Orientador: Carminda Mendes André / Banca: Lucio José de Sá Leitão Agra / Banca: Naira Neide Ciotti / Resumo: É possível atuar como artista e professor na sala de aula? Pode a sala de aula constituir-se como espaço de experimentação artística? Horizontalizar a relação professor-aluno é uma preocupação que concerne ao ensino de artes? Estas são algumas das questões que me fizeram retornar à academia, como uma possibilidade de reflexão a respeito de minha atuação como artista e educadora, como forma de organizar experiências e apreender outras concepções de arte/educação dentro e fora da instituição escolar. Desse modo, pude rever e reelaborar discussões e inquietações que surgiram desde o período em que cursava o magistério, a respeito da organização do espaço da sala de aula, das metodologias tradicionais de ensino e do lugar reservado à arte na escola. Pude também relacionar e buscar uma aproximação cada vez maior entre o meu trabalho como artista, performer integrante do Coletivo Parabelo e o ofício de professora na rede municipal de ensino da cidade de São Paulo; aproximação esta permeada por uma série de conflitos, dificuldades e, ao mesmo tempo, realizações, experiências, um aprendizado que não se limita ao âmbito da academia e da escola de ensino fundamental, mas que constitui uma trajetória de vida. Para compor esta reflexão, contei com a colaboração de Naira Ciotti, a qual discute o conceito de híbrido professor-performer; Valentin Torrens, o qual traz exemplos de diferentes abordagens relacionadas à pedagogia da performance; Judit Vidiella e Fernando Hernández, que discutem a pluralidade de narrativas em torno da educação e a implicação das ideias de performance, performatividade e arte da performance em abordagens diferenciadas para o ensino/aprendizagem em artes, na constante reformulação pessoal da artista/educadora. / Abstract: Is it possible to act like artist and teacher in classroom? Can classroom compose itself as an artistic experimental space? These are some questions that made me return for academy, as a possibility to though about my actuation like artist and educator, as a form to organize experiences and perceive other conceptions of art/education in and out of the school institution. To compose this reflection, I counted on the contribution of Naira Ciotti, with discussion about the concept hybrid teacher-performer and Valentin Torrens that brings examples of different approaches related to performance pedagogy, with constant personal reformulation of artist in relation to teacher. In this way, I could review and reframe discussions and concerns with emerges since I was in the magisterium, about organization of classroom space, traditional methodology and the place reserve for art in the school. I could also relate and seek an ever higher approach with my work as an artist, performer and member of the Collective Parabelo, and my work as teacher in municipal schools in São Paulo; this approach permeated by a series of conflicts, difficulties and at the same time, achievements, experiences, learning that is not restricted to the realm of academia and elementary school, but it is a life path. To compose this reflection, I counted on the contribution of Naira Ciotti, with discussion about the concept hybrid teacher-performer; Valentin Torrens that brings examples of different approaches related to performance pedagogy; Judit Vidiella and Fernando Hernandez, who discuss the plurality of narratives around education and the implications of the ideas about performance, performativity and performance art in different approaches to teaching/learning in the arts, with constant personal reformulation of the artist/teacher. / Mestre

