Du 19e siècle à nos jours, la musique chinoise a pris une nouvelle direction. La création musicale en Chine s'est développée à travers les diverses cultures et les changements de politique, conférant ainsi un charme particulier à la musique contemporaine chinoise. A partir du début de l'imitation occidentale et juste avant la fondation de la nouvelle Chine, les musiciens chinois sont parvenus à associer les éléments musicaux chinois avec les nouveaux langages musicaux. Au cours de certaines périodes, l'art avait été asservi au pouvoir politique et la création musicale de style traditionnel était l'identité principale. Après de vagues stratégies d’Etat successives, l’évitement des thèmes sensibles, les besoins urgents de la culture racine, la mise en œuvre des techniques expérimentales s’est déployée et diversifiée et les échanges internationaux ont conduit à l'émergence du départ à l'étranger des compositeurs chinois pour chercher leur propre chemin créatif. La musique contemporaine de la Chine s’est élaborée à partir de la technique occidentale et a progressé dans le contexte culturel chinois et ses racines multiples, les pensées fermées et les expériences d'enfance dans l'environnement culturel pur et la collision du nouvel environnement créent des œuvres d'art fascinantes, la rendant remarquablement différente de la musique contemporaine occidentale. Durant ces 30 dernières années de développement économique et d'ouverture politique, la société chinoise s’est de plus en plus internationalisée; les nouvelles technologies et les profils variés des compositeurs ont incité la nouvelle génération à mettre en place d’excellentes innovations musicales spécifiques. / As of the 19th century up to now, Chinese music has been taking a new direction and has developed in the wake of social evolutions. In China, the musical creation was affected by both the various cultures and political changes, thus bestowing a special charm on contemporary Chinese music. From the beginning of Western imitation and just before the founding of the new China, Chinese musicians succeeded in matching the Chinese musical elements with the new musical languages. Throughout specific periods, art had been bound to political power, and traditional style constituted the main identity of musical creation. Following the Cultural Revolution, the return to the root culture, the implementation of diversified experimental techniques have resulted in the departure of Chinese composers abroad in search of their own creative way. Contemporary Chinese music developed from Western technique and progressed in the Chinese cultural context and its multiple roots, closed thoughts and childhood experiences in the pure cultural environment and the collision of the new environment is now creating fascinating works of art, remarkably different from Western contemporary music. During the last 30 years of economic development and political openness, Chinese society has become increasingly internationalized; the new technologies and the varied profiles of composers have prompted the new generation to set up outstanding specific musical innovations.

À la croisée des études sur les processus créateurs en musique et sur l’interprétation (performance studies), la recherche interroge le rôle de l’interprète dans la création contemporaine. L’œuvre musicale est considérée selon quatre états (œuvre projetée, écrite, jouée et entendue) et selon les interactions intervenant dans le processus de création, particulièrement entre compositeur et interprète en situation de collaboration directe. L’étude de cas au centre de ce travail est la création d’une œuvre nouvelle avec le compositeur Gérard Pesson, Blanc mérité (d’après Roman Opalka) pour saxophone et ensemble, dont la genèse est documentée dans une perspective « auto-ethnographique ». Le processus, étalé sur sept années, génère une importante quantité de données dont le traitement et l’analyse impliquent le développement d’outils méthodologiques adaptés. Permettant de retracer l’origine et la place des interactions dans la genèse des objets constitutifs de l’œuvre, la recherche apporte des éclairages sur la dimension infralinguistique du travail et participe à la réflexion sur les enjeux de la création artistique dans sa dimension collaborative. / Drawing on studies focused on creative processes in music as well as performance, the research questions the performer’s role in contemporary creation. The creative process is considered here as evolutions of the musical work between four interconnected stages: work as project, work as score, work as sound production and work as sound perception, among which the nature of the interactions between actors evolves constantly.The main case study is the creation of a new work with composer Gérard Pesson. Blanc mérité (referring to Roman Opalka), for saxophone and ensemble, is observed and analysed by the dedicatee all along a seven years process. Adopting an “autoethnographic” point of view and a “naturalistic” approach, the research draws upon data collected since the project’s premises, by recording exhaustively the interactions between composer and performer. Quantitative and qualitative analysis methods are applied to the amount of verbal data, and crossed with musical analysis of the scores and recordings. Allowing to retrace origins of musical objects as well as interactions in their genesis, the research enlightens an “infralinguistic” dimension of the artistic work and therefore takes part in the reflection about creative collaboration.

