Orientador: Odil José de Oliveira Filho / Banca: Nelyse Aparecida Melro Salzedas / Banca: Clarice Zamonaro Cortez / Banca: Rubens Pereira dos Santos / Banca: Rosane Gazolla Alves Feitosa / Resumo: Considerando a perspectiva homológica que envolve as diferentes representações artísticas em Poética dos Cinco Sentidos - La Dame à La Licorne (1979), visamos tratar no presente estudo das correspondências interartísticas no processo de produção do texto O Ouvido, de José Saramago. A Livraria Bertrand (Lisboa) solicitou a contribuição de seis autores portugueses para que realizassem uma leitura de La Dame à la Licorne (séc. XV), série de seis tapeçarias francesas encontrada no século XIX no castelo de Boussac, e exposta no Musée National du Moyen Age - Thermes et Hôtel de Cluny (Paris) desde 1882. Os painéis, reproduzidos junto aos textos do volume, sugerem representar a alegoria dos sentidos humanos, e cada autor solicitado abordou, de forma particular, uma das peças. Assim, consecutivamente, Maria Velho da Costa escreveu sobre a visão em A Vista; José Saramago, a audição em O Ouvido; Augusto Abelaira o olfato em O Olfacto; Nuno Bragança o paladar em O Gosto; Ana Hatherly o tato em O Tacto; e, por sua vez, Isabel da Nóbrega, em A sexta, tratou sobre À Mon Seul Désir, título dado à tapeçaria que realiza o fechamento da série e ilustra a capa do livro. Diante desse contexto, passamos a investigar inicialmente a origem das questões interartísticas nas poéticas da Antiguidade Clássica, bem como o contiuum desses pressupostos teóricos nas reflexões e gêneros artísticos na Idade Média, na Idade Moderna e na Contemporaneidade. Em seguida, delineamos como a herança da tradição especulativa em torno da fraternidade entre as artes incide na arte decorativa da tapeçaria, e, posteriormente, refletimos sobre a tessitura poética dos painéis... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: Taking into consideration the homological perspective that involves the different artistic representations in Poética dos Cinco Sentidos / La Dame à La Licorne (1979), in this study we aim to deal with the interartistic correspondences in the text production process O Ouvido, by José Saramago. The Livraria Bertrand (Lisboa) requested the contribution of six Portuguese writers to perform a reading of La Dame à la Licorne (Sec. XV), a series of six French tapestries found in Boussac castle in the nineteenth century, and exposed in Musée National du Moyen Age - Thermes et Hôtel de Cluny (Paris) since 1882. The panels, reproduced along with the texts of the volume, suggest to represent the allegory of human senses, and each author invited approached, in his particularly way, one of the tapestries. Thus, consecutively, Maria Velho da Costa wrote about the sight in A Vista; José Saramago, the hearing in O Ouvido; Augusto Abelaira, the smell in O Olfacto; Nuno Bragança, the taste in O Gosto; Ana Hatherly, the touch in O Tacto; and Isabel da Nóbrega, in A sexta, wrote about À Mon Seul Désir, title given to the tapestry that ends the series and illustrates the cover of the book. In this context, we started by investigating the origin of interartistic matters in poetry of Classical Antiquity, as well as the continuum of these theoretical purposes in the reflection and artistic genres in Middle Age, Modern Age and Contemporaneity. Then, we outlined how the heritage of speculative tradition around fraternity among arts falls on tapestry decorative art. Later, we pondered over the poetical tessitura of La Dame à La Licorne's panels... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Esta tese investiga as relações entre o teatro musicado e a canção popular na cidade de São Paulo entre 1914 e 1934, período que antecede e acompanha a consolidação do disco e do rádio no Brasil. Procura compreender a importância dos palcos paulistanos sob dois aspectos: de um lado, em sua relação com o processo mais amplo de formação da moderna canção popular no Brasil, e, de outro, como espaço de invenção de uma identidade paulista a qual, por sua vez, realimentou a produção cancional da capital, especialmente aquela identificada como caipira. Com base em um extenso levantamento realizado na imprensa, a primeira parte faz um mapeamento do circuito teatral musicado paulistano, compreendido como parte de uma nascente cultura de massa. Para tanto, apresenta suas salas de espetáculo e seus principais empresários, revelando a crescente capitalização do mundo das diversões. Também caracteriza os gêneros teatrais musicados encenados na cidade, com ênfase na produção local. A segunda parte enfoca aspectos musicais dessa produção teatral. Discute a importância dos