Syftet med denna självstudie är att utforska på vilka sätt mental träning kan förändra livsvärlden samt minska obehag inför scenframträdanden. Syftet bärs upp av följande forskningsfråga: På vilka sätt förändras livsvärlden genom mental träning inför ett framträdande? Studien utgår från ett livsvärldsperspektiv och metod är loggboksskrivande. Resultatet presenteras med hjälp av teman som: Att öppna medvetandet, Självbildsträning – att tycka om sig själv, Förebilder – att se sig själv, Vad jag vill odla inom mig, Att vara förberedd, Sista förberedelsen och Tiden är inne. Efter resultatet följer en diskussion om vikten av avslappning och en bra självbild samt för- och nackdelar med att använda Fagéus metod i mental träning. Arbetet avslutas med att frågan om dess betydelse vidrörs samt möjligheter till framtida forskning. / The purpose of this study is to explore the ways mental training can alter my life-world and reduce the discomfort I experience during stage performances. The study is supported by the following research question: In which ways does my life-world change through the use of mental training before a performance? The study is based on a life-world perspective and the method for the study is logbook writing. The result is presented by following themes: Opening minds, Self-image Training – enjoying myself, Role models – to see myself, What I want to grow within me, Being prepared, Final preparation and The time has come. After the result follow a discussion of the importance of relaxation and a good self-image, I also discuss the advantages and disadvantages of using Fagéus method of mental training. The work concludes with the questions of the importance of this study and the opportunities for future research.

Syftet med arbetet är att undersöka en sångares kroppsliga gestaltning av ett musikstycke vid musikaliskt framträdande. Detta har undersökts genom videofilmning av framträdanden, och analyser av dessa med fokus på kroppsliga uttryck. Till detta har loggbok förts över tankar och händelser från framträdandena. I analysen av framträdandena har som teoretiskt perspektiv ett multimodalt designteoretiskt perspektiv använts. I resultatet presenteras hur olika resurser används, hur dessa resurser samspelar och hur de påverkar varandra. Det framkommer att den kroppsliga gestiken har två huvuduppgifter vid framträdanden, dels att vara stödjande för sångtekniken samt uttrycka och gestalta ett budskap. Det framkommer också att inre visuella bilder används, dels för att gestalta och förmedla ett budskap. I diskussionen diskuteras olika förutsättningar för framträdanden utifrån det designteoretiska perspektivet och den tidigare forskning som tagits upp i bakgrundskapitlet. / The purpose of this study is to examine the singer’s physical disposition when performing a piece of music. This has been investigated by video documented performances and analysis with a focus on bodily expressions. To transfer the thoughts and events from the different performances, I have used a logbook. The multi-modal design theory perspective has been used as a theoretical perspective in the analysis of the performances. The result shows how the various resources are used and how these resources interact and how they affect each other. The bodily gestures have two main tasks during the performances: to be supportive of vocal technique and to express and portray a message. Results emerge indicating that the internal visual images are used to partly portray and convey a message. In the discussion chapter different aspects for the performance are discussed based on the design theoretical perspective and the previous research raised in the background chapter.

