Ce mémoire explore comment la médiation de la musique et les nouvelles modalités du concert s’intègrent dans la carrière des chanteurs lyriques québécois. Le corpus de la recherche est composé d’une analyse documentaire des activités de médiation dans les institutions lyriques nord-américaines et de la formation des chanteurs, ainsi que d’une enquête qualitative auprès de 12 chanteurs québécois. Cette étude dresse un portrait des activités de médiation afin d’en faire ressortir l’apport des chanteurs par les fonctions qu’ils occupent au sein de la médiation de l’art lyrique. Même si tous les chanteurs rencontrés ont fait des activités de médiation dans leur carrière, il y a de nombreux facteurs qui agissent sur la poursuite des activités de médiation. Il y a des contraintes sociales qui sont liées à la notoriété des chanteurs influencé par la valeur symbolique plus faible du point de vue réputationnel des activités de médiation comparée à la prestation comme soliste. Mais aussi des contraintes économiques qui obligent les chanteurs à avoir plusieurs activités pour vivre de leur art. Il se dégage de cette étude que la médiation de la musique est un outil supplémentaire aux chanteurs, car ils deviennent polyvalents s’ils font de la médiation au côté d’un concert. Elle peut être aussi un moyen de diversifier leurs activités pour les chanteurs qui décident de créer des ateliers et des concerts dans de nouvelles modalités. Par contre, la médiation peut devenir une obligation dans la carrière des chanteurs, et ce malgré qu’ils n’y soient pas formés pendant leurs études. / This master thesis proposes to explore how the music mediation and the new modalities of the concert fit into the careers of lyric singers in Quebec. The corpus of my research is made up of a documentary analysis of mediation activities in North American lyrical institutions and the analysis of the singer’s training, as well as a qualitative survey of 12 Quebec singers. This study draws up a portrait of the mediation activities and the new modalities of the concert which are used to make opera accessible, then to highlight the contribution of the singers by the functions they occupy within the mediation of lyrical art. Even though all the singers we met have done mediation activities in their career, there are many factors that influence the continuation of mediation activities. There are social constraints which are linked to the notoriety of the singers influenced by the lower reputational value of the mediation activities compared to the performance as a soloist. But also economic constraints, which oblige the singers to have several activities to make a living from their art. It emerges from this study that music mediation is an additional tool for singers, as they become versatile if they mediate alongside a concert. It can also be a way to diversify their activities if the singers decide to create mediation workshops and concerts that are presented in new modalities. On the other hand, mediation can become an obligation in the career of singers, despite the fact that they were not trained for it during their studies.

Dans le domaine de l'acoustique musicale, les recherches visant à la compréhension des instruments ont rendu possible la modélisation et la synthèse sonore de nombre d'entre eux. Cependant, le degré de connaissance acquis d'un système matériel, si élevé soit-il, ne permet pas à lui seul de prédire son comportement à la suite d'une interaction avec l'homme. L'étude de l'interaction entre musicien et instrument fait ainsi l'objet de nombreux travaux de recherche afin de prendre en considération son effet sur la production sonore et d'effectuer, à terme, des synthèses sonores plus réalistes. Au cours de leur apprentissage, les musiciens développent une importante maîtrise de leur instrument de manière à exécuter précisément les gestes nécessaires à la qualité sonore désirée. La mise en évidence des paramètres de contrôle pertinents vis-à-vis du son produit, dans le cas de la harpe de concert, est au centre de ce travail de thèse. Dans un premier temps, cette interaction est étudiée à l'échelle du musicien par le biais d'une analyse de ses gestes instrumentaux et ancillaires en relation avec le contexte et l'intention musicale. La seconde partie de ce travail se focalise sur la cause directe de la production sonore, i.e. le pincement de la corde. La spécificité et l'importante répétabilité de ce geste pour chaque instrumentiste est ainsi mise en évidence. Enfin, une modélisation de l'interaction entre le doigt du musicien et la corde de harpe enrichie des précédents résultats est proposée, validée par l'utilisation d'un doigt artificiel contrôlable et paramétrable.

