By using the scientific essay and modern hermeneutic understanding as method the essay Musical performance, a space of magic examines the mental and physical room for musical performance. The focus is, as the title reveals, the sense of a higher state of interconnection which can occur between the performing artist and audience. The essay examines the musical performance as a collective act; seeing both the performer and the audience's as maneuvering actors in the room. The performance is understood as an act together. The theoretical reflection of this scientific essay is largely based on the concept of play defined by Johan Huizinga. For an understanding of knowledge in action, practical knowledge, the essay investigate the concept of fronesis defined by Aristotle. For an understanding of collective knowledge about sensory experience, the essay search understanding in Jonna Bornemark's thoughts on a concept of judgment understood as a framework for quality built from within a practice by its actors. The essay also discusses John Dewey's thoughts on the creative process and collects experience from literature on improvisational music. The essay contributes from a hermeneutic understanding with an experience based reflection and offer the reader a ground for continued scientific reflection on professional knowledge in music performance. / Musikframförandets magiska rum – Ett rum för handling tillsammans bortom vardaglig verklighet är en vetenskaplig essä vilken undersöker rummet kring det musikaliska framförandet. Fokus är som titeln avslöjar den känsla av högre sammanlänkning bortom verklighet vilken kan infinna sig i mötet mellan utövare och publik.    Essäns syfte är att undersöka handlingsutrymmet i detta mentala mötesrum utifrån skeenden i fysiska rum för framförande. Uppsatsen undersöker scenframförandet som en kollektiv, kreativ handling innefattande både den utövande artistens handlande och publikens handlande i rummet. Utifrån denna position förstås framförandet som ett handlande tillsammans. Essäns teoretiska reflektion utgår till stor del från begreppet lek definierat av Johan Huizinga. För förståelse av kunskap i handling, praktisk kunskap går uppsatsen till Aristoteles och hans begrepp fronesis, praktisk klokhet. För förståelse av kollektiva tankar om sinnlig erfarenhet undersöker essän sin gestaltning utifrån Jonna Bornemarks tankar om ett omdömesbegrepp förstått som ett ramverk för förståelse av kvalitet byggt inifrån en praktik. Essän diskuterar även John Deweys tankar om den kreativa processen som ett parallellt görande och genomgående samt hämtar erfarenhetsstoff ur litteratur om improvisationsmusik. Essäns metod är dels den vetenskapliga essän som skrivform i sig. Ett dialektiska pendlande mellan erfarenhetsbaserat och teoretiskt understött reflekterande. Reflektionen utgår i grunden från modern hermeneutisk filosofi och dess syn på förståelse som sammansmältningar av förståelsehorisonter vilket sker genom framläggning och främmandegörande av tidigare förståelse. Essän bidrar ur hermeneutisk förståelse med sin framläggning som en möjlig främmandegörare av förståelse och avser att bidra med en erfarenhetsreflektion i fortsatt vetenskaplig reflektion kring yrkeskunskap inom musikframförande.

Esse trabalho apresenta um auto-relato da construção da performance da obra Changes (1983) para violão de Elliott Carter, com uma análise estrutural e sua relação com as dificuldades encontradas ao longo do processo de estudo. Foram utilizadas estratégias de estudo já conhecidas e novas foram criadas à medida do necessário. O trabalho oferece um plano para o estudo rítmico da peça, propondo exercícios direcionados para as dificuldades encontradas, as quais se relacionaram principalmente com as configurações de quiálteras de cinco e com as modulações métricas. A identificação de personagens musicais foi fundamental para a construção da interpretação de Changes. A sistematização do plano de estudo apresentado assim como as estratégias criadas poderão auxiliar a preparação dessa e outras obras. / This work presents a self-report concerning the construction of the performance of Changes (1983) for guitar, by Elliot Carter, with a structural analysis and its relationship towards the difficulties encountered during its preparation. Well-known learning strategies were applied and new ones were created when necessary. A plan for the study of the rhythmic complexities of the piece was elaborated with exercises that address the difficulties encountered, especially those pertaining to the quintuplets and metric modulation. The identification of musical characters was fundamental for the construction of the interpretation of the piece. The system organized as the study plan, as well as the learning strategies developed may help others in the preparation of this and other works.