A Ansiedade de Performance Musical (APM) é considerada uma condição caracterizada por apreensão persistente e intensa diante da apresentação musical pública, desproporcional ao nível de aptidão, treino e preparo do músico. Os sintomas ocorrem em uma escala de gravidade contínua que em seu extremo afeta a aptidão musical devido a sintomas ao nível físico, comportamental e cognitivo, além de déficits no processamento cognitivo e cognição social, em especial na capacidade de reconhecimento de expressões faciais de emoção (REFE). Assim, intervenções que possam corrigir esses vieses com eficácia são necessárias. Nesse sentido, os objetivos dos estudos que compõem esta tese são: a) avaliar o REFE em músicos com diferentes níveis de APM; b) realizar uma revisão sistemática da literatura de forma a trazer evidências sobre os efeitos das substâncias ansiolíticas no REFE em indivíduos saudáveis; e c) conduzir um ensaio clínico, cross over, randomizado, duplo cego e controlado por placebo para testar o efeito da OCT em músicos com alto/baixo nível de APM no REFE, nos indicadores de humor/ansiedade e na cognição negativa. Método: Para se atender ao objetivo realizou-se um estudoobservacional, transversal, com 150 músicos de ambos os sexos, de diferentes estilos musicais, os quais realizaram uma tarefa de REFE, após serem classificados quanto aos níveis de APM.Para atender-se o segundo objetivo conduziu-se uma revisão sistemática da literatura seguindo-se as diretrizes do PRISMA e do Cochrane Handbook for SystematicReviewsofInterventions. Por fim, para alcançar o terceiro objetivo, 43 músicos do sexo masculino, de diferentes estilos musicais participaram de um ensaio clínico, randomizado, cross over, controlado por placebo, no qual testou-se a eficácia de 24UI de OCT intranasal. Resultados:Os resultados evidenciaram que os músicos com altos níveis de APM apresentam um prejuízo global no REFE, expresso, sobretudo pela dificuldade no reconhecimento adequado da emoção alegria, a qual está associada aos sinais de aprovação social. A revisão da literatura evidenciou que poucas substâncias foram testadas até momento, e que as alterações no REFE foram específicas e dependentes do mecanismo de ação da substância no sistema nervoso central, dose e forma de administração. O ensaio clínico apontou uma melhora no reconhecimento da emoção alegria,somente em músicos com altos níveis de APM, após o uso agudo da OCT. Conclusão:O REFE mostrou-se alterado de forma específica em músicos com altos níveis de APM, os quais podem ser corrigidos através do uso da OCT intranasal, a qual desponta como uma substância promissora para o uso clínico / Musical Performance Anxiety (MPA) is considered a condition characterized by persistent and intense apprehension in circumstances involving public musical presentation, disproportionate to the musician\'s aptitude level, training and preparation. The symptoms occur on a continuous severity scale that affects, at its extreme, the musical aptitude due to symptoms at the physical, behavioral and cognitive levels, as well as interfering with cognitive processing and social cognition, especially in the facial emotion recognition (FER) ability. Thus, interventions that can effectively correct these deviances are necessary. Therefore, the aims of the studies that compose this thesis are: a) to analyze the (FER) in musicians with different levels of MPA; b) to carry out a systematic review of the literature in order to present evidence about the effects of anxiolytic substances on FER in healthy individuals; c) to conduct a randomized, double-blind, placebo-controlled, cross-over clinical trial to test the OT effect on musicians with high/low MPA level in FER, mood/anxiety indicators and negative cognition. Methods: To achieve the first aim of this study, a cross-sectional, observational study was conducted with 150 musicians of both sexes, of different musical styles, who performed a FER task, after being classified according to the MPA levels. As for the second aim, a systematic literature review was carried out in accordance with the PRISMA guidelines and the Cochrane Handbook for Systematic Reviews of Interventions. Finally, for the third aim, 43 male musicians of different musical styles have participated in a randomized, placebo-controlled, cross-over clinical trial in which the 24UI of intranasal OT efficiency was tested. Results: The results showed that musicians with high levels of MPA present a global impairment in FER, expressed mainly by the difficulty in the appropriate recognition of the emotion of joy, which is associated with signs of social approval. The review of the literature showed that few substances have been tested so far, and that the changes in FER were specific and dependent on the substance mechanism of action in the central nervous system, dose and form of administration. The clinical trial presented an improvement in the recognition of the emotion of joy, only in musicians with high levels of MPA, after the OT acute use. Conclusion: The FER was specifically altered in musicians with high levels of MPA, which can be corrected with the use of intranasal OT, which appears as a promising substance for clinical use

