Submitted by admin tede (tede@pucgoias.edu.br) on 2017-10-10T16:46:36Z No. of bitstreams: 1 NORIVAL BOTTOS JÚNIOR.pdf: 878309 bytes, checksum: 189059bee321c390492588b58bf0ca4f (MD5) / Made available in DSpace on 2017-10-10T16:46:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 NORIVAL BOTTOS JÚNIOR.pdf: 878309 bytes, checksum: 189059bee321c390492588b58bf0ca4f (MD5) Previous issue date: 2012-02-08 / This work has as main objective to discuss the importance of Thomas Mann`s intelectual reflexion about the concepts of art and how the this artist as a figure of deviation of the social and cultural context that he does not attempt to perform. For instance, we Will study how Thomas Mann appropriate to the nietzschian`s philosophy as a model os misreading tradition,to emphasize the main concepts of “drunkeness”, “sickness” and “Will to power”. We Will search yeat, how Thomas Mann promove his asthetic misreading and position himself in a originaly way in front of all tradition, promoting, as we believe, a existencial reflexion that concerns the problems of original creation and the influence of the intertextual object of art. / Este trabalho tem como objetivo principal discutir a importância da reflexão intelectual de Thomas Mann sobre os conceitos de arte moderna e de como esse artista, como desviante da tradição cultural e social do ocidente busca se posicionar esteticamente dentro de um contexto de mundo que não lhe é inerente. Para tanto, estudaremos como Thomas Mann se apropria da filosofia de Nietzsche como modelo de desleitura da tradição, destacando-se os conceitos de “embriaguez”, “doença” e “vontade de potência”. Buscaremos evidenciar também como Thomas Mann promove sua desleitura da estética tradicional e se posiciona de modo original perante a tradição, promovendo uma reflexão existencial em torno dos problemas de criação e da angústia da influência literária.

O presente trabalho procura acompanhar a proposta modelar de Theodor W. Adorno, formulada de modo ensaístico e paratáxico na Teoria estética. Visa compreender esse modelo de pensamento, sua atualidade como manifesto crítico e como possibilidade de construção cognitiva não mais voltada a uma racionalidade que se sobrepõe às particularidades do objeto do conhecimento, reprimindo-as em favor da soberania do sujeito. Busca esclarecer como o estético, em Adorno, tornou-se um experimento teórico para apresentar objetos sociais e históricos – as obras de arte – que resistem ao jogo do valor de troca e que, por meio de uma linguagem enigmática e de uma perspectiva utópica, propõem mudanças para o atual estado de coisas. Pretende, ainda, mostrar que a Teoria estética superou os traços desesperançosos e pessimistas que marcavam o discurso de Adorno: a razão humana não está destinada a reprimir-se e a reprimir a natureza e os homens. A obra de arte resiste e, ao resistir, nega. Ao negar, propõe algo que não existe, um não-idêntico, algo que não se sabe o que é. O desejo de algo novo, liberto do peso totalizador da Aufklärung, atravessa a Teoria estética. / This paper is an attempt to study Theodor W. Adorno‟s model proposition formulated in an essay-like and parataxic-like model in his Ästhetische Theorie. The paper pursues a better understanding of Adorno´s thought model, its today‟s actuality both as a criticism manifest and as a possibility of cognitive construction no longer dependent on a rationality that supersedes the particularities of the object under study, inhibiting them in favour of the subject‟s sovereignty. The paper also tries to make it clearer how the concept of esthetics, in Adorno, has become a theoretical experiment to present social and historical objects – works of art – that do not yield vis-a-vis the exchange value game and which, by means of an enigmatic language and of a utopic perspective, propose changes in favour of the present-day status quo. Besides, this paper also tries to show that Adorno‟s Ästhetische Theorie has overcome the hopeless and pessimistic traits that marked Adorno‟s discourse: human nature is not bound to repress itself and to repress nature and men. A work of art resists and, upon resisting, it denies. Upon denying, it proposes something that does not exist, something non-identical, something one does not know what it really is. A desire for something new, free from the totalizing weight of the Aufklärung permeates the Ästhetische Theorie.

