La thèse explore les différentes voies du désordre empruntées par l’œuvre de Jean Giono, en adoptant une lecture littéraire, mais aussi anthropologique, ethnologique et sociologique des textes. L’étude s’intéresse d’abord à l’importance thématique de la nature, et montre qu’au-delà des apparents désordres climatiques ou saisonniers, le monde gionien est globalement ordonné. La deuxième partie de la thèse examine alors le traitement que Giono réserve aux hommes : confrontés à un ordre quotidien ennuyeux, ceux-ci explorent des divertissements qui les conduisent à un désordre de l’action démesuré et mortifère. Finalement, l’étude aboutit à l’idée que seul le désordre parfaitement organisé de l’art, et plus particulièrement de la littérature, constitue un divertissement suffisant selon Giono qui, tout au long de son œuvre, expérimente dans le contenu comme dans la forme de ses textes un désordre total au travers duquel il cherche à profiter d’un vertige systématique, d’un déséquilibre savamment maîtrisé / This thesis deals with the various forms of disorder that can be found in Jean Giono’s literary work. The chosen approach for this analysis is multifaceted, mainly literary but also anthropological, ethnological and sociological. The study first examines the thematic importance of nature. It reveals, despite climatic and seasonal disorders, the orderliness of the natural world Giono usually describes. The study then focuses on human beings in Giono’s work: philosophically bored by the monotony of a day-to-day order, they investigate various forms of diversions, and in doing so eventually experiment a dangerous violent action disorder, which leads them to physical or mental death. The study finally proves that artistic disorder seems to be the only one that can save mankind from everlasting metaphysical boredom: Giono’s work insists on the value of literary disorder. Writing enables him to test absolute disorder, considered to be the only way to benefit from a systematic vertiginous lack of balance.

This thesis explores the relationship between the monster and the tragic in 16th and 17th century French literature, in particular through the analysis of the figure of the tragic monster. We borrowed the term “tragic monster” from F. Dupont (Monstres de Sénèque) and we have elaborated this concept in conjunction with the structure of Ancient Greek and Roman tragedy, composed of dolor, furor, néfas and the tragic monster. Our first chapter explores the many connotations associated with the monster in 16th and 17th century France (prodigious births, grotesques, and monstrous heroes of Greek and Roman tragedy) and establishes the similarities between the scenario of Ancient tragedy and the story of the Fall of man. In our second chapter, we take note of the coincidence between monstrous form and monstrous behaviour in Aubigné’s depiction of France as a “monstrous giant” in Les Tragiques and also demonstrate the strong connection between the tragic and the monstrous for Aubigné. In chapter three, a comparison of Bèze’s Abraham sacrifiant to the medieval treatment of the story of Abraham and Isaac reveals the concept of the tragic monster as an innovation that Bèze develops from his Greek and Roman models. We also note the important differences between Bèze’s biblical tragedy and his models. In chapter four we follow the tragic arc of both Thésée and Phèdre in Racine’s Phèdre, highlighting the importance of self-knowledge in this play and that of lucidity for the concept of the tragic monster. In chapter five, lucidity continues to be a major theme as Pascal attempts to convert his reader by impressing upon him his status as a “monstre incompréhensible” in Les Pensées. In our conclusion, we attempt to trace an evolution in the concept of the monster – originally thought of something “against nature”, to finally being defined with Pascal, as the very essence of the human being – and we point to the possible consequences of this evolution. / Thesis (Ph.D, French) -- Queen's University, 2011-10-02 18:48:23.748

Bédéiste, cinéaste, scénariste et illustrateur, Enki Bilal est un artiste contemporain de nationalité franco-yougoslave. De 1998 à 2007, celui-ci s’inspire des guerres qui déchirent sa Yougoslavie natale pour rédiger la Tétralogie du Monstre, un cycle de bande dessinée futuriste qui traduit une vision du monde propre aux années 1990-2000. Marquant une rupture dans le parcours de Bilal, cette œuvre propose une projection fictionnelle d’événements correspondant au postmodernisme social anticipé par Jean-François Lyotard et décrit par Jean Baudrillard. Avec cette thèse, nous démontrons comment l’auteur, en s’intéressant aux différents enjeux propres à ces deux décennies, s’engage dans un dialogue avec les grands penseurs de la postmodernité et cherche à représenter les différentes idées de « morts » – fin des grands récits – qui sont au cœur de leurs discours. À l’aide des notions de postmoderne, de posthistoire et de posthumain, nous avons analysé la question de la mort des idéologies politico-religieuses, la mort de la science et la mort de l’art dans l’œuvre de Bilal.