Orientador: Carminda Mendes André / Banca: Celso Fernando Favaretto / Banca: Mirian Celeste Ferreira Martins / Resumo: O presente trabalho tem como objeto algumas práticas de Intervenção realizadas a partir das aulas de arte em uma escola da Rede Pública Estadual de São Paulo, nos anos de 2010 a 2012. escola em questão é a Escola Estadual Maria José, localizada na Rua Treze de Maio, no bairro do Bexiga, no município de São Paulo. Estas intervenções foram realizadas a partir das proposições contidas no Caderno do Aluno e Caderno do Professor, materiais normativos elaborados pela Secretária da Educação. As escolas públicas da rede estadual de São Paulo possuem uma particularidade, o Novo Currículo, em vigência desde 2009. Foram adotados cadernos bimestrais com orientação do que o professor deve aplicar aula a aula, acompanhado de cadernos de atividades para os estudantes. No material de Artes a ser aplicado no Ensino Médio, em particular no primeiro ano, a Intervenção ganha papel de destaque, uma espécie de eixo temático do curso. As intervenções realizadas na escola buscaram realizar deslocamentos e ressignificações, potencialmente insurgentes, que resultaram na criação de espaços de subjetivação onde a autonomia criativa pode ser vivenciada mesmo que de forma momentânea / Abstract: This work aims some Interventional experiences that happened at the Art Classes of a Public School in São Paulo State, during the years 2010 to 2012. This school is Maria José State School, located at Treze de Maio Street, in Bexiga neighborhood, in São Paulo city. The Interventions made in school attempted to perform displacements and resignifications, potentially insurgents, which resulted in the creation of subjectivity spaces where the creative autonomy can be experienced even if it is momentary. These interventions were carried out from the propositions contained in the Student's Notebook and Teacher's Notebook, normative materials prepared by Secretary of Education. The public schools of the state of São Paulo have a particularity, the New Curriculum, in effect since 2009. Bimonthly notebooks were adopted in order to define what the teacher should apply every class, in the company of the Active Notebook for the students. On the Art Material to be applied in high school, particularly in the first year, the Intervention has an important place, something like the main theme of the course / Mestre

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura, 2013. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2014-06-02T12:43:54Z No. of bitstreams: 1 2013_EugeniaFranciscadeSouzaMiranda.pdf: 1896967 bytes, checksum: 70590a04820bf5ad8dd42e47a74ca95c (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2014-06-04T14:10:21Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_EugeniaFranciscadeSouzaMiranda.pdf: 1896967 bytes, checksum: 70590a04820bf5ad8dd42e47a74ca95c (MD5) / Made available in DSpace on 2014-06-04T14:10:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_EugeniaFranciscadeSouzaMiranda.pdf: 1896967 bytes, checksum: 70590a04820bf5ad8dd42e47a74ca95c (MD5) / A periferia de Brasília tem voz. Ela ecoa na busca de soluções para seus problemas a partir da crítica da vida cotidiana através das rimas contundentes do rap. Um dos portadores dessa voz tem nome: GOG. Esta pesquisa tem como objetivo analisar literariamente as canções deste que é um dos rappers brasileiros mais respeitados e renomados nesse meio cultural, inclusive aclamado como o poeta do Rap Nacional. O trabalho tem como fonte principal as letras das canções selecionadas por ele em seu livro A rima denuncia, uma espécie de antologia com 48 letras de raps que abordam diversas fases do artista, além de vídeos e entrevistas disponibilizadas em seu site e outras fontes de pesquisa. A especificidade do rap como uma estética ímpar e inovadora (híbrido de canto com exploração da fala) nos permite identificar uma poesia oral contemporânea que narra com intensidade os infortúnios e os desejos dos que vivem em uma ambiência periférica. No entanto, um olhar cuidadoso às letras mostra que esse universo vai muito além da periferia, e as composições se opõem ao centro (a elite econômica) com um discurso ácido, quase sempre maniqueísta. As análises se pautam pelas teorias de Paul Zumthor sobre poesia oral, Luiz Tatit sobre canção popular, Umberto Eco sobre a interpretação da obra literária e Bakhtin, considerando a relação sócio-histórica e dialógica entre os sujeitos na constituição dos discursos. O intuito é demonstrar que a periferia também faz poesia. ______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The outskirt of Brasília has a voice. It echoes in the search for solutions to its problems from the criticism of everyday life through the rap's blunt rhymes. One of the bearers of this voice has a name: GOG. This research aims to analyze the songs literally from this which