Esta tese é parte integrante do trabalho de doutorado em Performance Musical com especialização em Regência Coral do Programa de Pós-graduação em Música da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. Durante os quatro anos de doutorado foram realizados concertos, ensaios e atividades práticas desenvolvidas simultaneamente à escrita deste texto que discute questões referentes à prática de um performer. Nosso objeto central é a relação entre a escrita musical e a interpretação. Buscamos compreender, como intérpretes, quais são os espaços criativos e seus limites dentro de uma obra musical. Para isso, utilizamos a obra coral do compositor brasileiro Osvaldo Lacerda, conhecido por sua escrita rigorosa e bastante indicativa. Após uma reflexão sobre os conflitos existentes entre composição e interpretação, fizemos uma análise geral da escrita composicional de Lacerda buscando encontrar os espaços para a criatividade do intérprete. Em seguida, analisamos com profundidade quatro composições de Osvaldo Lacerda: Automação, Romaria, A Primeira Missa e o Papagaio e o movimento Uníssono da obra Quatro Estudos para Coro. As obras analisadas foram performatizadas durante o período de doutorado junto ao Coro de Câmara Comunicantus e pudemos formar, experimentar e consolidar nossas concepções interpretativas, as quais comentamos e justificamos ao longo do texto. Por fim, apontamos para algumas respostas sobre o espaço criativo na performance de uma obra extremamente indicativa e sobre a responsabilidade do intérprete diante da partitura. / This thesis is part of the doctoral work in Musical Performance with specialization in Choral Conducting for the Post-Graduation Program in Music of the Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. During the four doctoral years, concerts, rehearsals and practices were undertaken simultaneously with the writing of this text which discusses questions regarding the practice of a performer. Our main object is the relationship between musical writing and performance. As interpreters, we seek to understand what the creative spaces and their limits within a work of music are. In order to do this, the choral work of the Brazilian composer Osvaldo Lacerda - known for his rigorous and rather indicative writing - was used. After a reflection on the conflicts between composition and interpretation, a general critical analysis of the compositional writing of Lacerda was carried out to identify the spaces for the creativity of the interpreter. Next, an in-depth analysis was carried out on four compositions by Osvaldo Lacerda: Automação, Romaria, and O Papagaio and the movement Uníssono of the work Quatro Estudos para Coro. The analyzed works were presented during the doctoral period together with the Chamber Choir Comunicantus and we could form, test and consolidate our interpretative conceptualizations, as is commented and justified throughout the text. Lastly, we point to some answers regarding the creative space in the performance of an extremely indicative piece and about the responsibility of the interpreter to the sheet music.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-05-08T11:33:30Z No. of bitstreams: 1 Flavia Albano de Lima.pdf: 58523197 bytes, checksum: 8acc848649032154e8acf972840779b1 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-08T11:33:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Flavia Albano de Lima.pdf: 58523197 bytes, checksum: 8acc848649032154e8acf972840779b1 (MD5) Previous issue date: 2017-04-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This research was born from reflections that are related to the teaching of music, to its practice, to interdisciplinarity applied to Education and, more specifically, to that employed in undergraduate courses of Music in Brazil. Ambiguity was thought as a metaphor for this research, quite present in the professional trajectory of the ones Who wish to act both in the teaching ofmusic and in musical performance. The issues that have led to its implementation have given rise to the following issues: 1- How to reconcile the musical education received in the undergraduate courses of music that, in the great majority of cases, contemplate subjects directed to the learning of the musical language (pedagogical technicism), with a professional performance that extends not only for the performance but for the teaching? 