Le théâtre de la cruauté d’Antonin Artaud (1896-1948) participe à une libération des langages artistiques au profit du sens déterminante dans l’histoire de l’art du XXème siècle. Dans ce théâtre, l’acteur représente le point de départ d’un langage originaire fondé sur le souffle et le geste qui favorise une communication affective avec le spectateur. Le théâtre musical de la cruauté de Wolfgang Rihm (1952) s’inspire de ce langage à travers les thématiques du rite, du mythe et du rêve, porteuses d’un théâtre inhérent à la vie. Ces thématiques sont propices au développement d’une vocalité qui rend perceptible la corporalité du chanteur grâce à une déconstruction de la matière langagière. Rihm exploite la matière phonique de la langue sous forme de glossolalies, cherche différents aspects du cri en tant qu’élément premier du langage, utilise le souffle comme une matière sonore. Cette vocalité rejoint son approche instrumentale qui travaille le son à partir du timbre, du rythme et de l’intensité sans chercher à l’enfermer dans une logique systémique. Intégrée au processus compositionnel, la disposition des musiciens et des chanteurs dans l’espace rejoint également la conception d’un espace scénique vivant dans le théâtre d’Artaud. Au fur et à mesure de son théâtre musical de la cruauté, Rihm laisse ses matériaux sonores inspirés par Artaud se réécrire dans une forme de palimpseste. / The theater of cruelty of Antonin Artaud (1896-1948) participates in a liberation of artistic language over decisive meaning in the history of 20th century art. In this theater the actor is the starting point for a language of origins founded on breath and gesture, which promotes affective communication with the audience. The musical theater of Wolfgang Rihm (1952) takes it’s inspiration from this language via the themes of ritual, myth, and dream, all which bear a theater inherent to life. These themes are developed through a vocalization, which renders visible the corporeality of the singer through a deconstruction of language matter. Rihm exploits the phonic matter of language in the form of glossolalia, seeking different aspects of the scream as the primal element of language, employing breath as sonorous matter. This vocalization rejoins his instrumental approach, which uses sound drawn from timbre, rhythm and intensity without seeking to enclose it within a logical system. Integrated into the compositional process, the spacial arrangement of the musicians and the singers rejoins the concept of a living scenic space in Artaud’s theater. As Rihm’ s musical theater of cruelty progresses, it allows the sonoral matter inspired by Artaud to rewrite itself in a form of palimpsest.

Parmi les nombreuses traditions musicales extra-occidentales qui se sont exportées en occident, le gamelan, musique traditionnelle de Bali et Java en Indonésie, n’a cessé de fasciner les musiciens et mélomanes occidentaux depuis le tournant des XIXe et XXe siècles. Pour de nombreux Canadiens, la découverte de tels orchestres balinais et javanais s’est faite plutôt récemment, lors de l’Exposition spécialisée de 1986 à Vancouver. Au lendemain de cet événement, le gouvernement indonésien a légué les instruments ayant servi aux événements de l’Expo à la Simon Fraser University et à l’Université de Montréal. Depuis, plusieurs universités canadiennes ont accueilli des professeurs et compositeurs balinais et javanais dans leur corps professoral, alors qu’un nombre considérable d’étudiants canadiens ont choisi d’aller parfaire leur formation en Indonésie. Au fil des années, ces échanges internationaux ont favorisé l’établissement de communautés de gamelan notoires dans trois villes canadiennes : Vancouver, Montréal et Toronto. Actifs depuis plus de trois décennies, ces ensembles ont accumulé un corpus d’œuvres originales les distinguant les uns des autres et témoignant de leur environnement artistique spécifique. Cette recherche vise à comprendre de quelle façon le gamelan a évolué depuis son exportation au Canada dans différentes régions du pays, et en quoi cette évolution témoigne d’identités régionales équivalentes à celles que l’on peut observer dans l’archipel indonésienne. / Among the many non-European musical traditions exported to the west, the traditional gamelan music of Bali and Java, Indonesia, never ceased to fascinate musicians and audiences since the turn of the 20th century. For many Canadians, the discovery of such orchestras occurred rather recently at the 1986 World Exposition on Transportation in Vancouver. After the event, the Indonesian government gifted the instruments used at the Expo to Simon Fraser University and the University of Montreal. More Canadian universities have since welcomed Indonesian artists among their staff while a considerable number of Canadian students have chosen to perfect their knowledge in Java and Bali. Throughout the years, such international exchanges have nurtured distinct gamelan communities in three notorious Canadian cities: Vancouver, Montreal and Toronto. Active for over three decades, these ensembles have accumulated a body of original works distinguishing them and highlighting their vastly different artistic environments. This research aims to understand how gamelan has evolved in different regions since its arrival to Canada, and to what extent this evolution underlines regional identities similar to those found throughout the Indonesian archipelago.

