Cette thèse porte sur la théorie de la justice comme égal respect et sollicitude de Ronald Dworkin. Nous y étudions l’interaction entre ses principes et le développement de l’identité de l’agent. L’intuition qui l’anime concerne le problème de la commensurabilité posé par les compréhensions de la justice fondées en égale liberté : comment s’assurer que les individus disposent réellement d’une liberté égale? Nous suggérons que l’actualisation de l’égal respect et sollicitude aurait pour effet secondaire l’assimilation du sujet aux circonstances qui l’entourent à cause des comparaisons nécessaires à l’identification de son dû. Cette dynamique se manifesterait par une différenciation nuisible au maintien du lien politique de la communauté. L’égalité libérale devrait donc accorder une importance particulière à l’éducation comme développement de la capacité d’action. En appui sur les deux principes de dignité humaine, nous proposons une conception libérale de l’éducation. / This thesis is about Ronald Dworkin’s conception of justice as equal respect and concern from which we study the interaction between its principles and the development of personal identity. The idea behind it is that justice as equal liberty involves a problem of commensurability : how do we ascertain that each individual really has an equal share of freedom? Our hypothesis is that the structure through which equal respect and concern is made tangible may have the side effect of dictating membership, whereby one’s identity is fused with his circumstances, on account of the comparison needed to evaluate what he is entitled to. This dynamic would result in a differentiation which weaken the political bonds within the community. Therefore, liberal equality should give education a special place, as a mean of developing agency and its resilience. Using as stepping stones the two principles of human dignity, we define what a liberal education would entail.

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Le sujet inédit de la thèse repose sur un fonds d’archives. Il questionne la réception du sculpteur néoclassique italien Antonio Canova (1757-1822) dans les cercles et salons mondains à travers la correspondance de personnalités françaises aux profils multiples, du Consulat, de l’Empire et de la Restauration. Au gré des lettres, se dessine l'image d’un artiste aux prises avec des intérêts économiques, artistiques et sentimentaux. La séduction opère auprès des Napoléonides lui assurant protection et commandes ; elle gagne aussi les représentants du pouvoir à Rome et les salonnières pris au jeu de la délicatesse et du charme des compositions de l’Italien. La recommandation apparaît comme un mode de communication privilégié entre artistes et reflète la vitalité de ce type de lettre ainsi que la diversité des réseaux. La correspondance met en évidence le changement de statut de l’artiste qui adapte sa célébrité aux exigences de ses commanditaires en devenant un véritable homme d’affaires. Partagé entre désir d’émancipation et fidélité aux choix esthétiques de son mentor Quatremère de Quincy, Canova livre une production polymorphe qui le fait apprécier de la critique et du public qui cherche à voir en lui l’héritier moderne des sculpteurs grecs : mais ses rares présences et expositions à Paris limitent son impact. L’influence du premier romantisme dans la peinture néoclassique imprègne la production canovienne lui conférant son originalité. L’étude des missives fait surgir des questionnements historiques, matériels et esthétiques dont les épistoliers de Canova sont les témoins. / The novel subject of this thesis is based upon archive material. It is centered on how the work of Italian neo-classical sculptor Antonio Canova was received in the most glamorous clubs and salons, through the study of letters exchanged by French celebrities from different walks of life during upon the periods of the Consulate, the Empire and the Restauration. Letter after letter, the image of an artist confronted with économie, artistic and sentimental challenges emerges. He succeeds in winning over the Napoleonides who grant him their patronage and their protection. He also gains the support of government représentatives in Rome and of fashionable women who are enraptured by the charm and the refinement of the Italian sculptor’s compositions. Référencés appear as a privileged form of exchange between artists, and reflect the vitality of this type of letter, and the variety of networks.Correspondence demonstrates the changing status of the artist who adjusts his réputation to the demands of his patron, thus becoming a true businessman. Torn between his longing forfreedom and his commitment to the artistic leanings of his mentor Quatremère de Quincy, Canova's production has many facets, which endear him to critics and to the public who wishes to see him as the modem heir of Greek sculptors. Yet as he rarely visits Paris and his work is rarely exhibited there, his impact is limited. The influence of early romanticism on ne classical painting permeates Canova’s works, and is a tribute to his originality. Studying these letters brings to light historical, material and esthetic questions that their authors bear witness to.

