Esta tese apresenta um estudo da historiografia da música popular no Brasil, realizada nos programas de pós-graduação em História, nos estados de São Paulo e do Rio de Janeiro, no período delimitado entre o início da década de 1970 até o final da década de 1990. A pesquisa identifica e analisa temáticas, conteúdos, abordagens, conceitos, fontes e metodologias. Pretende também entender as agendas, dinâmicas e tendências de pesquisa, bem como seus influxos estéticos e ideológicos ao longo do tempo. Constitui-se num mapa analítico da historiografia da música popular no Brasil, a partir de uma perspectiva crítica. Apresenta uma reflexão histórica e teórico-metodológica, revisando o processo de formação e afirmação de um campo de estudos inscrito nas Ciências Humanas e, particularmente, na História. / This thesis presents a study on the historiography of popular music in Brazil which was developed in post-graduate education programs in History, in the states of São Paulo and Rio de Janeiro. delimited within the timeframe between the beginning of the 1970\'s and the end of the 1990\'s. This work aims at identifying and analyzing thematics, contents, as well as approaches, concepts, sources and methodologies. Another purpose for this work is to comprehend the agendas and dynamics of the researches, as far as its trends and inclinations are concerned, along with the aesthetical and ideological inflows that appear over time. It consists of an analytical map of popular music historiography in the country, from a critical perspective. It presents a theoretical methodological and also, historical reflection destined for a review of the process involving the formation and assertion of a field of studies inscribed in the area of Human Sciences and particularly, in History.

Este trabalho é um estudo da obra do compositor Antonio Carlos Jobim. Seu objetivo é mostrar a sua importante contribuição para a modernização da música popular brasileira a partir da segunda metade da década de 1950, através de análises de partituras, gravações em LPs, CDs e DVDs, livros e trabalhos acadêmicos. Analisa as referências que traz do Impressionismo Francês, particularmente da obra do compositor Claude Debussy, assim como os diálogos com as obras de Villa-Lobos e de compositores da música popular brasileira e norte americana da primeira metade do século XX. Estuda ainda, a presença constante da paisagem carioca, da beleza do mar, das florestas, da Mata Atlântica em especial, dos pássaros, da força das águas, dos rios, como elementos fundamentais na inspiração sonora em suas composições instrumentais e poéticas, em suas canções, entrevistas e livros. Mostra também um pouco da sua história e a grande preocupação que sempre teve com a preservação ambiental. / This work is a study of the composer Antonio Carlos Jobims musical work. The aim is to show his important contribution to the modernization of Brazilian popular music from the second half of the 1950s, through the analysis of his scores, recordings, LPs, CDs and DVDs, books and academic papers. It analyzes the references that he brings from the French Impressionism, particularly the work of the composer Claude Debussy, as well as the dialogues from the works of Villa-Lobos and Brazilian popular music and North American composers in the first half of the twentieth century. Further studies, the constant presence of Rio de Janeiro landscape, the beauty of the sea, forests, the Atlantic Forest in particular , birds, the force of water, rivers, as sonorous key inspiration to his instrumental compositions and poetry in his songs, interviews and books. It also shows a bit of his history and his great concern about environmental preservation.

