kaindl's socio-semiotics approach to popular song translation / Mestrado / Linguagem e Sociedade / Mestra em Linguística Aplicada

Esta investigación tiene como objetivo analizar la influencia que tienen distintos géneros musicales con influencias andinas (Huayno, Chicha y Rock/Fusión) en los componentes de la identidad nacional peruana. Para tal fin, se desarrolló un diseño experimental pre-post, que contó con la participación de 92 personas de clase media alta entre los 18 y 25 años de edad (M=19.91, DE=1.95). Los participantes fueron aleatoriamente asignados a uno de los tres grupos experimentales expuestos a cada género de música referido: Huayno (n=30), Chicha (n=31) y Rock/Fusión (n=31). Los resultados muestran que la música Chicha es el género musical menos valorado, el cual podría generar una imagen no tan favorable del Perú, a diferencia del Huayno y el Rock/Fusión, que generarían auto-estereotipos más positivos hacia los peruanos, así como mayores emociones positivas que las producidas por el género Chicha. En este sentido, este género musical parece asociarse con una identificación intensa pero no positiva con el endogrupo nacional y de manera análoga con algunas representaciones fragilizadas de la identidad nacional, donde este género musical urbano-andino puede aparecer como un producto cultural estigmatizado. / The present study aims to analyze the influence of different musical genres with Andean influences (Huayno, Chicha and Rock/Fusion) on the components of the Peruvian national identity. To this end, a pre-post experimental design was developed, which was attended by 92 people from upper middle class between 18 and 25 years (M=19.91, SD=1.95). Participants were randomly assigned to one of three experimental groups exposed to the aforementioned music genre: Huayno (n=30), Chicha (n=31) and Rock/Fusion (n=31). The results show that the Chicha music is the least valued genre, which could lead to a less favorable image of Peru, unlike Huayno and Rock/Fusion, which would generate more positive self-stereotypes to Peruvians and more positive emotions than those produced by Chicha music. In this sense, this musical genre seems to be associated with an intense but not positive identification with the national ingroup and similarly with some weakened representations of national identity, where the urban- Andean musical genre can appear as a stigmatized cultural product.

Uno de los conceptos que suelen encontrarse frecuentemente al leer sobre tecnocumbia peruana, es su condición de amazoneidad. La producción académica sobre el género, indica que la tecnocumbia nace en la selva peruana y que además, sus características sonoras y performativas son de profunda influencia amazónica. Asimismo, presentan a la cantante Rossy War como la figura que resume la tecnocumbia y su representante más exitosa. Dicho esto, lo previsible sería encontrar aquellos atributos amazónicos en la propuesta musical de la cantante. Sin embargo, estas condiciones parecen no encontrarse presentes. Para estudiar los motivos de este descalce, esta investigación propone la metáfora de “espejismo amazónico” como una forma de aproximarse a la disonancia entre el discurso académico sobre la tecnocumbia y el hecho musical. El primer capítulo, presenta los discursos existentes sobre la tecnocumbia desde tres ejes: modernidad, amazoneidad y performance. En el segundo capítulo, se contrastan los discursos anteriormente mencionados con la propuesta musical de Rossy War y su Banda Kaliente a través de un análisis musical estético de temas seleccionados y videoclips. Finalmente, se discuten los motivos por el cual la imagen amazónica de la tecnocumbia podría haber sido hasta entonces, un espejismo que se desvanece al acercarse. / One of the concepts that are often found when reading about the Peruvian variant of technocumbia is its condition of amazoness. The academic production about the genre points that technocumbia was born in the Peruvian jungle and that, in addition, its sound and performative characteristics are deeply influenced by the Amazon. Likewise, they present the singer Rossy War as the figure that sums up technocumbia and its most successful representative. That being said, the foreseeable thing would be to find those Amazonian attributes in the singer's musical proposal. However, these conditions seem not to be present. To study the reasons for this mismatch, this research proposes the metaphor of "Amazonian Mirage" as a way of approaching the dissonance between the academic discourse on technocumbia and the musical fact. The first chapter presents the existing discourses on technocumbia from three axes: modernity, amazoness and performance. In the second chapter, the previously mentioned speeches are contrasted with the musical proposal of “Rossy War y su Banda Kaliente” through an aesthetic musical analysis of selected songs and video clips. Finally, the reasons why the Amazonian image of technocumbia could have been until then, a mirage that vanishes when approaching, are discussed.

