This submission for the degree of Doctor of Philosophy focuses on works for large instrumental ensemble in conjunction with the voice. Instrumental ensemble and vocal mediums such as the orchestral art song, the song cycle and the opera in one act, provide platforms to explore the expressiveness of the lyrical dramatic voice and the dialectic tension between composing for the solo voice with a range of instrumental ensemble forces. The portfolio of compositions includes the orchestral song, The Woman Who Refused to Dance; the orchestral song trilogy, Spirit Songs; and the opera in one act, Queen Nanny of the Maroons. Issues of composition technique, vocal expression and operatic narrative are examined and in addition the three named works explore notions of post-colonial heroic representation of subjects that might not usually attract ideological recognition in Western European art music contexts. Methods for developing inclusive, post-modern musical language for the mixed instrumental and vocal ensemble are explored; including the employment of spoken word expression and the integration of popular music idioms within contemporary Western European art music contexts. In the writing of lyrics for the songs and libretto for the opera, increased responsibility is assumed in the completion of vocal works in addition to musical consideration to find the effects on the works when the roles of composer and writer are combined. With the opera in one act for solo voice, forming the major contribution to the portfolio, critical components that lead to effective music drama are assessed.

Submitted by Angela Maria de Oliveira (amolivei@uepg.br) on 2019-02-22T16:33:42Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) Thiago Rafael.pdf: 9152971 bytes, checksum: 70dfb65db87893df0b10c0b3d2adce46 (MD5) / Made available in DSpace on 2019-02-22T16:33:42Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) Thiago Rafael.pdf: 9152971 bytes, checksum: 70dfb65db87893df0b10c0b3d2adce46 (MD5) Previous issue date: 2018-08-31 / A História da Música Popular Brasileira, conhecida como MPB, é constituída de muitos personagens que contribuíram para esse vasto percurso. Um desses personagens é o músico Waltel Branco. Nascido em 22 de novembro de 1929, na cidade de Paranaguá (PR), de formação clássica e erudita, o músico paranaense é detentor de uma musicalidade plural, e tem uma carreira profissional marcada por contribuições em canções expressivas e de grande circulação dentro da indústria da música brasileira, trabalhando com artistas dos quais destacam-se: João Gilberto, Elis Regina, Dorival Caymmi, Tim Maia, Alceu Valença, Odair José, entre tantos outros. Seu caminho também é marcado por trilhas sonoras em telenovelas e programas da Rede Globo de Televisão, tais como: Irmãos Coragem, Assim na terra como no céu, Selva de Pedra, O Bem-Amado, Escrava Isaura, Roque Santeiro, Vila Sésamo e Sítio do Pica-Pau Amarelo. Diferentes experiências musicais influenciaram os trabalhos do músico paranaense para o cenário musical brasileiro, uma mescla de ritmos, gêneros e estilos musicais. Com uma imensa contribuição para a MPB, o presente trabalho tem por objetivo mapear a trajetória profissional, as obras e as contribuições do maestro Waltel Branco, através de notas de jornais, fichas técnicas de discos e de programas da Rede Globo, além de registros de fonogramas, entre os anos de 1963 e 1985, tendo como delimitação o lançamento da trilha sonora mundialmente conhecida de A Pantera Cor-de-Rosa, com Henry Mancini, e a trilha original da telenovela Roque Santeiro, da TV Globo, projetos nos quais Waltel contribuiu musicalmente. / The History of Brazilian Popular Music, known as MPB, is made up of many characters who contributed to this vast journey. One such character is the musician Waltel Branco. Born on November 22, 1929, in the city of Paranaguá (PR), with a classical and erudite background, the musician from Paraná holds a plural musicality, and has a professional career marked by contributions in expressive and widely circulated songs within the industry of the Brazilian music, working with artists of which stand out: João Gilberto, Elis Regina, Dorival Caymmi, Tim Maia, Alceu Valença, Odair José, among many others. His path is also marked by soundtracks in telenovelas and Globo TV programs, such as: Irmãos Coragem, Assim na terra como no céu, Selva de Pedra, O Bem-Amado, Escrava Isaura, Roque Santeiro, Vila Sésamo e Sítio do Pica-Pau Amarelo. Different musical experiences influenced the work of the musician from Paraná to the Brazilian musical scene, a mixture of rhythms, genres and musical styles. With an immense contribution to MPB, the present work has the objective to map professional trajectory, the works and the contributions of the conductor Waltel Branco, through notes of newspapers, technical fiches of discs and programs of Rede Globo, besides records of phonograms between 1963 and 1985, with the launching of the world-known soundtrack of The Pink Panther with Henry Mancini and the original telenovela Roque Santeiro of TV Globo, projects in which Waltel contributed musically.