Investigar o surgimento da ideia de música jovem no Brasil é o objetivo deste trabalho. Para tanto, privilegiamos os anos 60, momento em que a categoria de jovem, tornava-se hiper-representada na música, na televisão e na imprensa escrita, processo que culmina com a estreia do programa de TV Jovem Guarda, em agosto de 1965. Comandado por Roberto Carlos, Erasmo Carlos e Wanderléa, tratava-se de um apanhado de performances musicais que tinham a juventude como nicho de mercado privilegiado, cruzando influencias que iam dos Beatles à música italiana. Em pouco tempo, seus artistas se tornaram ídolos nacionais. Reconhecíveis em programas de TV, filmes, ensaios fotográficos, reportagens, sessões de entrevistas e até artigos de consumo como calças, botas, bonecos e lancheiras, em pouco tempo seus artistas tornaram-se não só ídolos nacionais, mas modelos de reconhecimento, identificação e conduta. Tratava-se do esforço inédito de construir uma cultura juvenil ao redor do consumo de música. O protagonismo da mídia é evidente em todo o processo, não somente por articular um mercado de bens culturais, mas sobretudo por fixar os quadros de referência que permitem enxergar, enquadrar e interpretar o jovem. Isso explica o foco desta tese na ação da indústria cultural. Ao lidar com uma grande diversidade de fontes - letras de canções, capas de disco, material de imprensa, artigos de consumo, pesquisas de mercado, entrevistas, registros audiovisuais -, em sua maioria primárias, estuda-se os diversos e conflitantes significados que forjaram a ideia de uma cultura juvenil no Brasil, desde sua enunciação em meados da década de 50, até seu amadurecimento na década seguinte. Sendo a música jovem o nosso campo de investigação privilegiado, o objetivo central é analisar a representação social da juventude construída pela Jovem Guarda e articulada no interior dos veículos de comunicação de massa. Para alcançá-lo, interessa-nos investigar: que representação é essa; como ela é assumida por agentes e instituições; através de que linguagem se afirma; a qual universo simbólico se refere e como é confrontada por narrativas concorrentes. Trabalhando na interseção entre a sociologia da música e a sociologia da juventude, exploramos em que medida a juventude se torna uma categoria central para pensar a música e a música, uma categoria central para pensar a juventude. / The aim of this work is to investigate the emergence, in Brazil, of the ideia of a music for young people. This brings us to the 60´s, a moment when the category of youth began to dominate album covers, song lyrics, press statements, and a good number of advertising materials. One of this process\'s landmarks was the Jovem Guarda (Young Guard) television show launched in September 1965 and led by Roberto Carlos, Wanderléa and Erasmo Carlos. Consisting of a number of musical performances, it targeted youth and gathered influences ranging from the Beatles to Italian pop music. Soon, its artists become national idols; their image multiplied in TV shows, films, photo essays, reports, interviews and even consumer goods like pants, boots, dolls, lunch boxes etc. It is through these platforms that singers were constructed as models of youth identity, putting forward an unprecedented effort to build a youth culture around music consumption. In this equation, the media played a decisive role by offering not only items for young consumers, but primarily ways of viewing, framing and interpreting youth. That explains the focus of this thesis on the cultural industry. By dealing with a wide range of materials - song lyrics , album covers, newspapers, consumer goods , market research statistics, interviews , audio-visual records -, most of them primary sources, we study the various and conflicting meanings that forged the idea of a youth culture in Brazil since its enunciation in the mid- 50 until its maturity in the next decade. As the music is our privileged field of research, the main objective is to analyze the social representation of youth built by the Jovem Guarda and articulated within the mass media. To reach our aims, we are interested in investigating: the nature of this representation, how artists and institutions adopted it, the language used to affirm it, the symbolic universe it refers to and how it is confronted by competing narratives. Working on the intersection between the sociology of music and the sociology of youth, we explore in which way the youth became a central category to think about music, and music, a central category to think about youth.

A partir da revisão da obra musicológica do intelectual brasileiro Mário de Andrade (1893-1945) foram estudadas as características do conceito de música popular. Vislumbraram-se as complexidades que intervieram na construção desse conceito polissêmico por meio da comparação entre o pensamento musical de Mário de Andrade e de alguns colegas latino-americanos. Este pesquisa diferencia entre o conceito de música popular, herdeiro da visão de mundo do romantismo oitocentista, e o surgimento de outro significado relacionado com a música que circulava nas cidades e que era difundida pelos modernos meios de comunicação eletrônicos. Com o passar do século XX, esse novo tipo de música popular urbana distanciou-se cada vez mais da noção romântica de música popular, e contribuiu na criação de tensões no interior do conceito. Os escritos de Mário de Andrade, sistemáticos e tematicamente variados, permitem ilustrar essas complexidades na construção de seu próprio conceito de música popular. Esta dissertação leva ao campo da historiografia musical latino-americana as discussões e debates historiográficos posteriores à década de 1970 acerca da construção da cultura popular derivada de uma elite acadêmica. / By reviewing the musicological work of the Brazilian intellectual Mário de Andrade (1893-1945), I research the meaning and characteristics of the concept of popular music in Brazil. I examine the construction of this polysemous concept through the comparison of de Andrades thinking about music with the one of some of his Latin American colleagues. My work differentiates between a meaning of popular music, heir of the romantic worldview of the nineteenth century, and the appearance of a different meaning related to urban music disseminated by the new electronic communication devices, in the twentieth century. On time, this new kind of popular urban music distanced itself from the romantic concept of popular music and created tensions within the concept itself. Mario de Andrades essays, systematic and thematically varied, illustrate the concomitant complexities in the construction of his popular music concept. This monograph takes the post-1970 historiographical discussions and debates about the construction of the popular culture, made by an academic elite, to the musical historiography field in Latin America.

