Esta tesis analiza las formas en las que las mediaciones tecnológicas digitales en la música permiten la construcción de narrativas culturales. En específico, se estudiará el caso del vaporwave, género musical propio del Internet, y las maneras en cómo construye una nostalgia por futuros perdidos. Para ello, se revisará el contexto sociocultural que interrelaciona las herramientas tecnológicas, dinámicas sociales y narrativas culturales de la cultura digital y la nostalgia hoy en día. Así, esta investigación se propone realizar contribuciones al estudio culturológico y musicológico de las manifestaciones artísticas contemporáneas propias del Internet, así como brindar un repertorio corto pero valioso de posibilidades comunicativas desde las herramientas digitales particulares de este género

Esta investigación tiene como objetivo analizar la influencia que tienen distintos géneros musicales con influencias andinas (Huayno, Chicha y Rock/Fusión) en los componentes de la identidad nacional peruana. Para tal fin, se desarrolló un diseño experimental pre-post, que contó con la participación de 92 personas de clase media alta entre los 18 y 25 años de edad (M=19.91, DE=1.95). Los participantes fueron aleatoriamente asignados a uno de los tres grupos experimentales expuestos a cada género de música referido: Huayno (n=30), Chicha (n=31) y Rock/Fusión (n=31). Los resultados muestran que la música Chicha es el género musical menos valorado, el cual podría generar una imagen no tan favorable del Perú, a diferencia del Huayno y el Rock/Fusión, que generarían auto-estereotipos más positivos hacia los peruanos, así como mayores emociones positivas que las producidas por el género Chicha. En este sentido, este género musical parece asociarse con una identificación intensa pero no positiva con el endogrupo nacional y de manera análoga con algunas representaciones fragilizadas de la identidad nacional, donde este género musical urbano-andino puede aparecer como un producto cultural estigmatizado. / The present study aims to analyze the influence of different musical genres with Andean influences (Huayno, Chicha and Rock/Fusion) on the components of the Peruvian national identity. To this end, a pre-post experimental design was developed, which was attended by 92 people from upper middle class between 18 and 25 years (M=19.91, SD=1.95). Participants were randomly assigned to one of three experimental groups exposed to the aforementioned music genre: Huayno (n=30), Chicha (n=31) and Rock/Fusion (n=31). The results show that the Chicha music is the least valued genre, which could lead to a less favorable image of Peru, unlike Huayno and Rock/Fusion, which would generate more positive self-stereotypes to Peruvians and more positive emotions than those produced by Chicha music. In this sense, this musical genre seems to be associated with an intense but not positive identification with the national ingroup and similarly with some weakened representations of national identity, where the urban- Andean musical genre can appear as a stigmatized cultural product.

Recurriendo a la práctica en investigación en artes conocida como investigación desde la práctica, esta investigación aborda cómo se ha creado la música para la muestra final de la promoción de danza contemporánea 8 en el ciclo 2018-2, partiendo de la convivencia en sesiones de clase prácticas con el músico investigador, donde participaba desde la improvisación musical. La tesis propone un primer acercamiento a querer sistematizar herramientas que permitan el diálogo interdisciplinario entre música y danza. De esta manera, el material puede ser fuente bibliográfica para generar más líneas de investigación, viendo una necesidad dentro del contexto de la PUCP para facilitar el trabajo entre las especialidades de la Facultad de Artes Escénicas. A través de la revisión del material recolectado, tanto de la bibliografía consultada como de la parte práctica, se describe la música generada en las sesiones y en la muestra final, además de una reflexión del proceso de creación, sistematizando las herramientas que permitieron la realización del proyecto. / Drawing on practice in arts research known as practice as research, this research addresses how music has been created for the final exhibition of the promotion of contemporary dance 8 in the 2018-2 cycle, based on coexistence in class sessions practices with the research musician, where he participated from musical improvisation. The thesis proposes a first approach to systematize tools that allow interdisciplinary dialogue between music and dance. In this way, the material can be a bibliographic source to generate more lines of research, seeing a need within the context of the PUCP to facilitate work among the specialties of the Faculty of Performing Arts. Through the review of the material collected, both from the consulted bibliography and the practical part, the music generated in the sessions and in the final sample is described, in addition to a reflection of the creation process, systematizing the tools that allowed the realization of the project.