Submitted by Luciana Sebin (lusebin@ufscar.br) on 2016-09-23T13:43:18Z No. of bitstreams: 1 DissGGSA.pdf: 3021689 bytes, checksum: c8346bc90401bda90c88dc8c5d187607 (MD5) / Approved for entry into archive by Marina Freitas (marinapf@ufscar.br) on 2016-09-27T19:23:07Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DissGGSA.pdf: 3021689 bytes, checksum: c8346bc90401bda90c88dc8c5d187607 (MD5) / Approved for entry into archive by Marina Freitas (marinapf@ufscar.br) on 2016-09-27T19:23:13Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DissGGSA.pdf: 3021689 bytes, checksum: c8346bc90401bda90c88dc8c5d187607 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-27T19:23:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DissGGSA.pdf: 3021689 bytes, checksum: c8346bc90401bda90c88dc8c5d187607 (MD5) Previous issue date: 2015-09-28 / Não recebi financiamento / This dissertation aims to analyze the documentary Nelson Freire seeking to explore the main aspects that distinguish this work from most of the musical documentaries made in Brazil between the years of 2000 and 2013. The peculiarities of Nelson Freire were detected and problematized establishing a dialogue between the film and three of the major trends that integrate the contemporary Brazilian scene of documentaries about music: the trend of record of intimacy and the everyday life, the trend of musical performance, and the biographical trend. / Esta dissertação pretende analisar o documentário Nelson Freire buscando explorar os principais aspectos que diferenciam esta obra de grande parte dos documentários musicais realizados no país entre os anos de 2000 e 2013. As peculiaridades de Nelson Freire foram localizadas e problematizadas a partir do diálogo estabelecido entre o filme e três das principais tendências que compõe o cenário brasileiro contemporâneo dos documentários sobre música: a tendência do registro da intimidade e do cotidiano, a tendência da performance musical, e a tendência biográfica.

Esse trabalho apresenta um auto-relato da construção da performance da obra Changes (1983) para violão de Elliott Carter, com uma análise estrutural e sua relação com as dificuldades encontradas ao longo do processo de estudo. Foram utilizadas estratégias de estudo já conhecidas e novas foram criadas à medida do necessário. O trabalho oferece um plano para o estudo rítmico da peça, propondo exercícios direcionados para as dificuldades encontradas, as quais se relacionaram principalmente com as configurações de quiálteras de cinco e com as modulações métricas. A identificação de personagens musicais foi fundamental para a construção da interpretação de Changes. A sistematização do plano de estudo apresentado assim como as estratégias criadas poderão auxiliar a preparação dessa e outras obras. / This work presents a self-report concerning the construction of the performance of Changes (1983) for guitar, by Elliot Carter, with a structural analysis and its relationship towards the difficulties encountered during its preparation. Well-known learning strategies were applied and new ones were created when necessary. A plan for the study of the rhythmic complexities of the piece was elaborated with exercises that address the difficulties encountered, especially those pertaining to the quintuplets and metric modulation. The identification of musical characters was fundamental for the construction of the interpretation of the piece. The system organized as the study plan, as well as the learning strategies developed may help others in the preparation of this and other works.