Esta pesquisa teve como objeto as condições sociais de produção da música popular no Rio de Janeiro nas três primeiras décadas do século XX e se desdobrou em três dimensões distintas: os significados culturais da música popular na sociedade da época, a organização do espaço de produção dessa música e as experiências profissionais de alguns músicos que se destacaram no período, como Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazareth, Catullo da Paixão Cearense, Eduardo das Neves, Sinhô e Pixinguinha. O estudo sobre as representações que os escritores registraram em romances, contos, crônicas, palestras, críticas e artigos de jornal mostram certa ambigüidade nos significados atribuídos à música popular. Se por um lado esse universo de produção cultural revela-se, já no início do século XX, um espaço de produção de um bem simbólico que vai ser a base para a construção da auto-representação dos músicos como merecedores da admiração e consideração pública, por outro lado, não oferece uma base legítima para o reconhecimento social de seu valor pelos agentes da cultura dominante, que vão enfatizar a vaidade e a presunção desses músicos. Mas essa convicção definitiva de seu próprio valor sugere o início de uma transição na ordem estabelecida pela cultura legítima e que vai se tornar evidente apenas nas décadas seguintes. Ao mesmo tempo, o estudo do espaço de produção da música de divertimento mostra um universo pouco autônomo e pouco estruturado, mas com capacidade de oferecer diferentes tipos de recompensas aos seus músicos: recompensas materiais nos circuitos que concentram as novas mídias e eventos culturais de massa, como o Disco e o Carnaval, e recompensas simbólicas nos circuitos próximos aos espaços legítimos de produção cultural, como o Teatro e a Literatura. Este estudo pretende contribuir para o conhecimento do universo musical do período, ainda pouco explorado, bem como contribuir para a reflexão sobre os modos como os condicionantes desse universo foram vivenciados e agenciados de diferentes maneiras por alguns dos músicos mais famosos do período. / The objective of this research is to present the social conditions underlying the production of popular music in Rio de Janeiro during the first thirty years of the 20th century, which was manifest in three separate dimensions: the cultural meanings of popular music in society at the time; how the space for producing such music was organized; and the professional experiences of some distinguished musicians of the period like Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazareth, Catullo da Paixão Cearense, Eduardo das Neves, Sinhô and Pixinguinha. Representations of popular music that writers recorded in novels, stories, narratives, speeches, critiques and magazine/journal articles express a certain ambiguity in the significance attributed to the genre. While, on the one hand, cultural production in the early twentieth century presents itself as a space for producing a symbolic good for musicians to construct their identities as meritorious of public admiration and consideration, on the other hand, it fails to offer a legitimate base for representatives of the dominant culture to socially acknowledge the value of this new genre, with those of the dominant culture notably emphasizing the vanity and arrogance of the emerging popular musicians. Yet this definitive conviction of their own value suggests the beginnings of a transition in the order established by the legitimate culture, a transition that only becomes clear decades later. At the same time, the productive space of entertainment music reveals an unstructured universe that is barely autonomous yet capable of offering various ways to compensate musicians: material compensation through new media circuits and mass cultural events, such as the gramophone records and Carnaval, and symbolic compensation through circuits near legitimate spaces of cultural production, such as the theater and literature. This study is intended to add to our knowledge of the musical universe of the period, which is still underexplored, and to contribute to our reflections on how the means and conditions of this artistic world where experienced and represented in different ways by some of the most famous musical artists of the time.

