Em 1933, Oneyda Alvarenga escreve A linguagem musical como trabalho de conclusão do curso de História da Música no Conservatório Dramático e Musical de São Paulo. Sob a orientação de Mário de Andrade, essa primeira versão é ampliada até 1935 e concluída em 1944. Esta tese tem como objetivo estudar o manuscrito A linguagem musical como objeto que documenta o procedimento pedagógico de Mário de Andrade e que recapitula o problema da estética fisiológica a partir da biblioteca e da obra de Mário de Andrade. Uma vez que tal problema surge e se desenvolve através da relação pedagógica entre professor e aluna, parte-se do exame das versões de 1933 e 1935 / In 1933, Oneyda Alvarenga writes A linguagem musical as a final paper in history of music in Conservatório Dramático e Musical de São Paulo. Under the guidance of Mário de Andrade, this first version is revised until 1935 and completed in 1944. The aim of this thesis is to study the manuscript A linguagem musical as an object that summarizes the problem of physiological aesthetics from the library and work of Mário de Andrade. Once the problem arises and develops through the pedagogical relationship between teacher and student, the 1933 and 1935 versions are examined.

Esta tese propõe uma leitura da recepção crítica de Macunaíma no período circunscrito entre 1928 e 1936, correspondente à vigência da edição príncipe da rapsódia de Mário de Andrade. A análise de vinte e quatro pronunciamentos, recuperados na quase totalidade em fontes primárias, ressalta a contribuição de cada um e demonstra como os juízos estéticos expedidos se associam a perspectivas ideológicas nacionalistas em vigor no momento em que o modernismo estava no auge e buscava respostas estéticas e culturais - mas com implicações sociais ou mesmo políticas - para problemas decorrentes do processo histórico de modernização do Brasil. O confronto de opiniões da crítica com pronunciamentos de Mário de Andrade, contidos na correspondência privada ou textos publicados (em que há menção a Macunaíma, bem como a temas discutidos ou juízos expedidos nas recepções), constitui um diálogo de múltiplas vozes, cuja análise revela a coincidência das posturas críticas adversas com as principais matrizes ideológicas nacionalistas conservadoras (Alceu Amoroso Lima, Graça Aranha e Gilberto Freyre), enquanto as posturas favoráveis se aproximam do modernismo de resistência implícito na rapsódia. O exame dos pronunciamentos de Mário esclarece, também, a relação entre Macunaíma e o projeto modernista do próprio autor: a rapsódia é concebida, sobretudo, como obra de arte, fato estético de linguagem e, não obstante, realização máxima de \"literatura de circunstância\", associada às noções andradianas de \"primitivismo\" e de \"nacionalismo crítico\" (cosmopolita). / The aim of this thesis is to analyse the critical reception of Macunaíma within 1928 and 1936 which corresponds to the period when only the first edition of Mário de Andrade\'s work of art was available. The analysis of twenty-four statements, almost all of them taken from primary sources, highlights the contribution given by each text and demonstrates how the esthetical judgement issued at that time are related to national ideological perspectives which were held when Modernism was at its height and there was the search for esthetical and cultural answers but with social and even political implications of problems derived from the historical process of modernization in Brazil. The comparison between critical opinions and Mário de Andrade\'s statements found in private correspondence or in published texts in which Mário de Andrade refers to Macunaíma as well as to discussed themes or judgements concerning his book, constitutes a multiple voiced dialogue whose analysis reveals that there was a coincidence between the negative critical view of his work and the main national conservative paradigmatic ideologies (represented by Alceu de Amoroso Lima, Graça Aranha and Gilberto Freyre). Whereas the favourable views of his work are close to the opposition set by the revolutionary wing of Modernism and this was made implicit in Macunaíma. The examination of Mário\'s statements also clarifies the relation between Macunaíma and the author\'s own project: his work is conceived, above all, as being a work of art, an esthetical issue of language and as a supreme performance of \"social active literature\" associated to the Andradian notions of \"primitivism\" and cosmopolitan \"critical nationalism\".