palcos na profissionalização de instrumentistas, maestros e compositores paulistas, além de descrever o circuito de produção, circulação e consumo musical na cidade, que incluía não só os teatros, mas também a edição de partituras, as bandas militares e, bem mais raramente, o disco. Finalmente, apresenta algumas características da música divulgada no teatro e problematiza a evolução do canto nas peças musicadas, relacionando-a com a fixação de um gesto cancional. / This thesis investigates the relationship between musical theater and popular songs in the city of São Paulo during the early decades of the twentieth century (1914-1934), the period that precedes the consolidation of the music industry and the radio in Brazil. It aims to understand the importance of Sao Paulos musical and theater stages in two aspects: first, in their relationship with the more thorough process of constitution of the modern popular song in Brazil, and, second, as a locus for the invention of a paulista identity - which in turn, would feed back into the song production in São Paulo, especially the one known as caipira. Based on an extense data collection from São Paulo daily press, the first part maps the city\'s theater circuit, understood here as part of abursting mass culture. It presents the São Paulo concert halls and their main impresarios, revealing the increasing capitalization of the entertainment industry. It also characterizes the musical theatre genres performed in the city, with an emphasis on local production. The second part focuses on the musical aspects of this theater production. It discusses the importance of theatre in the professionalization of instrumentalists, conductors and composers in São Paulo, and describes the different circuits of musical production in the city, which included not only the theaters, but also editing music, bands and, very rarely, the phonographic industry. It also presents some characteristics of the theatre music and discusses the evolution of the song in musical theatre.

O objetivo principal da presente pesquisa é analisar o livro Uno, nessuno e centomila, de Luigi Pirandello, como um romance-manifesto constituído por um narrador-personagem imerso na experiência da modernidade. Vitangelo Moscarda é um sujeito que vive acomodado na sua condição, até o dia em que a mulher lhe aponta um defeito presente em seu rosto: o nariz cai para direita. Tal desarmonia física sugere também o desacordo presente no universo, no qual o próprio corpo é visto como algo que não condiz com a realidade assim como Moscarda acreditava. O estranhamento do próprio aspecto físico desencadeia processos de dissolução persistentes, com a completa subversão da ordem ontológica. Moscarda estabelece uma espécie de teoria com ênfase nas relações humanas e coloca em prática a destruição de suas próprias personae, que emergem a partir de suas relações sociais. Nessa negação das diversas imagens por ele suscitadas no outro, podemos ler os conflitos e as crises de Moscarda como resultados da experiência da modernidade e seu respectivo ambiente controlado pelo capital, pela vulgaridade e pelo interesse que move as relações pessoais. / The main aim of the present paper is to analyse the book Uno, nessuno e centomila, by Luigi Pirandello, as a manifest-romance formed by a narrator-character immersed in the modernity experience. Vitangelo Moscarda is a guy who is used to his current situation, until the day his wife points a defect in his face: the nose \'tilts\' to the right. Such lack of physical harmony also suggests the disagreement in the universe, in which the body itself is seen as something that is not in agreement with the reality as Moscarda believed. The estrangemnt of his own physical aspect results in persistent dissolution processes, with the complete subversion of the onthologic order. Moscarda stablishes a sort of theory focused on human relations and set the destruction of his own personae - which arise from his social relations - into practice. Through this denial of several images provoked in the other, one may read the conflicts and the crisis of Moscarda as resulting from the modernity experience and its respective environment moved by capital, vulgarity and interest that command the relationships.