Orientador: Tania da Costa Garcia / Banca: Márcia Regina Capelari Naxara / Banca: Marisa Saenz Leme / Banca: Geni Rosa Duarte / Banca: Adalberto de Paula Paranhos / Resumo: A música sertaneja se constituiu como gênero musical de grande popularidade, principalmente a partir da década de 1950, quando se abre para distintas influências, sejam elas de ritmos rurais nacionais, considerados típicos de outras regiões, sejam sonoridades estrangeiras. Ela foi definindo seus padrões e modelos do que seria considerado tradicional, entre os anos 50 e 70, bem como imagens acerca da realidade que estava inserida e a defesa de certos valores e visões de mundo. As referências estéticas e sonoras na formação do gênero irão variar nesse período, com incorporações que vão de guarânias e polcas paraguaias ao bolero e rock. A música sertaneja será também responsável pela circulação e, por vezes, pela construção de diversos "retratos de Brasil" sonoros e narrativos, da formação e exaltação do passado, assim como pela fomentação de uma autoimagem do gênero como representante da tradição musical rural do país. A compreensão das variações destas imagens e dos padrões estéticos e sonoros em que elas se inserem é de grande importância para nos aproximarmos das visões de mundo, valores, relações entre o novo e o velho, tradição e modernidade, posições culturais e políticas na formação de um gênero de grande apelo popular, principalmente, entre setores sem educação formal, durante períodos de intensas transformações e transições, em que o país deixa de ser majoritariamente rural para se tornar urbano. A música sertaneja se constituíra em uma espécie de "trilha sonora" de boa parte da população brasileira que viveu essa transição / Abstract:"Sertanejo" (Brazilian country music) has been established as a musical genre of great popularity, especially since the 1950‟s, when it opened up to different influences, both traditional Brazilian country rhythms from several different regions, and foreign sonorities. Aesthetic and musical references for the constitution of this genre changed during this period with the assimilation of different musicalities like the guarânias, the Paraguayan polkas, the Bolero and Rock and roll. Brazilian country music defined its own patterns and models, shaping the style considered traditional, between the 50‟s and the 70‟s. This music was also to become responsible for the dissemination - and, sometimes, for the construction - of different narrative and musical "images of Brazil". It will also play a major role in the constitution and glorification of the past and of a self-portrait of this genre as representative of the Brazilian country music tradition. These images of the past promote either bucolic narratives, the glorification of nature and land, or epic and tragic narratives characterized by heroic models and the presence of violence. Understanding the variations of these images and their aesthetic and musical context is very important to understand worldviews, values, the relationsship between tradition and modernity, cultural and political positions constituting a musical genre of great popular appeal. This appeal especially calls on audiences lacking formal education during these periods of intense shifts and transitions in which the country became more urban than rural. Brazilian country music will act as a sort of "soundtrack" to a considerable number of the Brazilians who lived during this transition / Resumen: La música sertaneja se constituyó como género musical de gran popularidad principalmente a partir de la década de los 50, cuando se abre a distintas influencias, provenientes bien de ritmos rurales nacionales, considerados típicos de distintas regiones de Brasil, bien de sonoridades extranjeras. Las referencias estéticas y sonoras en la formación del género variarán aún en ese período, con aportes que van desde las guaranias y las polcas paraguayas al bolero y al rock. Entre los años 50 y 70, la música sertaneja fue definiendo los patrones y modelos de lo que sería considerado como tradicional, las imágenes de la realidad en la que estaba insertada y la defensa de ciertos valores y visiones del mundo. Ella será la responsable de la circulación y, en ocasiones, de la construcción de diversos "retratos" sonoros y narrativos de Brasil, así como de la formación y exaltación del pasado y del fomento de una autoimagen del género como representante de la tradición musical rural del país. Estas imágenes del pasado privilegian bien las narrativas bucólicas y de exaltación de la naturaleza y de la tierra, bien las narrativas épicas y trágicas, estas últimas protagonizadas por ciertos modelos de héroes y por la presencia de la violencia. La comprensión de las variaciones de estas imágenes -y de los patrones estéticos y sonoros en las cuales ellas se insertan- son de gran importancia para aproximarnos a las visiones del mundo, los valores, las relaciones entre tradición y modernidad, las posiciones culturales y políticas en la formación de un género de gran atracción popular. Esta atracción sensibiliza principalmente a los sectores sociales sin educación formal durante los períodos de intensas tranformaciones y transiciones, en los cuales el país deja de ser mayoritariamente rural para volverse urbano. La música sertaneja se constituirá en una especie de... / Doutor

