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A poética japonesa na canção brasileira / Japanese poetics in Brazilian art song

Prado, Maria Yuka de Almeida 17 August 2009 (has links)
O cantor deve conhecer em profundidade a obra a ser executada, além de dominar o seu instrumento - a voz. Assim, este estudo foi baseado na análise de obras de Heitor Villa-Lobos (1887-1959), Gilberto Mendes (1922), Luiz Carlos Lessa Vinholes (1933), José Antonio de Almeida Prado (1943) e Rodolfo Coelho de Souza (1952), sob a ótica do intérprete artista, ou seja, do autor. As obras refletem o amálgama da miscigenação de várias culturas que compõem a nação brasileira. Através deste repertório, questionou-se por que compositores brasileiros compuseram canções com a temática japonesa e como ocorre o encontro da poética japonesa com a canção brasileira. A análise musical foi, em sua maioria, baseada no livro Poetry into song: performance and analysis of Lieder de Deborah Stein & Robert Spillman. Constatou-se a presença de uma esfera meditativa pelo uso de estruturas minimalistas e pentatonismos. De acordo com o autor, isto se deve pela busca do vazio e do silêncio enquanto criação musical. São, portanto, frutos da necessidade intrínseca de uma época - o Zeitgeist - ou seja, experimentações em busca de novas linguagens como tendências da música do século XX. Considerando a peculiaridade do cantor como músico, apresentamos com o título de \"Transcendência\" nossa visão do papel do intérprete do canto. É preciso transcender todo o conhecimento analítico para a execução musical a fim de sentir a canção. Pois é justamente com o sentir e as vivências entre o compositor, poeta e intérprete; Brasil e Japão; racional e afetivo; mundo interno e externo; análise e performance que as bordas fictícias ou imaginadas são atenuadas. / The singer must deeply understand the work to be interpreted and, in addition to this, he must dominate his instrument - the voice. Accordingly, this study is based on the analysis of works by Heitor Villa-Lobos (1887-1959), Gilberto Mendes (1922), Luiz Carlos Lessa Vinholes (1933), José Antônio de Almeida Prado (1943) and Rodolfo Coelho de Souza (1952), from the point of view of the artistic interpreter, the author. The art songs chosen reflect a cultural mosaic specific to Brazil. Through this repertoire, the author questioned why Brazilian composers chose a Japanese subject for their songs and how they integrated Japanese characteristics into Brazilian art song. This musical analysis was mainly based on the book Poetry into song: performance and analysis of Lieder by Deborah Stein & Robert Spillman. The author observed a presence of meditative atmosphere through the use of minimalist structure and pentatonicism. She believes this was the composers´ quest for emptiness and silence while still creating music. These are, therefore, the fruits of an era: the Zeitgeist, the experiments in a search for new languages, a tendency of 20th Century music. Considering the peculiarity of the singer as a musician, the author presents in a summarizing chapter, \"Transcendency\", what she believes the role of an artistic interpreter should express. The singer must transcend the analytical knowledge he has acquired prior to performance in order to know the song. Only then do the feeling and existence of the composer, the poet, the interpreter; Brazil and Japan; reason and emotion; inner and outer world; and analysis and performance integrate, and only then is the fictitious or imagined border blurred.