Submitted by MAURO DOMENECH (mdomenech@ig.com.br) on 2018-09-28T00:31:10Z No. of bitstreams: 1 cópia de Dissertação Completa.pdf: 122313941 bytes, checksum: 9864e0889ff3f919e9002acc5fb49be6 (MD5) / Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2018-09-28T19:45:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 domenech_m_me_ia.pdf: 122293232 bytes, checksum: f053ca18b8c07324cb4ac8add6fdbff1 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-28T19:45:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 domenech_m_me_ia.pdf: 122293232 bytes, checksum: f053ca18b8c07324cb4ac8add6fdbff1 (MD5) Previous issue date: 2018-07-30 / Este trabalho discute a música de câmara na formação do músico profissional, seus aspectos pedagógicos, a escolha e adaptação de seu repertório. Apresenta a prática da música de câmara como parte fundamental na formação do músico (instrumentista/cantor), com suas peculiaridades e características na educação musical, especialmente em relação à interpretação musical, às práticas de conjunto e à preparação para a performance. A metodologia consistiu em um estudo de caso de uma instituição de ensino profissionalizante representativa nacionalmente, situada na cidade de São Paulo, a Escola Municipal de Música de São Paulo – EMMSP, onde o pesquisador é professor de música de câmara. Envolveu coleta de dados de fontes disponíveis online e publicações, com aplicação do método teórico-reflexivo, implicando em revisão de literatura e estudo da estrutura pedagógica relacionada à disciplina música de câmara. O trabalho está organizado em três partes. Na primeira, apresenta-se uma revisão de literatura, discutindo o estado atual da questão no meio acadêmico. Na segunda, parte discute-se a função pedagógica da música de câmara enquanto disciplina na escola de formação profissional e faz-se uma proposta de metodologia para esta disciplina. Na terceira, discute-se a escolha e adaptação do repertório didaticamente orientado à disciplina, a disponibilidade de partituras e aplicabilidade da transcrição na adequação deste repertório em função da realidade cotidiana do professor. / This work discusses chamber music in the development of the professional musician, its pedagogical aspects and the choice and adaptation of its repertoire. The study presents the practice of chamber music as a fundamental part in the musician’s training (instrumentalist/singer) as well as its peculiarities and characteristics in musical education, especially as relative to musical interpretation, group practice and the preparation for performance. The methodology consists of a case study of a representative vocational training institution, located in the city of São Paulo, the Municipal School of Music of São Paulo – EMMSP, where the author of this study is a chamber music teacher. The research involved the collection of data from online sources and printed material, with application of the theoretical-reflexive method involving literature review and study of the pedagogical structure as related to the chamber music class. The work is organized in three parts. The first presents a literature review and a discussion of the state of the art in the academic environment. The second discusses the pedagogical function of chamber music as a discipline in the curriculum of the school and the proposed methodology in the class. The third discusses the choice and adaptation of the repertoire for use in the class, the availability of scores and the applicability of transcription for use in the daily routine of the teacher.

Esse trabalho apresenta um auto-relato da construção da performance da obra Changes (1983) para violão de Elliott Carter, com uma análise estrutural e sua relação com as dificuldades encontradas ao longo do processo de estudo. Foram utilizadas estratégias de estudo já conhecidas e novas foram criadas à medida do necessário. O trabalho oferece um plano para o estudo rítmico da peça, propondo exercícios direcionados para as dificuldades encontradas, as quais se relacionaram principalmente com as configurações de quiálteras de cinco e com as modulações métricas. A identificação de personagens musicais foi fundamental para a construção da interpretação de Changes. A sistematização do plano de estudo apresentado assim como as estratégias criadas poderão auxiliar a preparação dessa e outras obras. / This work presents a self-report concerning the construction of the performance of Changes (1983) for guitar, by Elliot Carter, with a structural analysis and its relationship towards the difficulties encountered during its preparation. Well-known learning strategies were applied and new ones were created when necessary. A plan for the study of the rhythmic complexities of the piece was elaborated with exercises that address the difficulties encountered, especially those pertaining to the quintuplets and metric modulation. The identification of musical characters was fundamental for the construction of the interpretation of the piece. The system organized as the study plan, as well as the learning strategies developed may help others in the preparation of this and other works.

Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2015-01-27T14:27:54Z No. of bitstreams: 4 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (1).pdf: 18748213 bytes, checksum: 0ec6968228794598f5856e4303624fa9 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (2).pdf: 18823898 bytes, checksum: 9d5dbcc6d89d10d50e2fad8f78130178 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (3).pdf: 7540917 bytes, checksum: 4a3d2e88bba8c9064dd80e5905ae13fb (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2015-01-28T12:33:56Z (GMT) No. of bitstreams: 4 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (1).pdf: 18748213 bytes, checksum: 0ec6968228794598f5856e4303624fa9 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (2).pdf: 18823898 bytes, checksum: 9d5dbcc6d89d10d50e2fad8f78130178 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (3).pdf: 7540917 bytes, checksum: 4a3d2e88bba8c9064dd80e5905ae13fb (MD5) / Made available in DSpace on 2015-01-28T12:33:56Z (GMT). No. of bitstreams: 4 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (1).pdf: 18748213 bytes, checksum: 0ec6968228794598f5856e4303624fa9 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (2).pdf: 18823898 bytes, checksum: 9d5dbcc6d89d10d50e2fad8f78130178 (MD5) Dissertação - Cosme Luis de Almeida - 2014 (3).pdf: 7540917 bytes, checksum: 4a3d2e88bba8c9064dd80e5905ae13fb (MD5) Previous issue date: 2014-03-27 / This work is the result of the process of transcribing the Passacaglia and Fugue BWV 582 by Johann S. Bach for the formation of two guitars from the procedures found in the transcript of his Concerto in G Major BWV 592 and transcription for harpsichord (BWV 592a). In addition to the procedures presented by Bach, we use data from transcriptions for piano of the Passacaglia and Fugue BWV 582. For these analyzes other works were chosen of Fritz Malata (1882-1949), Eugen d' Albert (1864-1932), Josef Weiss (1864-1945) and Georgy Catoire (1861-1926). The choice of these works analyzed is justified by using restriction characteristics of instrumental possibilities. The work consists of a presentation of our philosophical about the poetics of musical transcription precepts, plus some historical aspects that explain the use of the act of musical transcription over time, a view of transcriptional procedures used by Bach in the transcription of his work, a presentation of procedures employed by other transcribers and ultimately the exposure of the procedures used in transcription for two guitars of the Passacaglia and Fugue BWV 582. / Este trabalho é resultado do processo de transcrição da Passacaglia e Fuga BWV 582 de Johann S. Bach para a formação de dois violões a partir dos procedimentos encontrados na transcrição do seu Concerto em Sol Maior BWV 592 e a sua transcrição para cravo (BWV 592a). Além dos procedimentos apresentados por Bach, utilizaremos dados obtidos em transcrições para piano da Passacaglia e Fuga BWV 582. Para essas outras análises foram escolhidas obras de Fritz Malata (1882-1949), Eugen d’Albert (1864–1932), Josef Weiss (1864–1945) e Georgy Catoire (1861–1926). A escolha dessas obras analisadas se justifica por utilizarem características de restrição de possibilidades instrumentais. O trabalho consta de uma apresentação de nossos preceitos filosóficos a respeito da poética da transcrição musical, além de alguns aspectos históricos que expõem a utilização do ato da transcrição musical ao longo do tempo; uma exibição de procedimentos transcricionais utilizados por Bach na transcrição de sua obra; uma apresentação de procedimentos empregados por outros transcritores e, por fim, a exposição dos procedimentos utilizados na transcrição para dois violões da Passacaglia e Fuga BWV 582.