La presente investigación nace en respuesta a la falta de estudios acerca de los elementos musicales de la salsa dura y su rol dentro de la sociedad chalaca. En ese sentido, el trabajo analiza la estructura, melodía, ritmo y letra de las canciones “Al Callao”, del compositor Freddy Tara, “Callao, puerto querido” de la orquesta chalaca Combo Espectáculo Creación, y “Guajira’ pa mi barrio”, del músico José “Chaqueta” Piaggio, con el propósito de identificar cómo elementos rítmicos y melódicos en la salsa dura son utilizados para generar una salsa dura creada específicamente para el Callao. El resultado de la investigación se apoya en la búsqueda de bibliografía relacionada directamente a la salsa dura en el mundo y su paulatina adopción en el Perú, sobre todo en el Callao. El texto hace un repaso por el origen de la salsa dura, sus antecedentes en Cuba, su paso y auge en EE. UU. y cómo llegó al Perú para formar parte del bagaje musical del Callao. Posteriormente, el análisis musical de las tres canciones objeto de estudio permite identificar cómo elementos musicales de la salsa dura se usan para generar una salsa dura dedicada al Callao.

Magíster en artes, mención musicología / El desarrollo de la investigación se centra en las dinámicas ocurridas entre una serie de sucesos y relatos generados en torno al siku, elementos que desde mediados del siglo pasado aparecen en el Santiago de Chile. En poco más de medio siglo, las distintas músicas que incorporan dicho instrumento presentan también distintas lógicas de construcción y apropiación identitaria. Zampoña, flauta de pan, siku y lakita son denominaciones que nos dejan ver la presencia de conceptualizaciones e ideologías relacionadas a distintos usos, funciones y significados, evidenciando el desarrollo de las prácticas musicales en cuanto correlatos de un devenir sociocultural. Tanto la diversidad de términos y prácticas musicales presentes, como también sus formas de interrelación, nos dejan entrever una variedad de formas de comprender y construir la noción de un instrumento y su espacio musical, social y cultural. En nuestro tema de estudio cohabitan, se relacionan y diferencian zampoñeros, sikuris y lakitas, representando distintas sonoridades e identidades musicales dentro de un proceso inter/transcultural.

Tesis para optar al grado de Magíster en Literatura mención Literatura Hispanoamericana y Chilena / El presente trabajo aborda la dimensión poético-textual de la canción Rap, considerándola un tipo específico de discurso poético de la cultura popular, cuya performance – caracterizada por un acto de escritura y recitación de actitud posmoderna y rupturista hacia la obra de arte idealizada (no obstante presentar vínculos estéticos con la tradición) -, remite al contexto ideológico y estilístico de las subculturas juveniles y la comunicación de masas. Se postula que las creaciones de los grupos de rap chileno independiente son discursos estéticos que confrontan las imposiciones hegemónicas neoliberales, mediante la elaboración de una poética singular, que no se limita a reproducir las determinantes expresivas de este movimiento musical de masas ni la lógica mercantilista de la industria cultural, sino que se reapropia de dichas bases y expresa problemáticas propias de los grupos subalternos de la sociedad chilena.