Ce travail a pour but principal de répondre à certaines difficultés de notation rencontrées par les compositeurs. Dans un premier temps, nous nous se proposons de montrer les limites du système d’écriture musicale occidentale (SEMO) dans la notation de certains éléments de la musique et, dans un deuxième temps, de montrer les avantages qu’offre l’utilisation de l’écriture multimédia (EM). Les résultats de ce travail, obtenus à partir de six « expériences-projets de composition », montrent l’efficacité de l’EM : un ensemble de procédés qui permettent l'utilisation simultanée de plusieurs modes de représentation de l'information (tels que textes, sons, images fixes ou animées, entre autres), servant à noter un message afin de pouvoir le conserver et le transmettre du compositeur à l’interprète. Dans le cadre de la composition musicale, l’EM, telle que nous l’avons employée ici, s’est montrée efficace pour noter les éléments suivants : le timbre, des nouveaux modes de jeu, des nouvelles techniques vocales, des instructions pour l’emploi des logiciels ; et aussi l’EM s’est montrée efficace pour l’intégration des éléments suivants dans les œuvres de musique mixte : le jeu d’un musicien de tradition orale, des modes de jeu tirés des musiques de tradition orale et exécutés par un musicien de tradition écrite, une langue tonale (et l’expressivité liée aux genres de musique de tradition orale dans les œuvres écrites. À l’ensemble de notations multimédia déjà existantes et disponibles pour la composition musicale, nous ajoutons deux types de notation qui se sont révélés efficaces dans cette recherche : la notation auditive et la notation d’un savoir-faire au moyen de la vidéo. / The main goal of this work is to solve some of the difficulties that composers encounter when notating music. Firstly, we describe how the Western musical notation (WMN) is limited when attempting to write specific musical elements. Secondly, we show the possible advantages that multimedia writing (MW) could offer on the notation of such elements. To address these issues, we used MW in six “experiments/composition projects” that were conceived to answer specific notation questions. The results obtained thereof allowed us to demonstrate the efficacy of MW for overcoming current limitations in music notation. More specifically, MW constitutes a group of procedures that allows to simultaneously represent information in different ways. This information could be either text, sounds, still or moving images, among others. Such procedures can be used to note down a message to further save it and transfer it from the composer to the performer. In the context of our experimental paradigms, MW has proven to be efficient for: the notation of timber, the integration of musicians from oral tradition in mixed music works, the incorporation of instrumental techniques drawn from oral tradition music into written music, the integration of a tonal language in a music score, the notation of new instrumental and vocal techniques, the guidance at using new software, and the incorporation of expressiveness associated to music styles of oral tradition into written works. We consider that two types of notation that proved to be efficient in this research could be added to the body of already existing MW, namely auditive notation and the notation of a know-how by the means of video.

La thèse porte sur la construction d'une identité spécifique chez les professeurs des écoles de musique: musicien et enseignant. La recherche s'intéresse aux personnes musiciennes qui suivent un cursus de formation initiale à l'enseignement musical spécialisé et montre, par l'analyse de différents parcours, comment l'identité de musicien s'articule avec l'identité d'enseignant.<p><p>In english <p>The thesis relates the construction of specific identity to the professors of the music schools: musicians and teachers. The research task concerns the study of musician people who follow an initial training specialized in musical teaching and shows, by the analysis of various training directions, how the identity of the musician turns around the teacher’s identity. <p> / Doctorat en Sciences Psychologiques et de l'éducation / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Le travail des artistes en général, constitue un champ scientifique peu étudié en sciences sociales, particulièrement en ce qui a trait aux conditions d’effectuation du travail des musiciens. Cela explique notre raison d’étudier les conditions de travail des musiciens qui résident à Montréal. En effet, notre étude se base sur deux questions fondamentales, c’est-à-dire, la précarité de l’emploi oblige-t-elle les musiciens montréalais à opter pour un modèle de vie professionnel pluriactif et polyactif? Et quelle signification attribuent ces professionnels à cette pluriactivité et polyactivité? Ce