is one of the most respected and renowned Brazilian rappers in this cultural environment, including he is acclaimed as the poet of the National Rap. The work has as a main source the lyrics of the songs selected by him in his book The rhyme denounces, a sort of anthology with 48 letters of raps that address various phases of the artist, as well as videos and interviews available on his website and other sources. The specificity of the rap as a unique and innovative aesthetic (hybrid of singing with exploration of speech) allows us to identify a contemporary oral poetry that narrates with intensity the misfortunes and the desires of those who live in the outskirt ambience. However, a careful look at the lyrics shows that the universe goes far beyond the outskirt and the compositions are opposed to the center (the economic elite) with an acid speech, almost always manichean. The analyses are based on Paul Zumthor's theories on oral poetry, Luiz Tatit on popular song, Umberto Eco in the literary interpretation and Bakhtin considering the socio-historical and dialogic relationship between the subjects in the constitution of discourses. The intent is to demonstrate that the outskirt also writes poetry.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Música, Programa de Pós-Graduação em Música em Contexto, 2012. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2013-03-18T12:09:54Z No. of bitstreams: 1 2012_AlvaroHenriqueSiqueiraCamposSantos.pdf: 26114009 bytes, checksum: c695f56e0acb34f7fc8c75c74c955598 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-03-18T12:30:23Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_AlvaroHenriqueSiqueiraCamposSantos.pdf: 26114009 bytes, checksum: c695f56e0acb34f7fc8c75c74c955598 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-03-18T12:30:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_AlvaroHenriqueSiqueiraCamposSantos.pdf: 26114009 bytes, checksum: c695f56e0acb34f7fc8c75c74c955598 (MD5) / O ponto de partida para esta pesquisa foi a notada ausência de literatura sobre a construção da interpretação da música contemporânea. Diferentemente do repertório tradicional, são poucos os livros que se dedicam a esse assunto. Assim, nesta dissertação objetivou-se buscar decisões interpretativas expressivas para uma composição contemporânea inédita. Foi utilizado como objeto de estudo a obra Brasília 50, de Jorge Antunes, para violão e sons pré-gravados. Após investigar ideias de MEYER (1956) e de HURON (2006) sobre interpretação musical, expressividade musical e sua relação com a geração de expectativas, vislumbrou-se na aplicação de leis e princípios de percepção da Gestalt um campo promissor a ser usado na interpretação musical. Verificou-se que é possível elaborar diversas escolhas interpretativas a partir desses conceitos, permitindo o planejamento de uma performance musical expressiva. Os padrões de percepção da Gestalt indicam quais expectativas são geradas e, como sugerido pelos autores citados, foram feitas escolhas interpretativas que confirmam, frustram, adiam, ou enfraquecem essas expectativas, gerando, assim, a expressividade musical. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The starting point for this research was the noted absence of literature on the performance of contemporary music. Unlike the traditional repertoire, there are few books dedicated to this topic. Therefore, on this dissertation it is aimed to searching for expressive interpretative choices for an unpremiered contemporary composition. It was used as object of study the musical work Brasília 50, by Jorge Antunes, for guitar and pre-recorded sounds. After investigating ideas of MEYER (1956) and of HURON (2006) on musical interpretation, musical expressivity and its relation with the arousal of expectations, it was seen that the aplication of Gestalt’s laws and principles of perception is a promissing field to be used on the musical interpretation. It was noticed that it is possible to elaborate several interpretative choices from these concepts, allowing the planing of an expressive musical performance. The Gestalt patterns of perception indicate which expectations are aroused and, as suggested by the authors mentioned, were made interpretative choices that confirm, frustrate, delay or weaken those expectations, generating, therefore, the musical expressivity.