El tema de la presente investigación consiste en el análisis de la implementación del método de proyectos para fomentar la interdisciplinariedad en los cursos Piano Complementario 2, de la especialidad de Música y Música 2, de la especialidad de Teatro. Ambas especialidades pertenecen a la facultad de artes escénicas de una universidad privada de Lima. En relación a ello, la pregunta de investigación es ¿de qué manera la implementación del Método de Proyectos favorece la puesta en práctica de los elementos que conforman la formación interdisciplinar entre los cursos de Piano Complementario 2 y Música 2? El objetivo general es reconocer las actividades de enseñanza de la secuencia didáctica del método de proyectos que favorecen o afectan la interdisciplinariedad. Para el método de proyectos se tomó en cuenta la propuesta de Tippelt y Lindemann (2001) compuesta por seis fases: informar, planificar, decidir, realizar, valorar y controlar. Asimismo, se consideraron cinco elementos interdisciplinarios trabajados por Lansiquot (2016), Berger (1972), Newell (1992) y Piaget (Piaget en Torres, 2006): integración, homogeneidad, pensamiento crítico, aprendizaje recíproco y participación docente. La metodología de trabajo es la Investigación Acción (IA) por su orientación cualitativa, mirada reflexiva hacia el docente. Esta metodología se adecua con pertinencia a esta tesis y al docente investigador en tanto permite analizar su práctica pedagógica a través de la realización de “procesos de reflexión sobre el desempeño docente” (Zárate, 2016, p. 43). Para el procedimiento de análisis de datos se consideró como categoría de análisis los elementos interdisciplinarios logrados en las actividades de la secuencia didáctica del método de proyectos. Para recoger la información, se usó la técnica de la Observación y dos instrumentos: ficha de observación indirecta y diario docente. Los resultados muestran que el método de proyectos favorece el desarrollo de la interdisciplinariedad desde sus elementos y sus características de afinidad con la realidad, su enfoque orientado a un producto final, su enfoque orientado al trabajo colaborativo y aprendizaje holístico, lo convierten en un método que favorece las actividades para la interdisciplinariedad.

La presente investigación se realiza con la finalidad de obtener información sobre las estrategias de estudio utilizadas por los estudiantes de armonía funcional en el marco del la carrera de Producción Musical del Instituto Superior Orson Welles. Lo que se busca es evaluar la interiorización de conceptos por parte de los alumnos así como fomentar el uso estratégico de instrumentos polifónicos en el estudio de la materia. Quien escribe es profesor de los cursos y el instituto mencionado. La motivación principal para emprender esta empresa se basa en los problemas presentados por los alumnos que estudian esta materia. La hipótesis plantea que el desarrollo de estrategias que permitan la ejecución de un instrumento polifónico como el piano o la guitarra, concibe la interiorización de los conceptos impartidos en las clases de armonía funcional. Para poner a prueba lo planteado se realiza una entrevista semiestructurada a alumnos que llevaron los cursos de Armonía I y Armonía II. Los resultados muestran que los alumnos que utilizan instrumentos polifónicos como el piano y la guitarra en el estudio de la materia, llevan a cabo un aprendizaje más perdurable y efectivo. Por este motivo se llega a la conclusión principal de que el uso estratégico de instrumentos polifónicos para el estudio de armonía, está presente en todos los estudiantes y debe ser fomentado dentro de las metodologías utilizadas para impartir conocimientos sobre esta materia.

El presente estudio de caso indagó sobre el problema de investigación ¿cómo los docentes de música de una institución educativa privada del distrito de La Molina de Lima han desarrollado sus trayectorias laboral y formativa? Para ello, formuló un objetivo general que fue analizar las trayectorias laboral y formativa de los docentes, y cuatro objetivos específicos que examinaron o describieron las razones por las que se asumió el rol docente, la movilidad, la experiencia laboral y las características de su formación. Se trató de una investigación empírica, cualitativa, de nivel descriptivo que profundizó en las categorías: razones de la elección, formación (inicial y permanente), movilidad (interna y externa), las experiencias laborales (entendidas como aquellas vivencias en el desarrollo de la labor) e identidad (como construcción a lo largo del trayecto). Para recoger la información se aplicaron formatos de hoja de vida y entrevistas semiestructuradas a toda la plana docente de tiempo completo del Departamento de Música de una Institución Educativa particular. Como principales hallazgos tenemos que las razones de elección de la ocupación docente son indirectas, sus trayectorias formativas transitan entre la formación en música y en docencia, donde la formación permanente del colectivo está orientada mayormente a la pedagogía; asimismo sus trayectorias laborales son ininterrumpidas, variadas en extensión y movilidad; las experiencias laborales en la institución en estudio muestran que las experiencias previas de enseñanza, los primeros años en la institución, las valoraciones, dificultades, aprendizajes y exigencias del trabajo son relevantes ya que forman y resignifican el trabajo, además la identidad es un proceso en construcción que transita del reconocerse como músico a reconocerse como docente. El estudio pertenece a la línea de investigación Formación y Desarrollo Profesional en el Campo Educativo que desarrolla la Maestría en Gestión de la Educación de la Universidad.