Ce document présente une démarche de recherche-création, intitulée Worst Practices, développée dans le cadre d’un Doctorat en Composition et Création Sonore effectué au sein de la Faculté de Musique de l’Université de Montréal. Il est lié une série de compositions qui sont le volet pratique de ce projet. Ce texte précise les notions théoriques sur lesquels il s’appuie. Il présente d’abord différentes stratégies compositionelles appliquées au sein de ce projet. Dans un second temps il procédera à une analyse des différentes pièces réalisées en présentant une première série des projets qui ont inspirés cette démarche, un second ensemble de pièces ou les techniques proposées apparaissent plus consciemment, pour enfin présenter deux projets plus conséquents qui ont été entièrement constitués selon le concept de Worst Practices. Cette démarche s’inspire de la notion de bifurcation néguentropique, proposée par le philosophe français Bernard Stiegler, et consiste en une voie artistique en réaction à un environnement où l’accélération technologique est source d’aliénation et ou la surproduction pose la question de la pérennisation de son travail. Ainsi une continuité avec la démarche d’artistes tels que Frank Zappa, Charles Mingus, ou encore Erik Satie, est établie. Par la suite une série de stratégies déviantes est présentée en commençant pas l’analyse de ‘mauvaises’ habitudes de travail volontairement assumées, puis par la description de méthodes artistiques : le détournement, le débordement et la déconstruction-lacération. Ces approches de création seront ensuite identifiées au cours des analyses qui occupent les trois derniers chapitres de ce texte. Dans ce cadre, la manière dont ces pratiques ont évolué au sein de ce projet de recherche-création sera mise en avant pour illustrer le déploiement progressif des Worst Practices dans cette série de compositions. / This document presents a research-creation process, referred to as Worst Practices, developed over the course of a Doctorate in Composition and Sound Creation at the Music Faculty of the University of Montreal. It is linked to a series of compositions that are the practical dimension of this project. This text addresses the theoretical notions on which it rests. It begins by presenting various compositional strategies applied within this project. In a second phase an analysis of the various compositions will be performed starting with a first group of works that inspired this process, a second group where several of the proposed techniques begin to appear more voluntarily, to finally present to more ambitious projects that were entirely formalised through the concept of Worst Practices. This course of action is inspired by the notion of neguentropic bifurcation, developed by the French philosopher Bernad Stiegler, and consists of an artistic path in reaction to an environment in which technological acceleration is the cause for alienation and where overproduction causes artists to question the perennity of their work. It thus establishes a continuity with artists such as Charles Mingus, Frank Zappa and Erik Satie. Following this a series of deviant strategies is presented starting with voluntary ‘bad’ work habits, and then describing artistic methods employed such as diversion, overflowing and shredding. These creative approaches will be identified throughout the analyses in the three final chapters of the text. In this context, the way these practices evolved within this research-creation project will be put forward in order to illustrate the progressive deployment of Worst Practices in this series of compositions.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l'Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Cette étude vise à mettre en lumière le rôle important de la Société de musique contemporaine du Québec, des Événements du Neuf, de l’Ensemble contemporain de Montréal et du Nouvel Ensemble Moderne, quatre organismes qui ont présenté en concert 515 programmes de musique contemporaine au Québec entre 1966 et 2006. Ces sociétés se distinguent en fonction des genres représentés, des générations d’artistes, mais aussi de l’évolution des esthétiques. Toutefois, elles ont en commun le même objectif qui est de faire connaître la musique contemporaine en commandant, créant et diffusant les œuvres incontournables du répertoire contemporain d’ici et d’ailleurs. De plus, ces sociétés servent à la fois de médiateur entre le public et les créateurs et de catalyseur d’événements artistiques marquants, comme la Symphonie du millénaire (SMCQ) ou le Forum international des jeunes compositeurs (NEM). L’étude historique et l’analyse des orientations artistiques et des activités de concerts de la SMCQ, des Événements du Neuf, de l’ECM et du NEM permettront de dévoiler une nouvelle dimension de