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2013. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2013-10-01T12:37:34Z No. of bitstreams: 1 2013_SamuelAraujoRamos.pdf: 822026 bytes, checksum: ca6bade083813bfd8c20717f147d96b2 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-10-01T14:05:08Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_SamuelAraujoRamos.pdf: 822026 bytes, checksum: ca6bade083813bfd8c20717f147d96b2 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-10-01T14:05:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_SamuelAraujoRamos.pdf: 822026 bytes, checksum: ca6bade083813bfd8c20717f147d96b2 (MD5) / Esta pesquisa apresenta os caminhos pelos quais passei, desde a minha graduação, na busca por uma estruturação de como trabalhar com a minha formação e com a minha subjetividade em um processo criativo para a cena. Paralelamente, apresenta diálogos entre elementos da arte da performance, filosofia, antropologia e antropofagia, a fim de articular reflexões sobre a utilização das conexões criadas como ferramentas para esse processo criativo na busca por uma arte social e filosófica. Propõe como atividade artística a retomada dos textos da filosofia clássica Vida pitagórica de Jâmblico e O banquete de Platão pela arte da performance. A fusão entre a filosofia clássica e a performance artística, integrando também o estranhamento causado pela aproximação entre essas duas esferas distintas, constitui um dos focos desta pesquisa metodológica de criação, em que interrogo o quão potente pode ser a abordagem da filosofia através do corpo e da performance para, por fim, analisar o que pode ser expandido, apreendido e modificado no confronto entre essas duas áreas e também entre o espectador, o performer e a obra. A compreensão dessa integração não só mobiliza o conhecimento sobre as mais variadas disciplinas como também associa diversas artes. Trata-se de uma experiência tanto multidisciplinar quanto interartística a partir de uma linguagem que possibilita outras formas de recepção da filosofia clássica. Nos estudos clássicos, os estudos sobre a recepção da performance de obras clássicas têm sido negligenciados em comparação com o estudo da recepção dessas obras em meios onde não há performance, mesmo quando a teoria da recepção da performance pode desempenhar um útil papel complementar na compreensão das obras clássicas. Filosofias teatrais e performances filosóficas tendem a ser vistas como um fenômeno marginal... quando são reconhecidas, pois às vezes nem são. Ainda assim, me lanço ao encontro de todas as possibilidades. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This research presents the paths in which I’ve passed, since my graduation, searching for a structure of how to work with my training and my subjectivity in a creative process to the scene. Meanwhile, presents dialogues between elements of performance art, philosophy, anthropology and anthropophagy in order to articulate reflections on the use of the created connections as tools for this creative process in the search for a social and philosophical art. Proposes as an artistic activity the resumption, by the performance art, of the classical texts of philosophy Life of Pythagoras by Iamblichus and the Symposium by Plato. The fusion between classical philosophy and performance art, integrating also the estrangement caused by the approach of these two distinct spheres, is one of the focuses of this research methodology of creation, in which I wonder how powerful it can be to approach philosophy through the body and performance to finally analyze what can be expanded, modified and seized in the confrontation between these two areas and between the spectator, the performer and the work. Understanding this integration not only mobilizes the knowledge about the various disciplines as combine several arts. It is an multidisciplinary experience as well as inter-artistic from a language that enables other forms of classical philosophy´s reception. In classical studies, studies on the reception of the performance of classical works have been neglected in comparison with the study of the reception of these works in environments where there is no performance, even when the reception theory of performance can play an useful complementary role in the understanding of classical works. Theatrical philosophies and philosophical performances tend to be seen as a marginal phenomenon ... when they are recognized at all, since sometimes they are not. Still, I haul out to all the possibilities.