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La théâtralité retrouvée. Étude socio-esthétique du théâtre indépendant à Buenos Aires (1983-2003) / The theatricality regained. Socio-aesthetic study of independent theater in Buenos Aires (1983-2003)Dansilio, Maria Florencia 13 November 2017 (has links)
Cette thèse se propose de rendre compte du changement dans les manières de faire et de penser le théâtre indépendant en Argentine entre 1983 et 2003. Le contexte socio-politique étant fortement marqué dans les années post-dictature, l’activité théâtrale se reconfigure, et ce changement suppose une modification de l’ordre des pratiques. Il implique, pour la communauté théâtrale, à la fois des bouleversements d’ordre symbolique des catégories de perception et d’appréciation.À travers une approche située au croisement de l’analyse sociologique du phénomène et de l’analyse de ses spécificités esthétiques, nous suivrons trois objectifs. Premièrement, il s’agira de procéder à une analyse sociohistorique du concept polysémique d’indépendance théâtrale, afin de déterminer ses différents usages et significations. Deuxièmement, nous analyserons la reconfiguration de l’espace théâtral indépendant à travers ses différents acteurs (artistes, médiateurs, critiques), les oeuvres qui ont fait date et les espaces de création, de circulation et de légitimation. In fine, nous identifierons les formes de production d’une nouvelle théâtralité (c’est-à-dire les modalités spécifiques du jeu des comédiens dans la fabrique de la fiction théâtrale et dans leur rapport au réel) ainsi que la possible émergence d’une politicité au cœur de la production de la nouvelle scène indépendante et contemporaine en Argentine. / The aim of this thesis is to account for the changes occurred in the ways independent theatre is performed and thought about in Argentina, between 1983 and 2003. The social-political context is strongly marked by the post dictatorship years therefore the activity linked to theatre is reconfigured and this change implies a revision of this very practice. For the performing community, it implies a reworking of the symbolic order in relation to both perception and appreciation of theatre.In this approach at the crossroad of sociological analysis of the artistic phenomena and the comprehension of its esthetical specificity, we will pursue three goals. First, we will embark in a socio-historical analysis of the polysomic concept of theatrical independence, in order to define its meanings and practices. Secondly, we will analyse the reconfiguration of independent theatre through its various players (artists, facilitators critics), as well as the major theatre works that have been a landmark and the analysis of spaces for creativity, movement and legitimation of such works. Finally, we will identify the forms of production for a new theatrical approach (the way comedians act, create a new type of fiction and how they connect to reality) as well as the possible emergence of a political pledge at the very heart of the new independent and contemporary scene of Argentina’s theatre.
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Le Corps qui pense, l'esprit qui danse - l'acteur dans sa quête de l'unité perdue / The Thinking Body, the Dancing Mind - the Actor in his Quest for the Lost UnityAlaniz, Sirlei 13 October 2014 (has links)
Cette étude aborde le thème de la quête de vérité menée par l’acteur. Partant du « paradoxe de l’acteur » qui met en lumière la tension qui se joue entre Forme et Spontanéité, ainsi que sa difficulté à être simultanément artiste et œuvre d’art. Or une recherche comparative sur le théâtre Occidental/Oriental, et d’autres sources telles que les pensées de Georges Gurdjieff et de François Delsarte nous ont conduit à considérer le travail du comédien d’un point de vue trinitaire, en prenant en compte les trois éléments essentiels que sont son corps, son émotion et son esprit. La quête de vérité que mène l’acteur tout au long de sa vie doit s’enraciner dans une compréhension de sa propre nature trinitaire et d’un éventuel manque d’harmonie qui peut résulter dans des comportements automatiques et stéréotypés. Cette vision nous a servi de base pour mener une étude de la pensée de certains grands réformateurs du théâtre du XXe siècle. Ainsi, les méthodes de Jerzy Grotowski et d’Etienne Decroux sont analysées à partir des approches de l’organicité et de l'artificialité selon la perspective de Grotowski. Notre but est de trouver une possible complémentarité entre les travaux de ces deux investigateurs, dans la quête de l’équilibre du trinôme corps-émotion-esprit. Finalement, l’acteur doit cultiver simultanément ses trois centres pour unifier le créateur, l’artisan et la matière de son œuvre, et retrouver ainsi sa vraie Présence sur scène. / This study begins with the actor’s quest for truth. Starting from the « actor’s paradox » which shines light on the tension that plays between Form and Spontaneity, and the difficulty of being simultaneously artist and work of art. A comparative research of Occidental/Oriental theatre, and other sources such as the thoughts of George Gurdjieff and François Delsarte led us to consider the work of the actor from the point of Trinitarian view, taking into account the three essential elements that are his body, his emotion and his mind. The quest for the truth that drives the actor has to begin with the comprehension of his own nature of this human trinity; before the understanding of its fragmentation, that is, the lack of harmony that can exist between these three principle functions and the danger of falling into automatic and stereotypic behaviors and reactions. This study allows us to observe the thought of certain great theatre reformers of the 20th century. Therefore, methods of Jerzy Grotowski and Etienne Decroux are analyzed using approaches of organicity and artificiality from the perspective of Grotowski. Our objective is to find a possible complementarity between the works of these two researchers in the quest for balance of the trinity body/emotion/intellect. Finally, the actor must simultaneously cultivate the three centers in order to unify the creator, the artisan and the matter of his work, and find his true presence on stage.