projet se base sur deux axes. Le premier concerne la précarité d’emploi qui caractérise le marché du travail musical et le recours contraint à la pluriactivité et à la polyactivité, et le second axe concerne le recours des musiciens montréalais à ces deux phénomènes comme une stratégie et une opportunité professionnelle. L’incertitude quant à l’avenir professionnel et au revenu qui caractérise le travail des musiciens montréalais, joue un rôle important dans la précarisation du travail de ces professionnels. En effet, la précarité d’emploi est un facteur fondamental qui pousse ceux-ci vers un cumul d’emplois. En ce qui concerne la pluriactivité, celle-ci regroupe toutes les ressources de revenus du musicien venant des emplois artistiques liés à son champ d’expertise. En ce qui concerne la polyactivité, celle-ci regroupe toutes les activités qui sont en dehors de son champ d’expertise principal (artistique et non-artistique). Malgré la nature contrainte de ce modèle de vie pluriactif et polyactif, celui-ci présente une stratégie efficace face aux défis qui existent sur le marché du travail musical et aborde une opportunité de socialisation pour ces professionnels. Notre recherche étant de nature qualitative, nous optons pour une approche empirique exploratoire hybride. Nous avons réalisé dix entrevues semi-dirigées portant sur la vie professionnelle de nos participants. / The work of artists in general constitutes a scientific field that has been under-researched in social sciences, particularly regarding the conditions under which musicians work. This explains our reason for studying the working conditions of musicians who reside in Montreal. Indeed, our study is based on two fundamental questions, that is to say, does the precariousness of employment among Montreal musicians force them to opt for pluriactivity and polyactivity in their professional life? And what significance do these professionals attribute to this pluriactivity and polyactivity? This project is based on two axes. The first concerns the precariousness of employment that characterizes the musical labor market and the forced recourse to pluriactivity and polyactivity, and the second axis concerns the recourse of Montreal musicians to these two phenomena as a strategy and a professional opportunity. The uncertainty about the professional future and the income that characterizes the work of Montreal musicians plays an important role in the precariousness of the work of these professionals. Indeed, job insecurity is a fundamental factor that pushes them towards multiple job holding. Regarding pluriactivity, this brings together all of the musician's income resources from artistic jobs linked to his field of expertise. As for polyactivity, this includes all activities that are outside of his main field of expertise (artistic and non-artistic). Despite the constrained nature of this pluriactive and polyactive model of professional life, it presents an effective strategy to face the challenges that exist in the musical labor market and addresses a socialization opportunity for these professionals. Our research follows a qualitative approach in which we opt for an exploratory and hybrid empirical technique. We have also conducted ten semi-structured interviews concerning the professional life of our participants. / کار هنرمندان به طور کلی یک زمینه علمی است که در علوم اجتماعی ، خصوصاً با توجه به شرایط کاری موسیقی دانها ، به طور کمی مورد مطالعه قرار گرفته است. این امر دلیل ما را برای مطالعه شرایط کار نوازندگان ساکن مونترال توضیح می دهد. بدون شک، تحقیق ما بر دو سوال اساسی استوار است. به این معنا که آیا نا امنی شغلی در بین نوازندگان مونترآلی، آنها را مجبور به چندکاری می کند؟ و این که این‌چند کاری چه معنی برای این نوازنده ها دارد؟ این پروژه بر دو محوراستوار است. اولین مورد مربوط به ناامنی شغلی است که مشخصه بازار کار موسیقی دانان و توسل اجباری به چند فعالیتی می باشد و محور دوم مربوط به توسل موسیقیدانان مونترال به این پدیده به عنوان یک استراتژی و یک فرصت حرفه ای است. عدم اطمینان در مورد آینده شغلی و درآمد که ویژگی کار نوازندگان مونترال است ، نقش مهمی در به خطر افتادن کار این متخصصان دارد. در واقع ، عدم امنیت شغلی عاملی اساسی است که آنها را به سمت نگهداری چند شغلی سوق می دهد. چند شغلی این امکان را به نوازنده می دهد تا منابع مختلف درآمد را در اختیار داشته باشد که مرتبط با شغل اصلی وی به عنوان نوازنده می باشند. در مورد نوع دیگری از چند فعالیتی باید ذکر کرد که ، شامل کلیه فعالیتهایی است که خارج از حوزه اصلی تخصص نوازنده (هنری و غیر هنری) است. علیرغم ماهیت محدود کننده این مدل زندگی حرفه ای چندمنظوره و چند فعالیتی ، این یک استراتژی موثر برای مقابله با چالشهایی که در بازار کار موسیقی وجود دارد و همچنین فرصتی برای اجتماعی شدن این متخصصان به حساب می آید. تحقیق ما از یک رویکرد کیفی پیروی می کند که در آن ما یک روش تجربی اکتشافی را انتخاب می کنیم. ما همچنین ده مصاحبه نیمه ساخت یافته در مورد زندگی حرفه ای شرکت کنندگان خود انجام داده ایم.