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-09-18T12:29:51Z No. of bitstreams: 1 Priscilla Harka Wroblewski.pdf: 1080722 bytes, checksum: ffd96a1d1df50e4160dda2643542992d (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-18T12:29:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Priscilla Harka Wroblewski.pdf: 1080722 bytes, checksum: ffd96a1d1df50e4160dda2643542992d (MD5) Previous issue date: 2017-09-06 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This work is part of the research line "Text and Discourse in Oral and Written Modalities", of the Postgraduate Program in Portuguese Language of the Pontifical Catholic University of São Paulo, has as general objective to analyze the rhetorical constitution of the ethos of the Brazilian composers of the Tropicalia period and the pathos effects in the social. For this to be possible, we reflect on music over time, as well as the ethos interfaces in Brazilian popular music. Based on rhetorical concepts, we analyzed Alegria, Alegria and Domingo at the Park, from 1967, at the III Festival of Brazilian Popular Music, in order to highlight the awakened pathos in the songs. We analyze the constitution of ethos, the use of logos as a resource for a new ideal and the movement of pathos before the songs. We conclude that despite the wrath aroused, the rhetorical elements and the ethos of the speakers were fundamental to the audience's adhesion / Esta dissertação, inserida na linha de pesquisa Texto e discurso nas modalidades oral e escrita, do Programa de Pós-Graduação em Língua Portuguesa da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, tem por objetivo geral analisar a constituição retórica do ethos dos compositores brasileiros do período da tropicália e os efeitos patêmicos de seus discursos no seio social. Para que isso fosse possível, refletimos sobre a música ao longo do tempo, bem como sobre as interfaces do ethos na música popular brasileira. Amparados pelos conceitos retóricos, analisamos as canções Alegria, Alegria e Domingo no Parque, divulgadas no III Festival de Música Popular Brasileira. Pudemos, assim, investigar a constituição do ethos, a utilização do logos na construção de um discurso sobre um novo ideal de sociedade e o mover do pathos ante as canções. Concluímos que, apesar da ira despertada no momento inicial, os elementos retóricos e os ethé dos oradores foram fundamentais para a adesão do auditório às teses defendidas nas canções

La musique, moyen d’expression commun à toutes les civilisations, est au centre de l’explosion des productions culturelles et sociétales actuelles. Dans les Amériques, les années 1960 furent marquées par d’importantes luttes pour la conquête de l’égalité, la reconnaissance des cultures jusque-là considérées comme mineures, et par d’importantes migrations transrégionales et transcontinentales. Parmi ces luttes, celles des Noir-e-s ont retenu particulièrement mon attention, notamment les figures emblématiques comme Martin Luther King, Malcom X, Angela Davis, etc. mais aussi des organisations politiques et culturelles, comme les Black Panthers. Cependant dans la Caraïbe, ces luttes étaient déjà bien présentes, dans les années 1930, avec Marcus Garvey et son mouvement (UNIA). D’une manière générale, il a permis de mettre l’accent sur la disqualification sociale des Noir-e-s, des cultures dont elles/ils sont porteurs, leur « citoyenneté différée » (V. Lavou). Dans les sociétés caribéennes, hybrides par excellence, d’après les chercheur-e-s reconnu-e-s, le mouvement noir a, sans conteste, eu de fortes répercussions, déterminant par là même toutes les expressions folkloriques puis culturelles. Il en est de même du Reggaeton. Bien qu’identifié comme « latino », le Reggaeton reste, pour beaucoup, un avatar commercial, un « produit manufacturé » de l’industrie du spectacle. Mais, on remarquera néanmoins, l’adhésion collective à cette musique de la part de nombreux « latinos », tout comme les effets d’identification qu’elle suscite. Cette musique, c’est l’une des hypothèses que je partage, « reflète » les révoltes contre les injustices, la domination sociale, raciale, la pauvreté. En ce sens, le Reggaeton concentre toutes les caractéristiques de la musique populaire urbaine afro-latino-américaine, à l’instar des musiques populaires urbaines afro-américaines (USA). De ce point de vue, le « Reggaeton» constitue tout à la fois un «exutoire», un espace de « négociations identitaires » contradictoires (sexisme, machisme, homophobie, culte de la réussite individuelle, de la violence, etc.), un moyen permettant d’exister socialement à travers des codes spécifiques. En posant le Reggaeton comme un « analyseur » des contradictions socio-politiques de l’archipel caribéen et de ses diasporas, cette thèse vise à en restituer la complexité, au-delà des considérations purement moralisatrices. À l’aide d’outils conceptuels comme, l’Atlantique noir de Paul Gilroy l’interculturalité de Claude Clanet, et la créolisation d’Edouard Glissant, entre autres, j’analyse les dynamiques migratoires et sociales à l’origine de l’émergence du Reggaeton et par conséquent des tensions identitaires qu’il recèle. / Music, as a common means of expression to all civilizations, is at the center of the explosion of current societal and cultural productions. In the