Notre thèse se situe dans le champ de recherche des études de la réception des médias depuis une approche sémio-pragmatique qui vise en particulier le rapport des spectateurs avec le texte dans le cadre des pratiques discursives dans la culture de fans. L'objectif général de cette thèse est de comprendre comment se développent les pratiques discursives réalisées à partir de la réception de textes médiatiques. Le sujet général est la réception des médias, mais nous avons situé notre démarche dans le champ de la culture des fans, où les discussions du texte et les remaniements et réécritures sont des pratiques qui se réalisent couramment. L'intérêt est alors de parler de la réception dans le cadre de la pratique culturelle qui lui donne sens. Le groupe de fans que nous avons abordé pour notre travail est celui formé autour de la série télévisée Twin Peaks. Dans ce travail, nous cherchons à comprendre cette énorme diversité de productions de fans (discussions, créations, manipulation de textes) témoignant certainement de la réception de ces spectateurs, mais dont il faut saisir la stratégie face au faire énonciatif. Nous nous intéressons alors au rapport créé avec le texte. Notre objectif est d'essayer de comprendre la dynamique qui gouverne ces échanges et ces productions autour d'un texte médiatique. Il s'agit de montrer la logique de la réception et de l'appropriation des textes dans la culture des fans, de façon à comprendre comment ceux-ci et leurs communautés agissent en tant que spectateurs stratégiques.

Ce mémoire de maîtrise interroge la nature des productions audiovisuelles interactives réalisées par l'Office national du film du Canada (ONF) pour sa section "ONF/interactif", depuis la mise en ligne d'un premier webdocumentaire en 2009. Ces productions sont des projets collaboratifs pour la plupart et prennent plusieurs formes, parfois mélange de vidéo et de textes, de photographies et d'éléments sonores, mais jamais un seul à la fois. Toutes possèdent leur propre interface et leur propre environnement, à travers lesquels l'internaute circule et accède au contenu tout en participant à sa concrétisation. Ce sont des oeuvres "hypermédiatiques", conjuguant à la fois textes, images (fixes ou animées) et sons. Là où survient une première interrogation est lorsque, d'une part, vient le temps d'attribuer un titre ou même un genre à ces productions, comme nous le faisons pour le film, la photographie ou la musique; et, d'autre part, lorsqu'il faut définir et expliquer ce qui caractérise ces productions, soit ce à partir de quoi nous pourrions les nommer. Pour se faire, cette recherche passe en revue une quarantaine de productions de l'ONF/interactif à partir de grilles de repérage s'inspirant d'un cadre théorique qui combine des concepts de productions médiatiques plus traditionnelles à ceux de productions numériques, telles l'interactivité et l'hypermédialité. La recherche propose en toute fin une catégorisation des productions par "type", mais, surtout, ouvre la porte à une plus large réflexion sur l'apparition des "nouveaux" produits culturels et sur ce que cela signifie pour les producteurs et les récepteurs.

Comment expliquer la présence invasive des documents encadrant la circulation du bioart et leur influence sur la constitution, le fonctionnement et la réception des œuvres, alors que ce courant partage avec les arts vivants ou le body art une dimension live, incarnée et performative qui impliquerait une réception directe et non médiate de la part de l'audience? Car si la documentation semble servir à compenser la rareté des expositions de bioart en assurant aux œuvres une visibilité médiatique, elle paraît aussi nécessaire sur leurs lieux d'accrochage pour garantir l'efficacité de leur réception directe, en paramétrant l'expérience sensible éprouvée par l'audience. En effet, d'abord produite par les artistes puis reprise par divers commentateurs, la documentation discursive et visuelle du bioart se compose d'une variété de déclarations, d'entrevues, de commentaires et de discours théoriques accompagnés d'illustrations des œuvres qui sont publiées dans les catalogues d'expositions, les revues spécialisées, la presse ou bien encore sur les sites Internet des artistes. Ainsi, si, à travers leurs récits, les artistes trouvent l'occasion d'en dire plus sur leurs créations, en dévoilant leurs recettes de fabrication et leurs démarches, les intentions qui les poussent à s'approprier les biotechnologies constituent l'argument principal prélevé par les discours d'experts qui visent à interpréter leurs sens au-delà de leurs qualités formelles, en valorisant leurs significations symboliques. Les images produites par les artistes sur leur travail illustrent aussi cette volonté de rattacher l'œuvre bioartistique à un sens caché. Pourtant, malgré la présence manifeste de ce réseau de significations véhiculé par la documentation autour des œuvres, c'est en fonction de leurs propriétés formelles intrinsèques que certains experts