Bédéiste, cinéaste, scénariste et illustrateur, Enki Bilal est un artiste contemporain de nationalité franco-yougoslave. De 1998 à 2007, celui-ci s’inspire des guerres qui déchirent sa Yougoslavie natale pour rédiger la Tétralogie du Monstre, un cycle de bande dessinée futuriste qui traduit une vision du monde propre aux années 1990-2000. Marquant une rupture dans le parcours de Bilal, cette œuvre propose une projection fictionnelle d’événements correspondant au postmodernisme social anticipé par Jean-François Lyotard et décrit par Jean Baudrillard. Avec cette thèse, nous démontrons comment l’auteur, en s’intéressant aux différents enjeux propres à ces deux décennies, s’engage dans un dialogue avec les grands penseurs de la postmodernité et cherche à représenter les différentes idées de « morts » – fin des grands récits – qui sont au cœur de leurs discours. À l’aide des notions de postmoderne, de posthistoire et de posthumain, nous avons analysé la question de la mort des idéologies politico-religieuses, la mort de la science et la mort de l’art dans l’œuvre de Bilal.

Bédéiste, cinéaste, scénariste et illustrateur, Enki Bilal est un artiste contemporain de nationalité franco-yougoslave. De 1998 à 2007, celui-ci s’inspire des guerres qui déchirent sa Yougoslavie natale pour rédiger la Tétralogie du Monstre, un cycle de bande dessinée futuriste qui traduit une vision du monde propre aux années 1990-2000. Marquant une rupture dans le parcours de Bilal, cette œuvre propose une projection fictionnelle d’événements correspondant au postmodernisme social anticipé par Jean-François Lyotard et décrit par Jean Baudrillard. Avec cette thèse, nous démontrons comment l’auteur, en s’intéressant aux différents enjeux propres à ces deux décennies, s’engage dans un dialogue avec les grands penseurs de la postmodernité et cherche à représenter les différentes idées de « morts » – fin des grands récits – qui sont au cœur de leurs discours. À l’aide des notions de postmoderne, de posthistoire et de posthumain, nous avons analysé la question de la mort des idéologies politico-religieuses, la mort de la science et la mort de l’art dans l’œuvre de Bilal.

Bédéiste, cinéaste, scénariste et illustrateur, Enki Bilal est un artiste contemporain de nationalité franco-yougoslave. De 1998 à 2007, celui-ci s’inspire des guerres qui déchirent sa Yougoslavie natale pour rédiger la Tétralogie du Monstre, un cycle de bande dessinée futuriste qui traduit une vision du monde propre aux années 1990-2000. Marquant une rupture dans le parcours de Bilal, cette œuvre propose une projection fictionnelle d’événements correspondant au postmodernisme social anticipé par Jean-François Lyotard et décrit par Jean Baudrillard. Avec cette thèse, nous démontrons comment l’auteur, en s’intéressant aux différents enjeux propres à ces deux décennies, s’engage dans un dialogue avec les grands penseurs de la postmodernité et cherche à représenter les différentes idées de « morts » – fin des grands récits – qui sont au cœur de leurs discours. À l’aide des notions de postmoderne, de posthistoire et de posthumain, nous avons analysé la question de la mort des idéologies politico-religieuses, la mort de la science et la mort de l’art dans l’œuvre de Bilal.