Americas, the 1960s were marked by important struggles for the conquest of equality, the recognition of cultures previously considered minor, and major trans-regional and transcontinental migrations. Among these struggles, those of the Black communities have caught my attention, including major figures like Martin Luther King, Malcolm X, Angela Davis, as well as political and cultural organizations, such as the Black Panthers. However, in the Caribbean, these truggles were already present in the 1930s with Marcus Garvey and his movement (UNIA). In general, it has led to focus on social disqualification of Black peoples, the cultures they carry, their "diferred citizenship" (V. Lavou). In Caribbean societies, ultimately hybrid , according to acknowledged scholars, the black movement has undoubtedly had a major impact, thereby determining all folklore and cultural expressions. It is the same with Reggaeton. Although identified as "Latin" Reggaeton, it remains for many a commercial avatar, a "manufactured product" of the entertainment industry. But, nevertheless it will be noted as the collective adherence to this music from many "Latino" as the identification effects it causes. One of the assumptions that I share is that this music "reflects" the revolt against injustice, social domination, racial, poverty. In this sense, Reggaeton gathers all urban African-Latin American popular music's features, like African-American urban popular music (USA). From this point of view, the "Reggaeton" is at at the same time an "outlet", a space of contradictory "identity negotiations" (sexism, homophobia, cult of individual success, violence, etc.), as a means to exist socially through specific codes. By questionning Reggaeton as a "analyser” of socio-political contradictions of the Caribbean archipelago and its diasporas, this thesis aims to restore its complexity, beyond purely moralistic considerations. Using conceptual tools like Paul Gilroy's "Black Atlantic", Claude Clanet's interculturality and the creolization concept of Edouard Glissant, among others, I analyze migration and social dynamics behind the emergence of Reggaeton and therefore identity tensions it contains.

Observar as múltiplas relações entre a oralidade, a escrita e a canção popular brasileira são o objetivo deste trabalho. O que na canção seria atributo da cultura escrita? O que seria reverberação da tradição oral? Os estudos sobre a oralidade, a história da escrita e da leitura articulam-se à análise de fonogramas diversos, de diferentes momentos da história da canção brasileira. Oralidade, escrita, música e poesia compreendidos como campos distintos que, no corpo da canção, interpenetram-se, indiferentes a quaisquer hierarquias. A canção popular é, concomitantemente, compreendida como fenômeno musical, poético e cultural. Tratamos de pensar a canção como gênero e, de alguma forma, pensar seu lugar social (suas origens e transformações, suas relações com os mass media, sua capacidade de adaptar-se às mudanças de paradigmas de produção e recepção e o caráter dadivoso de sua economia). A voz, a palavra cantada, os corpos de quem canta e de quem ouve, os meios materiais de produção, difusão e fruição, constituem um sistema de trocas simbólicas, determinante para a conformação de um gênero específico (híbrido, poético-musical, que é a canção) que se configurou como principal vetor de representação de múltiplas sociabilidades e, não raro, promotor de uma aproximação reflexiva sobre as mesmas. Propomos, portanto, um exercício teórico que conjugue, de alguma maneira, o estudo da forma pela qual as canções se dizem ao que dizem sobre nós as canções. / This work aims at observing the multiple relationships between orality, writing and popular songs. How much of song writing is attributable to written culture? How much of it is a reverberation of oral tradition? Studies about orality, the history of writing and reading are articulated with the analysis of different phonograms, from different moments in the history of the Brazilian song. Orality, writing, music and poetry, understood as distinct fields that, in the body of the song, interpenetrate each other, indifferent to hierarchy. Popular song can be simultaneously understood as a musical, poetic and cultural phenomenon. Our endeavor here is to treat the song as a genre and, somehow, to reflect upon its social place (its origins and transformations, its relationships with mass media, its ability to adapt to paradigm shifts of production and reception and the generous/bountiful/giving character of its economy. The voice, the word being sung, the bodies of those who sing and of those who listen, the material means of production, diffusion and appreciation constitute a system of symbolic exchanges, which is determining in the conformity of a specific genre (the hybrid, poetic-musicalone which the song is) which became the main vector of representation of multiple sociabilities and, not rarely, a promoter of a reflexive approximation between them. What we propose, then, is a theoretical exercise which is able to connect, in some manner, the study of the form through which these songs enunciate themselves to what these songs say about ourselves.