défendent l'intérêt d'en faire la perception sensible. En l'occurrence, selon le commissaire Jens Hauser (2008), le bioart devrait être expérimenté sur un mode phénoménologique de « co-corporéité » parce qu'il va « au-delà de la représentation » pour produire des « effets de présence » à travers la mise en scène performative de « bioartefacts » (Andrieu, 2008). Mais l'auteur ajoute que l'efficacité de cette expérience « co-corporelle » repose néanmoins sur une médiation verbale « liminale » placée entre le bioartefact et le spectateur pour l'informer des processus sous-jacents et imperceptibles que met en œuvre l'artiste. Du coup, bien que le bioart soit valorisé pour l'expérience esthétique inédite procurée par sa dimension biofactice, il paraîtrait que sans l'aide des documents, ses prestations resteraient sans effet sur l'audience... En partant de l'hypothèse qu'il existe un lien de dépendance entre les prestations bioartistiques et leur documentation pour structurer et garantir ainsi l'efficacité de leur réception comme œuvres d'art, cette thèse explore la dynamique qui s'instaure entre les médiations langagières et visuelles du bioart et les œuvres auxquelles elles réfèrent à travers des approches médiatiques et empiriques. Les résultats montreront que malgré sa sortie du paradigme mimétique et le processus de « rematérialisation » qu'il engage dans l'histoire de l'art (Hauser, 2008), le bioart détient un fonctionnement esthétique proche de celui de l'art dématérialisé parce que l'expérience qu'il génère ne dépend pas directement des propriétés esthétiques intrinsèques des prestations mais du réseau extrinsèque de significations qui leurs sont attribuées et par l'intermédiaire desquelles leurs compositions tangibles et symboliques en tant qu'œuvres d'art sont dévoilées au spectateur. Le fait que les prestations bioartistiques aient besoin du document pour véhiculer leur principe d'intelligibilité à l'audience remet donc en cause leur autonomie en tant qu'œuvres dotées de propriétés esthétiques intrinsèques et matérielles, et ébranle la croyance qui privilégie l'expérience phénoménologique de cette forme d'art. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : bioart, art, biotechnologie, vie, vivant, documentation.

Les pastiches-Zola constituent un signe de réception de l’œuvre zolienne. Le style de l’auteur des Rougon-Macquart est toujours ciblé plus d’un siècle après sa mort par les auteurs de ce type de réécriture. Notre travail de recherche pose le problème de l’appropriation mimétique et/ou différentielle des pastiches-Zola postérieurs à sa mort. La question centrale à traiter est celle de savoir comment Zola est imité dans ces pastiches. Le pastiche implique le phénomène de reprise textuelle qui est caractérisé par l’existence de deux types de textes : l’hypertexte (texte dérivé) et l’hypotexte (texte imité). Une approche comparative associée aux théories de l’intertextualité et de l’hypertextualité nous a permis de découvrir que les pasticheurs de Zola s’inspirent de ses romans et des œuvres d’autres auteurs célèbres. Ils produisent ainsi des pastiches à hypotexte simple, double ou multiple. Les pastiches-Zola se distinguent aussi par leur visée interne (littéraire) ou externe (politique, publicitaire). Les pastiches à visées externes montrent que leurs auteurs documentent les faits sociaux de leur époque comme le faisait Zola. Certains pasticheurs font preuve d’engagement (littéraire) en s’attaquant, mais de manière indirecte, aux personnalités politiques de leur époque. En plus de leurs intentions, leur représentation du style de Zola diversifie leurs productions écrites. Chaque pasticheur obéit à certaines règles d’imitation liées de manière générale aux principes de ressemblance et de différence. Certains pastiches sont ainsi plus inventifs et/ou plus représentatifs du style zolien que d’autres. L’étude des manières imitantes des pasticheurs permet de mener une réflexion sur la notion du style dont les définitions paraissent floues. Les pasticheurs ne s’attardent plus seulement sur la thématique zolienne qui a été très critiquée de son vivant et même après sa mort. Ils allient les thèmes aux procédés stylistiques et expriment, de ce fait, une reconnaissance des qualités poétiques de l’œuvre du chef de file du naturalisme. Les pastiches-Zola produits au XXe et à l’aube du XXIe siècles apparaissent donc, non seulement comme une analyse critique de cette œuvre, mais aussi comme une critique des critiques partielles ou partiales qui ont précédé le renouvellement de la lecture des textes de l’auteur de Médan. L’imbrication des procédés stylistiques et des thèmes zoliens repris et adaptés aux contextes des pasticheurs montre que le style littéraire convoque à la fois les dimensions idiosyncrasiques et sociologiques des façons d’écrire propres à un écrivain, le style n’étant pas un phénomène abstrait mais une série de choix formels et thématiques historiquement situés et dont l’imitation est grandement