O trabalho objetiva uma análise da obra A Confissão de Lúcio de Mário de Sá-Carneiro, pelas perspectivas do gênero e do sexo, do duplo e do abjeto, construídas através dos e nos protagonistas LúcioMartaRicardo. Elaborados como partes da ambigüidade realizada sob os desejos eróticos e relacionamentos auto-homoheterossexuais, nos quais as relações humanas representam uma entrega erótica, os personagens podem ser conseqüentemente vinculados às identidades não predominantes ou não normativas (como, por exemplo, a homossexualidade). Percebe-se uma intensão de Mário de Sá-Carneiro de transgredir as leis da natureza, não só pela projeção da alma como também pela tentativa de encontrar o outro, o duplo. Nesta linha de pensamento, vê-se na obra, portanto, uma atitude de identificação com as idéias da abjeção de questionamento à ordem estabelecida, na qual à controvérsia das identidades de gênero em relação ao posicionamento do femininomasculino dos personagens se vincula uma pretensão de vínculo do material com o espiritual. É importante ressaltar que para esta análise foram utilizados, como focos, os princípios teóricos de Julia Kristeva (abjeção), Judith Butler (sexo e gênero), Sigmund Freud (Psicanálise), bem como os do próprio autor e do modernismo português. / The present work aims to analyse the book A Confissão de Lúcio from Mário de Sá-Carneiro, for the perspectives of the sort and the sex, of the double one and the abject one, constructed through and in the protagonists Lúcio-Marta-Ricardo. Elaborated as sexual parts of the ambiguity carried through under the erotic desires and relationships auto-homo-heterosexuals, in which the relations human beings represent a erotic delivery, the personages can consequently be tied with the not predominant or not normative identities (as, for example, to the homosexuality). An intension of Mário de Sá-Carneiro is perceived to transgress the laws of the nature, for the projection of the soul as well as for the attempt to find the other, the double one. In this line of thought, it is seen in the book, therefore, an attitude of identification with the ideas of the abjection of questioning to the established order, in which to the controversy of the identities of sort in relation to the positioning of the feminine-masculine of the personages if it associates with a pretension of bond of the material with the spiritual. It is important to stand out that for this analysis had been used, as centers of interest, the theoretical principles of Julia Kristeva (abjection), Judith Butler (sex and sort), Sigmund Freud (Psychoanalysis), as well as the ones of the proper author and the portuguese modernism.

Este trabalho estuda a obra do poeta Murilo Mendes, em especial, o livro Poesia Liberdade. A partir da sua relação com as conquistas de 1922, sua obra é vista como ramificação e continuação do primeiro modernismo, além de ter sofrido as influências da vanguarda surrealista e do cristianismo, ambas criando imagens desconcertantes e, algumas vezes, desconcertadas. Se, como já se afirmou, a imagem conta tanto em Murilo, a leitura de Poesia Liberdade possibilita um estudo de como se desenvolve a arte combinatória na poética muriliana. Estudamos também a experiência artística do poeta de criar um novo mundo dentro do caos, fazendo aquilo que parece fora da ordem revelar justamente uma nova ordenação para as coisas, procurando, no entanto, responder até que ponto isso é possível formalmente no poema e historicamente na práxis vital, abrindo uma reflexão no interior da própria obra. / This study analyzes Murilo Mendes work, particularly the book Poesia Liberdade. Since its relationship to the conquers of 1922, his work has been seen as a ramification and continuation of the first modernism, and has suffered influences from the surrealist vanguard and the christianism, both having created disconcerting and, sometimes, disconcerted images. If, as it has already been affirmed, image is so important in Murilos work, reading Poesia Liberdade enables a study of how the combinatory art in Murilos poetry is developed. We have also studied the artistic experience of the poet in creating a new world among the chaos, making what seems to be disordered reveal just a new order, aiming, however, to answer how far that is possible in the poem and historically in the vital praxis, opening a new reflection in the work itself.