Esta tese trata sobre a criatividade do amor criante de Deus, como fundamento para a criatividade do ser humano e seu processo de cura na vivência da criação artística. Dentro de uma metodologia interdisciplinar, apoiada numa hermenêutica fenomenológica, se construiu um arcabouço teórico para a compreensão de uma vivência prática na criação da obra de arte, intitulada Caso R., que ocorreu no Atelier de Arte Maria Glória Dittrich, na cidade de Brusque, Estado de Santa Catarina, Brasil. A primeira parte, chamada Vivência, apresenta nos seus três quadros uma abordagem sobre a história de vida da pesquisadora e sua descoberta do tema de pesquisa. Descreve o Caso R. como uma vivência de criação na arte, marcada pelo amor e pelo desejo de ajudar o ser humano e nela ocorre um processo de cura. Por último, apresenta a metodologia da pesquisa do tipo teórico-prático, dentro de uma hermenêutica fenomenológica. A segunda parte, chamada A Compreensão, se organiza em três quadros. O primeiro, mostra os fundamentos da criatividade do corpo-criante. Explica que a criatividade nasce na auto-organização do corpo-criante e sua base é o amor vital. No segundo, apresenta a concepção de corpo-criante como um todo multidimensional sustentado, na sua criatividade, por um fundamento último Deus - amor criante, espiritual, que dá coragem para o ser humano enfrentar a finitude e a infinitude da vida. O segundo, discute sobre a obra de arte como revelação da criatividade do amor criante de Deus e sua relação com a criatividade humana sob o movimento da vida. Aponta a razão profunda como instância capaz de desenvolver a obra de arte e dar sentido a ela. Mostra a obra de arte desde o conceito de revelação como mistério, como êxtase e milagre. Por último, a obra de arte é apresentada como revelação da criatividade do amor criante de Deus para a descoberta de sentido para o viver. O terceiro, mostra uma concepção de cura espiritual como vivência da criatividade do amor criante de Deus no ser humano diante das ambigüidades da vida. Conceitualiza a fé como um sentir-se possuído por uma força espiritual, criadora. Essa força causa impactos na estrutura e organização do corpo-criante, implicando um processo criativo para a cura. A cura espiritual é a manifestação do amor criante do Espírito de Deus, no espírito humano. Essa manifestação é processo de fé no movimento das três dimensões da vida. A terceira parte, intitulada O Testemunho, é a hermenêutica sobre o Caso R. Esta parte está organizada em três quadros. O primeiro, apresenta a descoberta da Maria Glória sobre o fundamento último da criatividade humana nas relações de criação na criação artística. Confirma que essa descoberta levou à tomada de consciência sobre a força do poder da criatividade do amor criante de Deus, para o ser humano descobrir um novo sentido de vida através da criação na arte. No segundo, a revelação da criatividade do amor criante de Deus acontece para Maria Glória e R., dentro de uma experiência inusitada de fé que se tornou palavra encarnada, sinalizando um processo de cura. Por último, apresenta a confirmação da cura espiritual do R., como uma vivência criativa em processo, sustentada pela criatividade do amor criante de Deus no corpo-criante humano e sua auto-afirmação no mundo pela sua criatividade. / This thesis is about the creativity of Gods creating love as basis for the creativity of human being and its cure process at the living experience of artistic creation. In an interdisciplinary methodology, supported by a phenomenological hermeneutic, it has been built a theoretical skeleton for the comprehension of a practical living experience in the creation of the work of art entitled Caso R., which occurred in the art atelier Maria Glória Dittrich, in the city of Brusque, state of Santa Catarina, Brazil. The first part, called Living Experience, shows in its three boards an approach on the researchers life story and her discovery on the subject of research. It describes Caso R. as a creation living experience in art, marked by the love and by the desire of helping human being and in it there occurs a cure process. At last, it shows the methodology of research of the theoretical-practical type, in a phenomenological hermeneutic. The second part, named The Comprehension, is organized in three boards. The first shows the basis of creativity of the creating body. It explains that the creativity grows from self-organization of the creating body and its basis is vital love. On the second, it shows the conception of creating body as a multidimensional whole, maintained, in its creativity, by an ultimate basis God creating, spiritual love, which gives courage to human being to face finiteness and infiniteness of life. The second discusses about the work of art as a revelation of the creativity of Gods creating love and its relation to human creativity under lifes motion. It points out the profound reason as an instance capable of developing the work of art and give it a meaning. It shows the work of art from the concept of revelation as mystery, as ecstasy and miracle.At last, the work of art