déterminée par des représentations. / Zola-pastiches are a sign of reception of Zola’s literary works. More than a centuryafter his death, his style is still targeted by the authors of this type of rewriting. Our researchposes the problem of mimetic or differential appropriation of Zola-pastiches posterior to hisdeath. How the author of Les Rougon-Macquart is imitated in these pastiches is our mainresearch question. A pastiche is a writing that implies a textual repeat characterized by theexistence of two types of texts: the hypertext (derived text) and the hypotext (source text). Acomparative approach linked to the theories of intertextuality and hypertextuality has enabledus to discover that the imitators of Zola draw inspiration from his writings and also from thewritings of other authors. They thus produce pastiches with single, double or multiplehypotexts. The distinction between Zola-pastiches is also based on their internal (literary) orexternal (political, advertising) aim. The authors of pastiches with external aims documentthe social facts of their era just like Zola did in his novels. Some authors show a literaryengagement by attacking political leaders but indirectly. In addition to their aims, theirrepresentation of Zola’s style diversifies their writings. Each writer conforms to someimitation rules which are generally related to the principles of similarities and differences.Some pastiches are therefore move creative and/or more representative of Zola’s style thanothers. The study of the imitative ways of pastiches’ writers implies a reflection on theconcept of style whose definitions seem unclear. These writers no longer focus only onZola’s thematic which has been highly criticized during his life time and even after his death.They blend themes and stylistic devices, thus acknowledging the poetic quality of the literaryworks of the naturalism founder. The Zola-pastiches written during the 20th and at thebeginning of the 21st centuries therefore appear to be a critical analysis of these works as wellas the criticism of the partial or one-sided criticism that preceded the renewed interest in thereading of the author of Medan’s texts. The imbrication of stylistic devices and themesborrowed from Zola and adapted to new contexts shows that the literary style convokes theidiosyncratic and sociologic dimensions of an author’s specific way of writing, given that,style is not an abstract phenomenon but a series of formal and thematic choices which arehistorically located and whose imitation is highly determined by representations.

Ce travail vise à porter un nouvel éclairage sur la Thébaïde de Stace en recourant au Traité du Sublime. Celui-Ci constitue un instrument herméneutique contemporain des littératures néronienne et flavienne, libéré des projections de la pensée esthétique moderne, à même de préciser l’univers de l’épopée. Notre étude s’attache d’abord à définir la notion de sublime, telle que la présente le Pseudo-Longin. Elle analyse ensuite l’importance de la passion dans le Traité du Sublime comme dans la Thébaïde et découvre les liens qui unissent les deux oeuvres : une même conception de la création poétique, audacieuse et transgressive, un même attrait pour les élans passionnels, la même recherche d’une réception sur le mode du choc, mettant en jeu des sentiments de terreur et d’admiration. Le sublime se manifeste dans le ravissement du poète, des personnages, dans les représentations spectaculaires de l’horreur ou d’une nature bouleversée. Le Traité du Sublime se révèle alors un outil intéressant pour appréhender les interférences génériques à l’oeuvre dans la Thébaïde. Il met en lumière un tragique de la passion, qui se déploie à travers le thème de la tyrannie, qui entre en tension avec l’épique et, par là, complexifie les personnages, remet en question l’héroïsme traditionnel. / This work aims at shedding new light on Statius’ Thebaid by having recourse to On the Sublime, which constitutes a contemporary hermeneutic instrument for Neronian and Flavian literature, freed from the projections of modern aesthetic thought. First of all, I try to define the notion of the sublime as it is presented by Longinus. Then I try to analyse the importance of passion in On the Sublime as in the Thebaid and to reveal the links between the two works : the same conception of an audacious poetic creation, the same attraction to outbursts of passion, the same desire to create a shockwave on reception by bringing into play feelings of terror and admiration. The sublime is to be found in the ecstasy of the poet and the characters and in the spectacular portrayal of horror or of disordered nature. On the Sublime is therefore an interesting tool to understand the generic interferences at work in the Thebaid. It highlights the tragic in passion, which is to be found in the theme of tyranny and which gives rise to tension within the epic thus rendering the characters more complex and bringing into question traditional heroism.