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2013. / Submitted by Elna Araújo (elna@bce.unb.br) on 2013-12-03T18:51:31Z No. of bitstreams: 1 2013_PauloIvanRodriguesVegaJunior.pdf: 26552325 bytes, checksum: bd8305835d592d09daab34a53d710a4f (MD5) / Approved for entry into archive by Patrícia Nunes da Silva(patricia@bce.unb.br) on 2014-01-02T10:40:34Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_PauloIvanRodriguesVegaJunior.pdf: 26552325 bytes, checksum: bd8305835d592d09daab34a53d710a4f (MD5) / Made available in DSpace on 2014-01-02T10:40:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_PauloIvanRodriguesVegaJunior.pdf: 26552325 bytes, checksum: bd8305835d592d09daab34a53d710a4f (MD5) / P.I.C.C.R.V.: uma poética autobiográfica entre o antropônimo e a identidade é uma pesquisa pertencente ao campo da Arte Contemporânea, na linha de pesquisa Poéticas Contemporâneas e, como tal, tem como ponto de partida o fazer artístico de seu autor. Para a tessitura do texto recorre-se, no Capítulo 1, ao contexto pessoal e profissional do autor, como forma de explicitação de suas motivações poéticas, as quais são aprofundadas através de uma pesquisa histórico-familiar e na produção artística originária desta averiguação, P.I.C.C.R.V. (certidão I, certidão II e certidão III). Em seguida, no Capítulo 2, discutem-se os conceitos operacionais utilizados e o percurso realizado, ambos em concordância com as três performances desenvolvidas no período 2011-2012, P.I.C.C.R.V. (performance I), P.I.C.C.R.V. (performance II) e P.I.C.C.R.V. (performance III). Por último, no Capítulo 3, são apresentadas oito produções artísticas derivadas das três performances como maneira de expor os desdobramentos e reverberações possíveis tanto da pesquisa quanto da prática artística. __________________________________________________________________________ ABSTRACT / P.I.C.C.R.V.: an autobiographical poetics between the anthroponym and the identity is a research belonging to the Contemporary Art in the Contemporary Poetics line of research, and as such, it has as its starting point at the artistic work of its author. To the making of the text, in Chapter 1, the personal and professional context of the author is referred, as a form of elucidation/exegesis of his poetics motivations, which are enriched by a family-historical research and an artistic production originated from this investigation, P.I.C.C.R.V. (certificate I, certificate II and certificate III). Then, in Chapter 2, the operational concepts used and the itinerary/course/method taken are discussed, both in agreement with the three performances developed within 2011-2012, P.I.C.C.R.V. (performance I), P.I.C.C.R.V. (performance II) and P.I.C.C.R.V. (performance III). Finally, in Chapter 3, eight artistic productions derived from the three performances are presented as a form/way to expose the possible evolution/development of the work and its potential reverberations for both the research and artistic practice.

Objetos para ação investiga um conjunto de objetos criados especialmente para existirem associados ao movimento do corpo, distribuídos em quatro séries realizadas entre 2003 e 2004: Infláveis, Andadores, Trama e Ora bolas. A análise desses trabalhos identifica dois procedimentos distintos quanto à sua criação e execução, apropriação e confecção. Constata-se que os procedimentos confecção e apropriação são determinantes não apenas para as questões formais que constituem esses objetos, mas, também, para a escolha do tipo e a qualidade das ações corporais que são associadas a cada uma das quatro séries estudadas. A proposta de relacionar corpo e objeto exige uma delimitação e uma definição do tipo de ação que pode ser empregada nesse encontro de naturezas diversas (imobilidade do objeto com mobilidade do corpo), por esse motivo, desenvolve-se e explora-se a noção de tarefa. Esta pesquisa também analisa a performance e a fotografia como meios possíveis de apresentação ao público dos Objetos para ação.