2- Considering the courses and curricular bases for undergraduate courses in music, how to adapt the curricula ofthese courses in music to an interdisciplinary pedagogy, which would be able to attend, on equal terms, both the exercise ofteaching and the learning ofthe musical language? These issues have motivated the need to review the researcher's artistic performance, the musical education she has obtained and her role as coordinator and music teacher in the Music Education Course at "Grupo Educacional UNIESP". The aim of this research is focused on the Music Licensing Courses, in order to evaluate its mnction and usefulness for society and education. In order to do so, the regulations that govern these courses were analysed and testimonials from teachers were evaluated. The literature review has included texts by researchers from Education, Music Education and Interdisciplinarity. This research brings to the Academy, reflections on the importance of adopting thoughts and interdisciplinary measures in these courses as a possibility to assist music teachers both in their daily activities and in the research they produce, as well as remodeling their Educational standards. The theoretical line followed was that of a case study, with a visible bibliographical and documentary component. In addition to the Introduction and Final Considerations the thesis presents five chapters containing theoretical framework, current regulations in Education, issues on the teaching of Undergraduate courses in Music, the concept of curriculum, Interdisciplinarity, and a detailed analysis of the Undergraduate Music Course of "Grupo Educacional UNIESP / Esta pesquisa nasce de reflexões que intermedeiam o ensino musical, a prática musical, a interdisciplinaridade aplicada à Educação e, mais especificamente, aquela empregada nos Cursos de Licenciatura em Música no Brasil. Foi pensado como metáfora da pesquisa, a ambiguidade, bastante presente na trajetória profissional daquele que deseja atuar tanto na docência musical como na performance musical. As problemáticas que motivaram sua realização deram origem as seguintes questões: 1- Como conciliar a formação musical recebida nos cursos superiores de música que contemplam, em maior parte, disciplinas voltadas para o aprendizado da linguagem musical (tecnicismo pedagógico), com um desempenho profissional que se estende tanto para a performance como para a docência? 2- Considerando os ordenamentos e bases curriculares para os cursos de licenciatura em música, como adequar os currículos das licenciaturas em música à uma pedagogia interdisciplinar, sendo, capaz de atender em igualdade de condições tanto o exercício da docência como o aprendizado da linguagem musical? Essas questões motivaram a necessidade de rever a atuação artística da pesquisadora, a formação musical obtida e sua função como coordenadora e professora de música no Curso de Licenciatura em Música do Grupo Educacional UNIESP, que se configurou como um estudo de caso. O objeto da pesquisa concentrou-se nos Cursos de Licenciatura em Música, com o intuito de avaliar a sua função e utilidade sentido na Sociedade e na Educação. Para tanto foram consultados os ordenamentos que regem esses cursos, tomados depoimentos de professores que atuam no Curso de Licenciatura em Música avaliado. O levantamento bibliográfico contou com textos de pesquisadores da Educação, Educação Musical e Interdisciplinaridade. A pesquisa traz para a Academia, reflexões sobre a importância de se adotar pensamentos e medidas interdisciplinares nos cursos de licenciatura em música como possibilidade de auxiliar os docentes de música tanto em suas atividades diárias, como nas pesquisas que venham a produzir, bem como, remodelar padrões educacionais engessados. Trata-se de um estudo de caso, com visível componente bibliográfico e documental. Além da Introdução e Considerações Finais, a tese apresenta 5 capítulos contendo referencial teórico, ordenamentos vigentes na Educação e nas Licenciaturas, o conceito de currículo, de interdisciplinaridade, e a análise detalhada do Curso de Licenciatura em Música do Grupo Educacional UNIESP

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:15:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 O Violao na Era do Disco.pdf: 1552859 bytes, checksum: 0a6e9bc8f1e3dda79176cc3c97f8225c (MD5) Previous issue date: 2006-03-13 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This thesis shows how the classical guitar canon is a phenomenon of the twentieth century in contrast, for example, with the piano, violin and orchestral repertoires, whose canons had been formed step by step since the end of the eighteenth century and dependent as such on the criteria fixed by its interpreters through the medium of sound recording. The project highlights especially, the Age of LPs (1950-90) as the central part of a process where the act of listening to recordings seems to be as important as the edition of music scores. So, for the guitar, the writing is also a sound, and the music is primarily the musicians. Therefore, there are important analogies between the ascension and stabilization of the instrument in the international concert scene and the conceptual development of the recordings, which moves from the Recital LP , simulacrum of live performance, to the Art Work LP , influenced by the historically informed performance and constituting a kind of sound simulacrum of the edited music score. Two important artists who contributed to this process are