This dissertation aims to find further understanding of how people with special interest in a certain artist utilise music and the fact that they are fans in their everyday lives. I have opted to study two fans included in each group selected for this study: Kiss, Status Quo and Lasse Stefanz, one male and one female fan belonging to each respective group. I have worked according to grounded theory as a method, and through an analysis of their musical life stories, I have attempted to identify why they became fans and how them being fans has affected them in their lives. Four categories, fandom as: a marker of identity, socialisation, a form of self therapy and a pseudo religion and the core category authenticity usage show the results of the study. The categories show that to a large extent it all comes down to the musical identity of these people, i.e. the identity of being a fan, and their experiences of being fans. They have been socialised into a specific genre, which has meant increased interest in a specific artist. Family, media and friends have all played a part in this socialisation. The informants have developed cultural competence as concerns their idols, although they have also gained the subcultural capital resources required in order to come across as credible fans. Various kinds of experiences offer meaning and nourish the fans. Security and stability in everyday lives are also contributing factors to them being fans and the music offers them something that they are unable to acquire from elsewhere. They have established different strategies in order to be able to be fans, one of these being legitimacy. A vital part of this legitimacy consists in them viewing the bands as authentic, i.e. important.

[pt] Este trabalho visa discutir a invenção do sambajazz a partir da definição deste estilo como o som de copacabana. Através de pesquisa realizada em acervos radiofônicos e fonográficos e em periódicos da época, contextualizo a produção musical bem como as disputas discursivas em torno do seu significado na cena carioca do final dos anos 50. Apresento o debate em torno da descaracterização ou modernização do samba a partir da influência do jazz, polarizado entre saudosistas e modernos. Em seguida, a partir dos discursos acima apresentados, identifico e problematizo alguns dos hábitos recorrentes e estruturantes na maneira de se escutar e pensar a música popular brasileira. / [en] This work discusses the creation of sambajazz, from the definition of this style as the sound of Copacabana. Through research carried out in radiophonics and phonographic assortments as well as newspapers of the time, I contextualize the musical production as well as the different discourses applied to its meaning within the carioca scene of the late-fifties. Firstly, I present the debate around the decharacterization or modernization of samba through the influence of jazz, polarized between saudosistas and modernos. Secondly, thought the above presented discourses, I identify and question some of the structural and frequent habits in the way of listening and thinking about brazilian popular music.

[pt] A contracultura foi um movimento impulsionado pela juventude da década de 1960 que se chocou com a sociedade capitalista e ia contra os seus princípios. Entretanto, para que este movimento de contracultura pudesse se desenvolver, ele necessitava da cultura de massa - que pertence à sociedade capitalista - para se desenvolver e espalhar sua mensagem pelo mundo. São essas tensões entre consumo e contracultura que são detalhadas nesta dissertação, a partir das letras das músicas dos Beatles (grupo musical que foi um dos maiores ícones da contracultura) que retratam, de alguma forma, o universo do consumo. / [en] The counterculture was a movement impulsed by the young people in the 1960 s decade that ran into the capitalist society and it s principals. However, for this movement to work, it needed the mass culture - that belongs to the capitalist society - to spread it s message around the world. These tensions between the counterculture movement and consumption are detailed on this dissertation, inspired on the Beatles lyrics (a rock group that was one of the most popular icons of the countercultere movement) that shows, in some way, the consumption s universe.

A pesquisa trata de um estudo de três compositores da música popular do Brasil: Pixinguinha, Garoto e Tom Jobim. Através da análise de 5 obras representativas de cada compositor, pretende-se chegar a um perfil comparativo desses compositores, bem como dos períodos que eles representam no contexto da música popular: do choro à bossa nova, / The research is a study about three composers of Brazil\'s popular music: Pixinguinha, Garoto and Tom Jobim. Through the analysis of five representative pieces of each composer, the intention is to reach a comparative profile of these composers, as well as the period of time they represent in the context of popular music: from choro to bossa nova.

