Ce mémoire de maîtrise en communication porte sur l'état des concerts de musique classique présentés au Québec. Plusieurs théories issues de la sociologie nous permettent de comprendre les stratégies de représentation de la musique, dont le concept de champs de Bourdieu et les études sur la médiation, les institutions et les publics de Hennion et Heinich. Ce mémoire, en plus de faire une brève rétrospective de l'historique du concert occidental, se penche sur les façons de présenter la musique. Si les concerts étaient autrefois un lieu festif, depuis le XVIIIe siècle, la façon de présenter la musique devant public a très peu changé. Nous présentons cet événement comme un lieu de partage entre l'artiste et le public où les interactions sont régies par un rite précis et respecté. Le concert constitue un rituel très encadré où le néophyte doit apprendre rapidement les règles implicites. À l'aide d'observations participantes, cette recherche présente les aspects de médiation utilisés dans ces événements musicaux. À la lumière des observations et des analyses, force est d'admettre que les concerts de musique classique innovent très peu dans la façon de mettre en scène la musique : éclairage statique, rituel strict, décorum imposant. À la suite de la lecture de ce présent mémoire, nous sommes en mesure de comprendre comment le concert est présenté au Québec et comment sont utilisées les stratégies de médiation employées. Si peu d'ensembles classiques présentent des stratégies innovatrices en termes de présentation, il est tout de même important de noter les efforts déployés par certains musiciens afin de rejoindre un public différent. En conclusion de ce mémoire, nous affirmons que la médiation permet de tout mettre en place pour permettre une réception juste de la musique. La musique est un objet fuyant et l'étude de sa représentation permet d'établir comment s'organisent les procédés de sa mise en scène. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : médiation, musique, sociologie, concert, public, communication

La thèse présente étudie de façon exclusive quelques aspects fondamentaux des liens entre la musique classique persane et la musique classique turco-ottomane. Le premier chapitre est une esquisse des liens historiques des musiciens persans avec le milieu culturel ottoman, et l'influence qu'ils ont eue sur la musique classique de cet empire. Le second chapitre dégage des liens entre certains aspects du répertoire instrumental attribué aux compositeurs persans des XVIe et XVIIe siècles dans les manuscrits ottomans d’Ufki et de Cantemir avec ceux du répertoire classique persan le plus ancien transmis jusqu'à nos jours ; le répertoire qâjâr. Sous l’angle des convergences et divergences des écoles classiques persane et turque contemporaines, le troisième chapitre se focalise sur le concept fondamental de mode et entreprend de comparer les particularités de cinq éléments constitutifs modaux dans les pratiques turque et persane actuelles. Le quatrième chapitre, en vue d'une démonstration concrète des théories modales développées dans le chapitre précédant, analyse des affinités et des divergences de cinq maqâms turcs actuels d’une même famille modale, Ushshak, Beyati, Huseyni, Muhayyer, Arazbâr, dont la substance est comparable dans la tradition persane actuelle, soit Shur, Abu ‘atâ, Hoseyni/Bayât-e Kord/Hejâz/Dashti, Owj, et Shahnâz. Le dernier chapitre est une approche anthropologique destiné à présenter une tentative concrète de revivification du répertoire des « ‘Ajamlar » dans les milieux des musiciens iraniens contemporains, et à étudier les réactions de ces derniers faces à ce répertoire inconnu en Iran tiré des sources ottomanes. / This thesis studies exclusively some fundamental aspects of the links between the Persian classical music and the Turkish-Ottoman classical music. The first chapter is an outline of historical connections of Persian musicians with the Ottoman cultural environment, and the influence which they have had on the classical music of this empire. The second chapter identifies the links between some aspects of the instrumental repertory attributed to Persians composers of 16th and 17th centuries in Ufki and Cantemir’s Ottoman manuscripts and those of the oldest Persian classical music transmitted to our days; the qâjâr repertory. From the angle of convergences and divergences between contemporary the Persian and the Turkish classical schools, the third chapter focuses on the fundamental concept of mode and undertakes to compare the particularities of five modal constituent elements in the current Turkish and Persian practices. The fourth chapter, with a view to concrete demonstration of modal theories developed in the previous chapter, analyzes the affinities and differences of five current Turkish maqâms of a same modal family, Ushshak, Beyati, Huseyni, Muhayyer, Arazbâr, whose substance is comparable in the current Persian tradition, with Shur, Abu ‘atâ, Hoseyni/Bayât-e Kord/Hejâz/Dashti, Owj, et Shahnâz. The last chapter is an anthropological approach intended to present a concrete attempt to revivification of the “‘Ajamlar” repertory in contemporary Iranian musicians’ circles, and to study the reactions of these latter facing this unknown repertory in Iran taken from the Ottoman sources.