A presente dissertação trata das narrativas de experiências pessoais de velhos sambistas. O corpus documental é constituído de sambas e narrativas feitos por participantes dos conjuntos musicais chamados Velha Guarda da Portela e Velha Guarda do Império Serrano. As histórias de vida de sambistas e pastoras, produzidas adotando os procedimentos da história oral, expõem temas polêmicos afeitos à tradição e à modernização dos desfiles. Sambas gravados por essas duas Velhas Guardas funcionam como apoio e complemento, tomados como documentos que permitem acessar o discurso mnemônico vinculado a um discurso dominante sobre o samba no contexto cultural carioca dos anos 2000. A partir das vivências e das visões dessas pessoas sobre a evolução das escolas de samba, procura-se entender o papel dos grupos aos quais pertencem, localizados simbolicamente entre as raízes e os desafios da atualização das agremiações carnavalescas. / This dissertation deals with personal experiences narrated by old sambistas. Its document corpus consists of sambas and narratives made by participants in musical ensembles called Velha Guarda da Portela and Velha Guarda do Império Serrano. The life stories of samba men and women, which were produced following oral history procedures, expose controversial issues that relate to the tradition and modernization of samba school parades. The songs that were recorded by those two samba Old Guards are regarded as complementary documents, that allow access to a mnemonic speech linked to a dominant discourse about samba in Rio de Janeiros cultural context of the 2000s. By observing the life experiences and visions of those people about the evolution of samba schools, the purpose is to understand the role of the groups to which they belong, symbolically positioned between the roots and the challenges of the adjustment of carnival groups to new times.

Esta tese apresenta um estudo da historiografia da música popular no Brasil, realizada nos programas de pós-graduação em História, nos estados de São Paulo e do Rio de Janeiro, no período delimitado entre o início da década de 1970 até o final da década de 1990. A pesquisa identifica e analisa temáticas, conteúdos, abordagens, conceitos, fontes e metodologias. Pretende também entender as agendas, dinâmicas e tendências de pesquisa, bem como seus influxos estéticos e ideológicos ao longo do tempo. Constitui-se num mapa analítico da historiografia da música popular no Brasil, a partir de uma perspectiva crítica. Apresenta uma reflexão histórica e teórico-metodológica, revisando o processo de formação e afirmação de um campo de estudos inscrito nas Ciências Humanas e, particularmente, na História. / This thesis presents a study on the historiography of popular music in Brazil which was developed in post-graduate education programs in History, in the states of São Paulo and Rio de Janeiro. delimited within the timeframe between the beginning of the 1970\'s and the end of the 1990\'s. This work aims at identifying and analyzing thematics, contents, as well as approaches, concepts, sources and methodologies. Another purpose for this work is to comprehend the agendas and dynamics of the researches, as far as its trends and inclinations are concerned, along with the aesthetical and ideological inflows that appear over time. It consists of an analytical map of popular music historiography in the country, from a critical perspective. It presents a theoretical methodological and also, historical reflection destined for a review of the process involving the formation and assertion of a field of studies inscribed in the area of Human Sciences and particularly, in History.