is shown as revelation of creativity of Gods creating love for the discovery of meaning for living. The third shows a conception if spiritual cure as living experience of creativity of Gods creating love in human being in the presence of life ambiguities. It reputes faith as feeling possessed by a spiritual, creative force. This force causes impacts on the structure and organization of the creating body, implying a creative process for the cure. Spiritual cure is creating love manifestation of God Spirit in human spirit. This manifestation is a faith process in the motion of the three dimensions in life. The third part, entitled The Testimony, is the hermeneutic about Caso R. This part is organized in three boards. The first shows the discovery of Maria Glória about the ultimate basis of human creativity in relations of artistic creation. It confirms that this discovery led to the conscience take about the force of creativity power of Gods creating love, for the human being to discover a new meaning of life through creation in art. In the second, revelation of creativity of Gods creating love happens to Maria Glória and R., in an unsusual faith experience that has become embodied word, signalizing a cure process. At last, it shows confirmation of spiritual cure of R., as a creative living experience in process, maintained by creativity of Gods creating love in the human creating body and its self-affirmation in the world by its creativity.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 117119.pdf: 876523 bytes, checksum: 2d928883296ff247ee2657fcf27780b6 (MD5) Previous issue date: 2014-04-09 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The present dissertation have as objective investigate the theatrical phenomenon from the ideas of Martin Heidegger. For this, understands the theater as a work of art, because there is only poetic happening in this condition. The essence of art is, according perspective of Heidegger, poetry and she unveils the truth of being. For better understanding of what is the poetic happen in theater this question was separated into three responses. The first one refers to the ontic condition of the scene through an outline of your story, where it shows, in this way, what is and isn´t art. The second response intends to overcome the ontic characteristics presented before but not deny them, because the being is not without the entity and, thus, show what is the art. And from this, deepen the layers of "poetic happen", once admit several layers: the opening , glade, technique, originating , time, presence , truth, World and Earth, home , entity and being. The third chapter cares to think about how do to arrive the work of art in the viewer , in another words, how it happens the "poetic happen" in the staging in instance of experience. Here is investigate the availability of the actor while the work of art server, because he is the immediate link in relation of work of art, artist and viewer. Questions such as listening, serenity and donation - three items that Heidegger considers fundamental to the artist let strengthen the work of art and not himself here are focused. As a final reflection the current theater is analyzed and the possibilities and the necessities (or not) of a theater as work of art too, a theater that has as path the sense of being, since art has to unveil and contribute to understanding the current historical time. / A presente dissertação tem como objetivo investigar o fenômeno teatral a partir das ideias de Martin Heidegger. Para tanto, toma o teatro enquanto obra de arte, pois só há acontecimento poético nessa condição. A arte por essência é, segundo a perspectiva heideggeriana, poesia e ela pode desvelar a verdade do ser. Para melhor compreensão do que é o acontecer poético no teatro, tal questão foi desmembrada em três partes. A primeira refere-se à condição ôntica da cena, através de um esboço de sua história, onde se evidencia o que, nesse percurso, é e não é arte. A segunda resposta pretende problematizar as características ônticas antes apresentadas e não negá-las, pois o ser não se dá sem o ente e, assim, revelar indícios do que pode vir a ser arte. E, a partir disso, descamar o acontecer poético, uma vez que admite várias camadas: abertura, clareira, técnica, originário, tempo, presença, verdade, Mundo e Terra, repouso, ente e ser. O terceiro capítulo se ocupa em pensar o modo, o como fazer para a obra chegar ao espectador, ou seja, como se dá o acontecer poético na encenação enquanto experiência. Aqui é investigada a disponibilidade do ator enquanto servidor da obra, pois é o elo imediato na relação entre obra, artista e espectador. Questões tais como escuta, serenidade e doação três quesitos que Heidegger considera fundamentais para que o artista deixe vigorar a obra de arte e não ele próprio são aqui enfocadas. Como reflexões finais são analisados o teatro atual e as possibilidades e necessidades (ou não) de um teatro enquanto obra arte, um teatro que tem como vereda o sentido do ser, uma vez que a arte desvela e contribui para a compreensão do tempo histórico atual.