Structure architecturée destinée au besoin vital de chauffage, la cheminée était par conséquent l'élément le plus important d'un intérieur. Ainsi obtînt-elle la plus grande des attentions de la part des architectes, qui s'ingénièrent à donner à cet ouvrage utilitaire l'apparence d'un véritable monument de marbre, orné de motifs sculptés ou de bronzes dorés. Cette attention décorative valut parfois à l'ouvrage caminologique le privilège d'accéder au rang d'œuvre d'art.Plus qu'un simple foyer destiné à accueillir le feu, la cheminée était le point focal d'un intérieur. Sa position déterminait aussi bien la composition du décor mural que l'agencement du mobilier. C'est également autour de la cheminée que s'organisaient au quotidien les activités humaines. Cette attraction à la fois visuelle et physiologique incita à associer à la cheminée, pour son usage et pour son agrément, une grande diversité d'objets. Les objets d'art les plus précieux d'une habitation étaient volontiers exhibés sur la tablette de la cheminée, flattant ainsi l'orgueil du propriétaire, qui, au-delà, affirmait, aux yeux de tous, son rang social.Cette étude définie dans son intégralité les caractéristiques de la décoration intérieure de la seconde moitié du XVIIIe siècle, période durant laquelle s'opéra en France le renouveau classique, en partant de la cheminée tout en considérant le décor mural qui l'entourait, le choix des matériaux, des couleurs et des objets, à valeur d'usage et à valeur esthétique, qui lui étaient associés. L'analyse de la cheminée et de son décor permet ainsi de saisir au plus près les goûts et les habitudes ornementales de la société française de la fin de l'Ancien Régime. / As an architectural structure providing heat to satisfy one of man's vital need, the fireplace was the most important element of interior decoration. Then it attracted the attention of architects who strived to give to this useful device the appearance of a true monument in marble, decorated with sculpted motifs or ormolu. As a result of the attention paid to its decoration, the fireplace eventually reached the status of a genuine work of art. More than a mere hearth aimed at setting the fire, it became an essential element of the household. Its central position determined both the arrangement of the panelling and the layout of the furniture. At this point, daily occupations got tied to the fireplace; its physiological and esthetical value led to the necessity of possessing a wide range of objects either useful (to set the fire) or decorative. The most precious ownings of the house were usually exhibited on the marble top, flattering its owner, while affirming his vanity. This PhD is a thorough study of the characteristics of interior decoration during the second half of the 18th c.. In France at the time, there was a major classicism revival, operating through the fireplace and the decoration of the walls around it, including changes in colors and in the range of fireplace-related objects to use or admire. This survey of the fireplace and its decorative context enables us to apprehend french society's tastes and habits at the very end of "Ancien Régime".

Entre 1780 et 1830, la conception du paysage évolue radicalement. Au tournant des XVIIIème et XIXème siècles, Rome accueille une fraternité d’artistes qui construisent un nouveau regard sur l’architecture et la nature, qui se place aux origines du paysage moderne. Les itinéraires artistiques de quatre paysagistes français, Jérôme-René Demoulin (1758-1799), Jacques Moulinier (1757-1828), François Liger (1757-?) et Antoine-Laurent Castellan (1772-1838) appartenant à cette même génération, constituent le sujet de notre étude. Entretenant tous un lien avec la ville de Montpellier, ces hommes, exerçant la profession de « dessinateurs voyageurs », empruntent des grands itinéraires à travers une Europe en guerre. Engagés au sein de missions scientifiques ou de voyages pittoresques, ces artistes réalisent une moisson de dessins depuis Madrid jusqu’à Constantinople. Cette étude se donne comme objectif premier de (re)constituer le parcours et la production de chacun des artistes afin de nous approcher de leur personnalité artistique. Le musée Fabre de Montpellier conserve, disséminée dans ses collections, une grande partie de ces dessins de voyage. Ainsi, un travail considérable de réattribution fut nécessaire afin d’élaborer quatre catalogues rigoureux et inédits relatifs à chaque artiste (450 dessins au total). Dans un second temps, l’analyse de ces corpus retrouvés et augmentés, donne à voir la place de chacun dans les tendances artistiques contemporaines. Ne formant ni un groupe, ni un échantillon d’étude, ces quatre hommes représentent en fait, par leur parcours et leur production, un fragment des pratiques contemporaines du paysage, depuis les vues pittoresques de Jacques Moulinier, héritières du XVIIIème siècle, jusqu’à l’intuition d’Antoine-Laurent Castellan, qui réalise des études dans la forêt de Fontainebleau dès 1819, préfigurant alors lesdéveloppements futurs du genre du paysage. / Between 1780 and 1830 the conception of landscape, changed radically. At the turn of XVIIIth and XIXth centuries a brotherhood of artists were in Rome who had a new concept of the relationship between architecture and nature. The aesthetic journeys undertaken by these four Frenchmen of the same generation, Jérôme-René Demoulin (1758-1799), Jacques Moulinier (1757-1828), François Liger (1757-?) and Antoine-Laurent