Cette enquête s’intéresse à la réception des œuvres fictionnelles, lorsque celle-ci se concrétise dans des « créations dérivées », c’est-à-dire des productions dues aux récepteurs les plus engagés, et en recherche les déterminants sociaux dans des contextes donnés. Si, sous l’effet de la numérisation de la culture, de nombreux contenus créés par les utilisateurs sur Internet témoignent d’une appropriation croissante des produits médiatiques, il faut mesurer la spécificité de ces pratiques culturelles amateurs et leurs continuités avec des engagements fictionnels plus anciens : ce travail le montre ici à travers le cas des fanfictions, ces textes, en plein essor depuis les années 2000, écrits par des fans, pour compléter, prolonger ou amender des œuvres fictionnelles originales. En croisant sociologie de la culture et histoire littéraire, ce travail défend que les fanfictions reposent sur des mécanismes fondamentaux liés à la réception et à la circulation sociale des univers fictionnels, mais qui s’expriment toujours selon des contraintes à la fois sociales, économiques, médiatiques et juridiques. À partir d'uncorpus d’un millier de textes, d’observations sur un des principaux sites hébergeurs et de comparaisons historiques, ce doctorat discute d'abord le passé des fanfictions en ne le limitant aux années 1960 où elles étaient déjà présentes dans les fanzines et tout en ne le confondant pas avec celui de toute la littérature. L’étude souligne ensuite comment ces textes restent le résultat d’une production et d’une organisation collectives où le support de diffusion, les interactions entre fans et avec les industries culturelles structurent leur format et leur contenu. / This study deals with the reception of fictional works, when it materializes as “derivative works”, i.e. products made by active audiences, and seek the social factors explaining the shape took by these creations in a given context. If a lot of user generated contents now on the Internet –thanks to the digitalization of culture and the spread of ICT– shows that media products are more and more appropriated by amateurs, the specificity of these cultural practices and their continuity with older types of fictional involvements must be assessed: it will be exemplified through the case of fanfictions, also on a growing trend since the 2000s on the Web, that is texts, written by fans, which finish off, extend or correct original fictional works. Mixing cultural and media sociology with literary history, this dissertation suggests that fanfictions rest upon basic mechanisms linked to the reception and the circulation of fictional worlds, but always constrained by social, economic, media and legal factors. Based on the study of a thousand of fanfictions, observations from one of their main archives, and comparisons with literary successes which also generated derivatives texts, this research first discusses fanfictions’ past, extending it further than the 1960s when they were published in fanzines, but distinguishing it from the whole literature’s past. The inquiry then reveals how fanfictions are still the result of a collective production and organization, in which the broadcasting medium, the interactions between fans and with creative industries construct their format and content.

Après avoir été à la recherche de"grands auteurs", le Québec est à la recherche de grandes figures mythiques afin de construire son histoire culturelle. Depuis quelques années, plusieurs chercheurs étudient différentes figures québécoises afin d'exposer leur mythification. C'est dans cette optique que je propose de démontrer l'établissement d'un autre mythe québécois, celui d'André Fortin. Bien que décédé il y a une dizaine d'années, André"Dédé" Fortin, chanteur et leader des Colocs, continue de figurer dans les quotidiens ; sa musique est toujours diffusée à la radio et différentes parutions le concernant ont été publiées lors des dernières années. Malgré qu'il ait été connu comme membre du groupe Les Colocs, il est le seul concerné par la persistance de sa figure après toutes ces années. Est-ce que sa position centrale au sein de la formation ainsi que l'aspect tragique et soudain de sa mort contribueraient à faire de lui un mythe? Le présent mémoire s'attache à démontrer l'établissement du mythe d'André Fortin par le biais d'une analyse basée sur neuf critères, allant de la modification d'éléments biographiques afin de mieux convenir à la mémoire collective jusqu'à l'évocation de sa figure dans divers contextes. Le corpus d'étude est composé d'articles publiés de son vivant, d'articles publiés après sa mort ainsi que de deux livres biographiques parus respectivement en 2001 et 2004.