l’histoire musicale au Québec au cours de la seconde moitié du XXe siècle. Une fois posées les balises historiques qui entourent la fondation des sociétés à l’étude, une analyse détaillée de leur programmation met en relief l’appartenance des œuvres des compositeurs les plus connus à des courants esthétiques particuliers. Cette analyse est réalisée à partir de l’inventaire des concerts qui retrace de la façon la plus précise possible les données factuelles les concernant (date, lieu, titre), les noms des compositeurs et les titres des œuvres, l’instrumentation et les interprètes. Au final, l’analyse des concerts met en évidence le développement d’un répertoire de musique contemporaine au Québec à travers de grands axes de programmation. On peut ainsi mieux comprendre en quoi ces sociétés ont joué un rôle essentiel dans le développement des tendances esthétiques variées et en quoi elles ont ainsi modelé le milieu de la création musicale québécoise pendant quarante ans. / This study aims to bring to light the important role of four organizations who presented through concert 515 contemporary music programs in Quebec between 1966 and 2006: Société de musique contemporaine du Québec, Événements du Neuf, Ensemble contemporain de Montréal, and Nouvel Ensemble Moderne. These groups are unique in terms of genre, artist generation, and evolution of esthetics. However, they share the same objective, which is to spread awareness of contemporary music by commissioning, creating, and diffusing inescapable pieces of the contemporary repertoire locally and internationally. Furthermore, these societies serve at once as mediator between the public and the artists, and as catalyst for notable artistic events, as the Symphonie du millénaire (SMCQ), or the Forum international des jeunes compositeurs (NEM). The historical study and the analysis of the artistic directions and of the activities of SMCQ, Événements du Neuf, ECM, and NEM will allow for the unveiling of a new dimension of music history in Quebec during the second half of the 20th century. Once the historical markers that surround the foundation of the societies under consideration have been laid out, a detailed analysis of their programming underlines the particular esthetic trends to which the work of the best-known composers belongs. This analysis is accomplished by taking as precise inventory of the concerts as possible, which retraces the concert data (date, place, title), the composers’ names, the titles of the pieces, the instrumentation, and the interpreters. Finally, the analysis of the concerts displays the main programming principles underlying the development of a contemporary music repertoire. This allows better understanding of how these societies have contributed on varied esthetical tendancies development and how they shaped the milieu of Québécois musical creation during forty years.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de l'Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Cette thèse portant sur le potentiel musical des analyses sonores consiste en une recherche créative et artistique portant sur des propriétés caractéristiques du comportement sonore mis en lumière via divers types d'analyses et susceptibles d'assister la composition musicale. Ce travail présente l'élaboration des outils d'analyses programmés et utilisés à cette fin, en plus d'un corpus de 6 oeuvres dont l'ordre de présentation correspond à leur chronologie d'écriture, et dont la conception et l'analyse musicales sont inégalement exposées (du bref aperçu au survol exhaustif). Au fur et à mesure de la recherche, le répertoire ci-développé intègre, par élargissement conceptuel, des considérations analytiques pour d'autres phénomènes vibratoires (comme la lumière ou l'harmonie des sphères) et, esthétiquement, toute cette démarche est fondée sur le concept aristotélicien de la mimesis, où l'idéal artistique consiste en la sublimation de la nature. / This thesis about the musical potential of sound analysis consists in an artistic and creative research on characteristic properties of sound behavior revealed by various types of analysis and likely to assist musical composing. This work presents the elaboration of analysis tools programmed and used on purpose, in addition of a corpus of six works which the order of presentation corresponds to their chronology of writing, and which both conception and musical analysis are unevenly exposed (from brief to exhaustive overviews). As the research occurs, the featured repertory integrates, by a conceptual enlargement, some analytic considerations for other vibratory phenomena (as light or the harmony of the spheres) and, aesthetically, all that approach is founded on the aristotelician concept of mimesis, in which the artistic ideal consists in the sublimation of nature.