studied here: Andrés Segovia (1893-1987) and mainly Julian Bream (1933), whose wide phonographic work, released during the second half of the twentieth century, has been analyzed in contrast with the recordings made by Segovia in the first half of the century. Taking that into consideration, authors such as Dahlhaus, Adorno, Lotman, Said and especially Bloom provide decisive conceptual tools for the thesis. Based on this theoretical approach, our study of Juliam Bream s discography has been divided into three moments: the poetical origins (the swerving from Segovia); the middle period (constitution of an independent voice); and the late phase ( misreading of the precursor). The thesis also includes a detailed research of the recordings made by both interpreters and it restores the original context of their albums / Esta tese procura mostrar como ao contrário, por exemplo, dos repertórios pianístico, violinístico e orquestral, cujos cânones formaram-se pouco a pouco desde finais do século XVIII o cânone do violão clássico é um fenômeno do século XX e, como tal, bastante dependente de critérios sonoros fixados por seus intérpretes através de gravações. Em especial, o trabalho destaca a Era dos LPs (aproximadamente 1950-90) como centro de um processo no qual a escuta de discos parece ser ao menos tão importante quanto a edição de partituras. Assim, para o violão, a escrita é também som, e as músicas são antes de tudo os músicos. Há, portanto, fortes analogias entre o processo de ascensão e estabilização do instrumento no cenário internacional de concertos e o desenvolvimento conceitual do disco, que caminha do LP Recital , simulacro da performance ao vivo, para o LP Obra , influenciado pela performance historicamente informada e espécie de simulacro sonoro da partitura editada. Dois artistas centrais para esse processo são estudados no trabalho: o espanhol Andrés Segovia (1893-1987) e sobretudo o inglês Julian Bream (1933), cuja larga obra fonográfica lançada durante a segunda metade do século XX analisamos contra o pano de fundo das gravações realizadas por Segovia na primeira metade do século. Para tanto, autores como Dahlhaus, Adorno, Lotman, Said e especialmente Bloom fornecem ferramentas conceituais decisivas para a fundamentação teórica da pesquisa. A partir desses pressupostos, dividimos nosso estudo crítico da discografia de Julian Bream em três momentos: as origens poéticas, onde predomina o desvio em relação a Segovia; o período médio, caracterizado pela constituição de uma voz própria independente; e a fase de maturidade, onde ocorre a desleitura do precursor. Nesse percurso, o trabalho realiza também um minucioso levantamento das gravações dos dois intérpretes e recupera o contexto original de seus discos

This work explores the everyday uses of rock music by women rock musicians, fans and DJs (amateurs), in a specific place (Portugal) and time (1990s-2014). Drawing on the work in the two main fields of music sociology and gender studies and its performative perspective to both gender and music (but also taking contributions from techno-feminist studies, science and technology studies, sociology of work, leisure and sports), this research takes a ‘music-in-action’ approach. This approach understands music as a social activity, as a network of connections between people, materials, discourses and activities. Rock music is best understood as a genre-in-action (not just as a semiotic text or reflection), as socio-material practice, in its collective, relational, performative, situated contexts of use - as rock musicking. As such, there are socio-material processes that constrain and enable women (as a minority group) doing and being in a masculinist rock music world. Taking a ‘mutual shaping’ approach to genre and gender, this research also takes into account how people use aesthetic materials in the processes of performative gendered identity making and relationship with others, as well as world building. The data consists of sixty in-depth interviews with Portuguese rockers (between 2012 and 2014), and supplementary field observations and follow-up interviews. The research found that girls and women’s musical opportunities are more restricted, but that they are also actively negotiated. Parental support and the presence of rock fathers in early years, as well as participation in male networks – whether or not a woman is romantically involved with ‘one of the boys’ – throughout the life course are pathways into rock musicking, as documented in other studies. Adding to the literature, this research highlights how not only in early years, but throughout the life course, rock musicking practices are dependent upon specific aesthetic (musical and visual) gender performances. From female masculinity to alternative femininities, rock music and its visual and material cultures are ‘active ingredients’ in doing and undoing gender. In Portugal, the absence of a strong riot grrrl movement and the lack of female/feminist networks, turns membership in male bands the