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Modélisation multi-échelle et multi-dimensionnelle de la structure musicale par graphes polytopiques / Multi-scale and multi-dimensional modelling of music structure using polytopic graphs

Louboutin, Corentin 13 March 2019 (has links)
Il est raisonnable de considérer qu'un auditeur ne perçoit pas la musique comme une simple séquence de sons, pas plus que le compositeur n'a conçu son morceau comme tel. La musique est en effet constituée de motifs dont l'organisation intrinsèque et les relations mutuelles participent à la structuration du propos musical, et ce à plusieurs échelles simultanément. Cependant, il est aujourd'hui encore très difficile de définir précisément le terme de concept musicale. L'un des principaux aspects de la musique est qu'elle est en grande partie constituée de redondances, sous forme de répétitions exactes et variées. L'organisation de ces redondances permet de susciter une attente chez l'auditeur. Une surprise peut alors être créée en présentant des éléments qui ne correspondent pas à cette attente. Ce travail de thèse se base sur l'hypothèse que les redondances, l'attente et la surprise sont des éléments essentiels pour la description de la structure musicale d'un segment. Un certain nombre de questions découlent de ce constat: quels sont les éléments musicaux qui participent à la structure d'un objet musical ? Quelles sont les dépendances entre ces éléments qui jouent un rôle essentiel dans la structuration d'un objet musical ? Comment peut-on décrire une relation entre deux éléments musicaux tels que des accords, des motifs rythmiques ou mélodiques ? Dans ce manuscrit, des éléments de réponse sont proposés par la formalisation et l'implémentation d'un modèle multi-échelle de description de la structure d'un segment musical : les Graphes Polytopiques à Relations Latentes (GPRL/PGLR). Dans ce travail, les segments considérés sont les sections successives qui forment une pièce musicale. Dans le cas de la pop, genre musical sur lequel se concentre ce travail, il s'agit typiquement d'un couplet ou d'un refrain, de 15 sec. environ, comprenant un début et une fin bien définis. En suivant le formalisme PGLR, les relations de dépendance prédominantes entre éléments musicaux d'un segment sont celles qui relient les éléments situés à des positions homologues sur la grille métrique du segment. Cette approche généralise sur le plan multi-échelle le modèle Système&Contraste qui décrit sous la forme d'une matrice 2×2 le système d'attente logique au sein d'un segment et la surprise qui découle de la réalisation de cette attente. Pour des segments réguliers de taille 2^n, le PGLR peut être représenté sur un n-cube (carré, cube, tesseract, ...), où n est le nombre d'échelles considérées. Chaque nœud du polytope correspond à un élément musical fondamental (accord, motif, note...), chaque arête représente une relation entre deux nœuds et chaque face représente un système de relations. La recherche du PGLR correspondant à la meilleure description de la structure d'un segment musical s'opère par l'estimation jointe : de la description du polytope (un n-polytope plus ou moins régulier) ; de la configuration du graphe sur le polytope, permettant de décrire le flux de dépendance et les interactions entre les éléments par des implications élémentaires systémiques au sein du segment ; la description de l'ensemble des relations entre les nœuds du graphe. Le but du modèle PGLR est à la fois de décrire les dépendances temporelles entre les éléments d'un segment et de modéliser l'attente logique et la surprise qui découlent de l'observation et de la perception des similarités et des différences entre ces éléments. Cette approche a été formalisée et implémentée pour décrire la structure de séquences d'accords ainsi que de segments rythmiques et mélodiques, puis évaluée par sa capacité à prédire des segments inconnus. La mesure utilisée pour cette évaluation est la perplexité croisée calculée à partir des données du corpus RWC POP. Les résultats obtenus donnent un large avantage à la méthode multi-échelle proposée, qui semble mieux à même de décrire efficacement la structure des segments testés. / In this thesis, we approach these questions by defining and implementing a multi-scale model for music segment structure description, called Polytopic Graph of Latent Relations (PGLR). In our work, a segment is the macroscopic constituent of the global piece. In pop songs, which is the main focus here, segments usually correspond to a chorus or a verse, lasting approximately 15 seconds and exhibiting a clear beginning and end. Under the PGLR scheme, relationships between musical elements within a musical segment are assumed to be developing predominantly between homologous elements within the metrical grid at different scales simultaneously. This approach generalises to the multi-scale case the System&Contrast framework which aims at describing, as a 2×2 square matrix, the logical system of expectation within a segment and the surprise resulting from that expectation. For regular segments of 2^n events, the PGLR lives on a n-dimensional cube (square, cube, tesseract, etc...), n being the number of scales considered simultaneously in the multi-scale model. Each vertex in the polytope corresponds to a low-scale musical element, each edge represents a relationship between two vertices and each face forms an elementary system of relationships. The estimation of the PGLR structure of a musical segment can then be obtained computationally as the joint estimation of : the description of the polytope (as a more or less regular n-polytope) ; the nesting configuration of the graph over the polytope, reflecting the flow of dependencies and interactions as elementary implication systems within the musical segment, the set of relations between the nodes of the graph. The aim of the PGLR model is to both describe the time dependencies between the elements of a segment and model the logical expectation and surprise that can be built on the observation and perception of the similarities and differences between elements with strong relationships. The approach is presented conceptually and algorithmically, together with an extensive evaluation of the ability of different models to predict unseen data, measured using the cross-perplexity value. These experiments have been conducted both on chords sequences, rhythmic and melodic segments extracted from the RWC POP corpus. Our results illustrate the efficiency of the proposed model in capturing structural information within such data.