Esta pesquisa trata-se de Memorial de Processo de Criação que compreende o processo de composição da performance solo "Lágrimas para Medos". Entende a arte de performance como campo de autoria do performer, que trabalha a partir de si e faz desta investigação obra de arte. O estudo propõe o trabalho sobre si mesmo fundado na emergência dos desejos, pois parte da visão de que os desejos do performer movem a criação autobiográfica. Existe o interesse no diálogo entre o criador e seu processo e, a partir disso, o trabalho tece relações com o território de criação em performance que anunciam um modo de pensar, ver e se mover em performance. Desta forma, identifica procedimentos e noções que norteiam o processo no qual constata-se uma busca em não interromper o fluxo do desejo. Para tanto, apóia-se no emprego de procedimentos do "acaso" e na idéia de "portal", que aqui se apresenta. Faz ainda um mapeamento que descreve, analisa e reflete o processo de criação, percebendo-o no território complexo e incerto da arte de performance. / This thesis is the Memorial of the Creation Process of the solo performance "Tears for Fears". It sees performance art as the performer's authorship field. The artist works from his/her self and creates a work of art out of that investigation. The study proposes the work on oneself based on the emergency of one's desires, since it is founded on the view that the performer's desires move the autobiographical creation. There is an interest in the dialogue between the creator and the process. Therefrom, it finds links within the creation territory of performance, which announce a way of thinking, seeing and moving in performance. In that way, it identifies procedures and basics that guide this process marked by a pursuit of uninterrupted desire flow. To that end, it relies on the use of "chance" procedures and on the idea of "threshold", as presented in this thesis. It also does a mapping that describes, analyzes, and thinks the creation process, perceiving it in the complex and uncertain territory of performance art.

Orientador: Mário Eduardo Costa Pereira / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-16T14:42:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_AlessandroAntonioda_M.pdf: 27048232 bytes, checksum: 9786264048d8b9905161dacd2dbbe075 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Esta pesquisa teve como objetivo, investigar por intermédio do fazer teatral - a partir do contato com usuários do CAPS 1 (Centro de Atenção Psicossocial de Londrina) - a relação artística muitas vezes presente na dinâmica de pacientes psiquiátricos e o reflexo de re-inserção social verificado através o processo de "legitimidade" da arte desses indivíduos marginalizados. Este trabalho é o processo decorrente do projeto intitulado "Roda", realizado fora dos parâmetros da instituição psiquiátrica e que teve como resultado o espetáculo Bricolage. A dissertação é o relato prático sobre dois momentos do processo de oficinas de teatro, verificados nos parâmetros institucionais psiquiátricos: O primeiro momento, ainda no CAPS (Centro de Atenção Psicossocial de Londrina), com a aplicação de atividades de teatro junto da terapia ocupacional do sistema Hospital Dia, e o segundo, fora da instituição, na Casa de Cultura da Universidade Estadual de Londrina, com a presença de apenas um dos usuários do projeto realizado dentro da instituição psiquiátrica. Inicialmente, a pesquisa questiona o processo artístico decorrente das contribuições que os usuários, ainda dentro da instituição, ofereciam para o processo performático. No projeto desenvolvido fora da instituição, toda a percepção observada ainda no CAPS, diante de corpo, voz e processo criativo dos usuários, foi explorada por apenas um indivíduo -diagnosticado como esquizofrênico-paranóide -, sendo incorporadas ao espetáculo, por meio de suas ações desconexas da "realidade". Dessa forma, todas as ações foram exploradas junto à formação de gestos signos presentes no processo do espetáculo em favor da performance. O referencial teórico é baseado na justaposição de linguagens artísticas verificadas na obra de Robert Wilson, a qual, através da união da música, dança, cenografia e indumentária, é resgatado em Bricolage, assim como o conceito de manifestação artística presente em origens arcaicas do teatro ocidental, através da poética imagética / Abstract: This research had the objective of investigate, throughout the teatral practice - from the contact of CAPS 2 users (Center of psycosocial atention of Londrina) - the artistic relashionship present many times in the dinamic of the psychiatric patients and the reflection of the social re-insertion, verified throughout the art "legitimacy" process from the marginalized individuals. This work is a process from a project called "Roda", carried out not in the parameters of the psychiatric institution whose result in the Bricolage play. The final work is a pratical story about two moments in the process of