Jusqu’à 93% des musiciens sont affectés par des troubles musculo-squelettiques liés à la pratique instrumentale, dont particulièrement les violonistes qui combinent les facteurs de risque principaux : une posture asymétrique et contraignante, le maintien d’une charge (le violon et le membre supérieur gauche) dans une position quasi-statique, la répétition de mouvements à haute vitesse et la pression des doigts (sur le manche de l’instrument), tous entrainant l’accumulation de fatigue musculaire. Il est crucial d’aménager leur environnement de travail afin de réduire l’accumulation de la fatigue. Les dispositifs d’assistance au mouvement sont utilisés dans le milieu industriel pour réduire les activations musculaires et potentiellement ralentir le développement de la fatigue musculaire. La modification de la dynamique de l’environnement des violonistes via l’application d’une force antigravitationnelle nécessaire au maintien du membre supérieur gauche et de l’instrument pourrait cependant perturber leurs mouvements et affecter leur performance musicale. L’objectif de ce projet de maîtrise est donc d’évaluer l’adaptation motrice à un dispositif d’assistance au mouvement en comparant (O1) la cinématique et (O2) l’électromyographie des membres supérieurs et du cou ainsi que (O3) la performance musicale avec et sans assistance. Quinze violonistes issus d’orchestres professionnels et de programmes de cycles supérieurs en interprétation musicale ont été recrutés. Les participants ont été équipés de 61 marqueurs réfléchissants et de 11 capteurs électromyographiques pour enregistrer leurs mouvements et activations musculaires. Afin de quantifier l’adaptation motrice, les violonistes ont répété une séquence musicale de 13 secondes sans (contrôle), avec (adaptation), et sans (post-adaptation) assistance par un dispositif passif (Kinova O110, Boisbriand, QC, Canada) exerçant une force antigravitationnelle au niveau du coude gauche. Les conditions ont été répétées une semaine plus tard pour évaluer la réadaptation. Neuf à douze mois plus tard, les participants ont écouté des enregistrements audio de leur performance avec et sans assistance et ont évalué leur performance musicale en aveugle. Des modèles linéaires mixtes ont été utilisés afin de comparer la cinématique, l’électromyographie et la performance musicale des conditions avec et sans assistance. L’augmentation de l’erreur angulaire de tous les degrés de liberté du membre supérieur gauche suggère que l’utilisation d’un dispositif d’assistance au mouvement a perturbé la cinématique des violonistes. L’adaptation très sélective de la cinématique articulaire observée au cours de la condition d’adaptation était probablement due à l’absence d’erreur de prédiction de la performance musicale nécessaire pour guider l’adaptation motrice. En effet, la comparaison de la performance musicale avec et sans dispositif n’a montré aucune différence significative, indiquant que les violonistes experts peuvent maintenir un haut niveau de performance malgré la modification de leur patron moteur. En outre, la similarité des angles articulaires et des activations musculaires entre les conditions avec et sans dispositif est restée forte. Enfin, la réduction des activations du deltoïde médian et du trapèze supérieur gauches avec l’assistance est prometteuse quant à l’utilisation des dispositifs pour limiter l’accumulation de fatigue musculaire et réduire la prévalence des troubles musculo-squelettiques liés à la pratique du violon. / Up to 93% of musicians are affected by playing-related musculoskeletal disorders, and particularly violinists who combine the major factors leading to these disorders: an asymmetrical and constrained posture, quasi-static weight (violin and left upper-limb) holding, quick repetitive movements, and finger pressure (onto the instrument’s neck), all leading to muscle fatigue accumulation. It is crucial to adjust violinists’ working environments to prevent muscle fatigue accumulation. Dynamic assistive support (DAS) is used in industrial settings to reduce muscle activations