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Glayce - Dissertacao PDF.pdf: 3767144 bytes, checksum: 1dff151e3e2af4861f6ac69fdbf0c798 (MD5) Previous issue date: 2012-06-20 / The purpose of this dissertation was to study the possible dialogue between art and literature because of the literary work of João Cabral de Melo Neto, Morte e vida severina and painter production of Candido Portinari, in particular the series of 1944 called: Retirantes, Criança morte e Enterro na rede, which the content that unites them is an expression of how the northeastern refugees dealt with death, indicate that Melo Neto and Portinari the migration process and the flight of the misfortunes experienced in the northeastern backlands seems to represent the possible output. Through a literature review and analysis of the poem and the works of Portinari, we conclude that to represent the drama experienced by these refugees, Portinari used expressionist aesthetic resources and the deformation and Melo Neto sought through the Pernambuco Regionalism and folklore, elements to portray the same situation painted by Portinari. Art and literature dialogue situations in common: the desire to express the way that these Brazilians were reluctant because of the difficulties caused by drought / O objetivo desta dissertação foi estudar o diálogo possível entre a arte e a literatura em razão da obra literária de João Cabral de Melo Neto, Morte e vida severina e a produção do pintor Cândido Portinari, nomeadamente da série Retirantes do ano de 1944, Criança morta, Enterro na rede e Retirantes, cujo conteúdo que as une, a expressão de como os retirantes nordestinos lidavam com a morte, indicam que tanto em Melo Neto como em Portinari, o processo migratório e a fuga dos infortúnios vividos no sertão nordestino parece representar a saída provável. Por meio de um levantamento bibliográfico e análise do poema e das obras de Portinari, concluímos que, para representar o drama vivenciado por esses retirantes, Portinari usou recursos estéticos e a deformação expressionista e Melo Neto buscou por meio do Regionalismo e do folclore pernambucano, elementos para retratar a mesma situação pintada por Portinari. A arte e a literatura dialogam situações em comum: o desejo de expressar o modo com que esses brasileiros relutavam contra as dificuldades causadas pela seca.

Este trabalho se propõe a fazer, sob a perspectiva analítica da pedagogia instrumental, um estudo sobre o primeiro volume da coleção pianístico-pedagógica intitulada Játékok, de György Kurtág. O recorte de aspectos pianísticos e musicais que encontramos no Játékok - obra que se caracteriza pelo seu enraizamento nas linguagens contemporâneas e pela sua inspiração no universo infantil e no jogo - não são habitualmente tratados em obras com fins pedagógicos. Portanto, pretendemos investigar os conteúdos que se revelam valiosos e prioritários para Kurtág no campo da pedagogia instrumental, bem como analisar o modo como o compositor desenvolve esses conteúdos ao longo da coleção e suas implicações no desenvolvimento técnico e interpretativo do aluno ao piano. Para uma adequada consecução de tais objetivos, o trabalho se estrutura em quatro capítulos, sendo que os três primeiros contextualizam compositor, obra e referencial teórico para a análise. Assim, o primeiro capítulo, \"György Kurtág e o Játékok\", percorre a trajetória biográfica do compositor, destacando aqueles eventos que afetaram a particular conformação da obra; o segundo, \"Horizontes pedagógicos em Játékok\", trata de desvelar as aspirações pedagógicas do compositor através do estudo do prefácio da obra; o terceiro, \"Referencial teórico para a análise do Játékok\", apresenta os textos principais em que baseamos a análise pedagógica do Játékok, cada um deles representando um dos ângulos necessários para abordar as particularidades do nosso objeto de pesquisa, que são: a pedagogia e interpretação pianística e a pedagogia aplicada à literatura pianística do século XX; o quarto e último, \"Análise de conteúdos pianístico-pedagógicos presentes no primeiro volume do Játékok\", categoriza os conteúdos: a) Gesto; b) Concisão significativa/expressiva; c) Liberdade métrica e rítmica; d) Ouvido interno, condução melódica e sensibilidade física; e) Expressão dramática e desenvoltura performática; e explora cada um deles por meio da fundamentação teórica e da análise de algumas das peças do volume, a modo de exemplo. Por fim, \"Considerações finais\" contempla o processo da pesquisa, destaca os aspectos mais significativos do pensamento pedagógico de Kurtág e trata de sondar as possíveis questões pedagógicas levantadas pela obra. O trabalho justifica-se por contribuir para a bibliografia sobre Kurtág e o Játékok em língua portuguesa, praticamente inexistente, bem como por constituir uma pesquisa sobre pedagogia instrumental que amplia o espectro de possibilidades de ensino. / This work aims to study the pianistic content present in the first volume of György Kurtág\'s Játékok under the analytical perspective of the instrumental