Résumé : Cette recherche a pour objectif d'analyser la réception des représentations des femmes dans deux campagnes publicitaires de produits de toilette, l'Initiative de vraie beauté de Dove et la Bom Chicka Wah Wah de Axe. Alors que la première cherche à construire un modèle de beauté accessible, la seconde reproduit le modèle dominant de la femme idéale. Cette contradiction n'a rien d'étonnant, si ce n'est que les marques appartiennent toutes deux à la multinationale Unilever. Ceci a soulevé une importante controverse. Ce mémoire s'appuie sur différentes théories en communication et en études féministes. Je traite notamment de la socialisation, des rôles concurrentiels des médias et de la mère dans ce processus, de la construction du genre, des représentations des femmes dans les médias et la publicité, ainsi que de la question des publics et de la réception selon l'approche du sens construit. Cette étude de la réception se penche sur un public en particulier, les mères d'adolescentes : celles-ci sont le public cible de Dove et leurs filles sont quotidiennement exposées aux idéaux de beauté féminine, présentés, entre autres, par Axe. Trois groupes de discussion ont été menés auprès de vingt-trois participantes dans différentes villes du Québec. Les participantes ont été invitées à donner leur opinion à propos des publicités diffusées sur les sites Web des campagnes de Dove et Axe et à échanger sur la publicité, les standards de beauté et les représentations des femmes dans les médias. Il se dégage trois grands points de l'analyse des résultats. D'abord, les mères d'adolescentes interviewées tendent à négocier les messages publicitaires. Il est certain qu'elles intègrent directement certains éléments de sens, mais elles en rejettent d'autres et se montrent critiques. Ensuite, elles semblent jouer un rôle-clé dans la socialisation, et ce, tant dans l'apprentissage et la reproduction des normes de la féminité que dans le développement d'un sens critique par rapport à ces normes. Finalement, elles adoptent des points de vue féministes par rapport au corps, à la mode et aux pratiques de beauté et par rapport aux représentations des femmes dans les médias.||Abstract : This research examines the reception of women's representations in two advertising campaigns for beauty products, Dove's Campaign for Real Beauty and Axe's Bom Chicka Wah Wah. While the first seeks to construct a more democratic beauty standard, the second reproduces the dominant standard of the ideal woman. Such contradiction would by no means be surprising if it was not that both brands belong to Unilever, a multinational corporation. Such contradiction therefore created an important controversy.This master's thesis is based on different theories in communication and feminist studies. It deals with socialization, competing roles of media and mothers in this process, gender construction, women's representations in media and advertising, as well as with the issues of publics and reception, as discussed by the constructed meaning approach.This reception study looks into a particular public, that is mothers of teenage girls: these women are Dove's target and their daughters are regularly exposed to feminine beauty ideals, represented, among others, by Axe. Three focus groups were held with 23 participants in different cities of Québec. Participants were invited to share their opinions on the ads broadcasted on the websites of Dove's Real Beauty Campaign and Axe's Born Chicka Wah Wah, and to exchange ideas and views on advertising, beauty standards and women's representations in media. Three main points can be drawn from the results and their analysis. First, the mothers of teenage girls interviewed tend to negotiate the messages in advertisings. It is certain that they directly integrate some elements of meaning, but they also reject others and display great critical faculty. Second, it seems they play a key-role in socialization, both in the initiation to and the reproduction of norms of feminity and in the acquisition and development of critical faculty towards these norms. Third, they take up feminist positions and views on the body, fashion and beauty practices, as well as women's representations in media.

Ce mémoire s'intéresse à la réception critique de Né à Québec, première œuvre d'Alain Grandbois et aux relectures de ce récit à travers le temps. Cette étude a pour point de départ le paradoxe entre le futur prometteur de l'œuvre que laissait augurer la réception initiale et le rôle bien secondaire que joue désormais Né à Québec dans l'histoire de la littérature québécoise. Le mémoire est divisé en trois chapitres structurés chronologiquement et couvre la réception de l'œuvre de sa publication en 1933 jusqu'à nos jours. Le premier chapitre se penche sur le contexte de réception initial ainsi que sur l'élaboration d'un discours critique dominant sur Né à Québec. Cette partie de l'étude a aussi pour but de rappeler les conclusions de Marcel Fortin sur la réception immédiate de l'œuvre en question telles que décrites dans son ouvrage Histoire d'une célébration, publié il y a maintenant plus de vingt ans. Ce rappel est primordial afin de bien comprendre comment la pensée critique a évolué au-delà de la décennie 1930. À noter que l'analyse présente dans ce mémoire offre une perspective différente que celle de Fortin sur les commentaires de cette période puisqu'elle s'organise autour de concepts théoriques nouveaux, en particulier la notion de stéréotype telle que définie par Jean-Louis Dufays. Les deux autres chapitres traitent de textes critiques sur Né à Québec qui n'ont jamais dans le passé été directement le sujet d'une étude de réception. Tout au long de cette étude, le discours sur l'œuvre de Grandbois est décrit, analysé et comparé afin de comprendre comment ce récit historique en est venu à être aujourd'hui délaissé par le public et les littérateurs du Québec et d'ailleurs.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.