and thus potentially slow down fatigue development. Modifying violinists’ environmental dynamics by introducing the anti-gravitational force needed to support their left upper-limbs and instruments may perturb their movements and impair musical performance. The objective of this Masters’ project is thus to investigate motor adaptation to DAS by comparing upper-limb and neck (O1) kinematics, (O2) electromyography, and (O3) musical performance with and without DAS. Fifteen violinists were recruited from professional orchestras and graduate programs in music performance. Participants were equipped with 61 reflective markers and 11 electromyography electrodes to record kinematics and muscle activity, respectively. To quantify motor adaptation, violinists played a looped 13-second excerpt without (control), with (adaptation), and without (washout) DAS provided by a passive device (Kinova O110, Boisbriand, QC, Canada) applying an anti-gravitational force at the left elbow. All conditions were repeated one week later to test for potential savings. Nine to twelve months later, participants listened to their own audio recordings playing with and without DAS and blindly assessed their performances. Linear mixed models were used to compare DAS and no-DAS conditions’ kinematic, electromyography and musical performance data. The increase in angular error for all left degrees of freedom suggests that DAS perturbed violinists’ kinematics. The highly selective kinematic adaptation observed during the adaptation condition might have been due to the absence of auditory feedback prediction errors needed to drive motor adaptation. Indeed, musical performance with and without DAS showed no significant difference, indicating that expert violinists can maintain a high level of performance despite changes in motor output. Additionally, similarity of joint angles and muscle activities between DAS and no-DAS conditions remained strong. Finally, reduced activations of left medial deltoid and superior trapezius in assisted conditions make DAS a promising tool to limit violinists’ muscle fatigue accumulation and prevent playing-related musculoskeletal disorders.

Dans la France moderne des XVIIe et XVIIIe siècles, chapitres cathédraux et collégiaux entretiennent, pour la plupart et depuis l’époque médiévale, une maîtrise capitulaire. Structures de formation originales parallèles aux institutions scolaires classiques et jouant un rôle important dans la liturgie et la musique de ces églises, la maîtrise accueille un nombre variable d’enfants qui, au terme d’un cursus de sept à dix ans au cours duquel ils ont reçu un enseignement général et une solide formation musicale, sont orientés vers la prêtrise, la carrière de musicien, ou aidés dans l’apprentissage d’un métier. Cette étude prend pour cadre géographique un large centre de la France regroupant huit anciens diocèses de manière à obtenir un panorama le plus complet possible de ces institutions originales et de ce groupe social à part entière d’un immense intérêt historique car au croisement d’une multitude d’enjeux tant économiques et sociaux que culturels, liturgiques et musicaux. / In modern France of the seventeenth and eighteenth centuries, cathedrals and collegiate chapters maintain, for the most part and since medieval times, a choirboy school (maîtrises capitulaires). Parallel structure to the classic’s educational institutions and plays an important role in the liturgy and music of these churches, the maîtrise welcome a variable number of childrens who, after a course of seven to ten years in which they received a general education and a solid musical training, are oriented toward the priesthood, the musical career, or help in learning a trade. This study takes a broad framework for geographical center of France involving eight former dioceses in order to obtain the largest view possible of these original institutions and of these social group full of immense historical interest as the intersection of a multitude of both economic and social, cultural, liturgical and musical issues.