Orientador: Tania da Costa Garcia / Banca: Marcos Sorrilha Pinheiro / Banca: Marcia Regina Tosta Dias / Resumo: A presente pesquisa busca analisar o papel do intérprete na transformação da música caipira para a sertaneja, tendo como foco a trajetória artística de Sérgio Reis entre os anos de 1967 e 1982. Parte-se do pressuposto que quando existe uma releitura da obra artística, o intérprete acaba por inserir sua roupagem à música que, muitas vezes, termina por ganhar um sentido diverso do qual foi criado. Desta maneira, analisar esta nova roupagem, criada pelo intérprete, torna-se de fundamental importância para a compreensão de alguns aspectos inerentes à transformação que se opera nesse âmbito e que geralmente atuam como um discurso de resistência à modernidade. Assim, ao longo deste trabalho, as interpretações das obras musicais de Sérgio Reis serão analisadas sob a ótica das novas representações do rural apresentadas por este cantor sertanejo em suas performances artísticas / Abstract: This research analyzes the role of the interpreter in transforming country music into the hinterland, focusing on the artistic career of Sergio Reis, between the years 1967-1982, because when there is a retelling of the artistic work, the performer ends up inserting their garb to music that often ends up winning a different sense of what was created. Thus, examining this new guise created by his interpreter becomes of fundamental importance for the understanding of some aspects of the transformation of country music that usually act as a discourse of resistance to modernity. Thus, throughout this work, the analysis of the interpretations of musical works by Sergio Reis will be analyzed from the perspective of new representations of rural submitted by this country singer in their artistic performances / Mestre

Orientador: Carlos Eduardo Jordão Machado / Banca: Áureo Busetto / Banca: Zélia Lopes da Silva / Banca: Francisco Cabral Alambert Júnior / Banca: Walter Garcia da Silveira Júnior / Resumo: O presente trabalho organiza uma interpretação histórica da obra de dois importantes nomes da experiência musical brasileira: a saber, Chico Buarque de Hollanda e Paulinho da Viola. O procedimento crítico adotado organiza uma periodização das obras dos cancionistas particulares, reconhecidos num "contexto de obras" mais geral. A partir disso, empreende-se a compreensão do sentido histórico destas obras frente ao contexto de época. Tendo em vista a definição de tal contexto, recorreu-se à crítica da "noção de MPB" (Música Popular Brasileira), chegando-se à conclusão de que esta noção é uma impostura conceitual. Por isso, fez-se necessária a avaliação de referenciais críticos que tratassem da dinâmica histórica da experiência musical brasileira. Para efeitos de análise, trabalhou-se com a avaliação do projeto musical de Mário de Andrade, reconhecendo a bossa nova como um desdobramento contraditório da "utopia do som nacional" do modernista. Em seguida, a fim de consolidar conceitos e categorias sobre a experiência musical brasileira, levando em consideração o pressuposto da análise histórica materialista calcada nas mediações estéticas, organizou-se a interpretação dos métodos críticos de José Ramos Tinhorão e José Miguel Wisnik. Aí, reconheceu-se não apenas o reforço de certo referencial teóricometodológico, mas a ressonância de problemas cuja cristalização inicial está na própria experiência musical estudada. De posse das categorias críticas anteriormente consolidadas, apresenta-se os primeiros anos das obras de Chico Buarque e Paulinho da Viola como um período de maturação de antinomias estéticas que sedimentam em forma... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This thesis organizes a historical interpretation of the work of two important names of Brazilian musical experience, namely: Chico Buarque de Hollanda and Paulinho da Viola. The critical procedure adopted organizes a periodization of the works of particular musicians, recognized in a more generally "context of works". From this, it undertakes to understand the historical meaning of these works in the epochal context. In view of the definition of such a context, one appealed to the criticism of the "concept of MPB" (Brazilian Popular Music), coming to the conclusion that this notion is a sham conceptual. Therefore, it was necessary to evaluate the critical benchmarks that treat the historical dynamics of Brazilian music experience. To the analysis, one worked with the evaluation of the musical project of Mario de Andrade, recognizing Bossa Nova as a contradictory split of "utopia of national sound" of the modernist. Then, in view of consolidating concepts and categories on the Brazilian musical experience, taking into account the assumption of historical materialist analysis based on aesthetic mediation, one organized the interpretation of critical methods of José Ramos Tinhorão and José Miguel Wisnik. In them, it was recognized not only the strengthening of certain theoretical and methodological references, but the resonance of problems whose initial crystallization is in the very musical experience studied. In possession of critical categories previously consolidated, it shows the early works of Chico Buarque and Paulinho da Viola as a maturation period of antinomies aesthetic that sediment objective elements of Brazilian social and political structure in forms of the song language... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Orientador: Tânia da Costa Garcia / Banca: José Adriano Fenerick / Banca: Paulo Augusto Castagna / Resumo: A presente pesquisa tem como foco central de análise a produção fonográfica da gravadora independente Discos Marcus Pereira, entre os anos de 1974 e 1978. Este período foi marcado pelo processo de consolidação do mercado de discos no Brasil e pelas discussões em torno de elementos que viriam redimensionar o campo da música popular brasileira, a partir de valores e comportamentos vinculados a certas categorias de apreciação e consumo. A empresa Discos Marcus Pereira lançaria no mercado fonográfico 142 elepês, todos voltados exclusivamente para o registro e divulgação da "autêntica música popular brasileira". Deste universo discográfico estão sendo considerados como fontes desta investigação, àqueles dedicados à música popular instrumental, mais especificamente o choro. A década de 1970 demarcaria um importante momento de rearticulação e de revitalização deste gênero musical. Se de um lado ocorre a "redescoberta" do gênero e de seus artífices, por outro, concorre uma nova safra de compositores e instrumentistas que passam a pensar o choro para além dos modelos "tradicionais" de composição e execução. Essa tensão entre "preservação" e "revitalização" dos repertórios do choro é amealhada ao longo do trabalho, compondo parte do cenário em que circulariam os discos da gravadora. Essas discussões tangenciariam toda a década de 1970, marcada pela necessidade da afirmação da identidade nacional brasileira, para a qual colaborou de forma significativa a esfera da música popular. A esco... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: A presente pesquisa tem como foco central de análise a produção fonográfica da gravadora independente Discos Marcus Pereira, entre os anos de 1974 e 1978. Este período foi marcado pelo processo de consolidação do mercado de discos no Brasil e pelas discussões em torno de elementos que viriam redimensionar o campo da música popular brasileira, a partir de valores e comportamentos vinculados a certas categorias de apreciação e consumo. A empresa Discos Marcus Pereira lançaria no mercado fonográfico 142 elepês, todos voltados exclusivamente para o registro e divulgação da "autêntica música popular brasileira". Deste universo discográfico estão sendo considerados como fontes desta investigação, àqueles dedicados à música popular instrumental, mais especificamente o choro. A década de 1970 demarcaria um importante momento de rearticulação e de revitalização deste gênero musical. Se de um lado ocorre a "redescoberta" do gênero e de seus artífices, por outro, concorre uma nova safra de compositores e instrumentistas que passam a pensar o choro para além dos modelos "tradicionais" de composição e execução. Essa tensão entre "preservação" e "revitalização" dos repertórios do choro é amealhada ao longo do trabalho, compondo parte do cenário em que circulariam os discos da gravadora. Essas discussões tangenciariam toda a década de 1970, marcada pela necessidade da afirmação da identidade nacional brasileira, para a qual colaborou de forma significativa a esfera da música popular. A escolha dos repertórios e artistas realizados pela gravadora iriam dialogar com a construção de uma tradição musical nacional, negociada e elaborada por memorialistas, musicólogos e folcloristas ao longo do século XX, através de práticas sociais que se constituíram, produzindo representações específicas acerca de uma determinada tradição musical... / Mestre