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l'Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca) / Les musiciens étrangers installés au Québec ont contribué à l’édification et au développement de la vie culturelle, et leur influence sur le milieu musical est loin d’être négligeable. Mais que connaît-on des conditions d’intégration socioculturelle et professionnelle de ces musiciens immigrants ? Quels obstacles rencontrent-ils, quelles stratégies développent-ils pour poursuivre leur carrière professionnelle dans un nouveau contexte social et artistique ? Cette recherche aborde un des aspects de la vie musicale québécoise à travers la problématique de l’intégration socioculturelle et professionnelle d’interprètes immigrants de musique savante occidentale (ou musique classique). S’appuyant sur le parcours de musiciens installés à Montréal depuis trente-cinq ans et moins, l’étude s’articule autour de quatre axes : l’impact de l’immigration sur les interprètes étrangers; leur processus d’intégration; l’influence du contexte socioculturel et musical sur les stratégies d’adaptation développées par ces musiciens; leurs apports au milieu musical québécois. Basée sur une approche sociomusicologique à partir d’une méthodologie mixte – étude théorique et enquête de terrain –, cette recherche se présente comme une enquête exploratoire visant à dresser un tableau général des situations rencontrées par les interprètes immigrants dans leur trajectoire d’intégration. Un cadre théorique a tout d’abord été bâti afin d’exposer, d’une part, les particularités du métier d’interprète (apprentissage et professionnalisation) et, d’autre part, les diverses étapes de l’immigration et de l’intégration et leurs spécificités. Ensuite, en replaçant dans ce cadre théorique les données recueillies sur le terrain, l’étude plus approfondie de cinq cas particuliers a permis d’appréhender la problématique à travers l’expérience des interprètes immigrants, et d’observer les stratégies qu’ils ont développées en réponse aux situations rencontrées; un de leurs plus grands défis étant de trouver un équilibre entre leurs codes culturels et musicaux et ceux de la société d’accueil. L’étude de cas s’appuie sur la mise en parallèle du cheminement d’interprètes installés à Montréal depuis trente-cinq ans et moins, l’objectif étant de mesurer les incidences des changements survenus dans le milieu musical sur le processus d’intégration socioprofessionnelle de ces musiciens. L’analyse des données recueillies révèle que ce n’est pas grâce à leur formation en musique classique que les interprètes immigrants réussissent à intégrer rapidement le milieu professionnel actuel, mais grâce à leur pratique parallèle de la musique traditionnelle de leur pays d’origine. Cette nouvelle dynamique d’adaptation, favorisée par les politiques de valorisation de la diversité culturelle, entraîne un glissement progressif de l’intérêt des organismes de soutien au développement artistique vers les musiques traditionnelles ou métissées. S’oriente-t-on vers un changement de paradigme conduisant à la perte graduelle de la prédominance du répertoire classique chez les interprètes immigrants, au profit du répertoire traditionnel ? / Foreign musicians living in Quebec contributed to build and develop cultural landscape, and their influence on the musical world is far from negligible. However, what do we know about sociocultural and professional conditions of integration for these immigrant musicians? What challenges do they encounter? What strategies do they develop to move on with their professional career in a new artistic and social context? This research addresses one of the aspects of Quebec’s musical life through the problematic of the sociocultural and professional integration of immigrant performers of (learned) Western art music (or classical music). Based on the career of musicians living in Montreal since thirty five years or less, this study revolves around four axes: the impact of immigration on immigrant performers; their integration process; the influence of the sociocultural and musical context on the adaptation strategies these musicians developed and their contribution to Quebec’s musical world. Based on a sociomusicologic approach from a mixed methodology – theoretical study and field survey - this research is presented as an exploratory survey aiming to draw a general picture of the situations encountered by the immigrant performers in their integration. A theoretical framework was first prepared in order to expose, on one hand, the peculiarities of the work of performer (learning and professionalization) and, on the other hand, the different steps of immigration and integration, as well as their specificities. Then, by placing in this theoretical framework the data collected on the field, a more in-depth study of five particular cases allowed to apprehend the problematic through the experience of immigrant performers and to observe the strategies they developed to pass by the situations they had to face; one of their greatest challenge being to find the balance between their musical and cultural codes and those of the host country. The study of cases is driven by the parallel exposure of the experience of performers living in Montreal since thirty five years or less, the objective being to measure the incidence of the changes that happened in the musical milieu onto their socioprofessional integration process. Data analysis revealed that fast professional integration of immigrant performers is rather due to the parallel practice of traditional music from their home country than to their formation in classical music. This new dynamic of adaptation, favored by policies of valorization of cultural diversity, causes a progressive shift of organisms’ interests towards traditional or mixed musical genres. Are we going forward to a change of paradigm, leading to the gradual loss of the predominance of the classical repertoire within immigrant performers, for the benefit of the traditional repertoire?