pedagogy. The pianistic and musical aspects we can find in Játékok - work that is characterized by its contemporary roots and for its inspiration both in children\'s universe as in the game - are not usually treated in works for teaching purposes. Therefore, we intend to investigate valuable and crucial contents for Kurtág in the field of instrumental pedagogy, furthermore examine how the composer develops these contents along his collection and which are the implications for the student development of technical and interpretive piano skills. In order to achieve these objectives, this work is divided into four chapters, taking into consideration that the first three contextualize composer work and theoretical framework for the analysis. Thus, the first chapter, \"György Kurtág and Játékok\" describes the biographic trajectory of the composer, highlighting those events that affected the particular conception of the piece; the second one, \"Pedagogical Horizons in Játékok\", comes to unveil the pedagogical aspirations of the composer through the study of the prefaces\' work; the third, \"Theoretical framework for analyzing Játékok\" introduce the main texts on which we base the pedagogical analysis of Játékok, each of which represents one of the needed perspectives to be able to approach the particularities of our research goals: the pianistic pedagogy, the piano performance and the pedagogy applied to the pianistic literature of the twentieth century; the fourth one, \"Analysis of pianistic and pedagogical contents in the first volume of Játékok\", categorizes the contents: a) Gesture, b) Significant/expressive conciseness; c) Metric and rhythmic freedom; d) Internal hearing, melodic conduction and physical sensitivity; e) Dramatic expression and ease performance. And explores each one through the theoretical grounding and the analysis of some of the pieces in the volume, as examples. Finally, the \"Final considerations\" include the research process, highlighting the most significant aspects of the pedagogical thinking of Kurtág, and also tries to probe the pedagogical issues raised on the Játékok. The work is justified because of its contribution to the literature on Kurtág and Játékok in Portuguese language, practically nonexistent, as well as constitutes a research on instrumental pedagogy that broadens the spectrum of possibilities for education.

Este trabalho tem por objetivo analisar os processos composicionais do Kyrie, segundo movimento do Réquiem (1963-65), de György Ligeti. Segundo seu compositor, essa peça é uma \"estranha fuga\" e, como tal, receberá durante nosso trabalho a terminologia correspondente a essa declaração. No primeiro capítulo, investigaremos a microestrutura da obra e perceberemos aí o caráter direcional das alturas do Sujeito 1, Kyrie eleison, (Cohn, 1998; Douthett & Steinbach, 1998; Lewin; 1982) e as simetrias que descrevem o Sujeito 2, Christe eleison (Weyl, 1997; McManus, 2005). No segundo capítulo, discutiremos o conceito de ilusão sonora (Caznok, 2008; Vitale, 2013; Menezes, 2004), sua recorrência na obra de Ligeti e na compreensão da superfície audível do Kyrie. No terceiro e último capítulo, retomaremos alguns aspectos da história do termo \"fuga\" (Mann, 1987) na busca de reflexos dessa história na escrita de Ligeti. Durante todo o nosso texto, lembraremos de outras obras artísticas que, em diálogo com o Kyrie, nos ajudarão a exemplificar, contrapor ou ratificar procedimentos composicionais da obra de Ligeti. Nossa investigação tende a situar a obra desse compositor na questão da Tradição e Ruptura, problematizada pela modernidade (Arendt, 2013; Compagnon, 2010), a partir de uma abordagem prática: a da análise musical. / This work aims to analyze the compositional process of Kyrie, the second movement of Réquiem (1963-95), by György Ligeti. According to Ligeti, this piece is a \"strange fugue\" and, as such, we will use a terminology corresponding to that statement. In the first chapter, we will investigate the microstructure of the piece and we will find the pitches\' directionality of the Subject 1, Kyrie eleison, (Cohn, 1998; Douthett & Steinbach, 1998; Lewin; 1982) and the symmetries that characterizes the Subject 2, Christe eleison (Weyl, 1997; McManus, 2005). In the second chapter, we will discuss the concept of sound illusion (Caznok, 2008; Vitale, 2013; Menezes, 2004), its recurrence in Ligeti\'s repertoire and its relevance to the understanding of the audible surface of Kyrie. In the third chapter, we will remember some aspects of the history of the word \"fugue\" (Mann, 1987), looking for reflections of this history in the Kyrie. During our argumentation, we will bring out another works of art, which will be related to the Kyrie, helping us to illustrate, oppose or endorse the compositional procedures of Ligeti\'s work. Our research tends to situate the Kyrie in the context of Tradition and Rupture, considered by modernity (Arendt, 2013; Compagnon 2012), from a practical approach, the analytical research