Interroger la figure du monstre, paradoxalement, permet de questionner notre condition humaine. Si le corps est parfois envisagé sous son aspect tératologique dans l'art contemporain, déformé, défiguré, altéré de multiples façons, manipulé, métamorphosé, décomposé, etc., c'est parce que le monstre a le don de provoquer le regard, en générant tout à la fois fascination et répulsion. Tantôt réminiscences d'êtres fabuleux de civilisations anciennes, tantôt mutants de l'ère industrielle et génétique, les hybrides créés dans l'art d'aujourd'hui sont le miroir des rêves et des cauchemars, des fantasmes et des peurs de notre société. Ainsi, monstres, hybrides, androïdes forment un inquiétant bestiaire qui témoigne des phobies et obsessions corporelles de notre époque, alors que le corps entre dans « l'ère de sa reproductibilité technique » à travers la chirurgie esthétique ou la biotechnologie, qu’il tend à devenir obsolète tant la communication tend à se faire virtuelle. Le monstre possède le pouvoir de se faire métaphore, de devenir un double qui nous montre, (qui nous monstre), l'envers de nous-même, tout en nous permettant d’appréhender l’autre. / Funnily enough, analysing the monster allows us to question the human condition. In contemporary art, the body is often considered as a technological entity, meaning deformed, disfigured, distorted in many ways, manipulated, metamorphosed, decomposed etc. Monsters force us to look at them with both fascination and repulsion. They can be either hybrids – echoes of those fabulous creatures belonging to ancient civilizations – or industrial and genetic mutants. As a matter of fact, monsters in contemporary art represent the dreams, nightmares, fantasies and fears of our modern society. Monsters, hybrids and androids compose an unsettling bestiary displaying the physical fears and obsessions of our present times where bodies can be technically reproduced (either by plastic surgery or biotechnology) or tend to vanish with communication becoming more and more virtual. They are metaphors, doubles revealing ourselves or the way we should approach others. Contemporary art transforms the human body into a phantasmagorical, marvellous, frightening or obscene memento mori that reminds us of our mortality.

Depuis la fin de l’Antiquité, les mythes liés aux religions polythéistes ont peu à peu été relégués au domaine du folklore, bien que la mémoire des grands mythes soit restée vivace dans notre culture. Mais pour comprendre les religions et les sociétés anciennes, il est impératif de revenir aux mythes. De nombreux ouvrages, parfois de vulgarisation, sont consacrés à ce sujet. Cependant, les études contemporaines, suivant en cela la voie déjà tracée par les Anciens, ne se concentrent presque exclusivement que sur la vie des héros grecs. Contrairement à cette tendance générale, notre étude, elle, porte sur le destin de ces oubliés que sont les êtres fabuleux qui peuplent les récits mythologiques et sans qui la renommée des héros mythiques serait amoindrie. La plupart de ces redoutables créatures sont issues de la même lignée dont Phorkys et Kétô sont les lointains aïeux. Parmi leur abondante descendance, nous avons choisi d’étudier ceux que l’on qualifie couramment de monstres. Nous avons procédé à une sélection parmi tous ces membres afin de pouvoir dégager un thème qui soit commun à tous. Nous nous intéresserons exclusivement aux créatures uniques, monstrueuses de naissance et à la morphologie fabuleuse telles que l’Hydre ou Cerbère. A travers un travail d’exploration à la fois littéraire et iconographique, nous tentons de retracer l’histoire des traditions concernant les membres de cette lignée. Des comparaisons avec des mythologies étrangères viennent parfois apporter un complément d’information sur la question. Dans cette entreprise nous devrons considérer des bornes chronologiques et géographiques relativement vastes. En effet, la période s’étendra du IXème ou VIIIème siècle avant J.-C. jusqu’au IIIème siècle après J.