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Peut-on enseigner la présence scénique? Delphine Eliet, une pédagogue à la croisée des théories de l'art du jeu qui ont marqué le XXème siècle théâtralIrubetagoyena, Keti 18 November 2013 (has links) (PDF)
La présence scénique est une notion complexe du jeu de l'acteur. Pomme de discorde, elle fait s'affronter, schématiquement, les partisans du don et ceux de la technique, les défenseurs de l'énergie contre les stratèges de la réception spectatrice. Il est pourtant une évidence : il ne peut y avoir de présence scénique en soi. Constantin Stanislavski parle d'un " charme scénique " à l'origine d'un " enchantement ", d'une " emprise sur l'auditoire "1 . La présence de l'acteur est décrite comme un pouvoir que ce dernier a sur les sens des spectateurs - pouvoir voilé du mystère dont les mots " charme " et " enchantement " sont empreints. L'acteur n'est présent que dans la réception qu'a le spectateur de sa performance, un truisme, certes, mais qui n'est pas sans conséquences. Sans nier l'évidence d'un don chez les acteurs que l'on dit nés, peut-on considérer la possibilité d'une présence scénique qui, en tant que coprésence, puisse faire l'objet d'une construction ? Partant de l'analyse spectatrice et pratique de la pédagogie de Delphine Eliet à l'École du Jeu, hypothèse est faite qu'une présence scénique pourrait être construite par l'acteur au moyen d'un usage conscient et maîtrisé de cet ici et maintenant qui fait du théâtre un art vivant dont il est l'agent fondamental, usage touchant tous les niveaux du jeu, du muet être-là au projet artistique le plus complet. 1-Cf. STANISLAVSKI, Constantin, La Construction du personnage, traduit de l'anglais par Charles ANTONETTI, Éditions Pygmalion - Gérard Watelet, 1988, pp. 275-176.
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Recherches sur les relatives à pivot interne en japonais : description syntaxique et questions d'interprétation / On Head-Internal Relatives in Japanese : syntactic description and problems of interpretationYamamoto, Shiho 14 May 2010 (has links)
Cette thèse a pour objet l'étude de la syntaxe et de l'interprétation des constructions dites relatives à pivot interne [RPI] en japonais. Le japonais est souvent décrit comme disposant de deux systèmes de relativisation, la relative régulière, prénominale, et la RPI. Reprenant les premiers travaux sur ces constructions, dus à S.-Y. Kuroda, nous montrons que la RPI n'est pas un cas de modification nominale comparable à celui de la relative régulière, mais plutôt un cas de coordination de deux propositions internes à la phrase compète. Nous proposons, sur le plan syntaxique, une analyse de -no comme réalisation phonologique d'un déterminant, D, suivant partiellement les hypothèses générales de Kayne [1994]. Pour l'interprétation de la RPI, nous défendons l'hypothèse selon laquelle elle se comporte comme un topique scénique qui précède les topiques ordinaires, itérables, de Rizzi [1997]. Nous proposons dans un premier temps, la montée en FL de la proposition enchâssée, et dans un second temps, une analyse de la suite de [trace + -no] qui reste in situ comme équivalent du pronom démonstratif sore. / This dissertation is a study of the syntax and semantics of the so-called Head-Internal Relative [HIR] clauses in Japanese. This language is generally describe as possessing two distinct relativisation strategies, the unmarked, prenominal, relatives clauses on the one hand, and the HIRs on the other. Returning to the first descriptions of the latter [cf. S-Y. Kuroda 1974, 1975-76], I demonstrate that, semantically, IHR clauses are not a case of adnominal modification; thus, what appears to be a case of [syntactic] embedding is in fact an unexpected case of coordination of two propositions, corresponding to the IHR clause and the main clause. The syntactic analysis of the HIR relies on the idea that -no is a D, borrowing in part from Kayne's [1994] well-known analysis of relative clauses. However, at the semantic interpretation level, we propose that the contents of the HRI is a proposition which functions like a scenic topic which precedes Rizzi's [1997] iterable topic phrases. We are thus led to suggest that the IHR[or its contents] raises to the left periphery, and that the sequence [trace + -no] left behind functions like the demonstrative pronoun sore when it is used anaphorically rather than deictically.