A presente dissertação expõe um estudo analítico da Sequenza I, para flauta solo, escrita pelo compositor italiano Luciano Berio (1925-2003), com foco nas duas edições da obra. A primeira, de 1958, faz uso de notação proporcional e foi publicada pela Editora Suvini Zerboni. Já em 1992, surge uma edição revisada pelo compositor, fazendo uso de notação rítmica tradicional, e que foi publicada pela Universal Edition. Dentre as diversas motivações para a realização deste trabalho, podemos citar a peculiaridade da reescritura da obra pelo próprio compositor, 34 anos mais tarde, focando suas alterações substancialmente na notação rítmica; um levantamento de questões referentes às práticas interpretativas com foco na obra para flauta transversal; e a representatividade da Sequenza I como um cânone do repertório para flauta, cujo estudo é indispensável ao flautista do século XXI. Colocando-nos tanto no papel de intérprete quanto de analista, buscamos reflexões acerca das práticas interpretativas, visto que procuramos nos desenvolver no domínio de ambas as áreas. Na conclusão, observamos haver um relacionamento de colaboração mútua entre análise musical e performance que realmente esclarece aspectos estruturais, e uma influência da experiência de Berio junto à composição eletroacústica na escrita desta obra para instrumento acústico. / This thesis presents an analytical study of Sequenza I for solo flute, by the Italian composer Luciano Berio (1925-2003), focusing on two editions of the work. The first one, from 1958, uses proportional notation and was published by Suvini Zerboni Editions. The second one, published by Universal Edition in 1992, was reviewed by the composer and uses traditional rhythmic notation. Among various motivations for carrying out this work, I mention the peculiarity of a composer rewriting his own work 34 years later, centering his changes mainly in the rhythmic notation; a survey of issues regarding interpretative practices and focusing on works for flute; and the representativity of Sequenza I as a canon of the flute repertoire, which study is indispensable to the Twentieth Century flautist. Placing myself both in the role of performer and analyst, I look for reflections concerning performance practices, as I seek to develop myself in both fields. In conclusion, I found a relationship of mutual collaboration between musical analysis and performance, which really clarifies structural aspects; and an influence of Berio\'s experience within electroacoustic composition in writing this piece for an acoustic instrument

Esta dissertação teve por objeto delinear alguns fatores relativos ao processo de emergência da leitura dos trabalhos do linguista e antropólogo norte-americano Edward Sapir (1884-1939) como um dos proponentes de um conjunto de afirmações acerca da natureza das línguas naturais, agrupadas sob o rótulo relativismo linguístico, cujo debate recebeu bastante atenção dos antropólogos linguistas estadunidenses, na primeira metade do século XX. Costuma-se afirmar que o relativismo linguístico seja uma hipótese, que alega que a língua pode moldar a percepção da realidade, o pensamento ou a cultura. Visto o nome de Sapir estar associado ao de Whorf, como o rótulo hipótese Sapir-Whorf indica, e que este rótulo tem sido bastante utilizado atualmente para se referir ao relativismo linguístico, efetuou-se o rastreamento de alguns conceitos fundamentais nesta discussão, dentro do quadro teórico proposto por Sapir, tal como suas concepções acerca da língua, da cultura e do pensamento, com vistas a avaliar a procedência de sua recepção como um relativista. Havido sido este trabalho conduzido sob a metodologia da Historiografia Linguística, buscamos também resgatar os fatores contextuais nos quais tais proposições teóricas emanaram. Por fim, propomos a discussão da configuração do termo relativismo no horizonte teórico do autor, visando fornecer uma perspectiva de leitura diferente da proposta, atualmente, por inúmeros manuais de História da Linguística. / This dissertation had as its objective to outline some factors related to the emergence process of reading the American anthropologist and linguist Edward Sapirs (1884- 1939) papers as one of the proponents of a set of assertions about the nature of natural languages, grouped