Castellan (1772-1838) are the subject of this study. Whilst following their profession as artists, travellers and making long journey across Europe in time of war, they maintained their link with the city of Montpellier. Involved at the heart of scientific investigations or making journeys in pursuit of the picturesque, these men made a harvest of designs from Madrid to Constantinople. The object of this study is firstly torediscover the individual journeys and drawings of each one and to come close to their individual aesthetic. The musee Fabre at Montpellier holds a large proportion of the drawings made during their travels within its collections. Thus in order to complete a definitive catalogue for each of these artists, 4 new catalogues from a total of 450 designs, a great deal of exacting research was necessary. Secondly to analyse each body of work to discover the place each one held in contemporary artistic trends more exacting study was required. These men form neither a group or a sample study. By their works and travels they represent a fragment of the landscape work of their time. Inheritors of their ideas in the XIXth century from the picturesque views of Jacques Moulinier, to the intuition of Antoine-Laurent Castellan, who made his studies in the forest of Fontainebleau from 1819, prefigure the future concepts of landscape.

Depuis plus d'un siècle, la Grèce antique ne cesse d'éblouir philosophes et hommes de lettre en Occident. La tragédie occupe une place éminente dans cet émerveillement venu de l'Athènes du Ve siècle avant Jésus-Christ. C'est pour matérialiser cette fascination que ce théâtre a donné lieu à des interprétations de tout genre : philosophique, humaniste, politique et morale... Il s'agit de lectures idéologiques dont la tragédie en général et Sophocle en particulier a fait l'objet. Dans cette perspective, il importait d'effectuer un panorama des lectures de cette tragédie devenue un mythe contemporain. L'oeuvre de Sophocle a servi d'illustration à la visée idéologique d'un théâtre qui s'intégrait à l'origine dans le cadre des manifestations culturelles en l'honneur de Dionysos à Athènes. Y avait-il lieu d'universaliser et d'immortaliser ces interprétations, fruits de l'imaginaire occidental ? Fallait-il continuer la réincarnation des personnages de Sophocle qui aurait avec son Antigone et son OEdipe-roi réussi à élaborer des modèles inimitables de la tragédie et de l'existence de l'homme ? C'est pour questionner cette vision de Sophocle qu'il semble nécessaire d'exploiter les éléments esthétiques (chant, musique) de cette tragédie qui offrent de nouvelles pistes de réflexion en porte-à-faux avec la lecture idéologique observée dans la critique contemporaine.

La présente étude vise à réexaminer l’oeuvre de Marguerite Yourcenar (1903-1987) sous le signe du néoclassicisme du XXe siècle. À travers une approche d’histoire littéraire et culturelle, sont analysés les écarts ou rapprochements qu’elle a opérés par rapport aux courants littéraires et artistiques de son temps, notamment ceux de l’Entre-deux-guerres. La première partie cherche à mettre au jour l’enjeu et la modalité de son rapport à l’Antiquité, en examinant, outre ses textespubliés, les documents inédits conservés aux archives à l’Université Harvard et à Petite Plaisance : le cahier dans lequel son père a copié des poèmes choisis ; le recueil Les Dieux ne sont pas morts (1922) et le tapuscrit de poèmes, « Album de vers anciens » (1917-1965) ; l’exemplaire de De Profundis sur lequel elle a laissé des traces de sa lecture. La deuxième partie retrace, en observant les textes publiés par l’auteur dans plusieurs revues ainsi que la correspondance, surtout dans les années trente et dans des écrits postérieurs sur cette période, l’itinéraire d’une jeune romancière qui n’est pas ignorante des courants majeurs — ceux qui se développent autour de la NRF, du courant dit du « retour à l’ordre » et de la découverte d’une nouvelle image de la Grèce — mais maintient un écart subtil entre eux et sa propre production. La troisième partie propose, à travers la caractérisation de son esthétique néoclassique, de définir Marguerite Yourcenar comme une figure de l’antimoderne et du dandy. / This study proposes to reexamine the works of Marguerite Yourcenar (1903-1987), focussing on the relation to the 20th century’s neoclassicism. By means of literary- and cultural-history approaches, it analyzes the gaps or connections between her and the literary or artistic currents in the Interwar period. The first part clarifies how the author moulded her view of ancient Greece and Rome, which affected her works. It examines published and unpublished documents conserved in Harvard University and in Petite Plaisance: the notebook in which her father copied the poems chosen by him; the collection of poems by Yourcenar, The Gods didn’t die (1922), and its related typed texts “Album of ancient poems” (1917-1965); the book De Profundis of Oscar Wilde which includes her reading notes. The second part traces the trajectory of the young novelist, which shows that she was not indifferent to the major currents; the NRF, the return to the order and the discovery of the new image of Greece. We examine especially her writings published in several magazines and her letters written in the thirties as well as her works concerning this period. The third part proposes to regard Yourcenar as an anti-modernist and a dandy, by clarifying her neoclassical aesthetics.