As reflexões que orientam este trabalho têm como ponto de partida o discurso em torno da defesa de uma particularidade para o samba na cidade de São Paulo em comparação ao samba do Rio de Janeiro. Em uma série de depoimentos e entrevistas, nota-se que um grupo de sambistas de São Paulo, especialmente a partir da década de 1970, argumenta em favor de que o samba paulista é diferente do samba carioca (ou o teria sido até cerca de meados do século) em razão de sua origem diversa. Segundo essa narrativa, o samba de São Paulo seria originário dos batuques que acompanhavam os festejos religiosos acontecidos no interior do Estado. A proposta principal desta pesquisa é investigar as bases que fundamentam essa narrativa em torno do samba paulista, bem como identificar os elementos que constituiriam a suposta particularidade regional do gênero, buscando para isso letras de sambas e depoimentos de sambistas e outros entusiastas do samba de São Paulo. Além disso, faz-se pertinente analisar alguns sambas compostos pelos sambistas que defendem essa peculiaridade regional e verificar se há referências musicais, e em que medida, aos elementos apontados como característicos do samba interiorano. Desse modo, intenta-se compreender a construção da narrativa em torno do samba paulista não apenas no que se refere ao discurso verbal, mas também ao discurso musical que o acompanha e reforça. Elucidar essa trama discursiva envolve ainda compreender as razões pelas quais se empenham os sambistas em construir para o samba paulista uma história peculiar. Nesse sentido, cabe apontar que a memória oficial da cidade do trabalho não reserva espaço para o samba, estando mais empenhada em construir uma imagem voltada ao cosmopolitismo e menos preocupada em referenciar símbolos da mestiça brasilidade com a qual o samba está associado. Além de não encontrar espaço na narrativa histórica da cidade, o samba também gradativamente se ausenta dos espaços outrora informalmente ocupados nas ruas, largos e avenidas nas décadas iniciais do século. A narrativa do samba na cidade do progresso busca, destarte, legitimar e consagrar uma memória para o gênero na cidade desastrosamente consagrada pelo repetido epíteto de túmulo do samba. / The reflections which guide this work has begins with the speech regarding the assertion of a particular quality of samba music from the city of São Paulo, compared to the samba from the city of Rio de Janeiro. In a series of statements and interviews, we will note that a group of samba artists from São Paulo, specially those starting in the 1970s, argues towards the notion that the samba originated in São Paulo is different from that which can be found in Rio de Janeiro (or it would have been until the middle of the century) - because of their diverse origin. The main purpose of this research is to investigate the foundations which underline the narrative around samba in São Paulo, as well as to identify the elements that constitute the alleged regional particularity of the genre, perusing sambas letters and testimonials from other samba artists and enthusiasts from São Paulo. Furthermore, it is worth analyzing some sambas written by samba artists who support this regional peculiarity and verify if there are musical references to the elements mentioned as characteristic of the samba from the inlands, and to what extent. Thus, an effort is made to comprehend the construction of the narrative around the samba paulista, not only regarding its verbal language, but the musical discourse which accompanies and enhances it as well. Clarifying this discursive plot pertains understanding the reasons in which the samba artists strive to build for São Paulo\'s samba its specific history. In this sense, its necessary to notice that the official memory of the City of Work does not save space for samba, being more committed to building an image focused on cosmopolitanism and less concerned in giving reference to symbols of Brazilian miscegenation with which samba is associated. Additionally to not finding space in the historical narrative of the city, samba also gradually absented itself from the spaces it informally occupied in the streets, squares and avenues in the early decades of the century. Hence, the narrative of samba in the city of progress searches to legitimize and celebrate a reminder for the genre, in a city tragically renowned with the recurrent epithet of \"the grave of samba.\"

The socio-musical practice of sampling is closely associated with the re-use of pre-existing sound recordings and the technological processes of looping. These practices, based on appropriation and repetition, have been particularly common within the genres of hip-hop and Electronic Dance Music (EDM). Yet early digital sampling instruments such as the Fairlight Computer Musical Instrument (CMI) were not designed for these purposes. The technologists at Fairlight Instruments in Australia were primarily interested in the use of digital synthesis to imitate the sounds of acoustic instruments; sampling was a secondary concern. In the first half of the thesis, I follow digital sampling instruments like the Fairlight CMI and the E-mu Emulator by drawing on interviews with their designers and users to trace how they were used to sample the sounds of everyday life, loop sequenced patterns of sampled sounds, and sample extracts from pre-existing sound recordings. The second half of the thesis consists of case studies that follow the users of digital sampling technologies across a range of socio-musical worlds to examine the diversity of contemporary sampling practices. Using concepts from the field of Science and Technology Studies (STS), this thesis focuses on the ‘user-technology nexus’ and continues a shift in the writing of histories of technologies from a focus on the designers of technologies towards the contexts of use and ‘the co-construction’ or ‘mutual shaping’ of technologies and their users. As an example of the ‘interpretative flexibility’ of music technologies, digital sampling technologies were used in ways unimagined by their designers and sampling became synonymous with re-appropriation. My argument is that a history of digital sampling technologies needs to be a history of both the designers and the users of digital sampling technologies.