norm. Consequently, either the “girl in the band’ or girl/female bands have to deal with their ‘novelty’ value. These rockers negotiate the labels of riot grrrl, feminist and grunge within a ‘girl power’ discourse, but mostly, struggling not to let their musical skills and value be obscured by their sex/ualization – developing high standards of musicianship, managing on-stage bodily disclosure, naming and praising their peers, aligning with an Anglo-Saxon rock female canon, but also othering female fans. In male bands, due to male skill ascription, women are segregated into traditional female musical roles, the singer, the bass player. On the other hand, women drummers get token value. At the expenses of instrument specialization, women undertake multi-instrumental pathways. Becoming musical agile selves and re-valuing (traditionally female) musical roles, playing conventions and body techniques. Women also appropriate mixers to spread their love for rock music. These women creatively expand rock music’s material culture, crafting it with clothes, acessories and even food. For rockers who are mothers, rock musicking becomes a technology of mothering. Taking Portuguese women rockers and their socio-musical practices, at both the everyday level and on the “spectacular” rock stage, this research adds to the international and growing body of work on gender and (rock) music across different disciplinary fields (sociology, popular music studies, feminist studies). It extends the traditional focus within popular music scholarship on Anglo-American rock culture, feminist mo(ve)ments, and subcultures, to place emphasis instead on an age group and place that has otherwise been overlooked.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ARTIGO FINAL - Ricardo Rosembergue.pdf: 1546157 bytes, checksum: 1e6c96e6efa16325f1f9490114d77c2c (MD5) Previous issue date: 2012-03-31 / This paper discusses the musician's dystonia and its relationship to performance on wind instruments. The work presents from the literature review on the subject the concept of dystonia, as well as the musician's focal dystonia of its main causes and symptoms related to instrumental practice and lists possible ways of prevention based on the aspects of preparation and holding of musical performance and situations related to the theme. The survey data were obtained through consultation with professional musicians in the city of Goiania. The results revealed several meanings of musical practice and overuse, health problems related to performance anxiety and musical performance and still making music that can overcome the physical and mental limits of the performer. Due to the incidence of psychophysical problems in musicians, undertook a discussion about the possibility of developing disorders in brass and it was concluded that the musical performance can generate states of illness and development of disorders such as focal dystonia of the musician. It was recommended a few precautions to be taken as preventive measures for occupational illness. / O presente trabalho discute a distonia focal do músico e sua relação com a performance em instrumentos de sopro. O trabalho apresenta a partir da revisão de literatura sobre o tema o conceito de distonia, bem como o de distonia focal do músico suas principais causas e sintomas relacionados com a prática instrumental e elenca possíveis caminhos de prevenção com base nos aspectos de preparação e realização da performance musical e situações relacionadas ao tema. Os dados da pesquisa foram obtidos por meio de consultas a músicos profissionais na cidade de Goiânia. Os resultados obtidos revelaram diversas significações sobre prática musical e sobreuso, problemas de saúde relacionados à performance musical e ansiedade na performance e ainda que o fazer musical pode ultrapassar os limites físicos e mentais do performer. Devido à incidência de problemas psicofísicos em músicos, empreendeu-se uma discussão sobre a possibilidade de desenvolvimento de distúrbios em instrumentistas de sopro e concluiu-se que a performance musical pode gerar estados de adoecimento e desenvolvimento de distúrbios como a distonia focal do músico. Recomendou-se alguns cuidados a serem tomados como medidas preventivas de adoecimento ocupacional.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Artigo - Mestrado UFG - KAMINSKI.pdf: 1811459 bytes, checksum: bbbd1d2e408d2284e4bf7b52161a4530 (MD5) Previous issue date: 2012-04-03 / This paper presents the preparation and planning for the performance of a piece for solo guitar. For this purpose, the guitarist used pre-selected teaching and instrumental materials over the course this investigation. The criteria used to choose the piece were that it should reflect the technical and musical aspects of the repertoire commonly involved in academic training of guitar students. The piece Homenagem a Villa-Lobos op.46 by the composer Marlos Nobre was chosen. The preparation of this piece was divided into four stages: 1) Definition of goals and objectives; 