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Fernando Sor e as transcrições Opus 19 para violão de Seis árias escolhidas de A flauta mágica de Mozart: uma abordagem estético-analítica

Rego, Eusiel Silva do 05 October 2012 (has links)
Este trabalho visa abordar conceitos estéticos, musicais e históricos (relacionados à época do Iluminismo) que envolvem as transcrições para violão \"Six Airs Choisis de l\'Opéra de Mozart: \"Il flauto magico, arrangés pour guitare\" Op. 19 do compositor e violonista espanhol Fernando Sor (1778-1839), publicadas entre os anos de 1823 a 1825, em Londres, e baseadas em árias de A flauta mágica k620 (1791) de Mozart. O processo de transcrição empreendido por Fernando Sor exigiu, inclusive por necessidades históricas (aproximadamente 35 anos separam essas obras), uma mudança de concepção da escritura instrumental, pois, para Sor, tratava-se de verter a essência de um pensamento musical concebido no meio operático e apresentá-lo sob o conceito sonoro de um instrumento solo emergente, como foi o caso do violão no final do século XVIII e primeiras décadas do século XIX. Assim, do ponto de vista instrumental, elementos como textura, estilo de acompanhamento e conceito de condução de vozes, para citar apenas alguns aspectos, sofreram mudanças de concepção, resultando muitas vezes quase em uma nova composição e, até mesmo, outra percepção da forma musical, porque, acima de tudo, o elemento dramáticoliterário está ausente. / This paper aims at addressing the aesthetic, musical and historical concepts (related to the Enlightenment) that involve the guitar transcriptions \"Six Airs Choisis de l\'Opéra de Mozart: \"Il flauto magico, arrangés pour guitare\" Op. 19 by Spanish composer and guitarist Fernando Sor (1778-1839), published between the years 1823 to 1825, in London, and based in Mozart\'s Die Zauberflöte k620 (The Magic Flute). The transcription\'s process undertaken by Fernando Sor required, even for historical purposes (the compositions were created 35 years apart), a change in the concept of instrumental writing. For Sor, it was a question of translating the essence of the musical thought conceived in an operatic way and presenting it under a sonorous concept of an emerging, solo instrument as had been the case of the guitar in the late 18th century and in the first decades of the 19th century. From the instrumental perspective, therefore, elements such as texture, style of accompaniment and the voice leading concept, to name but a few, have undergone conceptual changes, often resulting almost in a new composition and even a different perception of the musical form since, above all, the elements of drama and literature are absent.