Em observação à existência de obras de Stravinsky influenciadas pela música popular americana (incluindo Ragtime for Eleven Instruments, Preludium for Jazz Ensemble, Tango e Ebony Concerto) esta tese investiga processos identitários através dos quais o compositor fora possivelmente interpelado pela ideia do popular enquanto ponto de partida para situacionais possibilidades estéticas modernistas. Explora também tópicos da teoria hipertextual conforme proposta por Genette (1982), a fim de examinar a presença de transposições hipertextuais em empréstimos de ragtime realizados por Stravinsky. Por fim, realiza revisão de aspectos pertinentes a correntes teóricas no âmbito da relação entre alturas (SCHENKER, 1906, 1910, 1922, 1935; LERDAHL, 2001; STRAUS, 2014), de textura, densidade e movimento musical (BERRY, 1987), da repetição (FERRAZ, 1998) e da sucessão ordenada (HORLACHER, 2011); e da potencialidade projetiva (HASTY, 1997), com o propósito de apurar traços da articulação destas questões em processos composicionais de Stravinsky, com ênfase nas obras acima referidas. Os resultados obtidos por este trabalho apontam que os empréstimos de \"popular\" articulados por transposições hipertextuais atuam enquanto ponto de partida para criação de obras inéditas, as quais são estruturadas através de múltiplos centros de altura principal, níveis de prolongamento, blocos simultâneos e paralelismos. / Considering Stravinsky\'s American popular music inflected works (including Ragtime for Eleven Instruments, Preludium for Jazz Ensemble, Tango and Ebony Concerto), the present thesis aims to investigate identity processes through which Stravinsky was possibly challenged by the popular as a starting point for occasional modernist aesthetic possibilities. It also explores hypertextual theory topics as proposed by Genette (1982), in order to examine issues related to hypertextual transpositions in Stravinsky\'s ragtime borrowings. Finally, it carries out a review of theoretical trends relevant aspects, concearning pitch relations (SCHENKER, 1906, 1910, 1922, 1935 and LERDAHL, 2001); texture, density and musical movement (BERRY, 1987); repetition (FERRAZ, 1998); ordered succession (HORLACHER, 2011); and projective potentiality (HASTY, 1997), with the purpose of ascertaining traces of the articulation of these issues into Stravinsky\'s compositional processes. The results obtained by this work point out that the popular borrowings articulated by hypertextual transpositions act as a starting point for the creation of new works, which are structured through multiple pitch centers, levels of the basic space, simultaneous blocks and parallelism.