Este trabalho se interessa pelas reconfigurações na ordem do simbólico em sociedades latino-americanas a partir do início dos anos 1990 em vista do processo transnacional de hegemonização do capitalismo pós-industrial a partir da aplicação de políticas neoliberais. Na tentativa de interceptar efeitos de sentido produzidos sob essa conjuntura, nos centramos num determinado campo da produção de bens simbólicos: a música popular (MP). O objeto se especificou a partir de um recorte de produções da MP latino-americana que: i) participassem das disputas simbólicas em torno do rock considerado nacional nesse contexto, e ii) fossem definidas ou se auto definissem a partir de noções como mistura, fusão, hibridismo etc. Nossa pergunta norteadora foi, então: nas condições de produção em que foram formuladas, em que medida e de que modo as relações de dentro-fora, que necessariamente devem funcionar sob a noção de mistura, são determinadas, nas produções musicais de interesse, pelo funcionamento de uma dicotomia local vs. forâneo, característica da própria formação das culturas latino-americanas? Como a natureza do próprio objeto não admitia conclusões sobre predomínios, desenvolvemos um estudo comparativo de dois casos, em busca de regularidades discursivas: as bandas Bersuit Vergarabat (Argentina) e Chico Science & Nação Zumbi/Nação Zumbi (Brasil). Nosso objetivo foi, então, investigar como se determinavam discursivamente o local e o forâneo em suas produções. Para isso, analisamos um corpus de canções de cada uma das bandas, além de outros tipos de materiais presentes nos próprios álbuns das agrupações, assim como entrevistas, reportagens e documentários realizados com seus integrantes. Estudamos, a princípio, como a determinação de local e forâneo se dava na construção do próprio fazer criativo/musical como objeto de discurso, com especial atenção à relação de tal construção com gêneros ou tradições musicais. Ao realizar tal abordagem analítica, chegamos também à observação de que a tematização da desigualdade social parecia ser decisiva na determinação discursiva de local, em ambos os casos estudados. Essa observação nos levou, então, à articulação de um segundo eixo de análise a partir de um conjunto de canções reunido em vista dessa questão. De modo geral, nosso trabalho assume uma perspectiva materialista de análise de discurso, mas mobiliza também conceitos de outras linhas teóricas de abordagem ao discurso e à enunciação. As análises realizadas focaram, fundamentalmente: a cenografia enunciativa, especialmente quanto à correlação entre instâncias de pessoa e lugares de dizer; e a constituição de objetos discursivos, buscando refletir constantemente sobre a textualização do interdiscurso e abordando mecanismos como a cadeia correferencial, as construções relacionadas ao contraste, os papeis temáticos, entre outros aspectos da materialidade discursiva. Além disso, no tratamento às canções, buscou-se considerar, no interior do dispositivo analítico, também aspectos da materialidade musical e corporal (performática) da canção. / This paper is interested by the reconfigurations in order of the symbolic in Latin American societies across the beginning of the 1990s in view of the transnational hegemonizing process of post-industrial capitalism through the application of neoliberal policies. In the attempt to intercept effects of meaning produced under this conjuncture, we centered on a specific field of the production of symbolic goods: the popular music (MP). The object was specified through a clipping of Latin American MP productions that: i) took part in the symbolic disputes surrounding rock considered \"national\" in this context, and ii) were defined or self-defined through notions like \"mix\", \"fusion\", \"hybridism\" etc. Our guiding question was, therefore: in the production conditions that were formulated, to what degree and in what way the inside-outside relations, which should necessarily function under the notion of \"mix\", are determined, in the musical productions of interest, by the workings of a \"local\" vs \"foreign\" dichotomy, characteristic of the very formation of Latin American cultures? As the nature of the object itself did not adopt conclusions about predomains, we developed a comparative study of two cases, in search of discursive regularities: the bands Bersuit Vergarabat (Argentina) and Chico Science & Nação Zumbi/Nação Zumbi (Brasil). Our objective was, then, to investigate how the \"local\" and the \"foreign\" were discursively determined in their productions. For that, we analyzed a corpus of songs from each of the bands, besides other types of materials present in the aggrupations own albums, as well as interviews, reports and documentaries made with their members. We studied, at first, how the determination of \"local\" and \"foreign\" occurred in the construction of the creative/music making itself as an object of discourse, with special regard to the relation between such construction with genre or music traditions. By effecting said analytic approach, we also reach the observation that the thematizing of social inequity seemed to be decisive in the discursive determination of \"local\", in both of the cases studied. This observation brought us, then, to the articulation of a second angle of analysis through a conjunction of songs gathered in view of this issue. Generally, our work acquires a materialist perspective of discourse analysis, but also mobilizes concepts of other theoretic threads of approach to discourse and enunciation. The analysis performed focused, fundamentally: the enunciative scenography, especially in regard to the correlation between instances of person and places of speaking; and the constitution of discursive objects, seeking to constantly reflect on the textualization of interdiscourse and approaching mechanisms like the coreferential chain, the constructions related to the contrast, the thematic roles, among other aspects of discursive materiality. Moreover, in regard to the songs, it was sought to also consider, in the interior of the analytic device, aspects of the musical and corporal (preformistic) materiality of the song.