O presente trabalho procura acompanhar a proposta modelar de Theodor W. Adorno, formulada de modo ensaístico e paratáxico na Teoria estética. Visa compreender esse modelo de pensamento, sua atualidade como manifesto crítico e como possibilidade de construção cognitiva não mais voltada a uma racionalidade que se sobrepõe às particularidades do objeto do conhecimento, reprimindo-as em favor da soberania do sujeito. Busca esclarecer como o estético, em Adorno, tornou-se um experimento teórico para apresentar objetos sociais e históricos – as obras de arte – que resistem ao jogo do valor de troca e que, por meio de uma linguagem enigmática e de uma perspectiva utópica, propõem mudanças para o atual estado de coisas. Pretende, ainda, mostrar que a Teoria estética superou os traços desesperançosos e pessimistas que marcavam o discurso de Adorno: a razão humana não está destinada a reprimir-se e a reprimir a natureza e os homens. A obra de arte resiste e, ao resistir, nega. Ao negar, propõe algo que não existe, um não-idêntico, algo que não se sabe o que é. O desejo de algo novo, liberto do peso totalizador da Aufklärung, atravessa a Teoria estética. / This paper is an attempt to study Theodor W. Adorno‟s model proposition formulated in an essay-like and parataxic-like model in his Ästhetische Theorie. The paper pursues a better understanding of Adorno´s thought model, its today‟s actuality both as a criticism manifest and as a possibility of cognitive construction no longer dependent on a rationality that supersedes the particularities of the object under study, inhibiting them in favour of the subject‟s sovereignty. The paper also tries to make it clearer how the concept of esthetics, in Adorno, has become a theoretical experiment to present social and historical objects – works of art – that do not yield vis-a-vis the exchange value game and which, by means of an enigmatic language and of a utopic perspective, propose changes in favour of the present-day status quo. Besides, this paper also tries to show that Adorno‟s Ästhetische Theorie has overcome the hopeless and pessimistic traits that marked Adorno‟s discourse: human nature is not bound to repress itself and to repress nature and men. A work of art resists and, upon resisting, it denies. Upon denying, it proposes something that does not exist, something non-identical, something one does not know what it really is. A desire for something new, free from the totalizing weight of the Aufklärung permeates the Ästhetische Theorie.

Esta tese investiga a Ideia e o modo como ela se realiza na obra de arte segundo a Estética de Hegel. No primeiro capítulo, o conceito de Ideia é apresentado nas três formas em que o mesmo se realiza segundo a Lógica enquanto Ciência do Conceito em Hegel. No segundo capítulo, procura-se estabelecer alguns pressupostos históricos da analogia entre belo e organismo e como esta mesma analogia pode ser reencontrada na Estética de Hegel. No terceiro capítulo, mostra-se como a ação também pode ser outra forma de interpretação e elemento estruturador da Ideia realizada na obra de arte. No quarto capítulo, apresenta-se o silogismo (e o juízo) como possível forma de explicação das diversas formas de arte. No quinto capítulo, as duas formas de realização da Ideia, enquanto vida e ação, são apresentadas como duas formas diferentes de expressão da Ideia realizadas respectivamente nas obras de arte das formas particulares de arte clássica e romântica. / This thesis investigates the idea and the way it is realized in the work of art according to Hegel\'s Aesthetics. In the first chapter the concept of idea is presented in three forms as it realizes itself according to the Logic as the Science of Concept in Hegel. In the second chapter, we try to establish some historical presuppositions of the analogy between beauty and organism and how this same analogy can be rediscovered in Hegel\'s Aesthetics. In the third chapter, it is shown how the action could also be another form of interpretation and structuring element of the idea realized in the artwork. The fourth chapter presents the syllogism (and judgment) as a possible form of explanation of the different particular forms of art. In the fifth and concluding chapter, the two forms of realization of the idea, as life or action, are presented as two different forms of expression of the idea realized respectively in the particular forms of art of classical and romantic arts.