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Inter-relações entre períodos estilísticos de Olivier Messiaen em três peças para piano / Interrelationships in estilistic periods of Olivier Messiaen in three piano pieces

Alves, Aline da Silva 24 March 2017 (has links)
Este trabalho dedica-se à análise musical de três peças para piano de Olivier Messiaen (1908-1992): Regard de l\"Onction terrible (1944); Neumes rythmiques, (1949) e Le traquet stapazin (1956-1958). Procuramos nos concentrar em uma metodologia que levasse em consideração a inter-relação entre análise musical, análise da performance, percepção e performance musical, a fim de construir uma concepção analítica original das peças analisadas. Desse modo, relacionamos o corpus teórico de Messiaen a trabalhos de autores como: Hasty (1997), que desenvolve a ideia de projeção rítmica a partir da análise musical, não só da partitura, mas também pela audição de gravações; Straus (2005) e Healey (2013), sobre a aplicação da teoria dos conjuntos na identificação e compreensão dos materiais harmônicos de Messiaen; Cook (2009), Rink (2001), Fortunato, (2011), Gasques, (2013) e Rosa (2015), sobre a análise da performance a partir de material gravado; e por fim, o estudo das peças ao piano como fonte de retroalimentação entre a análise e a performance. Ao relacionar outras metodologias ao material teórico de Messiaen, procuramos lançar um olhar mais independente sobre sua obra, ora complementando, ora ressaltando o conteúdo deixado por Messiaen em seus registros. A estrutura dessa tese se configura em 5 capítulos. O primeiro aborda o referencial teórico que tomamos como base para as nossas análises. O segundo, o terceiro e o quarto capítulos tratam das análises das obras Regard de l\"Onction terrible, Neumes rythmiques e Le traquet stapazin, respectivamente. Procuramos atentar às particularidades de cada peça ao escolher as ferramentas mais adequadas à sua análise. Regard de l\"onction terrible exigiu um aprofundamento maior em relação às referências simbólicas inerentes à sua composição. Neumes rythmiques, por sua vez, apresenta uma linguagem mais técnica, o que nos levou a enfocar os processos de manipulação do material musical. Le traquet stapazin emprega materiais mais descritivos, advindos dos cantos de pássaros e de seu habitat, entretanto, estabelecemos uma relação destes materiais com outros mais abstratos presentes na linguagem composicional de Messiaen. O quinto capítulo traz uma discussão sobre as inter-relações na linguagem musical e pianística de Messiaen, traçando um paralelo entre as ideias desenvolvidas em seu material teórico e as análises das peças. / This work dedicates itself to the musical analysis of three piano pieces by Olivier Messiaen (1908-1992): Regard de l\'Onction terrible (1944); Neumes rythmiques (1949) and Le traquet stapazin (1956-1958). We have tried to focus on a methodology that took into account the interrelationship between musical analysis, performance analysis, perception and musical performance, in order to build an original analytic design of the analyzed parts. Thus, we relate the theoretical corpus of Messiaen to the works from authors such as: Hasty (1997), who develops the idea of rhythmic projection from the musical analysis, not only of the sheet music but also by listening to recordings; Straus (2005) and Healey (2013), on the application of set theory in the identification and understanding of Messiaen\'s harmonic materials; Cook (2009), Rink (2001), Fortunato, (2011), Gasques, (2013) and Rosa (2015) on performance analysis from recorded material; and finally, the study of the piano pieces as a source of feedback between analysis and performance. In relating other methodologies to the theoretical material of Messiaen, we try to launch a more independent look towards his work, sometimes complementing, or emphasizing the content left by Messiaen in his records. The structure of this thesis is configured in 5 chapters. The first deals with the theoretical framework we take as a basis for our analysis. The second, third and fourth chapters deal with the analysis of the pieces Regard de l\'Onction terrible, Neumes rythmiques and Le traquet stapazin, respectively. We have tried to pay attention to the particularities of each piece by choosing the most appropriate tools for its analysis. Regard de l\'Onction terrible required further deepening in relation to the symbolic references inherent to its composition. Neumes rythmiques, in turn, presents a more technical language, which led us to focus on the handling processes of the musical material. Le traquet stapazin employs more descriptive materials, coming from birds\' singing and their habitat, however, we have established a relation between these materials and other more abstract present in the compositional language of Messiaen. The fifth chapter discusses the interrelationships in Messiaen\'s musical and pianistic language, drawing a parallel between the ideas developed in his theoretical material, and the analysis of the pieces.