Orientador: Tania da Costa Garcia / Banca: José Adriano Fenerick / Banca: Fabiana Lopes da Cunha / Banca: Marcia Regina Tosta Dias / Banca: Frederico Oliveira Coelho / Resumo: O presente texto teve por intuito estudar a revista Rolling Stone, editada no Brasil entre dezembro de 1971 e janeiro de 1973. Especificamente, procurou-se, ao longo do trabalho, analisar a forma como a revista integrou a cena rock carioca do início da década de setenta, ao promover e registrar a atividade de artistas, colaborando para a difusão do rock produzido por aqui. Esse período registra uma marcante movimentação jovem transnacional influenciada pela contracultura, cujo ideário difundido circulava via música, livros e publicações. Também podemos identificar neste momento histórico, o desenvolvimento do mercado de bens simbólicos no Brasil, impulsionando tanto a indústria fonográfica, que atravessava um período de expansão e afirmação, como o mercado editorial de publicações periódicas, também em crescimento. É, neste contexto, que Rolling Stone chegou às bancas, destinada ao público jovem e com perfil de revista especializada, que tratava em seu conteúdo de informações e notícias da movimentação em torno do rock, MPB e contracultura. De fato, os gêneros predominantes em suas páginas são o rock internacional, o rock produzido no Brasil e a MPB de influência tropicalista. Em sua breve existência, 36 edições foram comercializadas em bancas de jornal, e como veículo, a revista possuiu um alcance de circulação nacional, prestando-se a fornecer informações sobre o panorama geral da cena musical, através de artigos, entrevistas e resenhas de discos. Os textos publicados na revista apontam para aproximações entre o rock e a MPB. Fica evidente como a publicação, ao longo de suas edições, procurou dar visibilidade a uma movimentação de grupos de rock iniciantes e artistas que compartilhavam da valorização da contracultura e do diálogo com o rock. Podemos também afirmar que a revista faz parte da cena musical que ela mesma ajudava a fomentar, evocando mome... / Resumen: Este trabajo tuvo como objetivo estudiar la revista Rolling Stone, editada en Brasil entre diciembre de 1971 y enero de 1973. Específicamente se buscó analizar, a lo largo del trabajo, el modo como la revista formó parte de la escena rock de Río de Janeiro de principios de los setenta, al promover y registrar la actividad de los artistas, contribuyendo a la difusión del rock producido aquí. Ese período registró un importante movimiento juvenil transnacional con influencia de la contracultura, cuyo ideario difundido transitaba a través de la música, libros y publicaciones. Asimismo identificamos en ese momento histórico el desarrollo del mercado de bienes simbólicos en Brasil, que impulsó tanto la industria fonográfica, la que pasaba por un período de expansión y afirmación, como el mercado editorial de publicaciones periódicas, también en crecimiento. Fue en este contexto que la revista Rolling Stone llegó a los quioscos de periódicos, dirigida a un público joven y con perfil de revista especializada, que trataba en su contenido de informaciones y noticias del movimiento alrededor del rock, MPB (Música Popular Brasileña) y contracultura. De hecho, los géneros predominantes en sus páginas eran el rock internacional, el rock producido en Brasil y la MPB de influencia tropicalista. En su breve existencia, se comercializaron 36 ediciones en los quioscos, y como medio de comunicación, la revista poseyó un alcance de circulación nacional, al prestarse a ofrecer informaciones sobre el panorama general de la escena musical, a través de artículos, entrevistas y reseñas de discos. Los textos publicados en la revista señalaron similitudes entre el rock y la MPB. Es evidente que la publicación, a lo largo de sus ediciones, buscó dar visibilidad a un movimiento de grupos principiantes de rock y artistas que compartían la valorización de la contracultura y el diálogo con el rock... / Abstract: The aim of the present study was to assess the issues of Rolling Stone edited in Brazil between December 1971 and January 1973. More specifically, the goal was to evaluate how the magazine integrates the Rio de Janeiro's rock scene in the early 1970s, promoting and doing record of artistic activities, thus contributing to the dissemination of rock made in Brazil. The analyzed period is characterized by a striking cross-country youthful movement influenced by counterculture, whose ideology was conveyed via music, books, and publications. This historical period also witnessed the development of the market of symbolic goods in Brazil, boosting the recording industry, which was going through a cycle of expansion and selfassurance, and of the market of periodical publications, which was also on the rise. It was in that context that Rolling Stone, aimed at a young readership and incorporating the distinctive features of a specialized magazine, hit the newsstands, covering information and news on rock, MPB (Brazilian popular music), and counterculture. Actually, the predominant genres were international rock, rock made in Brazil, and MPB influenced by tropicalism. During its short-lived existence, 36 issues were sold at newsstands, having a nationwide circulation and providing an overview of the musical scene by means of articles, interviews, and album reviews. The texts published in the magazine demonstrated a close relationship between rock and MPB. There was an all-out effort channeled into giving visibility to the activity of new rock bands and artists who attached a high value to counterculture and to its interaction with rock. It is also possible to claim that the magazine was an integral part of the musical scene it helped establish, evoking moments, placing a high value on experiences and on musical events, and making room for rock bands and rock itself. In short, Rolling Stone eventually strengthened... / Doutor