O presente trabalho desenvolve uma reflexão sobre algumas figuras recentes da modernidade cultural brasileira, de modo a evidenciar o sentido formativo que a experiência estética pode assumir no campo da educação. Especificamente, discute a forma da canção brasileira em duas de suas expressões mais singulares: o tropicalismo de Tom Zé e o rap agressivo do Racionais MC\'s. De modos diversos, ambos os cancionistas elaboram uma experiência da cidade de São Paulo explorando a canção como forma narrativa. A pesquisa constela imagens da cidade em momentos críticos de seu desenvolvimento e, ao mesmo tempo, reflete sobre as diferentes experiências estéticas como experiências de formação. Para tanto, o referencial teórico articula uma intersecção entre três campos de reflexão: sociologia da cultura, filosofia da educação e teoria estética. Considerando reflexões de Walter Benjamin, Theodor Adorno, Jean Baudrillard, Edgar Morin, dentre outros, o trabalho discute a canção em sua relação com a cultura de consumo. A partir da semiótica da canção de Luiz Tatit e do conceito de escuta de Roland Barthes, dentre outras referências, procede-se uma interpretação analítica dos projetos estéticos e das composições de Tom Zé e do Racionais MC\'s. Considerando-se, dentre outras, as análises de Henri Lefebvre e Zigmunt Bauman sobre a sociedade contemporânea e as proposições de Michel De Certeau sobre o impacto da cultura de massa na educação, discute-se o sentido da formação escolar diante da importância crítica que as linguagens artísticas e midiáticas assumiram, da segunda metade do século XX em diante, na sociabilidade e das manifestações culturais dos jovens. Por fim, partindo da discussão de Foucault acerca do conceito de esclarecimento, o trabalho afirma a centralidade da experiência estética na elaboração das condições de possibilidade da formação de sujeitos críticos, emancipados e autônomos. Os resultados da pesquisa apontam para uma problematização do sentido da educação, da cultura escolar e da idéia de formação a partir da destacada significação cultural da canção no Brasil. / This work develops a reflection about some recent figures of the cultural brazilian modernity to remark the formative sense that the aesthetic experience can assume on education. Specifically, it discusses the form of Brazilian song on two of its singulars expressions: the Tom Zé\'s tropicalism and the Racionais MC\'s aggressive rap. Through different means, both artists narrate an aesthetics experience of São Paulo city by exploring the song as narrative form. The research pictures critical moments of modern city development and, at the same time, reflects about different aesthetics experience as a formative experience. For this, the theoretical references are an intersection of three reflection\'s fields: sociology of culture, philosophy of education and esthetics critics. Considering, among others, reflections from Walter Benjamin, Theodor Adorno, Jean Baudrillard and Edgar Morin, the work discusses the relationship between song and consumption culture. Among others references, from the semiotics of song of Luiz Tatit and the Roland Barthes\'s concept of listening, it proceeds an analytical interpretation of Tom Zé\'s and Racionais MC\'s aesthetics projects and compositions. Considering, among others, Henri Lefebvre\'s and Zigmunt Bauman\'s analysis about contemporary society and De Certeau proposition\'s about the impact of mass culture on education, it discusses the sense of schooling in face of critical importance that artistic languages from media assumes, from the middle of XX century upwards, on the sociability and on cultural manifestations of the young. At last, from the Foucault\'s discussion about the concept of enlightenment, the work affirms the centrality of aesthetics experience as a possibility to create conditions to educate critical, emancipated and autonomous subject. The research results conclude into a problematization of the meaning of education, schooling culture and the idea of \"formation\" (cultural background) from the remarkable cultural signification of song in Brazil.

A presente dissertação trata das narrativas de experiências pessoais de velhos sambistas. O corpus documental é constituído de sambas e narrativas feitos por participantes dos conjuntos musicais chamados Velha Guarda da Portela e Velha Guarda do Império Serrano. As histórias de vida de sambistas e pastoras, produzidas adotando os procedimentos da história oral, expõem temas polêmicos afeitos à tradição e à modernização dos desfiles. Sambas gravados por essas duas Velhas Guardas funcionam como apoio e complemento, tomados como documentos que permitem acessar o discurso mnemônico vinculado a um discurso dominante sobre o samba no contexto cultural carioca dos anos 2000. A partir das vivências e das visões dessas pessoas sobre a evolução das escolas de samba, procura-se entender o papel dos grupos aos quais pertencem, localizados simbolicamente entre as raízes e os desafios da atualização das agremiações carnavalescas. / This dissertation deals with personal experiences narrated by old sambistas. Its document corpus consists of sambas and narratives made by participants in musical ensembles called Velha Guarda da Portela and Velha Guarda do Império Serrano. The life stories of samba men and women, which were produced following oral history procedures, expose controversial issues that relate to the tradition and modernization of samba school parades. The songs that were recorded by those two samba Old Guards are regarded as complementary documents, that allow access to a mnemonic speech linked to a dominant discourse about samba in Rio de Janeiros cultural context of the 2000s. By observing the life experiences and visions of those people about the evolution of samba schools, the purpose is to understand the role of the groups to which they belong, symbolically positioned between the roots and the challenges of the adjustment of carnival groups to new times.