Ao constatar a persistência do paralelo entre Caetano Veloso e Chico Buarque, realizado por público, crítica e historiografia da música popular, este estudo parte da identificação e compreensão do processo de elaboração de suas representações artísticas, assim ultrapassando a noção de simples conflito ao apontar também para perspectivas complementares ou convergentes. Uma dinâmica muito mais rica que se revela a partir do confronto e análise sistemática das obras desses dois artistas, que desde o despontar de suas carreiras, em meados da década de 1960, apresentam a característica similar de abordarem temas relativos à vida cotidiana, às relações entre cotidiano/cultura e cidade/subúrbio. Com intensa atividade artística voltada para a reflexão sobre o impacto da industrialização, do desenvolvimento do mercado e das transformações culturais, suas canções versaram paralelamente sobre temas mais amplos da cultura e sociedade brasileiras, assim constituindo trajetórias artísticas ao mesmo tempo representativas e peculiares, cujas diversas correlações expressaram percepções e ações com determinados embasamentos sociais, capazes de revelar permanências e transformações no tecido da história. / Noting the persistence of the parallel between Caetano Veloso and Chico Buarque held by the public, critics and popular music historiography, this study starts with the identification and comprehension of the process of the formulation of their artistic performances. It exceeds the simple notion of conflict and points to complementary or convergent perspectives among the two musicians. From this confrontation and systematic analysis comes a much richer dynamic about their work, which since the dawn of their careers in the mid-1960s, reveal similar characteristics to present issues related to everyday life, the relation between daily life/culture and city/poor suburbs. With an intense artistic activity reflecting the impact of industrialization, market development and cultural transformations, at the same time their songs also dealt with wider issues of Brazilian culture and society, thus forming representative as well as peculiar artistic careers, whose several correlations expressed perceptions and actions with a certain social basis, able to reveal continuities and transformations in the fabric of history.

Em virtude de a canção popular brasileira ser uma importante representação de nossa cultura, muitas pesquisas vêm sendo realizadas com o intuito de investigar, analisar e até avaliar nosso cancioneiro. Nesse contexto, esta tese apresenta um estudo dialógico-discursivo do gênero canção popular brasileira e de seu papel na formação do imaginário da cidade de São Paulo na primeira metade do século XX. A partir das teorias do Círculo de Bakhtin para o estudo dos gêneros discursivos, realizamos uma descrição do gênero canção popular, dando atenção ao seu caráter dialógico e ao sincretismo linguístico-melódico. Juntamente com as teorias do Círculo de Bakhtin, trabalhamos com as propostas de Dominique Maingueneau para o estudo da enunciação e propomos um modelo de análise discursiva da canção popular fundamentado nos conceitos de ethos, cenas de enunciação e interdiscurso. Na primeira metade do século XX, o imaginário da cidade de São Paulo constituiu-se a partir da polêmica entre os discursos progressista e nostálgico, que orientou a produção de enunciados em diversas esferas discursivas, dentre as quais a da música popular. A partir da análise de canções que abordam essa polêmica, estudamos as relações dialógicas interdiscursivas entre os discursos ufanista, nostálgico e paródico, responsáveis pela configuração do imaginário da cidade de São Paulo no seu processo de metropolização. / As Brazilian popular music is an important representation of our culture, many researches have been focusing on investigating, analyzing and evaluating our songs. In this context, this thesis presents a dialogical discourse study of genre of Brazilian popular music and its role in creating the imaginary of the city of São Paulo during the first half of the twentieth century. From the theories developed by Bakhtin Circle on the study of discourse genres, we describe the popular music genre, highlighting its dialogical characteristics, and the syncretism between lyric and melodic lines. Besides Bakhtin´s theories, we worked on Dominique Maingueneau´s proposals for the enunciation study in order to propose a discourse analysis pattern for Brazilian popular music based on the concepts of ethos, enunciation scenes and discourse. In the earlier decades of the twentieth century, the imaginary of the city of São Paulo was formed by the controversy between the progressive and nostalgic discourses, which guided the production of many discourses, including popular music. From the song analysis, we study the dialogic and interdiscursive relations among the nationalistic, nostalgic and parodic discourses, responsible for the construction of the imaginary of the city of São Paulo in the process of becoming a metropolis.