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:29:46Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-07-07Bitstream added on 2014-06-13T18:39:48Z : No. of bitstreams: 1 magi_er_me_mar.pdf: 1226290 bytes, checksum: 3b1f56ae5a30ac2eb283e92dbc47fdab (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / É consenso nos trabalhos acadêmicos e jornalísticos que o rock brasileiro conquistou seus espaços nos meios de comunicação e reconhecimento da música brasileira apenas com a emergência das bandas dos anos 1980. Sendo assim, esta pesquisa se propôs a compreender, por meio da trajetória da Legião Urbana, as interferências dos múltiplos agentes sociais envolvidos e mobilizados na consolidação de um campo específico de música no Brasil: o campo do rock. A partir da análise de matérias publicadas em jornais, na revista Bizz e das entrevistas que fiz com alguns jornalistas e com o ex-produtor da Legião, pode-se concluir que as tomadas de posição e as disposições desses agentes construíram os critérios de avaliação do gênero, dos artistas e de produção dos discos, consolidando um espaço e definindo as marcas expressivas para o rock brasileiro e de uma geração de profissionais. / There is consensus in the academic and journalistic works that rock and roll earned their places in the media and recognition of Brazilian music only with the emergence of national bands of the 80s. Thus, this research aims to understand the interference of multiple social agents involved and mobilized in the consolidation of a specific field of music in Brazil, the field of rock: music producers, journalists and bands, in this case “Legião Urbana”. From the analysis of articles published in newspapers, on magazine Bizz and interviews I did with some journalists and the former producer of the Legion, I learned that the positions and the provisions of these agents have built the evaluation judgement of the genre, the artists and production of discs, consolidating spaces for Brazilian rock in the majors and the press.

Esta pesquisa antropológica buscou compreender os significados do músico Lupicínio Rodrigues através das suas próprias narrativas e das narrativas de músicos ou pessoas ligadas à música de diferentes gerações sobre ele. Procurou-se identificar os elementos que fazem com que a obra e a figura de Lupicínio Rodrigues permaneçam no tempo. Primeiramente, foram estudadas as narrativas do próprio Lupicínio Rodrigues através das suas crônicas e das suas entrevistas, principalmente a entrevista concedida ao jornal carioca O Pasquim, em 1973. Entendendo a música como uma forma de narrativa que é renarrada cada vez que se canta, pensei a obra musical de Lupicínio Rodrigues como uma importante fonte para compreender a perenidade da sua figura e da sua obra. A partir das narrativas criadas pelo próprio Lupicínio Rodrigues, analisei suas obras biográficas como uma forma de narrativa oficial da sua trajetória pessoal e profissional. Da mesma forma, busquei, em entrevistas com músicos e pessoas ligadas à música de diferentes gerações, identificar e analisar as narrativas atuais sobre Lupicínio Rodrigues. E, por último, a análise das narrativas virtuais sobre o velho Lupi, ou seja, as narrativas presentes nos novos meios virtuais de comunicação como a Internet e o Orkut. Todas essas fontes de análise possibilitaram a compreensão da construção de um personagem pelo próprio Lupicínio Rodrigues e pelas pessoas que permanecem construindo narrativas sobre ele: o personagem Lupi. / This anthropological research tries to understand the meanings of Lupicinio Rodrigues own narrative and the narratives about him told by musicians and people linked to music from different generations. The study tries to identify the principles that make Lupicinio’s work and figure remain in time. First I studied Lupicinio’s own narrative, through his chronicles and interviews, specially the interview of O Pasquim, a newspaper of Rio de Janeiro, in 1973. Understanding music as a way of narrative that is told over and over every time someone sings it, I approach Lupicinio’s songs as an important source to understand the perenniality of his figure and work. Taking Lupicinio’s own narratives, I analyzed his biographies as an official form of narrative of his personal and professional path. In the same way, I studied interviews of musicians and people working with music in order to identify and analyze the latest Lupicinio’s narratives. And last, in order to analyze virtual narratives about old Lupi, I examined the narratives that can be found in the new virtual communication media, in the Internet and Orkut. All these sources allowed me to understand the Lupi character: the construction of a character by Lupicinio Rodrigues himself and by the people that go on building narratives about him.

Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2018-08-08T12:41:01Z No. of bitstreams: 2 Dissertação -Jarbas Cavendish Seixas - 2018.pdf: 4044364 bytes, checksum: 67b289eeab759e057b5ccbf54d75af83 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2018-08-08T12:47:03Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação -Jarbas Cavendish Seixas - 2018.pdf: 4044364 bytes, checksum: 67b289eeab759e057b5ccbf54d75af83 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-08T12:47:03Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação -Jarbas Cavendish Seixas - 2018.pdf: 4044364 bytes, checksum: 67b289eeab759e057b5ccbf54d75af83 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2018-05-30 / The main objective of this study is to discuss the education of musicians who are performers into the popular music field and in the context of the Banda Pequi, a group from EMAC-UFG (Escola de Música e Artes Cênicas da Universidade Federal de Goiás). Banda Pequi exerts musical influence on its members and does it with collective involvement for all participants’ development, by adapting the repertoire and its possibilities within an academic context. In addition, the group disseminates in its professional development practice experiences such as discipline, respect, hierarchy, responsibility, and characteristics essential to the practice of the profession. The adopted methodology involves a theorethical analysis work as a strategy to investigate the theories and processes of the group Banda Pequi. The work is organized in four main parts: 1) Some Brazilian musical groups and their trajectories; 2) Experience reports about the Banda Pequi group; 3) Preparation to music performance with the Banda Pequi group, throught observation of its audiovisual and documental collections. 4) Considerations regarding the necessary content needed in the education of the musician who desires to perform in the context of the group Banda Pequi of the EMAC-UFG. / O presente estudo tem como objetivo principal discutir a formação do músico que atua na performance musical, na prática de música popular, no contexto da Banda Pequi da Escola de Música e Artes Cênicas da Universidade Federal de Goiás. A Banda Pequi exerce influência musical em seus membros, e o faz com envolvimento coletivo na formação de seus integrantes, com adequação ao repertório e suas possibilidades no contexto acadêmico. Além disso, dissemina em sua prática de formação do profissional da música experiências como disciplina, respeito, noção hierárquica, responsabilidade, características indispensáveis para o exercício da profissão. A metodologia adotada envolve trabalho de cunho analítico-reflexivo como estratégia de investigar as práticas adotadas na atuação da Banda Pequi. O trabalho está organizado em quatro partes principais, a saber: 1) Algumas bandas de música brasileira e suas trajetórias; 2) Relatos de experiência sobre a Banda Pequi; 3) Preparação para a performance na Banda Pequi a partir de observações de seu acervo documental e audiovisual e 4) Considerações sobre os conteúdos necessários na formação do músico prático que deseja atuar no contexto da Banda Pequi da EMAC-UFG.