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Instrument privilégié des compositeurs d’aujourd’hui, l’accordéon est désormais doté d’un vaste répertoire de musique savante : que ce soit en solo, en musique de chambre, dans l’ensemble ou l’orchestre, la profusion des œuvres est le témoignage d’une intégration de plus en plus grande de cet instrument à la création musicale et l’orchestration contemporaine. Cette recherche explore le développement de la création musicale contemporaine pour l’accordéon en Europe depuis 1990 : la constitution d’un corpus de plus de 9100 œuvres – Ricordo al futuro – est le point de départ d’une étude sociologique sur les raisons qui ont motivé ce développement, un regard sur la définition d’une nouvelle identité sonore de l’instrument et une analyse des différentes conceptions esthétiques du répertoire des accordéonistes en Europe. Par la création d’outils à destination des interprètes et des compositeurs, cette recherche se donne pour objectif d’encourager la diffusion d’œuvres récentes auprès de tous les publics. / Cherished by many composers today, the contemporary accordion posseses a vast body of art music. Whether it be solo, chamber, ensemble or orchestral repertoire, the sheer abundance of works with accordion rightfully reflects a growing integration of the instrument within musical creation and contemporary orchestration. This project explores the development of European contemporary music composed for the accordion since 1990, seen through the making of Ricordo al futuro, a vast corpus consisting of more than 9100 works. This database has been used as a starting point for an investigation into the coining of a new sonic identity, a sociological study on the reasons which have triggered this development and a meticulous analysis of the diverging aesthetic conceptions of accordion repertoire in Europe. By creating tools destined for both performers and composers, this research project aims to help circulate this new and extremely rich repertoire to as many audiences as possible.

Depuis les années 1980, la société chinoise a eu un grand changement qui a ouvert la porte au monde. La musique contemporaine chinoise a aussi un grand développement pendant cette période. Dans ce cas-là, qu’elle est la spécificité de cette musique ? Nous regardons le chemin du développement de la musique contemporaine chinoise dès le début du XXème siècle, ce développement a eu une caractéristique commune (le nationalisme) dans les différents périodes. En même temps, le développement de la musique chinoise a eu ainsi ses propres spécificités périodiques. Dès les années 1980, la musique contemporaine chinoise a prolongé ceux des quatre premières générations qui a combiné la caractéristique communes (le nationalisme) et la spécificité personnelle. Ces musiciens de la cinquième génération ont cherché souvent les matériaux musicaux sur la culture traditionnelle chinoise, parfois ils ont été inspirés de cette culture, puis composés de nombreux œuvres musicales. Ces musiques ont diffusé au monde à nos jours. Ce mouvement a introduit un résultat ce que la culture traditionnelle chinoise a eu une renaissance dans la musique contemporaine chinoise. Dans cette thèse, nous développerons cette vision par les différents domaines comme le fait historique, la technique de la composition et l’esthétique musicales. / From 1980s, CHINA, where great changes have taken placed, has reopened its door to the outside. The Chinese contemporary music has also experienced a rapid development, which leads to the question that how the feature of its development presents.Looking back to the way of Chinese modern music from early 20th century, a common trait can be found in different stages, which can be named as ‘national character’. Meanwhile it extends to various features to reflect the periods.From 1980s, Chinese modern music not only inherits the common character of the previous generations, but also reveals its own distinction. In order to realize all these features, the Chinese musicians of the 5th generation, deriving inspirations and contents from traditional culture of CHINA accompanied by their unique techniques, have created a great amount of musical products. With the worldwide spread of these products, Chinese traditional culture has come to be known gradually. All these lead directly to the renaissance of Chinese traditional culture to a certain extent. In this dissertation, points will be stated from aspects of history, composition technique and aesthetics, etc.