under the label linguistic relativity, whose debate received much attention from American linguistic anthropologists, during the first half of the twentieth century. It is often said that the linguistic relativity is a hypothesis, which argues that language can shape the perception of reality, thought or culture. Since Sapirs name has been associated with Whorfs, as the label Sapir-Whorf hypothesis indicates, a term widely used today to refer to linguistic relativity, we carried out tracking of some fundamental concepts in this discussion, within the theoretical framework proposed by Sapir, as his conceptions of language, culture and thought, in order to assess the merits of its reception as a relativist. As this research was conducted under the methodology of Linguistic Historiography, we have also sought to rescue the contextual factors in which such theoretical propositions have emanated. Finally, we propose to discuss the setting of the term relativism in the author\'s theoretical horizon, aiming to provide a reading perspective fairly different from the ones proposed currently by numerous handbooks on the History of Linguistics.

O fotógrafo alemão August Sander (1876-1964) foi autor de uma das mais apreciadas obras fotográficas do século passado, Homens do século XX (HHSX), um projeto de fotografia documental de grande envergadura, iniciado na década de 1920, composto basicamente por retratos, por sua vez organizados segundo o critério de classificação de tipos da sociedade elaborado pelo próprio fotógrafo. Alguns dos retratos são descritos neste trabalho pormenorizadamente a fim de encontrar nas suas propriedades visíveis indicações referentes aos esquemas de percepção que Sander empregava em sua visão de mundo. As análises dessas imagens são confrontadas com os critérios de classificação por ele adotados e articuladas a um manancial de informações relacionado ao ambiente fotográfico da época, ao contexto sócio-político da Alemanha e à biografia do fotógrafo. Este procedimento levou à hipótese central da pesquisa: mais do que representações de tipos sociais, como de fato acreditava Sander, HSXX é antes um conjunto de estereótipos no sentido de seus retratos serem realidades construídas que correspondem a um modo de percepção social. Enquanto à percepção do real, a maioria dos retratos corresponde a estereótipos pré-concebidos socialmente. O presente estudo parte do princípio de que Homens do século XX é a narração da interpretação de Sander sobre aquele período histórico da Alemanha. Deste ponto de vista, a análise empreendida não interpreta somente a obra, mas também interpreta a interpretação circunstanciada daquele que a concebeu. Não se trata, portanto, de um estudo sobre os fatos narrados, mas sim sobre a forma como Sander os narrou, sua percepção do mundo inscrita na interpretação que ele faz do real circunstanciada por diversos fatos sociais. / The German photographer August Sander (1876-1964) was the author of one of the most appreciated photographic work from last century, Man in the Twentieth Century, a vast documental photography project, started in the 1920s, basically composed by portraits, organized by the author according to societys kinds of occupations. Some of the portraits are described here in detail in order to find in its visible proprieties, indications related to the aspects of perception which Sander used in his view of the world. The analysis of those images are confronted with the classification criteria adopted by him and articulated with several pieces of information related to the photographic environment from that time, to the German social political context and to the photographers biography. This procedure took us to the researchs central hypothesis: more than representations of social types, as Sander believed, Man in the Twentieth Century is a whole of stereotypes in the sense that his portraits are constructed realities that correspond to a kind of social perception. As for the perception of the real, most of the portraits correspond to the stereotypes that are socially understood. The current study essentially states that Man in the Twentieth Century is the narration of Sanders interpretation about that German historic period. From this point of view, the analysis done not only interprets the art work, but also interprets the circumstanced interpretation from the one who idealized it. Therefore, it is not a study about the narrated facts, but about the way Sander narrated them, his perception of the world enrolled in the interpretation that he does about the real, circumstanced by several social facts.

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