-C. Quant au champ géographique, il recouvrira toute la Grèce continentale et insulaire, ainsi que l’Asie Mineure et la Grande Grèce. / Since the end of Antiquity the myths which were related to polytheist religions have gradually been pushed aside towards the grounds of lore, although our culture keeps quite vivid the memory of great myths. Nevertheless, in order to be able to understand both ancient religions and societies, turning back to myths is an absolute necessity. Numerous works, some of which vulgarise, are devoted to the subject. However, contemporary studies - thus following the ways of the ancient themselves – mainly dwell on the lives of Greek heroes. As opposed to this general tendency, our study will be dealing with those forgotten creatures, beings of fantasy that are so often encountered in mythological tales and without whom the fame of these mythic heroes would be lessened. Most of these fearful creatures are issued from Phorkys and Keto’s long lineage. Among their numerous offsprings, we have chosen to study those generally known as “monsters”. We have set up a selection among these monsters in order to underline common characteristics. Thus, we intend to consider only creatures that are unique, monstrous by birth, having fabulous morphologies, such as for instance the Hydra and Cerberos. Based on both literary and iconographic sources we will attempt to draw a history of the traditions linked to these lineage members. Some more information on the topic will at times be provided by a few comparisons with foreign mythologies. The geographical and chronological boundaries of our study have to be quite large. The period will span from the 9th or 8th centuries BC up to the 3rd century AD. As for geography, the whole of Greece, both continental and insular, is concerned, as well as Asia Minor and Magna Graecia.

Cette thèse se propose d’étudier les enjeux et les stratégies à l’œuvre dans l’apparition de la peur dans les œuvres littéraires et vidéoludiques. Il s’agit de théoriser, dans une démarche comparatiste, le rapprochement des deux médiums ainsi que les paradigmes structurant les fictions horrifiques. La capacité du jeu vidéo et de la littérature à produire de l’incertitude et de l’étrangeté à partir d’un code rigoureux (textuel, informatique, ludique) durant son actualisation en œuvre par l’interaction du lecteur/joueur et l’interdépendance conflictuelle entre mimesis (mise en forme du réel) et phantasia (résurgence d’un réel défiant la rationalité) forment les fondations de ce travail.En tant que catalyseur de la peur, le monstre constitue le point central de l’analyse formelle des œuvres étudiées. La synthèse d’un large corpus permet d’identifier quatre archétypes à partir desquels se déploient les multiples actualisations de la monstruosité : le Barbare, la Gorgone, le Revenant et la Chimère. Ces figures incarnent les zones d’ombre de la culture occidentale. Le Barbare exprime la confrontation à une étrangeté envahissant l’environnement familier mais aussi le soubassement violent et chaotique de la civilisation. La Gorgone représente l’Autre radical, fascinant et terrifiant. S’en approcher suppose de s’aventurer hors du monde et de courir le risque d’être contaminé par la monstruosité, incapable de regagner la demeure. Le Revenant figure les enjeux de la hantise, d’un passé qui, constitutif du présent, reste vivant. Fruit d’une rupture de la continuité temporelle, il ne peut qu’y être réintégré par la résolution de l’énigme qu’il pose. La Chimère est, quant à elle, celle qui transgresse les catégories. Monstre aux multiples visages, elle défie l’organisation rationnelle du réel.Enfin, une étude de la figure de l’auteur, des processus d’adaptation et d’extension des univers fictifs permet d’aborder la mobilité des figures monstrueuses et leur capacité à franchir les frontières, qu’il s’agisse des intentions de création, des cadres médiatiques ou des mondes fictionnels. Ces conclusions s’appuient sur une mise en dialogue d’œuvres littéraires et vidéoludiques sélectionnées dans un corpus varié visant à concilier rigueur de l’analyse et vision englobante. / The aim of this thesis is to study the stakes and strategies behind the apparition of fear in novels and video games. Through a comparative approach, I intend to theorize the bridging of these mediums and the paradigms structuring scary fictions. At the core of this work lie the ability of video games and literature to create uncertainty and strangeness from