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O serialismo lírico de Luigi Dallapiccola: uma análise dos processos composicionais aplicados à ópera II Prigioniero (1944-1948) / The lyrical serialismo of Luigi Dallapiccola: an analysis of the compositional processes os the opera \'Il Prigioniero\' (1944-1948)

Votta, Roberto 31 March 2017 (has links)
O principal objetivo desse trabalho é observar como o compositor italiano Luigi Dallapiccola trabalha, cria e manipula o material musical, as séries e seus desdobramentos, na composição da ópera Il Prigioniero. Por se tratar de uma obra conduzida por um percurso dramático, a análise também envolve, quando necessário, aspectos narrativos, dramatúrgicos, cenográficos e, consequentemente, psicológicos - ao abordar os personagens e suas interações na história. Durante a pesquisa, foram revelados processos composicionais idiossincráticos na maneira como Dallapiccola trabalha o serialismo, em particular, quando o compositor deriva coleções octatônicas de séries dodecafônicas, criando complexos harmônicos e melódicos, inter-relacionando materiais de natureza aparentemente antagônicas. A fim de demonstrar com a maior clareza possível a diversidade de materiais e técnicas utilizadas na criação da ópera, diferentes ferramentas analíticas foram aplicadas, muitas vezes de maneira complementar, durante as análises musicais. O trabalho está dividido em três capítulos sequenciais, além da introdução e das conclusões finais: o primeiro capítulo, introduz, de modo geral, a obra e o desenvolvimento técnico do compositor durante sua vida profissional; o segundo capítulo, aborda a construção dos materiais que alicerçam a composição da ópera; e o terceiro capítulo, expõe a maneira como o compositor cria e desenvolve a composição dramático-musical da ópera. / The main goal of this work is observing how the Italian composer Luigi Dallapiccola works, creates and manipulates the musical material, the series and its unfolding, in the composition of the opera \"Il Prigioniero\". Because it is a dramatic work, the analysis also involves, when necessary, narrative, dramaturgical, scenographic and, consequently, psychological aspects - in approaching the characters and their interactions in history. During the research, idiosyncratic compositional processes were revealed in the way Dallapiccola works serialism when the composer derives octatonic collections from dodecaphonic series, creating harmonic and melodic complexes, interrelating antagonistic materials. To demonstrate as clearly as possible, the diversity of materials and techniques used in the creation of the opera, different analytical tools were applied, often in a complementary way, during the musical analyzes. The work is separated into three sequential chapters, in addition to the introduction and final conclusions: the first chapter introduces, in a general way, the work and technical development of the composer during his professional life; The second chapter deals with the construction of the materials that sustain the composition of the opera; And the third chapter, exposes the way the composer creates and develops the dramatic-musical composition of opera.
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Estratégias composicionais de Luciano Berio a partir de uma análise da Sonata per pianoforte (2001)

Bonafé, Valeria Muelas 31 October 2011 (has links)
A Sonata per pianoforte, composta em 2001, é o trabalho para piano solo de maior fôlego de Luciano Berio. A peça condensa diversas estratégias composicionais características de Berio e se apresenta, assim, como uma espécie de relicário da escritura desse compositor. Nesse trabalho comentaremos, a partir da Sonata, três importantes estratégias composicionais de Luciano Berio: a noção de reescritura, a noção de gesto e a noção de processo. Como veremos, essas três noções são atravessadas pela idéia de obra aberta e estarão presentes durante todo seu percurso composicional, consolidando-se como aspectos fundamentais para a construção de sua poética. / The Sonata per pianoforte, composed in 2001, is the Luciano Berio\'s solo piano work of greatest scope. The piece brings together several of Berios\'s characteristic compositional strategies and thus presents itself as a sort of a reliquary of his musical resources. In this work, we will comment, from the Sonata, three Luciano Berio\'s important compositional strategies: the notion of rewriting (réécriture), the notion of gesture and the notion of process. As we will see, these three notions are crossed by the idea of open work and will be present throughout his compositional pathway, establishing themselves as fundamental aspects for the construction of his poetry.