Por meio da organização e análise da crítica dispersa de Lourival Gomes Machado, textos em sua maioria pertencentes ao acervo do crítico, esta tese parte do pressuposto de que, para Gomes Machado, há uma arte brasileira autêntica, que se forma no século XVIII, sob o signo do barroco, e se estende até início de 1960, com a abstração expressiva, apresentando um interrompimento devido à implantação da Academia de Belas Artes, durante o século XIX. Nos anos 1940, apesar das preocupações do crítico envolverem sobretudo o modernismo brasileiro e a abstração aparecer apenas timidamente, no período de sua crítica madura, entre 1950 e início de 1960, passa a dedicar mais atenção à arte abstrata chegando, no fim desse período, a entender a abstração expressiva como vertente mais significativa, tanto da produção brasileira como internacional. Mário de Andrade era referência intelectual de destaque para Gomes Machado e ambos estavam em busca do que entendiam ser a configuração de uma arte propriamente brasileira. Para Andrade, a arte brasileira deveria carregar índices da natureza humana brasileira. Na crítica de Gomes Machado, a relação entre forma e lugar torna-se mais complexa, fazendo com que aquilo que antes transparecia na arte figurativa de deformação expressiva, relativa ao olhar de Andrade, passe a habitar a abstração não-geométrica, ou seja, a \"arte brasileira\" passa a ser caracterizada por formas, e não assuntos, que dizem respeito à mentalidade brasileira. Diante disso, optou-se por uma interpretação do pensamento crítico de Gomes Machado a partir de três momentos fundamentais de sua produção - modernismo, barroco e abstração expressiva -, cujos artigos revelam os contornos expressivos de sua concepção de \"arte brasileira\". / Through the organization and analysis of Lourival Gomes Machado\'s dispersed critical production, texts mostly belonging to the critic\'s personal archive, this thesis understands that, to Gomes Machado, there is an authentic Brazilian art, formed in the eighteenth century, under the sign of the Baroque, and which extends itself until early 1960, with informalism, presenting an interruption due to the implementation of the Academy of Fine Arts, during the nineteenth century. In the 1940s, despite the critic being mainly involved with Brazilian modernism and having abstraction appear only timidly, in the period of his mature critique between 1950 and early 1960, he devotes more attention to abstract art, understanding expressive abstraction as the most significant aspect of both Brazilian and international production. Mário de Andrade was an important intellectual reference to Gomes Machado and both sought to understand the configuration of an authentic Brazilian art. To Andrade, Brazilian art should carry aspects of Brazilian human nature. In Gomes Machado\'s critique, the relationship between form and space becomes more complex, so that what appeared in figurative art of expressive deformation - characteristic of Andrade\'s vision -, continues to inhabit non-geometric abstraction. In other words, \"Brazilian art\" becomes characterized by forms, and not themes that concern Brazilian mentality. Therefore, Gomes Machado\'s critical thinking was analyzed from three key moments of his production - modernism, baroque and expressive abstraction. His articles reveal the contours of his expressive conception of \"Brazilian art\".