La relación entre un alumno de música y su universidad existe por el objetivo de lograr formar profesionales que sean capaces en su profesión y que puedan aportar un bien a la sociedad que pertenecen. A través de las herramientas que la institución proporciona, el alumno debe ser capaz de poder desarrollarse correctamente. El espacio que requiere un estudiante de música, como espacio tangible, comprende características en su conformación que no necesariamente son comunes en los espacios que necesitan otras profesiones. Esto conlleva que la existencia de salones que cumplan con dichos aspectos sea menor que el común de espacios accesibles. La presencia de agentes como los docentes, que forman parte del servicio que otorga la institución, se encargan en representación de la universidad en orientar y guiar a sus alumnos, para que el bien que se brinda sea empleado de manera correcta. El presente trabajo toma motivación de la problemática, observable en la especialidad de Música, de un creciente número de nuevos alumnos. Se busca explorar y poner en discusión los servicios que los estudiantes reciben por parte de su institución, si son completamente responsables de lo que estos puedan causar, o se trata de algo que requiere la cooperación de los estudiantes. Se utilizan en el desarrollo los conceptos que implican la ética que conllevan las profesiones, y la ética de la enseñanza musical. Se concluye que la universidad es parte importante en el desarrollo de profesionales y su realización personal, por lo que se encarga de brindar un bien de la mejor manera posible. / The relationship between a music student and their university exists for the purpose of achieving professionals who are capable in their profession and who can contribute a good to the society they belong to. Through the tools that the institution provides, the student must be able to develop correctly. The space that a music student requires, as a tangible space, comprises characteristics in its conformation that they do not require are common in spaces that other professions need. This entails the existence of salons that comply with said marine aspects less than the common of accessible spaces. The presence of agents such as teachers, who are part of the service provided by the institution, are in charge of representing the university in guiding its students, so that the good offered is used correctly. The present work adquires motivation from the problem, observable in the Music specialty, of a growing number of new students. It seeks to explore and discuss the services that students receive from their institution, if they are fully responsible for what may cause problems, or is it something that requires the cooperation of students. It will be used in the development of the concepts that imply the ethics that the professions entail, and the ethics of music teaching. It is concluded that the university is an important part in the development of professionals and their personal fulfillment, so it is in charge of providing a good in the best possible way.

Con el avance de la tecnología es posible corregir errores en la grabación de una pieza, canción, etc. Esto puede ser para bien o para mal, ya que, aunque el producto final pueda llegar a tener una mejor calidad, o tal vez no, el uso de esta tecnología puede hacer caer al intérprete en una dependencia que lo lleve a hacer uso de esta herramienta como un medio para solucionar sus errores por una falta de práctica en su instrumento. Esta dependencia puede generar la falta de humanidad en la grabación, ya que, debido al abuso de un programa para solucionar los problemas de ejecución instrumental, este genera un sonido artificial. Ante esta problemática mencionada, surgió la siguiente interrogante: ¿Hasta qué punto el uso de programas de corrección instrumental puede ser usado para asegurar una grabación sin errores, aunque esta genere que se pierda la humanidad de la grabación y por lo tanto su autenticidad se vea obstruida? Por lo que esta investigación tratara de brindar un punto de vista nuevo, al de por sí amplio debate que existe sobre el uso de estos programas en el campo de la música. Como una primera parte de esta investigación se dará a explicar lo que son y cuáles son algunos de los programas de corrección. En un segundo punto se procederá a mencionar el debate y diferentes puntos de vista que se han encontrado en relación con el tema. En el tercer y cuarto punto se hablará de la autenticidad y la humanidad, punto claves en esta investigación. Y, como parte final, se darán las conclusiones. / With the advancement of technology it is possible to correct errors in the recording of a piece, song, etc. This may be for better or worse, because, although the final product may have a better quality, or perhaps not, the use of this technology may cause the interpreter to fall into a dependency that leads him to use this tool as a means to solve his mistakes due to a lack of practice in his instrument. This dependence can generate the lack of humanity in the recording, because the abuse of a program to solve the problems of instrumental performance can generate an artificial sound. Faced with this problem, the following question is born To what extent can the use of instrumental correction programs be used to ensure a recording without errors, even if it results in the loss of the humanity of the recording and therefore its authenticity is seen clogged up? So this research will try to provide a new point of view, to the already wide debate that exists on the use of these programs in the field of music. As a first part of this investigation, we will explain what they do and what some of the correctional programs are. In a second point we will mention the debate and different points of view that have been found in relation to the subject. In the third and fourth point we will talk about authenticity and humanity, key points in this research. And, as a final part, the conclusions will be given.