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A utilização de análise musical e gravação na construção interpretativa do Pasillo andino-colombiano "Sincopando" : semi-experimento com três flautistas brasileiros

Arbeláez Hernández, Gina Arantxa January 2017 (has links)
A presente pesquisa investigou a utilização da análise musical e de uma gravação na construção interpretativa do pasillo andino-colombiano “Sincopando” para flauta solo por três flautistas brasileiros. A obra, composta por Léon Cardona originalmente para trío típico colombiano - constituído por bandola, tiple e guitarra - foi adaptada para flauta solo pelo flautista e compositor colombiano Ignacio Ramos. Os participantes da pesquisa foram três flautistas brasileiros de diferentes formações e atuações com nenhuma prática interpretativa em música tradicional colombiana. Cada flautista recebeu a partitura da obra para flauta solo e, após sessões de estudo individuais, realizaram uma gravação sem interferência ou referência externa seguido de uma entrevista semiestruturada. Em seguida cada flautista recebeu uma referência distinta (uma análise musical; uma gravação e uma análise e gravação da obra) para auxiliar o processo interpretativo individual. Posteriormente uma nova gravação e entrevista foram realizadas com o intuito de averiguar como estas referências poderiam ter influenciado ou modificado a interpretação dos flautistas. Os registros sonoros do semi-experimento foram enviados a três avaliadores externos - professores de flauta transversal com ampla experiência - para determinar possíveis diferenças entre o registro sonoro anterior e posterior à utilização da referência. Como conclusão a pesquisa observou resultados positivos na utilização de referências na construção interpretativa da peça bem como a possível influência do perfil artístico e do background de cada flautista no resultado final. / This research aims to investigate the use of musical analysis and recording in the interpretative construction of the Colombian pasillo “Sincopando” by three Brazilian flutists. This work was composed by Leon Cardona for the traditional Colombian trio – constituted by bandola, tiple and guitar – and adapted to solo flute by the Colombian composer and flutist Ignacio Ramos. The participants in this research were three Brazilian flutists with different professional backgrounds and without any background on traditional Colombian music. The flutists studied the piece on his own and recorded it without any reference or information about it. Afterwards, they participated in a semistructured interview. Each player then received different information about the musical piece (a musical analysis, a recording and an analysis and recording) in order to support the interpretation. The players recorded it again and participated in a second interview. The aim was to know how the information given could have influenced their interpretation. The recordings were delivered to three external professors to evaluate the differences between the recordings. The conclusions point out positive results on the use of external references through the interpretative construction of the piece, as well as possible influences of the profile and artistic background of the flutists in the final result. / En el presente trabajo se investigó el uso de análisis musical y de una grabación de audio en la construcción interpretativa del pasillo andino colombiano “Sincopando” para flauta sola por tres flautistas brasileños. La obra fue compuesta originalmente para trio típico colombiano – conformado por bandola, tiple y guitarra - por León Cardona y adaptada para flauta sola por el flautista y compositor colombiano Ignacio Ramos. Los participantes fueron tres flautistas brasileños de formación y perfil artístico diferentes sin ninguna práctica previa de música tradicional colombiana. Cada flautista recibió la partitura de la obra e después de estudio individual sin ningún tipo de interferencia o referencia cada uno realizó una grabación de la obra, seguido de una entrevista semiestructurada. Posteriormente, cada flautista recibió una referencia distinta (un análisis musical de la obra, una grabación de la obra, y un análisis musical y grabación de la obra) para apoyar la construcción interpretativa de la misma. Seguidamente, se realizó una nueva grabación y entrevista a cada flautista con la intención de averiguar cómo estas referencias podrían haber influenciado sus interpretaciones. Los registros sonoros del semi-experimento fueron entregados a tres evaluadores externos para determinar posibles diferencias entre los dos registros de cada flautista, antes y después de la referencia. Como conclusión de la investigación se observaron resultados positivos en la utilización de referencias en la construcción interpretativa de la pieza, así como la posible influencia del perfil artístico y background de cada flautista en el resultado final.