a rigorous code (be it textual, digital or game rules) during the interaction with the reader/gamer and the conflicting interdependence between mimesis (as a shaping of reality) and phantasia (as a resurgence of a reality that defies reason).As fear’s catalyst, the monster is at the heart of my formal analysis. The synthesis of a large corpus allows for an identification of four archetypes from which the various manifestations of monstrosity spread: the barbarian, the gorgon, the phantom and the chimera. These figures personify the dark corners of western culture. The barbarian embodies the confrontation with an alien whom invades a familiar environment as well as the violent and chaotic base upon which rests civilization. The gorgon represents the radical otherness, fascinating and terrifying. To go near it is to venture out of the world and to run the risk of being contaminated by the monster, becoming unable to go back home. The phantom conveys the stakes of the haunting, of an undead past that is still part of the present. As the baring of a tearing in time continuity, it is to be reintegrated through the solving of the enigma it poses. Ultimately, the chimera is the one who transgresses categories. With its numerous faces, it defies the rational organisation of reality. Finally, a study of the author’s figure, of the adaptation process and of the fictional worlds extensions offers an outlook on the mobility of monsters and their capacity to cross borders, whether they are creative intents, mediatic frames of worlds of fiction.These conclusions are based on a dialogue between literary works and video games selected in a diverse corpus that aims to merge analytical thoroughness and an encompassing vision.

Dans les trois ouvrages étudiés Estrella Distante (1996), La pista de hielo (1993) et Amberes (2002) nous révélons la présence, parfois patente, parfois latente, du mythe de la malédiction. Notre étude rend compte d’une lecture à la lumière du mythe littéraire moderne de l’écrivain maudit. L’évolution de l’œuvre de Bolaño, montre que depuis le début le mythe de la malédiction lutte pour prendre une place centrale dans son œuvre.Un seul motif reste constant, inamovible, dans les trois romans en particulier et dans l’œuvre entière en général : l’héroïsme. Nous voyons dans cette valeur inaltérable du mythe de l’écrivain maudit chez Bolaño, le cœur de son éthique littéraire. L’héroïsme du poète maudit n’est pas associé à l’idée romantique d’une mission personnelle fondamentale mais plutôt à la valeur d’incorruptibilité. Les deux mythèmes PURETE-DETRESSE suscitent les deux motifs mythiques INGENUITE-MARGINALITE. Ceux deux motifs, filtrés par le temps et l’écriture conduisent à l’HEROISME et à l’INCORRUPTIBILITE, valeur qui définit le poète maudit dans l’ensemble de l’œuvre.La réécriture de ce mythe n’est pas sans conséquences dans l’univers de la réception. Bolaño se crée dans ses textes une image de lui-même qui prospère ensuite dans l’inconscient collectif ; son image devient l’archétype de l’écrivain latino-américain contemporain. La nouveauté de l’œuvre de Bolaño est d’avoir su placer la figure du poète maudit au cœur de son univers littéraire. Comme il est courant dans la reprise d’un mythe par un écrivain, Bolaño vise par sa réécriture un modèle à vocation universelle, sans que pour autant sa vie soit l’original ou la copie de ce modèle. L’image archétypale de l’homme Roberto Bolaño repose sur un univers symbolique de représentations qui ont un lien intime avec la malédiction.Bolaño insiste sur une autre forme de malheur, la rébellion, la révolte du maudit. Elle a été l’une des premières abordée dans la réception de son œuvre, et traduite comme une tendance antisystème. Bolaño est donc perçu comme un provocateur net, chose qui est absolument vraie. Cependant, c’est à travers la figure du maudit que la révolte littéraire s’effectue vraiment. En s’attaquant aux institutions littéraires, le poète renonce à l’appui institutionnel et déclare conquérir son indépendance à l’égard des pouvoirs littéraires. Pour chercher à être indépendant des pouvoirs littéraires il faut nécessairement en être d’abord dépendant ! Si le poète-type de Bolaño n’écrit presque pas, ou du moins pas comme il devrait