[ES] En los últimos años, es habitual encontrarnos con investigaciones artísticas que, en el ámbito de la interpretación musical, tienen como última consecuencia recoger el resultado performativo en soporte digital. Sin embargo, una gran parte lo hace situando tal registro audiovisual como algo subsecuente, un fin ulterior sin conexión directa con la materia estudiada o los resultados obtenidos. Los trabajos de investigación que orientan así su enfoque, devuelven un resultado audiovisual desvinculado de los parámetros que han sido objeto del estudio, eludiendo las enormes capacidades semánticas y sintácticas que podría incluir el hecho audiovisual en sí y el consecuente fenómeno de difusión de la obra en redes digitales. Esta investigación se orienta hacia la búsqueda de mecanismos eficaces que hagan converger el estudio y el análisis de una obra contemporánea con el registro y difusión de la misma, procurando acercar al espectador a la mayor parte de las aristas que conforman la obra, al mismo tiempo y de modo que dicho procedimiento se sitúe además como eje fundamental y herramienta de futuras investigaciones, para el montaje y registro audiovisual de cualquier obra. Con nuestra investigación buscamos dar un giro de ciento ochenta grados, en donde el procedimiento del análisis y de la investigación es el fin, dejando por el camino un resultado de manera colateral o como parte del fin, pero en ningún momento es únicamente ese objetivo. Se intenta trasponer el análisis desde el punto de vista perfomativo hacia un resultado que será plasmado en un registro audiovisual, de este modo, la concepción y factura de dicho registro se extraerá a partir de un análisis profundo en materias histórico, estético y estructural (formas, etc). Además, se llevará un proceso de realización mediante la utilización de diferentes planos visuales que lo situará en una posición diferenciada respecto a aquellas otras investigaciones. Todo ello, intentando que el análisis esté estrechamente relacionado con la interacción con la cámara, mostrando aquello que el compositor quería destacar en cada momento, y llevándolo a la pantalla final de manera que el discurso musical tenga la congruencia que se merece. En definitiva, se pretende que el proceso nos acerque un poco más al punto de vista del compositor, intentando averiguar y deducir qué cuestiones se deben destacar y, además, cuándo y cómo. / [CA] En els últims anys, és habitual trobar-nos investigacions artístiques que, en l'àmbit de la interpretació musical, tenen com a última conseqüència recollir el resultat performatiu en suport digital. No obstant això, una gran part ho fa situant al registre audiovisual com una cosa subseqüent, una fi ulterior sense connexió directa amb la matèria estudiada o els resultats obtinguts. Els treballs de recerca que orienten així el seu enfocament, retornen un resultat audiovisual desvinculat dels paràmetres que han sigut objecte de l'estudi, eludint les enormes capacitats semàntiques i sintàctiques que podria incloure el fet audiovisual en si, i el conseqüent fenomen de difusió de l'obra en xarxes digitals. Aquesta investigació s'orienta cap a la cerca de mecanismes eficaços que facen convergir l'estudi i l'anàlisi d'una obra contemporània amb el registre i difusió d'aquesta, procurant acostar a l'espectador a la major part de les arestes que conformen l'obra, al mateix temps i de manera que, aquest procediment se situe a més com a eix fonamental i eina de futures investigacions, per al muntatge i registre audiovisual de qualsevol obra. Amb la nostra investigació, pretenem donar un gir de cent huitanta graus, on el procediment de l'anàlisi i de la investigació és l'objectiu, deixant pel camí un resultat de manera col·lateral o com a part del procés, però en cap moment és únicament aqueix el motiu principal. S'intenta transposar l'anàlisi des del punt de vista performatiu cap a un resultat que serà plasmat en un registre audiovisual; així, la concepció i la factura d'aquest registre s'extraurà a partir d'una anàlisi profunda en aspectes històrics, estètics i estructurals (formes, etc). A més, s'aplicarà un procés de realització mitjançant la utilització de diferents plans visuals que el situarà en una posició diferenciada respecte d'altres investigacions. Tot això, intentant que l'anàlisi estiga estretament relacionat amb la interacció amb la càmera, mostrant allò que el compositor volia destacar en cada moment, i portant-ho a la pantalla final de manera que el discurs musical tinga la congruència que es mereix. En definitiva, es pretén que el procés ens acoste una miqueta més al punt de vista del compositor, intentant esbrinar i deduir quines qüestions s'han de destacar i, a més, quan i com. / [EN] In recent years, it's common to find artistic research that, in the field of musical interpretation, has the final result to collect the music performance in digital support. However, most of them do so by placing the audiovisual record as something subsequent, an farther end without direct connection