La présente thèse explore l’espace formel de l’enseignement de la musique en Grèce actuelle en tant qu’un espace de confrontation et de négociation de sens autour du musical. L’introduction de la musique traditionnelle au sein de cet espace sert de paradigme à une étude sur « la gestion de l’altérité musicale » à partir d’une enquête ethnographique de terrain (observation participante et entretiens non directifs), qui s’intéresse plus particulièrement aux conditions de cohabitation entre des enseignants-musiciens aux parcours différents, aux conditions donc de cohabitation entre des pratiques d’apprentissage, des discours et des imaginaires qui tantôt s’entrecroisent, tantôt se concurrencent. L’objectif ultime de ce travail est, à cet égard, de mettre en évidence que les façons dont les individus se représentent la musique et tout ce qui s’y rattache, forment un système symbolique qui renvoie à la manière dont ils se définissent eux-mêmes et ils se situent envers les autres. / The present thesis explores the formal space of music education in Greece as an area of confrontation and negotiation of meanings around music. The introduction of Greek traditional music in this educational space serves as a paradigm for a study on “the management of musical otherness”, based on a field survey (participant observation and non-directive interviews) which focuses in particular on the conditions of cohabitation between teachers-musicians with different musical trajectories, thus on the conditions of cohabitation between learning practices, discourses and imaginaries which sometimes intertwine, sometimes they compete with one another. In this regard, the ultimate aim of this work is to bring to light that the ways individuals represent music and everything related to it, form a symbolic system referring to the manner in which they define and situate themselves in relation to others.

Cette thèse propose d'analyser la pratique d'échantillonnage de musique classique dans la production de musique hip-hop francophone. Elle se concentre sur les enjeux musicaux et sociaux de cette pratique en adoptant une méthodologie basée sur des outils sociologiques. Ainsi elle évaluera l'importance de cette rencontre entre ces deux entités culturelles, que le sont le hip-hop et la musique classique, en mettant en rapport les individus et les objets. / This thesis propose to analyze the reusing of western art music through sampling in french hip-hop music production. It is based on musical and social challenges using very sociological tools. Thereby it evaluate the importance of this meeting between hip-hop music and classical music by putting individuals and objects at the center of the argument.