Grâce à son héritage beaux-arts, Charles Gamier a conçu un Opéra qui s'inscrit dans la continuité de la tradition architecturale classique. Il décorera toutefois le bâtiment en empruntant les stratégies du Romantisme afin de créer un style propre à son époque, le style actuel. Sous cet aspect, l'architecte de l'Opéra marque un renouveau en architecture. Celui-ci se façonne non pas par l'utilisation de matériaux modernes, mais par l'attention que l'architecte porte à la circulation et à l'ornementation ainsi que par la compréhension qu'il a du rôle social que doit jouer le bâtiment. Au paroxysme de la fièvre du progrès au XIXe siècle, Gamier choisit de transformer le décor intérieur en une couche sensible, avec une dimension psychologique affirmée pour les visiteurs.

Emma Hamilton (1765-1815) eut un impact considérable à un moment charnière de l’histoire et de l’art européens. Faisant preuve d’une énorme résilience, elle trouva un moyen efficace d’affirmer son agentivité et fut une source d’inspiration puissante pour des générations de femmes et d’artistes dans leur propre quête d’expression et de réalisation de soi. Cette thèse démontre qu’Emma tira sa puissance particulière de sa capacité à négocier des identités différentes et parfois même contradictoires – objet et sujet ; modèle et portraiturée ; artiste, muse et œuvre d’art ; épouse, maîtresse et prostituée ; roturière et aristocrate ; mondaine et ambassadrice : et interprète d’une myriade de caractères historiques, bibliques, littéraires et mythologiques, tant masculins que féminins. Épouse de l’ambassadeur anglais à Naples, favorite de la reine de Naples et amante de l’amiral Horatio Nelson, elle fut un agent sur la scène politique pendant l’époque révolutionnaire et napoléonienne. Dans son ascension sociale vertigineuse qui la mena de la plus abjecte misère aux plus hauts échelons de l’aristocratie anglaise, elle sut s’adapter, s’ajuster et se réinventer. Elle reçut et divertit d’innombrables écrivains, artistes, scientifiques, nobles, diplomates et membres de la royauté. Elle participa au développement et à la dissémination du néoclassicisme au moment même de son efflorescence. Elle créa ses Attitudes, une performance répondant au goût de son époque pour le classicisme, qui fut admirée et imitée à travers l’Europe et qui inspira des générations d’interprètes féminines. Elle apprit à danser la tarentelle et l’introduisit dans les salons aristocratiques. Elle influença un réseau de femmes s’étendant de Paris à Saint-Pétersbourg et incluant Élisabeth Vigée-Le Brun, Germaine de Staël et Juliette Récamier. Modèle hors pair, elle inspira plusieurs artistes pour la production d’œuvres qu’ils reconnurent comme parmi leurs meilleures. Elle fut représentée par les plus grands artistes de son temps, dont Angelica Kauffman, Benjamin West, Élisabeth Vigée-Le Brun, George Romney, James Gillray, Joseph Nollekens, Joshua Reynolds, Thomas Lawrence et Thomas Rowlandson. Elle bouscula, de façon répétée, les limites et mœurs sociales. Néanmoins, Emma ne tentait pas de présenter une identité cohérente, unifiée, polie. Au contraire, elle était un kaléidoscope de multiples « sois » qu’elle gardait actifs et en dialogue les uns avec les autres, réarrangeant continuellement ses facettes afin de pouvoir simultanément s’exprimer pleinement et présenter aux autres ce qu’ils voulaient voir. / Emma Hamilton (1765-1815) had a marked impact at a pivotal moment in European history and art. This dissertation shows that Emma drew her particular potency from her ability to negotiate these different and at times contradictory identities—object and subject; model and sitter; artist, muse, and work of art; wife, mistress, and prostitute; commoner and aristocrat; socialite and ambassadress; and performer of myriad historical, biblical, literary, and mythological male and female characters. Emma displayed astonishing resilience, found an effective way to assert her agency, and was a powerful inspiration for generations of artists and of women in their own search for expression and self-actualization. The wife of England’s ambassador to Naples, the favourite of the queen of Naples, and the lover of Admiral Horatio Nelson, she was an agent on the political stage during the Revolutionary and Napoleonic era. She adapted, adjusted, and reinvented herself in her dizzying rise from rags to