L'objectif de la thèse est de saisir, pour Rome en tant que capitale européenne de la musique, et dans la continuité des récents travaux historiques sur les capitales culturelles, les modalités et les temporalités d'une profonde transformation des milieux musicaux et des conditions sociales et culturelles de l'exercice de la musique au cours du XVIIIe siècle, phénomène qui a accompagné l'évolution des styles et des goûts musicaux en Europe. La recherche est centrée sur l'étude des « métiers de la musique » : elle analyse les lieux et institutions d'exercice, les pratiques observables dans chacun d'eux, en prenant en compte leurs singularités comme leurs imbrications ou porosités, ainsi que le déroulement des carrières, à partir d'évaluations quantitatives comme de la reconstitution de parcours individuels. Elle vise, grâce à des archives variées (archives de la Congrégation de Sainte-Cécile, archives privées des grandes familles aristocratiques, archives notariales, archives paroissiales, archives des chapelles et des théâtres), à appréhender les conditions sociales des musiciens, en s'attachant aux revenus, aux hiérarchies, aux protections et aux mobilités. Au cours du XVIIIe siècle, on assiste à une recomposition du paysage musical romain. Bien que la désaffection pour la musique sacrée fragilise le marché musical urbain, Rome reste l'un des principaux foyers musicaux européens. La ville se convertit progressivement, mais avec succès, à la musique profane, en particulier à l'opéra, ce qui conduit à modifier non seulement l'offre musicale, mais aussi l'organisation de la profession. / The aim of this thesis is to catch how and when musical circles as well as social and cultural conditions in musical practice deeply changed in Rome - as the European capital of music- during the 18th century ; and that, as part of the recent historical work on cultural capitals. This phenomenon went hand in hand with the evolution of musical styles and tastes in Europe.The research is based on the study of "musical professions": it is an analysis of the places and institutions in which music was practised, the different practices with their peculiarities as well as their abilities to mingle together. It also analyses how careers develop, using quantitative assessments and records of individual careers.It aims, thanks to various archives (from the Congregation of St Cecily, great aristocratic families, notary offices, parishes, choirs and theatres) at understanding the living conditions of the musicians: incomes, hierarchy, protections, mobility. It has been necessary to study the social network and the family environment of the musicians, as well as their relations with other people, and their professional environment. During the 18th century, a reshaping of the Roman musical landscape can be observed. In spite of the declining interest for sacred music, which weakens the market of music in town, Rome remains one of the most important musical places in Europe. The town slowly but successfully converts itself to secular music, and more especially to opera music; and this leads to a change, not only in musical offers, but also the organization of the profession. / Lo scopo della tesi è di capire, per Roma capitale musicale europea, nella continuità dei recenti lavori storici sulle capitale culturali, le modalità e le temporalità di una profonda trasformazione dei “milieux” musicali e delle condizioni sociali e culturali della prassi musicale nel corso del Settecento, fenomeno che ha accompagnato l’evoluzione dei stili e dei gusti musicali in Europa. La ricerca s’incentra sullo studio degli “mestieri della musica”: analizza i luoghi, le istituzioni legate alla musica e la prassi osservabile in ciascuna di loro, tenendo in conto la loro singolarità, i loro intrecci o le loro porosità, lo sviluppo delle carriere, a partire da valutazioni quantitative e dalla ricostituzione di percorsi individuali. Grazie all’analisi di vari archivi (archivi della Congregazione di Santa Cecilia, archivi privati di grandi famiglie aristocratiche, archivi notarili, archivi parocchiali, archivi di cappelle musicali e di teatri), mira a comprendere le condizioni sociali dei musicisti, facendo riferimento ai redditi, alle gerarchie, alle protezioni e alle mobilità. E’ stato necessario interrogare le rete sociali e l’entourage familiale, relazionale e professionale dei musicisti, localizzare i luoghi di residenza nel tessuto urbano e studiare le realtà istituzionali, economiche e sociali che facevano da sfondo alla loro vita professionale. L’adattamento degli individui o delle famiglie di musicisti alle diverse offerte e risorse della città, le dinamiche d’inserimento nel “mercato musicale” e la società urbana, sono stati al cuore di questa riflessione. Il discorso è partito, per quanto possibile, dalle prassi all’interno di questi mestieri, predendo in conto le loro singolarità. E’ quindi stato studiato l’insieme della comunità musicale nelle sue diverse componenti e i suoi multipli aspetti. Nel corso del Settecento, si assiste ad una ricomposizione del paesaggio musicale romano. Anche se la disaffezione per la musica sacra rende fragile il mercato musicale urbano, Roma rimane uno dei principali centri musicali europei. La città si convertì, progressivamente ma con successo, alla musica profana, in particolare all’opera, questo condusse a modificare non soltanto l’offerta musicale ma anche l’organizzazione della professione.