La música trae consigo una amplia gama de posibilidades de desarrollo en otras áreas. Tal como lo menciona Montoya, I. (2016) la música, dentro de un contexto educativo permite no solo el momento de satisfacción y disfrute sino un espacio donde se realiza la dinámica enseñanza-aprendizaje permitiendo la oportunidad a los alumnos un desarrollo no solo cognitivo sino también físico y socioemocional. El tema será: “Describir las percepciones que tienen los docentes del II nivel de educación inicial en relación a la música como medio de inclusión de niños de nivel uno del Trastorno del Espectro del Autismo en contextos escolares.” Con la finalidad de no limitar ni encuadrar la música a solo un momento específico de la clase, sino ofrecer a los niños en el nivel uno del TEA, la música como medio para ser incluidos en un contexto escolar integral, respetando sus fortalezas y debilidades y teniendo en cuenta su proceso de adaptación y desarrollo. Para esta investigación se planteó los siguientes objetivos: general; Describir las percepciones que tienen los docentes del II ciclo de educación inicial en relación a la música como medio de inclusión de niños del nivel uno del Trastorno del Espectro del Autismo en contextos escolares y sus objetivos específicos: “Identificar las necesidades que los niños del nivel uno del TEA tienen en el II ciclo de EI” y “conocer las percepciones que tienen los docentes de II ciclo sobre las potencialidades de la música como medio de inclusión de niños del nivel I del TEA”. / Music brings with it a wide range of development possibilities in other areas. As mentioned by Montoya, I. (2016) music, within an educational context allows not only the moment of satisfaction and enjoyment but also a space where the teachinglearning dynamic is carried out allowing the opportunity for students to develop not only cognitive but also physical and socio-emotional. The theme will be: “Describe the perceptions that teachers of the II level of initial education have in relation to music as a means of inclusion of children of level one of the Autism Spectrum Disorder in school contexts.” In order not to limit or frame the music only at a specific time in the class, but offer children at level one of the TEA music as a means to be included in a comprehensive school context, respecting their strengths and weaknesses and taking into account their adaptation process and development.For this research, the following objectives were proposed: general. Describe the perceptions that teachers of the II cycle of initial education have in relation to music as a means of including children of level one of the Autism Spectrum Disorder in school contexts and their specific objectives: “Identify the needs that children of level one of the TEA they have in the II cycle of EI ”and“ to know the perceptions that the teachers of II cycle have about the potential of music as a means of inclusion of children of level I of the TEA ”.

La improvisación musical siempre ha estado dentro de la música a lo largo de su historia, asimismo su enseñanza. Ha sido objeto constante de estudio, encontrando así sus beneficios e importancia, sin embargo, no ha habido alguna investigación donde analice los factores del por qué no se imparte y por qué sí, en las universidades en Lima. De esta forma, este trabajo identifica las universidades que tienen la carrera de música y analiza las mallas para observar si hay presencia de la enseñanza de la improvisación musical. También, mediante entrevistas a docentes y autoridades de dichas universidades, se conocerá los factores que implica abrir un curso de improvisación y las razones por las cuales no se tiene en cuenta, en algunos casos, en su sistema educativo. El manejo de la improvisación se ha podido ver a lo largo de la historia de la música occidental, grandes figuras eran improvisadores y, a pesar de esto, observamos cómo ha perdido su rigurosidad en su enseñanza tanto que muchas instituciones no la tienen en cuenta, esta tesis recoge información para un mayor entendimiento de dichas entidades educativas. Estilos como el jazz, cuya base es la improvisación, se ve institucionalizado desde hace mucho tiempo, brindando información mediante documentos académicos al respecto, es este el estilo principal a lo que se aferra el aprendizaje de la improvisación musical, pese a que toda música es susceptible a ser improvisada. Este trabajo también muestra la fuerte relación con la creatividad y los beneficios que puede tener el alumno en otros campos gracias a la improvisación musical. Como conclusión principal planteamos que esta materia está implícita en el sistema educativo de algunas instituciones, dentro de los cursos de instrumento y ensamble principalmente, y en las instituciones que no la imparten, la tienen en cuenta en el estudio de la historia, y están de acuerdo con la apertura de una asignatura de improvisación, pero finalizando la carrera para que el alumno tenga nociones básicas de la composición espontánea, pero no es una de sus actividades principales.