Observar as múltiplas relações entre a oralidade, a escrita e a canção popular brasileira são o objetivo deste trabalho. O que na canção seria atributo da cultura escrita? O que seria reverberação da tradição oral? Os estudos sobre a oralidade, a história da escrita e da leitura articulam-se à análise de fonogramas diversos, de diferentes momentos da história da canção brasileira. Oralidade, escrita, música e poesia compreendidos como campos distintos que, no corpo da canção, interpenetram-se, indiferentes a quaisquer hierarquias. A canção popular é, concomitantemente, compreendida como fenômeno musical, poético e cultural. Tratamos de pensar a canção como gênero e, de alguma forma, pensar seu lugar social (suas origens e transformações, suas relações com os mass media, sua capacidade de adaptar-se às mudanças de paradigmas de produção e recepção e o caráter dadivoso de sua economia). A voz, a palavra cantada, os corpos de quem canta e de quem ouve, os meios materiais de produção, difusão e fruição, constituem um sistema de trocas simbólicas, determinante para a conformação de um gênero específico (híbrido, poético-musical, que é a canção) que se configurou como principal vetor de representação de múltiplas sociabilidades e, não raro, promotor de uma aproximação reflexiva sobre as mesmas. Propomos, portanto, um exercício teórico que conjugue, de alguma maneira, o estudo da forma pela qual as canções se dizem ao que dizem sobre nós as canções. / This work aims at observing the multiple relationships between orality, writing and popular songs. How much of song writing is attributable to written culture? How much of it is a reverberation of oral tradition? Studies about orality, the history of writing and reading are articulated with the analysis of different phonograms, from different moments in the history of the Brazilian song. Orality, writing, music and poetry, understood as distinct fields that, in the body of the song, interpenetrate each other, indifferent to hierarchy. Popular song can be simultaneously understood as a musical, poetic and cultural phenomenon. Our endeavor here is to treat the song as a genre and, somehow, to reflect upon its social place (its origins and transformations, its relationships with mass media, its ability to adapt to paradigm shifts of production and reception and the generous/bountiful/giving character of its economy. The voice, the word being sung, the bodies of those who sing and of those who listen, the material means of production, diffusion and appreciation constitute a system of symbolic exchanges, which is determining in the conformity of a specific genre (the hybrid, poetic-musicalone which the song is) which became the main vector of representation of multiple sociabilities and, not rarely, a promoter of a reflexive approximation between them. What we propose, then, is a theoretical exercise which is able to connect, in some manner, the study of the form through which these songs enunciate themselves to what these songs say about ourselves.

Desde o início do século XX a música brasileira tem sido palco de discussões e negociações sobre a identidade nacional. Em diferentes momentos históricos, tensões ideológicas e projetos identitários produziram usos variados dos idiomas português e inglês, refletindo correntes de nacionalismo acirrado e outras vezes de abertura à influência estrangeira. No decorrer do século XX, a música tornou-se uma das mais importantes manifestações artísticas brasileiras no mundo e um instrumento de difusão de nossa língua e cultura. Os mitos nacionais que se formaram ao longo de nossa história e que resultaram no atual imaginário do Brasil acabaram por gerar utopias que foram e são de interesse mundial. A música é, ainda hoje, vista como ferramenta para o aumento do poder brando do Brasil. Vemos aqui como os usos do par de idiomas português-inglês foi utilizado de forma a retratar o jogo de poder e as tensões identitárias junto ao público estrangeiro. As traduções de canções brasileiras, a criação de versões bilíngues como meio de divulgar a diversidade cultural brasileira, assim como o papel de mediadores culturais e seu potencial de transformação das relações com o estrangeiro, também são discutidos neste trabalho / Since the early 20th century, Brazilian music has been the stage for discussions and negotiations on national identity. At different historical moments, ideological tensions and identity projects produced different uses of the Portuguese and English languages in music, either reflecting a fierce nationalism or else some openness to the influence of the foreign other. Along the 20th century, Brazilian music became one of the most important artistic manifestations in the world and an instrument for the dissemination of our language and culture. Brazilian national myths generated throughout history and that contribute to the current image of Brazil, also helped create utopias that were and still are of global interest. Music is seen today, as a tool for increasing Brazilian soft power. This thesis draws on how Portuguese and English have been used in order to portray the power play and identity tensions with the foreign public. Translations of Brazilian songs, the creation of bilingual versions, the promotion of Brazilian cultural diversity, as well as the role of cultural mediators and the potential for transformation of foreign relations, are also discussed in this work