Luanda é a capital de Angola. Situada no litoral norte, é considerada a mais desenvolvida cidade do país. Já no início do século XX, há registros de seu crescimento, porém, seu maior avanço aconteceu entre os anos de 1950 e 1975, isto porque nesse período surge um novo modelo de urbanismo. No contexto dessas mudanças, estavam as novas intenções de Portugal dirigidas para Angola, que incluíram a abolição do degredo e a substituição dos degredados por uma população portuguesa com vontade de trabalhar numa terra que lhes foi oferecida. À época, na província de Angola, foi criado um novo modo de vida com a adaptação daquilo que se fazia de melhor na Europa e na América. Eram novas edificações e novos hábitos. Nesse novo modo de vida, a habitação, o trabalho e o lazer estavam juntos e se viu o surgimento dos cinemas ao ar livre. Nesse cenário destacam-se as realizações dos arquitetos brasileiros modernos. Eles foram precursores de um urbanismo e de uma arquitetura adaptados aos trópicos. Nesse ponto, a África do Sul se evidencia como uma das pioneiras nesse tipo de arquitetura. Aos portugueses só chegou esse interesse depois dos resultados na África do Sul, o que os levou a uma tomada de consciência de que para projetar no continente africano seria necessário conhecer o território e viver nele, pois só conhecendo os problemas seria possível a sua solução e desenvolvimento. Sob essa perspectiva, vieram os profissionais formados em instituições francesas e inglesas destinados a introduzir uma arquitetura moderna, contrariando o regime de Salazar. Como o regime sempre conseguiu se impor, existiram diferenças na arquitetura produzida para os edifícios públicos e para o tipo de habitação que atenderia negros e brancos, assim como a imposição de regras aos profissionais que nem sempre conseguiram cumprir o estabelecido na Carta de Atenas. Passados 46 anos após a independência de Angola, se reconhece a qualidade dessa arquitetura e, por essa razão se apela pela sua preservação. / Angola\'s capital city Luanda, located in the north coast, is considered the most developed city of the country. There are records of its growth in the beginning of the twentieth century, however, the city\'s greatest advance is recorded between the years 1950 and 1975, the reason being the emergence of a new urbanism model. In the context of these changes were Portugal\'s new intentions for Angola, which included the abolition of deportation and the replacement of those deported by a Portuguese population who wanted to work in a land that had been offered to them. At the time, in the province of Angola, a new way of life was created with the adaptation of best things Europe and America had to offer. They brought with them new architectural structures, and new habits. With their new way of life, housing and work ethics, they also brought; the at the time extremely popular open-air theaters to Luanda. In this scenario, the achievements of modern Brazilian architects stand out. They were precursors to urbanism and architecture adapted to the tropics. At this point, South Africa stood out as one of the pioneers in this type of architecture. The Portuguese only found themselves interested in this after the results in South Africa, which led them to the awareness that to build on the African continent it was be essential to know the territory and live in it, because only after knowing the problems, would it be possible to solve them and continue the development. With this knowledge, professionals trained in French and English institutions were sent to introduce a modern architecture, contrary to the Salazar regime. As the regime always managed to impose itself, there were differences in the architecture produced for public buildings and the type of housing that would serve blacks and whites, as well as the imposition of rules on professionals who were not always able to comply with the Charter of Athens. 46th years after Angola\'s independence, the quality of the architecture continues to be recognizer, and for this reason, efforts should be taken to continue it\'s preservation.

A preocupação com uma noção de cultura, que contribuísse para a definição de uma identidade cultural brasileira, norteou diversos estudos desde os anos 1920 no Brasil. A região nordestina, por contar com expressivas manifestações populares, é considerada, por diversos estudiosos como sendo o local de surgimento dessa cultura. Foi a partir dessa premissa que autores como Gilberto Freyre e Ariano Suassuna, desenvolveram todo um ideário que buscasse preservar o que eles consideravam ser a essência dessa cultura. Dessa forma, boa parte da produção cultural da região passou a ser influenciada por essa noção que visava, na busca de elementos da cultura popular, a produção de uma cultura erudita. No final da década de 1980 e início dos anos 1990, a cidade de Recife ainda se encontrava com um quadro econômico e social instável, o que aliado a insatisfação com essa visão tradicionalista de cultura, acabaram por contribuir para o surgimento do movimento Manguebeat. Nesta sentido, este estudo se propõem a analisar a relação que se estabeleceu na cena cultural pernambucana na década de 1990 entre o movimento Manguebeat e o movimento Armorial, tomando como princípio que uma relação de oposição entre estabelecidos e outsiders