O presente trabalho procura acompanhar a proposta modelar de Theodor W. Adorno, formulada de modo ensaístico e paratáxico na Teoria estética. Visa compreender esse modelo de pensamento, sua atualidade como manifesto crítico e como possibilidade de construção cognitiva não mais voltada a uma racionalidade que se sobrepõe às particularidades do objeto do conhecimento, reprimindo-as em favor da soberania do sujeito. Busca esclarecer como o estético, em Adorno, tornou-se um experimento teórico para apresentar objetos sociais e históricos – as obras de arte – que resistem ao jogo do valor de troca e que, por meio de uma linguagem enigmática e de uma perspectiva utópica, propõem mudanças para o atual estado de coisas. Pretende, ainda, mostrar que a Teoria estética superou os traços desesperançosos e pessimistas que marcavam o discurso de Adorno: a razão humana não está destinada a reprimir-se e a reprimir a natureza e os homens. A obra de arte resiste e, ao resistir, nega. Ao negar, propõe algo que não existe, um não-idêntico, algo que não se sabe o que é. O desejo de algo novo, liberto do peso totalizador da Aufklärung, atravessa a Teoria estética. / This paper is an attempt to study Theodor W. Adorno‟s model proposition formulated in an essay-like and parataxic-like model in his Ästhetische Theorie. The paper pursues a better understanding of Adorno´s thought model, its today‟s actuality both as a criticism manifest and as a possibility of cognitive construction no longer dependent on a rationality that supersedes the particularities of the object under study, inhibiting them in favour of the subject‟s sovereignty. The paper also tries to make it clearer how the concept of esthetics, in Adorno, has become a theoretical experiment to present social and historical objects – works of art – that do not yield vis-a-vis the exchange value game and which, by means of an enigmatic language and of a utopic perspective, propose changes in favour of the present-day status quo. Besides, this paper also tries to show that Adorno‟s Ästhetische Theorie has overcome the hopeless and pessimistic traits that marked Adorno‟s discourse: human nature is not bound to repress itself and to repress nature and men. A work of art resists and, upon resisting, it denies. Upon denying, it proposes something that does not exist, something non-identical, something one does not know what it really is. A desire for something new, free from the totalizing weight of the Aufklärung permeates the Ästhetische Theorie.

O presente trabalho tem como foco principal estudar o Museu Casa da Xilogravura da cidade do Campos do Jordão. Uma questão foi desenvolvida a partir da colaboração da Arte/educação nas ações educativas do Museu: Quais as possibilidades educativas do Museu Casa da Xilogravura para a formação inicial de professores de Arte Visuais? Resgataram-se informações sobre o Festival de Inverno de Campos do Jordão, como medida para reestabelecer relações com as ações contemporâneas sugeridas nesta pesquisa: a ligação da formação de professores em Artes Visuais com a cidade de Campos do Jordão, como também com suas cercanias. Outros assuntos pertinentes ao trabalho foram desenvolvidos como, por exemplo, os estudos sobre a abordagem do ensino superior, elaborados pelos professores Paulo Freire e Thierry De Duve, que embasaram a discussão sobre a formação inicial de professores de artes. Breve estudo sobre a legislação no ensino da arte foi escrito para reflexões sobre as políticas públicas no Ensino Superior. Um recorte de estudo sobre a importância do trabalho educativo dos museus como formação de um conceito, bem como um recorte histórico do Educativo dos primeiros museus paulistas, também consta deste trabalho. Foram desenvolvidos estudos sobre Curadoria Educativa e museu, e acervos digitais, devido às suas relações com a proposta da tese. Foi feito um levantamento de trabalhos com bases no Projeto Observatório da Formação de Professores que versavam a respeito da Educação em Museus no âmbito da graduação, que por sinal notou-se uma quantia bem pequena na pesquisa. Um pequeno histórico a respeito da formação do acervo do Museu Casa da Xilogravura foi realizado, por meio de informação bibliográfica, documental e depoimentos orais. Foram atualizados os dados quantitativos referentes às visitações presenciais dos estudantes de Ensino Básico ao Museu, assim como a maneira pela qual o visitante espontâneo acessa as informações sobre a Instituição. Um aprofundamento a respeito da Leitura da Obra de Arte, no âmbito da Abordagem Triangular do Ensino da Arte de Ana Mae Barbosa, e o Desenvolvimento Estético foi pensado sob à luz dos conceitos de quatro pesquisadores: Edmund B. Feldman, Robert W. Ott, Michael J. Parsons e Abigail Housen. Construiu-se um modelo autônomo, porém com bases nessas teorias, que levou a uma proposta de Material de Apoio ao professor em Artes Visuais, a ser oferecida às Instituições de Ensino Superior das regiões do Vale do Paraíba, sul de Minas Gerais e Rio de Janeiro. Este material apresenta a obra de Lasar Segall, chamada \"Casal no Mangue\", de 1929, xilogravura impressa em papel, que faz parte do acervo do Museu Casa da Xilogravura. / The current dissertation focuses mainly on studying the Woodcutting House Museum in the town of Campos do Jordão. A question was raised regarding the Arts/Education cooperation related to the teaching activities of this museum: \"What are the educational possibilities of the Casa da Xilogravura Museum for the initial training of Visual Art teachers?