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Fernando Sor e as transcrições Opus 19 para violão de Seis árias escolhidas de A flauta mágica de Mozart: uma abordagem estético-analítica

Eusiel Silva do Rego 05 October 2012 (has links)
Este trabalho visa abordar conceitos estéticos, musicais e históricos (relacionados à época do Iluminismo) que envolvem as transcrições para violão \"Six Airs Choisis de l\'Opéra de Mozart: \"Il flauto magico, arrangés pour guitare\" Op. 19 do compositor e violonista espanhol Fernando Sor (1778-1839), publicadas entre os anos de 1823 a 1825, em Londres, e baseadas em árias de A flauta mágica k620 (1791) de Mozart. O processo de transcrição empreendido por Fernando Sor exigiu, inclusive por necessidades históricas (aproximadamente 35 anos separam essas obras), uma mudança de concepção da escritura instrumental, pois, para Sor, tratava-se de verter a essência de um pensamento musical concebido no meio operático e apresentá-lo sob o conceito sonoro de um instrumento solo emergente, como foi o caso do violão no final do século XVIII e primeiras décadas do século XIX. Assim, do ponto de vista instrumental, elementos como textura, estilo de acompanhamento e conceito de condução de vozes, para citar apenas alguns aspectos, sofreram mudanças de concepção, resultando muitas vezes quase em uma nova composição e, até mesmo, outra percepção da forma musical, porque, acima de tudo, o elemento dramáticoliterário está ausente. / This paper aims at addressing the aesthetic, musical and historical concepts (related to the Enlightenment) that involve the guitar transcriptions \"Six Airs Choisis de l\'Opéra de Mozart: \"Il flauto magico, arrangés pour guitare\" Op. 19 by Spanish composer and guitarist Fernando Sor (1778-1839), published between the years 1823 to 1825, in London, and based in Mozart\'s Die Zauberflöte k620 (The Magic Flute). The transcription\'s process undertaken by Fernando Sor required, even for historical purposes (the compositions were created 35 years apart), a change in the concept of instrumental writing. For Sor, it was a question of translating the essence of the musical thought conceived in an operatic way and presenting it under a sonorous concept of an emerging, solo instrument as had been the case of the guitar in the late 18th century and in the first decades of the 19th century. From the instrumental perspective, therefore, elements such as texture, style of accompaniment and the voice leading concept, to name but a few, have undergone conceptual changes, often resulting almost in a new composition and even a different perception of the musical form since, above all, the elements of drama and literature are absent.
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Chostakóvitch - discurso e ação. Análise e interpretação da sinfonia nº10 Op. 93 / Shostakovich - Discourse and Action: Analysis and Interpretation of the Symphony no.10 op. 93

Camargo, Luciano de Freitas 26 April 2017 (has links)
Este trabalho apresenta uma reflexão sobre a música do compositor soviético Dmítri Chostakóvitch baseada na análise da Sinfonia nº 10 op. 93. Concluída logo após a morte de Jôsef Stálin, a obra carrega notáveis marcas de seu tempo e sua leitura demanda um cuidadoso estudo das questões relativas à significação musical, em especial uma discussão do conceito de ironia aplicado à música em suas mais diversas manifestações, desde a construção de estruturas musicais expressivas até a disposição de elementos singulares, que requerem uma leitura semiótica. Esta abordagem alinha-se com a perspectiva discursiva que relaciona ironia, intertextualidade e interdiscursividade: o cruzamento de vozes e a confluência de discursos, que constituem elementos fundamentais do conceito de polifonia proposto por Mikhaíl Bakhtín, são identificados aqui como uma chave de leitura capaz de evidenciar, também na música, a ironia como elemento estruturante. A análise da Sinfonia nº 10 a partir dessa perspectiva dá fundamento a novas hipóteses interpretativas e estéticas sobre a obra de Chostakóvitch, evidenciando no texto musical as contradições que surgem no desdobramento analítico do discurso sinfônico e confrontando a crítica histórica da música de Chostakóvitch com uma interpretação semiótica baseada na teoria dos tópicos musicais, desenvolvida a partir das propostas de Leonard Ratner. / The purpose of this work is to present a reflection about the music of the Soviet composer Dmitri Shostakovich based on an analysis of the Symphony no. 10 op. 93. Written immediately after Joseph Stalin\'s death, the symphony carries remarkable traces of its time, and the unfolding of its singularities demands a careful study of musical signification\'s issues, specially a discussion about the concept of irony applied to music in its various manifestations, from the expressive construction of musical structures to the disposition of singular elements. This kind of analysis requires a wide theoretical perspective, which includes a semiotic approach. This analysis is thus aligned with the discursive perspective that relates irony, intertextuality and interdiscursivity: the voice-crossing and discourse confluence, which constitute fundamental elements of Mikhail Bakhtin\'s concept of polyphony, are taken as keys to identify irony as a structural element in music as well. The analysis of the Symphony no. 10 from this perspective grounds new interpretative and aesthetic hypotheses about Shostakovich\'s music, by revealing on the musical text the contradictions which emerge at the level of symphonic discourse, and by confronting the historical criticism of Shostakovich\'s music with a semiotic interpretation based on topic theory proposed after Leonard Ratner.