Este trabalho é um estudo da obra do compositor Antonio Carlos Jobim. Seu objetivo é mostrar a sua importante contribuição para a modernização da música popular brasileira a partir da segunda metade da década de 1950, através de análises de partituras, gravações em LPs, CDs e DVDs, livros e trabalhos acadêmicos. Analisa as referências que traz do Impressionismo Francês, particularmente da obra do compositor Claude Debussy, assim como os diálogos com as obras de Villa-Lobos e de compositores da música popular brasileira e norte americana da primeira metade do século XX. Estuda ainda, a presença constante da paisagem carioca, da beleza do mar, das florestas, da Mata Atlântica em especial, dos pássaros, da força das águas, dos rios, como elementos fundamentais na inspiração sonora em suas composições instrumentais e poéticas, em suas canções, entrevistas e livros. Mostra também um pouco da sua história e a grande preocupação que sempre teve com a preservação ambiental. / This work is a study of the composer Antonio Carlos Jobims musical work. The aim is to show his important contribution to the modernization of Brazilian popular music from the second half of the 1950s, through the analysis of his scores, recordings, LPs, CDs and DVDs, books and academic papers. It analyzes the references that he brings from the French Impressionism, particularly the work of the composer Claude Debussy, as well as the dialogues from the works of Villa-Lobos and Brazilian popular music and North American composers in the first half of the twentieth century. Further studies, the constant presence of Rio de Janeiro landscape, the beauty of the sea, forests, the Atlantic Forest in particular , birds, the force of water, rivers, as sonorous key inspiration to his instrumental compositions and poetry in his songs, interviews and books. It also shows a bit of his history and his great concern about environmental preservation.

As reflexões que orientam este trabalho têm como ponto de partida o discurso em torno da defesa de uma particularidade para o samba na cidade de São Paulo em comparação ao samba do Rio de Janeiro. Em uma série de depoimentos e entrevistas, nota-se que um grupo de sambistas de São Paulo, especialmente a partir da década de 1970, argumenta em favor de que o samba paulista é diferente do samba carioca (ou o teria sido até cerca de meados do século) em razão de sua origem diversa. Segundo essa narrativa, o samba de São Paulo seria originário dos batuques que acompanhavam os festejos religiosos acontecidos no interior do Estado. A proposta principal desta pesquisa é investigar as bases que fundamentam essa narrativa em torno do samba paulista, bem como identificar os elementos que constituiriam a suposta particularidade regional do gênero, buscando para isso letras de sambas e depoimentos de sambistas e outros entusiastas do samba de São Paulo. Além disso, faz-se pertinente analisar alguns sambas compostos pelos sambistas que defendem essa peculiaridade regional e verificar se há referências musicais, e em que medida, aos elementos apontados como característicos do samba interiorano. Desse modo, intenta-se compreender a construção da narrativa em torno do samba paulista não apenas no que se refere ao discurso verbal, mas também ao discurso musical que o acompanha e reforça. Elucidar essa trama discursiva envolve ainda compreender as razões pelas quais se empenham os sambistas em construir para o samba paulista uma história peculiar. Nesse sentido, cabe apontar que a memória oficial da cidade do trabalho não reserva espaço para o samba, estando mais empenhada em construir uma imagem voltada ao cosmopolitismo e menos preocupada em referenciar símbolos da mestiça brasilidade com a qual o samba está associado. Além de não encontrar espaço na narrativa histórica da cidade, o samba também gradativamente se ausenta dos espaços outrora informalmente ocupados nas ruas, largos e avenidas nas décadas iniciais do século. A narrativa do samba na cidade do progresso busca, destarte, legitimar e consagrar uma memória para o gênero na cidade desastrosamente consagrada pelo repetido epíteto de túmulo do samba. / The reflections which guide this work has begins with the speech regarding the assertion of a particular quality of samba music from the city of São Paulo, compared to the samba from the city of Rio de Janeiro. In a series of statements and interviews, we will note that a group of samba artists from São Paulo, specially those starting in the 1970s, argues towards the notion that the samba originated in São Paulo is different from that which can be found in Rio de Janeiro (or it would have been until the middle of the century) - because of their diverse origin. The main purpose of this research is to investigate the foundations which underline the narrative around samba in São Paulo, as well as to identify the elements that constitute the alleged regional particularity of the genre, perusing sambas letters and testimonials from other samba artists and enthusiasts from São Paulo. Furthermore, it is worth analyzing some sambas written by samba artists who support this regional peculiarity and verify if there are musical references to the elements mentioned as characteristic of the