\". Information was gathered on the Festival de Inverno de Campos do Jordão (Winter Festival of Campos do Jordão) as parameters to reestablishing the relationships with current actions in which we suggest in this research a link between the visual arts teacher training and the town of Campos do Jordão, as well as its surroundings. Other pertinent issues were also considered, such as the approach to advanced studies elaborated by the professors Paulo Freire and Thierry De Duve as the basis for the discussion about the initial training of arts teachers. Brief study on legislation in the teaching of art was written for reflections on public policies in Higher Education. This paper comprises a cross section of the importance of the teaching work of the museums as basis of a concept, as well as a historic cross section on the teaching aspect of the first museums of the State of São Paulo. Studies on Educational Curatorship and Museum and digital collections were developed based on the relations we suggest on this thesis. A survey was carried out on the basis of the Observatory Project for Teacher Training, which dealt with the Education in Museums within the scope of graduation, which, by the way, was a very small amount in the research. A brief record on the development of the collection belonging to the Casa da Xilogravura Museum was made using bibliographic, documental and oral statement information; and we updated the quantitative data regarding personal visits of Fundamental School students to the Museum, as well as how the spontaneous visitor accesses the existing information on it. The study thoroughly contemplates the reading of the works-of-arts within the scope of the Triangular Approach of Arts Teaching by Ana Mae Barbosa; also, the Aesthetic Development was regarded in the light of the concepts of four researchers: Edmund B. Feldman, Robert W. Ott, Michael J. Parsons and Abigail Housen. We built an autonomous model based on these theories, which led us to propose Support Materials to the Visual Arts teacher which should be offered to the Colleges of the regions of Vale do Paraíba, South of Minas Gerais and South of Rio de Janeiro. This material presents the work of Lasar Segall, called \"Couple in the Mangue\", 1929, woodcut printed on paper, which is part of the collection of the Casa da Xilogravura Museum.

[pt] O propósito desta pesquisa é qualificar O Livro Vermelho de C. G. Jung como obra de arte. Para isso buscou-se primeiramente quais os conceitos e critérios de validação do livro como tal. Circunscritas as espécies que transitam nessa categoria – livros raros e livros de artista – contemplamos, por meio de um percurso histórico pela história do livro, suas especificidades, pressupostos e aproximações, pois, se por um lado, semelhante aos manuscritos medievais iluminados, tal publicação revigora o livro como obra de arte, por outro lado o processo de criação da obra rompe com o paradigma da feitura do livro através de um processo colaborativo e especializado em vigor desde aquela época, no qual, tradicionalmente, o autor escreve textos, não produz livros. Essa mudança de paradigma vem a ser um dos principais pressupostos da categoria que recoloca na história o livro como obra de arte por meio do campo do livro de artista – em seu sentido lato –, segundo o qual o autor não apenas escreve, mas faz o livro, e estuda-se a si mesmo no processo, então como circunscrevê-lo? Com isso esperamos atingir o objetivo subjacente ao tema central – resgatar o valor cultural e artístico do livro, ressaltando o potencial plástico e criativo que ele oferece. / [en] The purpose of this research is to qualify The Red Book of C.G. Jung as a work of art. For this, we first sought what concepts and validation criteria of the book as such. Circumscribed the species that pass through this category – rare books and artist books – we contemplate, through a historical journey, through the history of the book, its specificities, assumptions and approximations, because, if on the one hand, similar to the illuminated medieval manuscripts, such publication reinvigorates the book as a work of art, on the other hand, the process of creation of the work breaks with the paradigm of book making through a collaborative and specialized process in force since that time, in which, traditionally, the author writes texts, does not produce books. This paradigm shift is one of the main assumptions of the category that relocates in history the book as a work of art through the field of the artist s book – in its broad sense – according to which the author not only writes, but makes the book, and is studied to himself in the process, so how to circumscribe it? With this we hope to achieve the objective underlying the central theme – to rescue the cultural and artistic value of the book, highlighting the plastic and creative potential it offers.