pode ser encontrada ali naquele momento. A partir dos conceitos desenvolvidos por Norbert Elias em seu livro Os estabelecidos e os Outsiders e os conceitos de campo desenvolvidos por Bourdieu em diversas de suas obras, trataremos de averiguar de que forma o hibridismo do Manguebeat o posiciona naquela cena e como essa característica fornece elementos que o permitiu subverter a ordem estabelecida pelo movimento Armorial. / The concern with a notion of culture that contribute to the definition of a Brazilian cultural identity has guided many studies since the 1920s in Brazil. The northeastern region, for having expressive popular manifestations, is considered by many researchers the place of emergence of this culture. From this premise that authors like Gilberto Freyre and Ariano Suassuna have developed an entire ideology that sought to preserve what they considered to be the essence of this culture. Therefore, much of the cultural production of the region was influenced by this notion that aimed to, in the search for elements of popular culture, the production of a high culture. In the late 1980s and early 1990s, Recife was still with an unstable social and economic framework, which allied to the dissatisfaction with this traditionalist view of culture, turned out to contributing to the emergence of the movement called Manguebeat. In that sense, this work propose to examine the relationship established in the cultural scene of Pernambuco in the 1990s between the movement Armorial and the movement Manguebeat , taking as principle that an opposition between established and outsiders settled there at that time. From the concepts developed by Norbert Elias in his book The Established and the Outsiders and the \"field\" concepts developed by Bourdieu in several of his works, we will cover how the hybridity of Manguebeat place it in that scene and how this feature provides elements that allows subverting the established order by Armorial movement.

The present thesis is concerned with how the poetry written in Northern Ireland throughout the twentieth century reifies the city of Belfast through language, metaphor and imagery, compiling a concrete constellation of aesthetic experiments. It also examines how its poets have represented not only Belfasts concrete and architectural landmarks, but also its historical and spatial displacements. Due to the Anglo-Irish Treaty in 1922, through which Ulster remained a constitutive part of the British Isles, while the South started to build the foundations of what was going to become the Republic of Ireland, Northern Irish poets have built a poetic landscape that has been instead incessantly fragmented through the motifs of alienation and displacement of subjectivity. Through the analysis of the Belfast poems by the poets Louis MacNeice, John Hewitt, Padraic Fiacc, Michael Longley, Derek Mahon, Ciaran Carson, Paul Muldoon, Medbh McGuckian, Seamus Heaney, Sinéad Morrissey, Leontia Flynn, Allen Gillis and Miriam Gamble, the thesis shows the poetic architecture of Belfast points to wider sociological spaces. It is never alone, or even single, but always plural and globally referential. Through a space of confluence which brings together dissimilar discourses, the selected poems present a desire to possess Belfast artistically, a city where art, history and memories intermingle and interact in a dynamic manner. Images, styles and ideas are carried from generation to generation and create a constellation of fearful and hopeful dreams. It engages past and present in a fruitful reflection on identitarian and artistic belonging. / A presente tese tem como objetivo compreender como a poesia escrita na Irlanda do Norte representa a cidade de Belfast durante o século vinte. A hipótese defendida pela tese é a de que o trabalho poético com a métrica, figuras de linguagem e imagens cria uma constelação de experimentos estéticos. O trabalho também compreende como os poetas recriaram não somente os pontos de referência arquitetônicos de Belfast, mas também os seus próprios deslocamentos históricos e geográficos. Devido à assinatura do tratado anglo-irlandês em 1922 através do qual o Ulster se manteve parte das Ilhas Britânicas e o sul começava a 7 construir as fundações do que seria chamada futuramente de República da Irlanda, os poetas pertencentes à Irlanda do Norte criaram uma paisagem poética que é incessantemente fragmentada por meio da alienação e do deslocamento subjetivo. A análise dos poemas de Belfast escritos por Louis MacNeice, John Hewitt, Padraic Fiacc, Michael Longley, Derek Mahon, Ciaran Carson, Paul Muldoon, Medbh McGuckian, Seamus Heaney, Sinéad Morrissey, Leontia Flynn, Allen Gillis e Miriam Gamble, demonstra que a arquitetura poética de Belfast aponta para espaços sociológicos mais abrangentes. A cidade não é retratada singularmente, mas em sua conexão com outras localidades globais. Por meio de um espaço de confluência, que agrupa discursos diversos, os poemas selecionados apresentam um desejo simbólico de possuir Belfast, uma cidade em que arte, história e memórias interagem de forma dinâmica. Imagens e estilos são passados de geração para geração, criando uma constelação de sonhos aterrorizantes e esperançosos, que engajam passado e presente em uma reflexão sobre pertencimento identitário e artístico.