to the subject matter studied or the results obtained. The research works that thus guide their approach, return an audiovisual result unrelated to the parameters that have been the object of the study, avoiding the huge semantic and syntactic skills that the audiovisual event itself, and the consequent phenomenon of diffusion of the work in digital networks. This research is oriented towards the seek for effective mechanisms that make the study and analysis of a contemporary work converge with its recording and dissemination, trying to bring the viewer closer to most of the edges that make up the work, at the same time and so that this process is also positioned as a fundamental axis and tool for future research, for the audiovisual montage and recording of any work. With this research we seek to turn the approach around, regarding the analysis and investigation procedure as a goal, obtaining collaterally one result, but not as the only or main goal. An attempt is made to bring the analysis from the perfomative point of view to a result that will be reflected in an audiovisual record. This way, the concept of this recording will be fed from a deep analysis in historical, aesthetic and structural matters (forms , etc). Furthermore, a full process of audiovisual production will be carried out through the use of different visual shots that aim to differenciate this research from the aforementioned ones. At all times is intended that the analysis is closely related to the interaction with the camera, showing what the composer wanted to highlight at each section or moment, and taking the visual discourse to the final shot so that the combination of the musical development and the visual path have the congruence it deserves. To sum up, it is intended that the process brings us a little closer to the composer's point of view, trying to find out and deduce what issues should be highlighted, and also when and how. / Orero García, MÁ. (2021). Eight Pieces for Four Timpani de Elliott Carter: Procedimientos en la documentación y difusión en medios digitales basados en la experiencia de concierto [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/162114 / TESIS

El término teatralidad es una de las palabras más utilizadas dentro del mundo espectáculo. Sin embargo, existe cierta confusión o ambigüedad a la hora de separar la utilización de este recurso dentro de distintas ramas artísticas. Así pues, si no es bien generalizado, es desatendido por el común artista musical; como consecuencia se ha desestimado el impacto que se puede ocasionar en el espectador, a partir de la mera corporalidad de los participantes de una puesta en escena. Por estos motivos, se ha contenido dentro del presente documento el uso y la transformación de este recurso dentro de la segunda mitad del siglo XX, de manera que se ha investigado la adopción de esta técnica por múltiples artistas a lo largo de las décadas; con el fin de poder esclarecer términos afines y dar a conocer uno de los avances artísticos musicales más elaborados dentro de nuestra coetaneidad. La teatralidad en la música es el resultado de una visión literaria dentro de la misma, por la cual se expanden los modos de composición, producción y ejecución. Así pues, esta viene a ser la introducción de nuevas formas en la lírica y en la narrativa. Se plasman personajes ficticios en la búsqueda de representar dramáticamente un nuevo espectáculo musical; el sonido, el material visual del escenario y la performance de sus componentes físicos son ahora herramientas en pos de consolidar un nuevo conjunto visual y sonoro, compartido entre artista y espectador. / The term theatricality is one of the most used words in show business. However, there is some confusion or ambiguity when it comes to separating the use of this resource within different artistic branches. Thus, if it is not well generalized, it is neglected by the common musical artist; as a consequence, the impact that can be caused on the viewer, from the mere corporality of the participants of a staging, has been dismissed. For these reasons, the use and transformation of this resource within the second half of the twentieth century has been contained in this document, so that the adoption of this technique by multiple artists over the decades has been investigated; in order to clarify related terms and publicize one of the most elaborate musical artistic advances within our contemporary age. Theatricality in music is the result of a literary vision, through which the modes of composition, production and execution are expanded. Thus, this comes to be the introduction of new forms in the lyric and in the narrative. Fictional characters are depicted in the quest to dramatically represent a new musical show; the sound, the visual material of the stage and the performance of its physical components are now tools in order to consolidate a new visual and sound set, shared between artist and spectator. / Trabajo de investigación

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