riches. She entertained and beguiled countless writers, artists, scientists, aristocrats, politicians, and royalty. She participated in the dissemination of Neoclassicism in Europe at the very moment of its efflorescence. She created her Attitudes, a performance that tapped into her epoch’s taste for classicism, was admired and imitated throughout Europe, and inspired generations of female performers. She learnt to dance the tarantella and introduced it into aristocratic drawing rooms. She influenced an early nineteenth-century network of women that spanned Paris to St Petersburg and included Élisabeth Vigée-Le Brun, Germaine de Staël, and Juliette Récamier. An unmatched model and sitter, she inspired artists to produce what they acknowledged to be some of their best work. She appeared in works produced by the major artists of her time, among whom Angelica Kauffman, Benjamin West, Élisabeth Vigée-Le Brun, George Romney, James Gillray, Joseph Nollekens, Joshua Reynolds, Thomas Lawrence, and Thomas Rowlandson. And she repeatedly pushed against the limits of social mores. Nevertheless, Emma did not attempt to present a coherent, unified, polished identity. Instead, she was a kaleidoscope of different selves that she kept active and in dialogue with each other, constantly reconfiguring the pieces so that she could simultaneously express herself fully and present to others what they wanted to see.

L’étude des œuvres et de la correspondance de Johann Joachim Winckelmann, produites entre 1755 et 1768, offre un regard nouveau sur l’amour entre hommes au 18e siècle et sur sa relation à la construction de la masculinité. Le cas de Winckelmann illustre le caractère construit et changeant de l’érotisme. En effet, l’influence de l’exemple hellénique est visible dans le fantasme homoérotique qu’il élabora dans ses œuvres dans le but de s’expliquer ses désirs. L’Antiquité, par son autorité culturelle, représenta un espace relativement sécuritaire où Winckelmann put exprimer sa sensibilité homoérotique à laquelle le contexte occidental était alors très défavorable : la littérature antique exaltait l’affection entre hommes et sa statuaire, le corps masculin nu. Le fantasme que fit Winckelmann fut capital pour sa compréhension et la justification de ses relations avec d’autres hommes, surtout après son arrivée en Italie en 1755. Loin de se cantonner à la répression de l’homoérotisme par la société européenne des Lumières, le cas de Winckelmann en illustre le potentiel d’intégration partielle. En effet, l’originalité de Winckelmann tient à sa façon de communiquer ses idéaux homoérotiques dans des textes savants, tout en rendant sa perception du beau masculin et son amour des hommes socialement acceptables. Enfin, plusieurs indices dans les œuvres et la correspondance de Winckelmann portent à penser qu’il était conscient de sa différence et qu’il se constitua entre 1755 et 1768 une communauté discrète d’hommes aussi sensibles aux désirs homoérotiques. / Studying the works and letters of Johann Joachim Winckelmann written between 1755 and 1768 gives new insights on love between men in the 18th century and on its relation to the construction of masculinity. The case of Winckelmann illustrates the constructed and changing nature of eroticism: the influence of the Hellenic example is visible in the homoerotic fantasy that Winckelmann used to interpret his desires. Antiquity, given its cultural authority, represented a relatively safe space where Winckelmann was able to express his homoerotic sensibility to which the western context was hostile. Greek literature exalted the display of affection between men and its statuary, the nude male body. This fantasy would later prove to be the capital in Winckelmann’s comprehension and justifications of his relations with other men in Italy after 1755. Far from being confined to the repression of homoeroticism by the 18th century European society, the case of Winckelmann illustrates its potential for partial integration. The originality of Winckelmann lies in the way he used to communicate his homoerotic ideas in scholarly texts while rendering them socially acceptable. Finally, several clues in his works and letters bear to think that Winckelmann was aware of his difference and that between 1755 and 1768 he created for himself a discrete community of men also sensitive to homoerotic desires.