Este trabalho trata da circulação de notícias do maxixe brasileiro nos jornais estadunidenses no começo do século XX. Os periódicos colhidos no repositório Newspaperarchive foram sistematizados nos moldes de um corpus documental. Este foi o principal objetivo do trabalho ora apresentado: produzir um instrumento de pesquisa através da construção de uma coletânea com todas as matérias a respeito do maxixe brasileiro, publicadas nos jornais dos Estados Unidos, na forma de anúncios, artigos, contos, notas, notícias e poemas, entre 1906 momento em que encontramos a primeira notícia focalizando o tema , e o final dos anos 1930, quando já vinha se desenvolvendo no Brasil uma música tipicamente nacional e os produtos da cultura brasileira já tinham circulado pelo mundo, especialmente Europa e Estados Unidos. No período estudado, música popular é música de divertimento, feita para dançar. Dançar nos salões do Brasil, nos dancings de Paris, nos ballrooms americanos, mais do que moda, era uma forma de participar da sociedade, de se inteirar das novidades, dos passos mais conhecidos, afinal a música popular e a dança coreográfica são expressões artísticas que transitam entre as diferentes classes sociais. O maxixe nasceu miscigenado, reflete a misturada de ritmos e gêneros, presentes no Brasil desde o século XVIII, como o batuque, o lundu (ambos de matriz africana). Mas, recebeu também forte influência de gêneros europeus como a modinha, e mais tarde da polca (século XIX) e do choro uma invenção brasileira. Como toda dança, causou escândalo quando surgiu, em virtude dos movimentos considerados ousados, extravagantes e lascivos. Pouco a pouco, os passos exibidos nos cabarés do Rio de Janeiro transformaram-se, adequando-se aos ambientes dignos da sociedade brasileira, e é assim que passam a ocupar os salões frequentados pelas classes mais abastadas. No eixo internacional, Paris foi a bússola que orientou e pautou os códigos de comportamento no mundo inteiro, principalmente durante a Belle Époque. As viagens de músicos, agentes, mecenas etc. e de objetos sonoros através do Atlântico são vistas pela perspectiva da transculturação. O contato entre grupos de culturas diferentes contribui para que os artistas e sua arte se transformem e isso ocorre independente do processo de dominação econômica, uma vez que todos passam por mudanças (dominados e dominantes). Por outro lado, o conceito de triangulação é apropriado para compreender o modo como circulam os objetos sonoros e dançantes, e proporciona o mapeamento dos lugares por onde transitaram tais objetos, colaborando para a percepção dos aspectos que estão em jogo na circulação deles. Nos Estados Unidos, as escolas, as universidades e a técnica, de um lado; e a família e os professores de dança, de outro, foram centrais ao processo de branqueamento que permitiu a aceitação do maxixe. Por outro lado, o teatro de caráter trovadoresco - onde se inclui o vaudeville e, mais tarde, os musicais no teatro e no cinema, colaboraram para que a música e a dança maxixe continuassem presentes naquele país, avançando além dos anos 1930. A difusão do maxixe obedeceu à lógica da indústria cultural, articulando-se aos mecanismos de reprodutibilidade próprios do mercado. / This paper explores the circulation of Brazilian maxixe news in American newspapers at the beginning of the 20th century. The journals collected in the Newspaperarchive repository were systematized in the form of a documentary corpus. This was the main objective of the work presented here: to produce a research instrument through the construction of a collection of all the Brazilian maxixe materials, published in the United States newspapers, in the form of advertisements, articles, short stories, notes, news and poems, between 1906 - when we found the first news focusing on the theme - and the late 1930s, when Brazilian music was already developing in Brazil, and the products of Brazilian culture had already circulated throughout the world, especially in Europe and the United States. In the period studied, popular music is fun music, made for dancing. Dancing in the halls of Brazil, in the dancings of Paris, in the American ballrooms, more than fashion, was a way to participate in society, to find out about the news, the best known steps, after all, popular music and choreographic dance are artistic expressions which pass through the different social classes. Maxixe was born miscegenated, reflects the \"mixed\" rhythms and genres, present in Brazil since before the 18th century, such as the batuque, the lundu (both African matrix). But it was also strongly influenced by European genres such as modinha, and later by the polka (19th century) and choro - a Brazilian invention. Like all dance, it caused scandal when it arose, by virtue of the movements considered daring, extravagant and lascivious. Little by little, the steps displayed in the cabarets of Rio de Janeiro were transformed, adapting themselves to the \"dignified\" places of Brazilian society, and that is how they began to occupy the ballrooms frequented by the wealthiest classes. On the international axis, Paris was the compass that guided and led the codes of behavior throughout the world, especially during the Belle Époque. The trips of musicians, agents, patrons, etc. and sound objects across the Atlantic are seen from the perspective of transculturation. The contact between groups of different cultures contributes to the transformation of artists and their art, and this occurs independently of the process of economic domination, since all undergo changes (dominated and dominant). On the other hand, the concept of triangulation is appropriate to understand the way the sound and dance objects circulate, and it provides a mapping of the places through which these objects transited, collaborating to the perception of the aspects that are at play in their circulation. In the United States, schools, universities and technique, on the one hand; And family and dance teachers on the other, were central to the bleaching process that allowed the acceptance of the maxixe. On the other hand, theater like a vaudeville and, later, musicals in the theater and in the cinema, collaborated so that the music and the maxixe dance continued present in that country, advancing beyond the 1930s. Diffusion of the maxixe obeyed the logic of the cultural industry, articulating itself to the mechanisms of reproducibility proper to the market.