Trata-se de uma pesquisa teórica, de cunho filosófico-educacional, visando analisar o dispositivo saber-poder da didática e propor a base epistemológica para a construção de uma Didática da Obra de Arte. A partir da perspectiva pós-estruturalista, com destaque para a produção de Michel Foucault, busquei encontrar algumas condições enunciativas que produziram o sujeito que ensina como alguém que depende da comunicação e de seus meios para transmitir mensagens claras e verdadeiras. Isolei uma série histórica constituída pela Bíblia, pela Didactica Magna de Comenius, pelo O Emilio de Rousseau e pelo Democracia e Educação de Dewey, entendendo-os como discursos que compartilham, a despeito de suas especificidades e diferentes objetos, o mesmo paradigma geral segundo o qual se estruturam os saberes científicos da comunicação. Conforme as idéias de Foucault, busquei, também, os efeitos dessas descrições na realidade, principalmente em relação à forma que essas descrições aparecem em sua materialidade. Concluí que, apesar das especificidades de cada uma das teorias pedagógicas, existe um aspecto que está presente em todas elas: o paradigma da comunicação como transmissão de mensagens, e, conseqüentemente, a idéia de ruído como uma exceção à regra. O paradigma da comunicação que entende o ruído como exceção faz parte de um outro paradigma mais forte e poderoso que sempre esteve presente no pensamento ocidental. O paradigma da disjunção, que preconiza a separação e a dicotomização entre sujeito e objeto do conhecimento, que preconiza a linguagem como representação do real e que não compreende toda a complexidade do pensamento humano. Entretanto, o ruído faz parte do processo de comunicação não como uma exceção, mas como uma regra. E como tal, possui sua especificidade e tem uma parte ativa no processo comunicacional. Por isso, também a partir da perspectiva pós-estruturalista, com destaque para a produção de Gilles Deleuze e Felix Guattari, propus a base epistemológica para a construção de uma Didática da Obra de Arte. Para tanto, resgatei as idéias de Deleuze e Guattari sobre linguagem, a palavra de ordem e a linguagem agramatical; as idéias de Maturana e Varella em relação ao aprendizado, a autopoiese; e as idéias de Pierre Lévy sobre inteligência, a inteligência coletiva. Segundo penso, assim como Deleuze afirmou que existe uma pedagogia que é do Conceito, existe uma Didática que é da Obra de Arte. Essa didática pode nos ajudar a compreender os momentos em que o processo de ensino e de aprendizado se processa entre o caos e o conhecimento, no mundo do ruído e da construção de sentido. Ela se caracteriza, principalmente, por compreender o entre-ensino. / This is about a theorical research, built on educational-philosophical basis, viewing to analyse the know-power device of the didactics and propose the epitemological basis to the construction of a Didactics of the Master Piece. From the post structuralism perspective, outlining Michel Foucault´s production, I tried to find some compositional conditions that produced the person that teaches as someone who depends on the communication and its means to transmit clear and true messages. I isolated a historical series formed by the Bible, by the Didactica Magna of Comenius, by Emile of Rousseau and by the Democracy and Education of Dewey, understanding them as speeches that share, despite of their specificities and diferent objects, the same general paradigm, according to wich is structured the scientific knowledge of the communication. Following the ideas of Focault I also searched the effects of this descriptions in reality, mainly relating to the form in wich these descriptions appear in their materiality. I concluded that in spite of the specificities of each one of the pedagogical theories there is an aspect present in all of them: the communication paradigm as message transmission, and consequently, the idea of a noise as exception to the rule. The communication paradigm that understands the noise as exception makes part of another paradigm more powerful and stronger, that has always been present in western thinking. The disjunction paradigm that proclaims the separation and the dichotomization between subject and object of knowledge, that proclaims the language as representation of the real and does not comprehend all the complexity of the human thinking. However, the noise makes part of a communication process not as an exception, but as a rule. As such, has its specificity and an active part in the communicational process. Because of this, also from the post structuralist perspective, outlining the production of Gilles Deleuze and Felix Guattari, I suggest the epitemological basis to the construction of a Didactics of the Master Piece. For this I rescued the ideas from Deleuze and Guattari on language, the word of order and the non grammatical language; the ideas from Maturana and Varella relating to the learning, the autopoiese, and the ideas of Pierre Lévy on inteligence, the collective inteligence. According to me , just like Deleuze affirmed that there is a pedagogy that comes from the Concept, there is the Didactics that comes from the Master Piece. This didactics can help us undesrtand the moments in wich the process of teaching and learning happens between the caos and the knowledge, in the world of noise and the sense construction. It is mainly caracterized by comprehending the inter-teaching