Trata a presente dissertação de uma pesquisa envolvendo um estudo de representações sociais do espaço em um grupo de compositores do espaço platino, com vistas a compreender as relações entre música popular e espaço geográfico. O espaço platino aqui é tido como um espaço sul-americano situado na confluência de três países: Argentina, Brasil e Uruguai. A abordagem teórico-metodológica da pesquisa se baseou numa perspectiva da geografia social e cultural, estabelecendo diálogo com disciplinas das ciências humanas como a sociologia, a antropologia, a história, a psicologia social e a literatura. A partir do conceito de espaço geográfico de Milton Santos se buscou a compreensão da manifestação de diversas categorias geográficas contidas nas as representações sociais do espaço dos compositores. As representações sociais são tomadas das propostas de Denise Jodelet e Serge Moscovici, teorias as quais se procurou dialogar com geógrafos como Milton Santos, Guy di Méo, Rogério Haesbaert, entre outros. Em termos metodológicos, se propôs um trabalho de campo multi-situado, com base no antropólogo George Marcus. A parte empírica e analítica do trabalho estrutura-se em dois blocos. No primeiro bloco são evidenciadas as propostas musicais geografizantes, levando à compreensão da importância do espaço geográfico na criação musical. Propõem-se a noção de região-paisagem, para tornar clara a relação entre interpretações históricas e culturais do espaço platino, em relação direta com a questão da paisagem do Pampa. No segundo bloco discorre-se sobre as representações que levam à compreensão de um novo território em construção – o espaço platino. Por meio de um discurso de criação de uma nova centralidade para a prática e circulação musical, os artistas proporcionam meios para ação sobre o espaço, com evidências empíricas da eficácia de tal discurso. Como considerações finais, são retomados os pontos importantes de reflexão e são estabelecidos alguns pontos para a continuação desta pesquisa, com ênfase na multiterritorialidade da expressão musical. Além disso, é ressaltada a importância dos estudos em geografia que valorizem as manifestações culturais do espaço, em particular a música popular. / Esta tesina trata de una investigación sobre las representaciones sociales del espacio en un grupo de cancionistas del espacio platino, con el objetivo de comprender las relaciones entre música popular y espacio geográfico. El espacio platino aquí se toma como un espacio suramericano situado en la confluencia de tres países: Argentina, Brasil y Uruguay. El abordaje teórico-metodológico de la investigación se basó en una perspectiva de la geografía social y cultural, estableciendo dialogo con campos de la ciencias humanas como la sociología, la antropología, la historia, la psicología social y la literatura. Partiendo del concepto de espacio geográfico de Milton Santos, se buscó una comprensión de la manifestación de distintas categorías geográficas contenidas en las representaciones sociales del espacio, hecha por los cancionistas. Las representaciones sociales son tomadas de los planteamientos de Denise Jodelet y Serge Moscovici, teorías las cuales se buscó dialogar con geógrafos como Milton Santos, Guy di Méo, Rogério Haesbaert y otros. En términos metodológicos, se propuso un trabajo de campo multi-situado, basado en el antropólogo George Marcus. La parte empírica y analítica del trabajo se estructura en dos bloques. En el primer bloque son evidenciadas las propuestas musicales geografizantes, llevando a la comprensión de la importancia del espacio geográfico en la creación musical. Se propone la noción de región-paisaje, para dejar clara la relación entre interpretaciones históricas y culturales del espacio, en relación directa con la cuestión de la paisaje del Pampa. En el segundo bloque, se trata de las representaciones que llevan a el entendimiento de un nuevo territorio en construcción – el espacio platino. Por medio de un discurso de generación de una nueva centralidad para la práctica musical, los músicos proporcionan medios para la acción sobre el espacio, con evidencias empíricas de la eficacia de este discurso. Como consideraciones finales, se retoman los puntos importantes de reflexión y son establecidos algunos puntos para la continuación de esta investigación, con énfasis en la multiterritorialidad de la expresión musical. Además, se llama la atención para la importancia de los estudios en geografía que valoricen las manifestaciones culturales del espacio, en especial la música popular.