Este trabalho é um estudo da obra do compositor Antonio Carlos Jobim e suas intersecções com o cenário musical brasileiro no período de 1963/1976. Seu objetivo é mapear as principais características estéticas da música de Jobim e avaliar suas ressonâncias no cenário cultural do país. Para tanto, examina os fonogramas originais gravados, manuscritos de composições, textos originais, entrevistas e avaliações críticas que circularam na imprensa brasileira no período. A análise destas ressonâncias busca o entendimento da formação de um espaço público de debates, cuja arena musical incorporou discussões sobre a modernização do país, da música popular e suas interfaces com a sociedade. Considera as especificidades da produção musical e as tensões resultantes de sua veiculação pela indústria fonográfica. Avalia o papel das instâncias de crítica cultural e de reconhecimento estético da música popular na formação de um cânone da música brasileira. Avalia a ação do Estado autoritário como indutor de projetos modernizantes, políticas culturais e ao mesmo tempo, como executor de práticas de censura. Em um sentido mais profundo, examina as perspectivas históricas que alimentaram a estética de Tom Jobim, suas leituras do processo de modernização brasileira e a sugestão de um ideal de identidade moderna que sua música ambicionou articular. / This is a study of the works of the brazilian composer Tom Jobim and its intersections with brazilian musical scene during the period of 1963/1976. It aims to map the main aesthetic features of Jobims music and to evaluate its resonances in the cultural scene of the country. For this, it examines the original records, manuscripts of compositions, original texts, interviews and critic evaluations that circulated in the brazilian press in that period. The analisis of this resonances seeks the understanding of the formation of a public space of debates, which musical arena incorporated discussions about the modernization of the country, its popular music and its interfaces with society. It considers the specificities of musical production and the resulting tensions of its spread by music industry. It evaluates the role of instances of cultural critic and aesthetic recognition of popular music in the process of formation of the canon of brazilian music. It evaluates the action of an authoritarian national state as prompter of modernizing projects, cultural policies and, at the same time, as executor of censorship practices. In a deeper sense, it examines the historical perspectives that nourished Jobims aesthetic, its interpretations of Brazils modernization proccess and the sugestion of an ideal of modern identity that his music aimed to articulate.