O historiador italiano Carlo Ginzburg envolveu-se ao longo das décadas de 1980 e 90 nas discussões norte-americanas sobre o pós-modernismo, investindo contra o que ele chamava de tendências céticas dos defensores do pós-modernismo. Sua caracterização da tendência intelectual assimila o que ele chama de tendência lingüística ao uso da palavra retórica. Sua proposta para refutar as teses dessas tendências passa pela recuperação da Retórica de Aristóteles e do caráter judiciário da prova. O presente trabalho tem por objetivo expor e analisar sua proposta de uma retórica da prova, em contraposição a uma retórica literária e cética, conforme exposta no seu livro Relações de força: história, retórica, prova. Para isso, abordamos seus trabalhos anteriores; as possíveis motivações de sua análise da Retórica, assim como sua leitura do texto antigo; e, por fim, sua crítica ao pós-modernismo. / The historian Carlo Ginzburg was involved throughout the 1980s and 90 in the american discussion on postmodernism, arguing against the postmodern tendencies pointing to their skeptical relativism. Ginzburg associates the postmodern emphasis in linguistics to the use of the word rhetoric. His proposal intends to refute those skeptical tendencies by recovering the first book of Aristotles Rhetoric, where the greek philosopher defends a rhetorical proof based on argumentation and evidence instead of passion rousing. The present work tries to analyze the book where Ginzburgs reading of Aristotle appears, History, rhetoric, proof, and his attempt to create an evidentiary rhetoric. Our work takes account not only of the reading itself of the ancient text but also to the possibles contexts in which the reading can be placed.

O trabalho apresenta algumas das iniciativas para a retomada da máscara no teatro moderno. No amplo quadro da primeira metade do século XX, escolhemos quatro principais artistas que abordaram esse objeto: Gordon Craig, Meyerhold, Jacques Copeau e Jacques Lecoq. Nestes a máscara não é apenas mais um elemento colocado em cena, mas também um princípio organizador da teatralidade que almejam. Através de seus trabalhos analisamos algumas características da máscara que podem ser reelaboradas no teatro contemporâneo. Em Gordon Craig, abordamos as primeiras proposições dentro do teatro simbolista, além do panorama da máscara no início do século XX; através de Meyerhold, pudemos traçar os elementos grotescos contidos na máscara; com Jacques Copeau, questionamos os conceitos de caráter e de tipo e, através da pedagogia de Jacques Lecoq, pudemos analisar o trabalho da máscara como signo representativo. A partir dos elementos abordados, apontamos uma proposição de trabalho com a máscara que procura aproximá-la do conceito de figura. / This study presents some of the initiatives to reinstate the mask in modern theatre. In the vast spectrum of the first half of the Twentieth Century, I chose four key artists who elaborated this object: Gordon Craig, Meyerhold, Jacques Copeau and Jacques Lecoq. In the work of these artists, the mask is not one scenic element among others, but becomes the organizing keystone for the theatricality that they seek. Through their creations we can analyze some of the mask´s features that are being reelaborated in contemporary theatre. In Gordon Craig, we examine initial propositions within the symbolist theatre, placing this in a panorama of the mask at the beginning of the Twentieth Century; with Meyerhold, one can trace the grotesque elements contained in the mask; in Jacques Copeau, the focus moves to the concepts of character and type, and finally, in Jacques Lecoqs pedagogy, one can probe the mask as representational sign. From the foregoing elements, we outline an operational proposal which aims to approximate the mask to the concept of figure.