samba from the inlands, and to what extent. Thus, an effort is made to comprehend the construction of the narrative around the samba paulista, not only regarding its verbal language, but the musical discourse which accompanies and enhances it as well. Clarifying this discursive plot pertains understanding the reasons in which the samba artists strive to build for São Paulo\'s samba its specific history. In this sense, its necessary to notice that the official memory of the City of Work does not save space for samba, being more committed to building an image focused on cosmopolitanism and less concerned in giving reference to symbols of Brazilian miscegenation with which samba is associated. Additionally to not finding space in the historical narrative of the city, samba also gradually absented itself from the spaces it informally occupied in the streets, squares and avenues in the early decades of the century. Hence, the narrative of samba in the city of progress searches to legitimize and celebrate a reminder for the genre, in a city tragically renowned with the recurrent epithet of \"the grave of samba.\"

O presente trabalho desenvolve uma reflexão sobre algumas figuras recentes da modernidade cultural brasileira, de modo a evidenciar o sentido formativo que a experiência estética pode assumir no campo da educação. Especificamente, discute a forma da canção brasileira em duas de suas expressões mais singulares: o tropicalismo de Tom Zé e o rap agressivo do Racionais MC\'s. De modos diversos, ambos os cancionistas elaboram uma experiência da cidade de São Paulo explorando a canção como forma narrativa. A pesquisa constela imagens da cidade em momentos críticos de seu desenvolvimento e, ao mesmo tempo, reflete sobre as diferentes experiências estéticas como experiências de formação. Para tanto, o referencial teórico articula uma intersecção entre três campos de reflexão: sociologia da cultura, filosofia da educação e teoria estética. Considerando reflexões de Walter Benjamin, Theodor Adorno, Jean Baudrillard, Edgar Morin, dentre outros, o trabalho discute a canção em sua relação com a cultura de consumo. A partir da semiótica da canção de Luiz Tatit e do conceito de escuta de Roland Barthes, dentre outras referências, procede-se uma interpretação analítica dos projetos estéticos e das composições de Tom Zé e do Racionais MC\'s. Considerando-se, dentre outras, as análises de Henri Lefebvre e Zigmunt Bauman sobre a sociedade contemporânea e as proposições de Michel De Certeau sobre o impacto da cultura de massa na educação, discute-se o sentido da formação escolar diante da importância crítica que as linguagens artísticas e midiáticas assumiram, da segunda metade do século XX em diante, na sociabilidade e das manifestações culturais dos jovens. Por fim, partindo da discussão de Foucault acerca do conceito de esclarecimento, o trabalho afirma a centralidade da experiência estética na elaboração das condições de possibilidade da formação de sujeitos críticos, emancipados e autônomos. Os resultados da pesquisa apontam para uma problematização do sentido da educação, da cultura escolar e da idéia de formação a partir da destacada significação cultural da canção no Brasil. / This work develops a reflection about some recent figures of the cultural brazilian modernity to remark the formative sense that the aesthetic experience can assume on education. Specifically, it discusses the form of Brazilian song on two of its singulars expressions: the Tom Zé\'s tropicalism and the Racionais MC\'s aggressive rap. Through different means, both artists narrate an aesthetics experience of São Paulo city by exploring the song as narrative form. The research pictures critical moments of modern city development and, at the same time, reflects about different aesthetics experience as a formative experience. For this, the theoretical references are an intersection of three reflection\'s fields: sociology of culture, philosophy of education and esthetics critics. Considering, among others, reflections from Walter Benjamin, Theodor Adorno, Jean Baudrillard and Edgar Morin, the work discusses the relationship between song and consumption culture. Among others references, from the semiotics of song of Luiz Tatit and the Roland Barthes\'s concept of listening, it proceeds an analytical interpretation of Tom Zé\'s and Racionais MC\'s aesthetics projects and compositions. Considering, among others, Henri Lefebvre\'s and Zigmunt Bauman\'s analysis about contemporary society and De Certeau proposition\'s about the impact of mass culture on education, it discusses the sense of schooling in face of critical importance that artistic languages from media assumes, from the middle of XX century upwards, on the sociability and on cultural manifestations of the young. At last, from the Foucault\'s discussion about the concept of enlightenment, the work affirms the centrality of aesthetics experience as a possibility to create conditions to educate critical, emancipated and autonomous subject. The research results conclude into a problematization of the meaning of education, schooling culture and the idea of \"formation\" (cultural background) from the remarkable cultural signification of song in Brazil.