Esta dissertação narra a trajetória da gravadora Discos Marcus Pereira que, em sua vida de pouco mais de uma década, procurou realizar um trabalho de registro e mapeamento da música brasileira que estaria ameaçada de extinção diante do avanço do capitalismo. O trabalho da gravadora foi realizado sob a forte influência do pensamento musical do modernista e musicólogo Mário de Andrade, que também temia, ainda na década de 1930, que o progresso acabaria destruindo as músicas folclóricas originais da cultura brasileira. Neste processo, a Discos Marcus Pereira transformou as ideias musicais de Mário de Andrade em produto de consumo, o disco, com o objetivo de divulgar a música folclórica e regional brasileira para um novo público consumidor urbano, que estava em formação na década de 1970, interessado em bens culturais diferenciados. Esta dissertação procura traçar um diálogo entre o pensamento de Mário de Andrade e o projeto da Discos Marcus Pereira, assim como a inserção da gravadora na indústria cultural brasileira. A Discos Marcus Pereira nasce em um período onde esta indústria ainda não estava totalmente estruturada, o que permitiu que empreendimentos ousados como este ainda fossem possíveis. Ao contar a história da gravadora, também discorro sobre a importância de seus produtores e diretores artísticos na construção de seu catálogo, assim como a história do próprio Marcus Pereira, um publicitário que abandonou a carreira para abrir uma gravadora e registrar a música verdadeiramente brasileira. Este catálogo foi formado majoritariamente por discos conceituais e temáticos, os chamados discos culturais. Neste sentido, a Marcus Pereira foi pioneira na exploração de um nicho específico de atuação e sua maior conquista foi capturar manifestações culturais, cenas e artistas que, sem apelo popular, não seriam registrados pelas grandes gravadoras. Sem a iniciativa desta gravadora, estas cenas musicais e culturais poderiam ter se perdido já que se localizavam fora do interesse comercial das gravadoras naquele momento específico. / This thesis tells the story of Discos Marcus Pereira, a record label which, in its life of little more than a decade, pursued to achieve the recording and mapping of the Brazilian traditional music that might be threatened of disappearing with the advance of capitalism. That work was conducted under strong influence of the musical ideas and thoughts of the Modernist and musicologist Mário de Andrade. He too feared, in the 1930s, that the progress would destroy the Brazilian traditional and folk music. In this process, Discos Marcus Pereira transformed the musical ideas of Mário de Andrade in a consumer product, the record, with the objective of spreading the Brazilian folk and traditional music to a new urban consumer public, which was being built in the 1970s, and these new consumers were interested in cultural goods with added values. In this paper, I try to draw a dialogue between Mário de Andrade\'s thoughts and the Discos Marcus Pereira\'s project, as well as the insertion of the record label in the Brazilian cultural industry. Discos Marcus Pereira was created in a moment where that industry wasn\'t totally rationalized, which allowed such bold ventures as that. In telling the story of Discos Marcus Pereira, I also descant on the importance of its producers and artistic directors in its catalog building, as well as on the importance of the Marcus Pereira himself, a well known advertiser who gave up his career to open a record label to rescue the real Brazilian music. This catalog was formed by conceptual and themed records, the so called cultural records. To that effect, this record label was a pioneer in exploring specific niches and its greatest achievement was to register cultural demonstrations, regional and folk music, scenes and artists, without commercial appeal, that otherwise wouldn\'t be recorded by other record companies. Without Discos Marcus Pereira, those musical and cultural spheres could have been lost because they were located outside the commercial interest of the great record companies of the time.

Desde o início do século XX a música brasileira tem sido palco de discussões e negociações sobre a identidade nacional. Em diferentes momentos históricos, tensões ideológicas e projetos identitários produziram usos variados dos idiomas português e inglês, refletindo correntes de nacionalismo acirrado e outras vezes de abertura à influência estrangeira. No decorrer do século XX, a música tornou-se uma das mais importantes manifestações artísticas brasileiras no mundo e um instrumento de difusão de nossa língua e cultura. Os mitos nacionais que se formaram ao longo de nossa história e que resultaram no atual imaginário do Brasil acabaram por gerar utopias que foram e são de interesse mundial. A música é, ainda hoje, vista como ferramenta para o aumento do poder brando do Brasil. Vemos aqui como os usos do par de idiomas português-inglês foi utilizado de forma a retratar o jogo de poder e as tensões identitárias junto ao público estrangeiro. As traduções de canções brasileiras, a criação de versões bilíngues como meio de divulgar a diversidade cultural brasileira, assim como o papel de mediadores culturais e seu potencial de transformação das relações com o estrangeiro, também são discutidos neste trabalho / Since the early 20th century, Brazilian music has been the stage for discussions and negotiations on national identity. At different historical moments, ideological tensions and identity projects produced different uses of the Portuguese and English languages in music, either reflecting a fierce nationalism or else some openness to the influence of the foreign other. Along the 20th century, Brazilian music became one of the most important artistic manifestations in the world and an instrument for the dissemination of our language and culture. Brazilian national myths generated throughout history and that contribute to the current image of Brazil, also helped create utopias that were and still are of global interest. Music is seen today, as a tool for increasing Brazilian soft power. This thesis draws on how Portuguese and English have been used in order to portray the power play and identity tensions with the foreign public. Translations of Brazilian songs, the creation of bilingual versions, the promotion of Brazilian cultural diversity, as well as the role of cultural mediators and the potential for transformation of foreign relations, are also discussed in this work