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Les airs de Sébastien et Charles Le Camus (1653-1708) : catalogue, édition, analyse et interprétation / The airs of Sébastien and Charles Le Camus (1653-1708) : catalogue, edition, analysis and interpretation

Vittu, Mathilde 15 February 2018 (has links)
L’objectif principal de cette étude est de mettre à jour l’œuvre de Sébastien Le Camus († 1677), un nom derrière lequel se cache également celui de son fils, Charles Le Camus († 1717), lui-même compositeur. Les 32 airs connus du père ont été rassemblés dans un recueil d’auteur posthume publié en 1678 à l’initiative du fils. En faisant appel à la métaphore du cercle avec ce recueil au centre, nous parcourons, en périphérie, l’ensemble des sources écrites qui permettaient la diffusion du genre de l’air, sérieux et spirituel, dans la seconde moitié du XVIIe siècle et au début du XVIIIe siècle : les recueils collectifs musicaux et poétiques imprimés chez Ballard, les manuscrits conservés en France et à l’étranger, un roman – Clélie de Madeleine de Scudéry – et un périodique, le Mercure galant. Les 211 airs de Sébastien et Charles Le Camus collectés à ce jour ont été détachés de ces sources pour être maintenant rassemblés dans un catalogue (vol. 3) et dans une édition musicale moderne (vol. 4). La dynastie en miniature amène à s’interroger à la fois sur l’objet « partition » et sur la notion d’auteur, questionnée puis mise au centre de notre étude (vol. 1 et 2). En maniant finement cette notion plastique, nous offrons au musicien et au musicologue une analyse tant du contexte de création des airs que du matériau musical en tant que tel. Cette analyse, qui propose un va-et-vient entre la théorie et la pratique contemporaines de nos auteurs, amène à voir l’air comme un genre en mouvement dont la vie dépend tant de son succès dans les réseaux de sociabilité que de sa faculté à être composé, décomposé et recomposé pour s’adapter aux circonstances de son exécution. / The main goal of this study is to unveil the work of Sébastien Le Camus († 1677), behind whose name one also finds that of his son, Charles Le Camus († 1717), himself a composer. A collection of the father’s 32 known airs was published posthumously in 1678 upon the son’s initiative. By means of a metaphor, where that collection is at the centre of a circle, we navigate on the circle’s periphery through the set of written sources that allowed for diffusion of the genre of the French air, both secular and sacred, in the second half of the 17th century and at the beginning of the 18th century: The collections of airs and song-texts published by Ballard, the manuscripts kept in France and abroad, a novel – Clélie by Madeleine de Scudéry – and a periodical, the Mercure galant. The 211 airs by Sébastien and Charles Le Camus collected to date, extracted from those sources, are now gathered in a catalogue (vol.3) and in a modern music edition (vol.4). The miniature dynasty leads to explore the « score » as an object as well as the notion of author, first questioned and then set at the core of our study (vol.1 and 2). By subtle handling of that flexible notion, we offer to musicians and musicologists an analysis of both the airs’ creation context and the music material itself. This analysis, based on a constant dialogue between the theory and the practice of our authors’ time, leads to viewing the air as a dynamic genre whose life depends on its success within social milieus as much as on its ability to be composed, decomposed and recomposed according to the requirements of its performance context.

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