le faire en tant qu’écrivain, de quelle sorte d’indépendance littéraire est-il question ? Cela pose un problème de fond celui de la vie comme œuvre (ce fut le cas pour le dandysme), et comme œuvre littéraire. Si la vie peut devenir littérature et si l’existence peut se changer en œuvre d’art, c’est à cette transformation que le poète bolanien se donne corps et âme. Faire de sa vie un objet littéraire est donc la tâche curieuse et très originale que s’impose le poète maudit chez Bolaño.En réécrivant le mythe du poète maudit, Bolaño a ouvert la voix à une nouvelle manière de voir la littérature et d’en faire. Ce mythe, bien connu en Europe depuis Villon jusqu’à Houellebecq, a été ravivé dans l’œuvre de Bolaño, en même temps qu’il a été introduit dans l’imaginaire de la littérature hispano-américaine, pour devenir aujourd’hui un symbole à double effet : consommation de masse d’une icône ou chemin offert au public vers le sens caché de l’expression. / Within the three books studied Estrella Distante (1996), La pista de hielo (1993) et Amberes (2002) we show the underlying- evident presence, of the literary malediction myth. We read Bolaño’s works lightened by the literary modern myth of the damned poet. The evolution of Bolaño’s work reflects, since the beginning the central space this modern myth takes into his imaginary. One of the unchangeable topics in the three novels studied is heroism. This inalterable value of his damned characters represents the central part Bolaño’s literary ethics. The damned poet heroism in this case is not associated to the romantic idea of a personal fundamental mission to be accomplished but rather to the moral value of incorruptibility. We can find two mythic topics PURITY-DISTRESS that produce the mythic patterns INGENUITY-MARGINALITY. The presence of this two patterns lead towards the two moral-ethic values that define Bolaño’s damned poet: HEROISM and INCORRUPTIBILITY.The process of rewriting this myth brings consequences in the reception’s world. Bolaño invents through his literature an image of himself which lives in the collective subconscious. This image is nothing different than archetype of what should be the contemporary Latin-American writer. As it is current in the process or rewriting of a myth, Bolaño aims a figure to universal vocation (archetype), but not with the purpose of making of his personal life the original and of his damned poet the copy. For the community of readers, the archetypal image of the man (Roberto Bolaño) rest upon a symbolic universe of representations directly connected with literary malediction.Bolaño insists on another way of curse; the rebellion of the damned poet. This feature has been translated in the context of the reception as an anti-system tendency. Bolaño is perceived as an agitator. Nevertheless, this feature of the writer comes from the literary rebellion of his characters. The damned poet of his work attacks the literary institutions renounces to the institutional support and declares the conquest of his independence in front of the literary powers.In order to become independent of the literary institutions, the poet must be necessarily dependent of them. As we know the character of the poet in Bolaño’s work do not really write or rather barely writes. So we ask what kind of literary independence is sought by the poet? This question introduce the idea of life a piece of art, (dandyism) and more exactly in this case; life as a literary piece of art. If life can become literature and existence can be transformed in a piece of art, Bolaño’s damned poet does not seek any more than fulfill this possibility of mutation. Make of his life a literary (ethic, moral and esthetic) object is the curious and original task the damned poet force himself on.Throughout the rewriting of the damned poet myth, Bolaño lights the way to an original way of perceiving but above all an original way of making literature. The myth of the damned poet, well know from Villon to Houellebecq, has been brighten up in Bolaño’s work and reintroduce in the Hispano-American literary imaginary. This version of the myth has become today a symbol that can be read in two ways: consummation product of an image or opened possibility of a secret meaning.