2) scheduling, planning the construction of the performance ; 3) Choice of the fingering; 4) Solution of motor difficulties; 5) musical memorization. The accomplishment of these steps in this investigation was based on the theoretical references chosen. This end-of-course article is divided into two main parts. The first part contains materials from the literature search and selected during the research. Finally, a report about the preparation of the musical work was prepared, in which the steps and processes of choices are described on the basis of the previously established literature for the preparation of an instrumental work. / Este trabalho apresenta a preparação e planejamento da performance em uma obra para violão solo. Para isso, o violonista utilizou materiais didáticos e instrumentais previamente estabelecidos, no decorrer da presente investigação. Os critérios utilizados para a escolha da obra foram de que esta deveria refletir aspectos técnicos e musicais do repertório comumente abordados na formação acadêmica dos estudantes de violão. Para isso foi eleita a Homenagem a Villa-Lobos op.46 do compositor Marlos Nobre. Para a realização do processo de preparação da peça musical em questão, foram escolhidas algumas etapas que nortearam a presente investigação, dentre elas: 1) definição de metas e objetivos; 2) agendamento, planejamento da construção da performance; 3) escolha das digitações; 4) resolução das dificuldades motoras; 5) memorização musical. A realização dessas etapas na presente investigação foram subsidiadas pelos referenciais teóricos escolhidos. Este artigo de conclusão de curso está dividido em duas partes principais. Na parte inicial são apresentados os materiais extraídos e selecionados durante pesquisa bibliográfica. Por último, há um relatório sobre a preparação da obra musical, na qual estão discriminadas as etapas e processos de escolhas acerca da literatura previamente estabelecida.

Esta tese é parte integrante do trabalho de doutorado em Performance Musical com especialização em Regência Coral do Programa de Pós-graduação em Música da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. Durante os quatro anos de doutorado foram realizados concertos, ensaios e atividades práticas desenvolvidas simultaneamente à escrita deste texto que discute questões referentes à prática de um performer. Nosso objeto central é a relação entre a escrita musical e a interpretação. Buscamos compreender, como intérpretes, quais são os espaços criativos e seus limites dentro de uma obra musical. Para isso, utilizamos a obra coral do compositor brasileiro Osvaldo Lacerda, conhecido por sua escrita rigorosa e bastante indicativa. Após uma reflexão sobre os conflitos existentes entre composição e interpretação, fizemos uma análise geral da escrita composicional de Lacerda buscando encontrar os espaços para a criatividade do intérprete. Em seguida, analisamos com profundidade quatro composições de Osvaldo Lacerda: Automação, Romaria, A Primeira Missa e o Papagaio e o movimento Uníssono da obra Quatro Estudos para Coro. As obras analisadas foram performatizadas durante o período de doutorado junto ao Coro de Câmara Comunicantus e pudemos formar, experimentar e consolidar nossas concepções interpretativas, as quais comentamos e justificamos ao longo do texto. Por fim, apontamos para algumas respostas sobre o espaço criativo na performance de uma obra extremamente indicativa e sobre a responsabilidade do intérprete diante da partitura. / This thesis is part of the doctoral work in Musical Performance with specialization in Choral Conducting for the Post-Graduation Program in Music of the Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. During the four doctoral years, concerts, rehearsals and practices were undertaken simultaneously with the writing of this text which discusses questions regarding the practice of a performer. Our main object is the relationship between musical writing and performance. As interpreters, we seek to understand what the creative spaces and their limits within a work of music are. In order to do this, the choral work of the Brazilian composer Osvaldo Lacerda - known for his rigorous and rather indicative writing - was used. After a reflection on the conflicts between composition and interpretation, a general critical analysis of the compositional writing of Lacerda was carried out to identify the spaces for the creativity of the interpreter. Next, an in-depth analysis was carried out on four compositions by Osvaldo Lacerda: Automação, Romaria, and O Papagaio and the movement Uníssono of the work Quatro Estudos para Coro. The analyzed works were presented during the doctoral period together with the Chamber Choir Comunicantus and we could form, test and consolidate our interpretative conceptualizations, as is commented and justified throughout the text. Lastly, we point to some answers regarding the creative space in the performance of an extremely indicative piece and about the responsibility of the interpreter to the sheet music.