theater workshops, verified in the institutional psychiatric parameters: the first moment, at CAPS (Center of psycosocial atention of Londrina), with teatral activities and occupational therapy in the "Hospital Dia" system; and the second, not in the institution, in the Cultural House of the State University of Londrina, with just one user from the project of the psychiatric institution. Inicially, the research questions the artistic process that results from the users contribution, at the institution, offered to the process of performace. In the project developed out of the institution, all the perception observed at CAPS, concerning about the body, the voice, and creative process of the users, was explored by only one individual - diagnosised as a schizophrenia - that were incorporated to the play throughout the disconnected actions of the "reality". In this way, all the actions were explored together with sign gesture formation present in the process of the play favoring the performance. The theoretical reference is based in the juxtaposition of artistic languages verified in the workmanship of Robert Wilson where the union of music, dance, cenography, and vestiments, is rescued in Bricolage, as well as the concept of artistic manifestation present in ancient origens of the ocidental theater, throughout the poetic imagetic / Mestrado / Artes / Mestre em Artes

Orientador: Suzi Frankl Sperber / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-08T18:25:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ohno_MariaCecilia_M.pdf: 4549822 bytes, checksum: 7d962e3455bc5824e93a64da8514e06f (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: A dissertação consiste na apresentação do seitai-ho, um caminho de vida natural e integral sustentado por um conjunto de técnicas. Abordo os princípios, as principais técnicas ¿ katsuguen undo, yuki-ho e do-ho ¿ e como se dá o processo de implantação do mesmo no Brasil, através do Projeto Jardim dos Ventos. Afora esclarecer sobre esta prática, apresento-a como uma maneira sensível de nossa relação com o corpo, o movimento e conseqüentemente com a criação. Mostro que é possível, através de um processo de reconhecimento da própria natureza corpórea, chegar ao talento natural, desenvolver o próprio potencial e criar a partir da sabedoria que cada corpo manifesta: ele nos ensina o que e como devemos realizar. Mais do que isso, meu objetivo é mostrar que a partir da percepção interna de cada corpo, é possível chegar a uma sintonia entre os corpos, estabelecendo uma relação sutil e profunda, e criar de uma outra maneira. Trata-se de um trabalho de transformação que precisa muita dedicação, paciência e perseverança para encontrar o sentido de existência. É um investimento, em que com o tempo, se colhe maravilhosos resultados. Para isso recorri às traduções dos mestres japoneses que escreveram sobre o assunto. Por existir muita coisa escrita, focalizei a abordagem na introdução aos princípios e às técnicas mais fundamentais, para que o leitor possa compreender o que estamos realizando no Projeto Jardim dos Ventos, voltado para a educação corporal, à pesquisa e à criação em arte e para o intercâmbio com outras áreas. Trabalhei fundamentalmente com o livro Ordem, Espontaneidade e o Corpo, de Haruchika Noguchi, fundador de seitai-ho / Abstract: This dissertation consists of a presentation of the seitai-ho, a way of natural life supported by specific techniques. I analyze its principles, main techniques ¿ katsuguen undo, yuki-ho and do-ho ¿ and the process of its implementation in Brazil, by means of the project Garden of Wind. Following the explanation of the practice, I present it as a sensitive form of relationship with our own body, with movement, and therefore with creation. I demonstrate that it is possible, by means of a process of recognition of one¿s own body nature, to reach a natural talent, develop one¿s own potentials, and to create, based on the wisdom each body manifests: it teaches us what to do and how to do it. More than that, my objective is to show that based on the inner knowledge of our bodies, it is possible to reach harmony between bodies, establishing a subtle and profound relationship, and to create in another way. This is a work of transformation which requires dedication, patience and perseverance, to find the meaning of existence. That is a investment that, with time, bears marvelous fruits. I have made use of the translations of the Japanese master¿s texts about this subject. Due to the large amount of written material available, I have given priority on the introduction to the main principles and techniques, so that the reader may understand what we are reaching for in the project Garden of Wind. All of this is focused on corporal education, research and artistic creation, including interchange with other areas. Fundamentally, I have used the book Order, Spontaneity and the Body, by Haruchika Noguchi, the founder of the seitai-ho / Mestrado / Mestre em Artes