Des recherches au Québec (Garon, 2009), en France (Donnat, 2011) et aux États-Unis (Kolb, 2001) confirment un état de fait général: le vieillissement du public de la musique classique. Si le public du répertoire est reconnu pour posséder un haut niveau d’études, pourquoi les étudiants universitaires de nos jours ne sont-ils pas plus présents dans les salles de concert ? Cette étude explore cette problématique d’abord par une recherche historique et par des entrevues auprès de certains des organismes de musique classique à Montréal, et ce afin de comprendre leurs stratégies de développement des publics concernés de 2004 à 2014. Ensuite, par un sondage auprès de 555 étudiants universitaires de la ville, pour faire un portrait de leur relation avec la musique à l’heure actuelle. Notre analyse, appuyée par une bibliographie en sociomusicologie et en sociologie des pratiques culturelles, confirme des tendances comme celle de l’«omnivorisme culturel» et l’éclectisme musical des jeunes universitaires. Elle nous montre aussi une réception positive des œuvres classiques, quoiqu’incompatible avec les critères esthétiques des genres musicaux favoris. À partir de ce paradoxe, nous étudions la force des motivations extramusicales qui les amènent aux concerts, leurs formats préférés, l’impact de l’éducation musicale, l’influence des parents, de l’internet, des nouvelles technologies. Finalement, nous constatons le nombre peu élevé d’initiatives des organismes musicaux dans le milieu universitaire à Montréal qui, pourtant, se montre un bassin au grand potentiel pour le renouvellement des publics de la musique classique. / Research conducted in Quebec (Garon, 2009), France (Donnat, 2011) and the United States (Kolb, 2001) confirm a general phenomenon: the classical music audience is aging. If such audiences are mainly known for having a high level of education, then why aren’t university students nowadays more present in classical music concert halls? This study explores the issue firstly by historical research and interviews with classical music organizations in Montreal in order to understand their audience development strategies from 2004 to 2014. Secondly, we explore it through a survey with 555 university students in the city to document their relationship with music. Our analysis, supported by a bibliography of Sociomusicology and Sociology of Cultural Practices, confirms trends such as the “cultural omnivorism” and the musical eclecticism of young academics. It also shows us a positive reception of classical works, although incompatible with the aesthetic criteria used to describe their favorite music genres. From this paradox, we study the strength of extra-musical motivations that lead them to go to live concerts. We also examine their favorite concert formats, as well as the impact of music education on their tastes, the influence of the parents, the internet and the new technologies. Finally, we confirm the low investment in activities among university students by the classical music organizations in Montreal, even though young academics represent a great potential for the renewing of classical music audiences.

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Ce mémoire aborde la manière dont ma synesthésie agit comme une source d’inspiration lors de la composition d’oeuvres dans le cadre de ma maîtrise. Une première partie est d’abord consacré à expliquer la définition de la synesthésie, à retracer l’historique de son utilisation en musique et à faire état de la recherche actuelle à son sujet. Une seconde partie présente ensuite quatre principales oeuvres que j’ai composées durant ma maîtrise : Blizzard sylvestre, háptô, Multillusions et Stellogonie. Chacune de ces pièces est réalisée en explorant un angle différent de la synesthésie et leurs contexte de création, forme, matériaux thématiques et organisations des hauteurs et rythmiques sont analysés en fonction de cette recherche. D’autres pièces ayant été composées dans un cadre extra-académique ou d’un séminaire sont aussi brièvement présentées afin d’avoir un point de vue global de ma démarche artistique. / This paper addresses how my synesthesia acts as a source of inspiration when composing musical works as part of my master. A first part is dedicated to defining synesthesia and retracing the history of its application in music and to reviewing the current state of the research on the matter. Then, a second part presents four main works that I composed during my master. Each one of them is realized with a different angle to the synesthesia and their context of creation, formal structure, thematic material and pitch and rhythm organizations are analyzed according to this research. Other pieces composed for an extra-academic purpose or in a seminar are also presented briefly to give a global point of view of my artistic approach.

Ce mémoire traite de l'influence des modèles extra-musicaux sur mes compositions et de la manière dont ils définissent mes gestes sonores. L'utilisation de ces modèles et la manière dont ils déterminent la forme, le caractère et la texture sont expliquées à travers l'analyse d'œuvres que j'ai composées pendant mes études de maîtrise. Une présentation de mon parcours artistique illustre comment j'ai évolué à partir de mes influences musicales passées pour me lancer dans mon approche compositionnelle actuelle. En conclusion, j'expliquerai comment les connaissances et l'expérience acquises au cours de mes études ont contribué à forger mon identité en tant que compositeur. / This dissertation discusses the influence of extra-musical models on my compositions and how they define my sound gestures. The use of these models and how they determine form, character, texture, are explained through the analysis of works that I composed during my master's studies. A presentation of my artistic background illustrates how I evolved from past musical influences to embark on my current compositional approach. In the conclusion, I will explain how the knowledge and experience gained during my studies have contributed to shaping my identity as a composer.