O trabalho aborda diversos aspectos do universo do entretenimento no Rio de Janeiro das décadas de 1920 e 1930 em sua articulação com a música e com os músicos populares. Seu fio condutor é a trajetória do compositor, instrumentista, arranjador e maestro Alfredo Vianna da Rocha Filho, o Pixinguinha, que atuou e colaborou nos diversos meios do entretenimento do Rio de Janeiro . O percurso é longo: dos cafés-concertos ao rádio, com uma longa pausa na indústria fonográfica. Parte-se do pressuposto que a música popular desempenhou papel mais que relevante naquele contexto. Das rodas de choro ao Palácio do Catete, do morro aos estúdios de gravação, ela esteve presente nos diversos espaços da cidade, revelando vários dos dilemas existentes no país naquele momento: moderna ou típica? negra ou branca? folclórica ou popular? Privilegiamos, como objeto de análise, a escuta do compositor, revelada em suas composições, interpretações e, sobretudo, em seus arranjos, os quais nos permitem escutar sua escuta, e desvendar os modos de inserção e barreiras encontrados pelo músico nesse universo em constante transformação. / This work approaches many aspects of the entertainment universe in Rio de Janeiro during the decades of the 1920s and 1930s, considering its articulation not only with the music but also with the popular musicians. The thread of this study is the personal trajectory of the composer, instrumentalist, arranger and conductor Alfredo Vianna da Rocha Filho ? Pixinguinha ?, who has taken part in many activities of the entertainment universe in Rio de Janeiro. The path is long: from the ?cafés-concerto? to the radio, with a long pause in the phonographic industry. As a point of departure, our study presupposes that the popular music has taken more than a relevant part in this context. From the ?rodas de choro? to the Catete?s Palace, from the ?morro? to the recording studios, popular music was noticed in many places of the town, revealing some of the dilemmas faced by the country in that period: modern or typical? black or white? folk or popular? The listening of the composer is here highlighted as our object of analysis, which can be revealed through Pixinguinha?s compositions, interpretations and above all through his arrangements, which allow us to listen to his listening, and to figure out the ways of insertion as well as the obstacles that the musician had to face up to in this universe subjected to constant transformations.

Esta dissertação conduz uma análise da obra do músico brasileiro Egberto Gismonti sob o prisma da interação entre elementos das tradições erudita e popular, concentrando-se em três de seus numerosos trabalhos: os LPs Água e Vinho, Dança das Cabeças e Cidade Coração. Para tanto, nos valemos da análise aural e da transcrição de trechos das obras examinadas. De modo a fundamentar nosso viés analítico, examinamos as concepções de Schoenberg, Adorno, Mário de Andrade e Canclini sobre música erudita, música popular e possibilidades de convívio de elementos, técnicas e procedimentos de ambos os campos em uma mesma obra. Nossa investigação, além de confirmar essa convivência como um elemento fundamental da poética de Gismonti, identificou e procurou tipificar a produção, a que nos referimos como semi-erudita , que se vale parcialmente de processos de escrita agregados em obra fundamentada na tradição popular. São ainda apresentados dados relativos à biografia e ao processo de consolidação estilística de Gismonti ao longo de seus primeiros trabalhos. / This essay presents an analysis on the work of the Brazilian musician Egberto Gismonti, from the perspective of interaction between elements of classical and popular traditions, focusing on 3 of his works: the LPs Água e Vinho, Dança das Cabeças and Cidade Coração. For this, we have used aural analysis and transcription of excerpts from the works examined. In order to support our analytical bias, we examined the views of Schoenberg, Adorno, Mário de Andrade and Canclini about classical music, popular music and possibilities of coexistence of elements, techniques and procedures of both fields in the same work. Our research not only confirms this coexistence as a fundamental element of the poetic of Gismonti, but also identifies and tries to typify the production, which we refer to as \"semi- classical\", which relies partly on writing processes aggregated in works based on the popular tradition. It also presents information related to biography and the stylistic consolidation process of Gismonti over his early works.