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Beyond Documentary Realism : aesthetic Transgressions in Contemporary British Verbatim Theatre / Au-delà du réalisme documentaire : transgressions esthétiques dans le théâtre verbatim contemporain en Grande-BretagneGarson, Cyrielle 13 December 2016 (has links)
Le théâtre verbatim, une pratique scénique dont le texte repose entièrement sur les mots exacts énoncés par des personnes réelles, est au coeur d’une renaissance remarquable et inattendue du genre en Grande-Bretagne depuis le milieu des années quatre-vingt-dix. Au même moment, les metteurs en scène britanniques contemporains ont déclaré avoir trouvé de nouvelles approches pour une pratique du théâtre politique par son entremise. En dépit de la dominante anti-réaliste qui semble encore à l’heure actuelle caractériser la culture postmoderne, on admet le plus souvent que le réalisme documentaire est resté le mode par excellence de représentation des pièces verbatim sur scène. Il va donc de soi que ce théâtre, ainsi défini, ignore du même coup les récents bouleversements survenus sur la scène théâtrale britannique. À travers une étude comparative de sept spectacles que nous considérons comme représentatifs du théâtre verbatim, il est affirmé qu’il y a bien eu, malgré tout, des spectacles verbatim dont la nature discontinue implique l’éloignement du réalisme comme élément fédérateur de la représentation. Ces spectacles, qui font appel à l’expérimentation esthétique sous de multiples formes, approfondissent et transgressent ce que nous pourrions entendre par « théâtre verbatim ». Le but de cette analyse est donc d’étudier le théâtre verbatim à contre-courant de ses propres affirmations d’authenticité et de véracité et de suggérer la nécessité d'un discours qui articule mieux l’interdépendance entre les impératifs esthétiques et les possibilités d’un engagement social. Enfin, cette thèse rend compte de l’existence d’une diversité de variables esthétiques dans le théâtre verbatim d’aujourd'hui qui vise un public habitué aux nouveaux médias. À cet égard, ces variables sont regroupées selon trois positions théoriques, chacune étant analysée et traitée de manière distincte et illustrée par des exemples concrets. Par le biais de cette étude, nous espérons ainsi mettre en lumière les esthétiques mouvantes du théâtre verbatim, afin d’en établir une histoire critique et de contribuer à la formulation de ce champ de recherche si riche, autant d’un point de vue scientifique que du point de vue de la pratique vivante de l’art théâtral. / Beyond Documentary Realism: Aesthetic Transgressions in Contemporary British Verbatim Theatre Verbatim theatre, a type of performance based on actual words spoken by ‘real people’, has been at the heart of a remarkable and unexpected renaissance of the genre in Great Britain since the mid-nineties. Simultaneously, contemporary British theatre-makers claimed to have found a renewed avenue to politics through this particular medium. In spite of recent shifts in the British theatrical landscape as well as the much-vaunted postmodern culture of anti-realism, documentary realism is generally conceded to have remained the normative mode of presentation for verbatim plays on stage. Through a comparative examination of seven representative verbatim productions, this dissertation argues, however, that there has been an equally persistent strand of verbatim works that involves a move away from realism as the key element in performance. These productions make use of a wide variety of aesthetic experiments that broaden and transgress what we might understand as verbatim theatre. The strategy adopted by this study is thus to read verbatim theatre against the grain of its claim to ‘authenticity’ and ‘truthfulness’ and to suggest the need for a discourse which better articulates an interdependence between its aesthetic imperatives and the possibilities of social engagement. Finally, this dissertation accounts for the existence of a range of aesthetic variables in present-day verbatim theatre which is aimed at more media-aware contemporary audiences. These are grouped into three theoretical positions, each of them being analysed and discussed in a separate part and illustrated by case studies. It is hoped that, through this argument, the changing aesthetics of verbatim theatre will be illuminated and that – on however small a scale – this doctoral dissertation will contribute to a critical history and theoretical formulation of the complexity of this rich field as both a scholarly discipline and a lived practice.
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L’errance psychique des sujets SDF : le manteau cloacal, l’effondrement scénique et la séduction / The psychic wandering of homeless subjects : cloacal coat, scenic collapse and seductionMathieu, Franck 04 November 2011 (has links)
Ce travail porte sur la vie psychique des populations sans domicile fixe, des exclus ou des sujets gravement précaires. Malgré les différents profils parsemant ce public, l’errance n’est pas un épiphénomène survenant autour de pathologies psychiatriques mais une maladie psychique profonde, singulière, et non réductible à d’autres entités nosographiques. C’est une configuration psychodynamique qui prend son origine dans une incapacité à se loger dans l’objet primaire, c’est-à-dire à se sentir contenu dans sa préoccupation et dans sa fonction de rêverie, créant un « trou noir » dans lequel l’errant menace sans cesse de tomber. Les mécanismes défensifs associés à cette psychodynamique ont des effets sur l’aménagement de l’extériorité : l’extériorité est un prisme où s’articulent l’espace, le corps, la sensorialité et l’objet. Si d’ordinaire, l’extériorité fonctionne de manière silencieuse, dans l’errance elle se révèle bruyante et symptomatique, si bien que les différents espaces qui constituent l’extériorité se collusionnent. Pour analyser ces emmêlements de l’extériorité, l’investigation clinique s’est effectuée sur les champs de la grande exclusion par la participation à des équipes mobiles psychiatrie-précarité et au Samu Social, mais également par la création de groupes de parole et à médiation au sein d’accueils de jour. La présentation des pratiques cliniques et du travail d’accompagnement social tentant de faire émerger un lien durable et sécurisé, fait partie des préoccupations de cette recherche. Au terme de ce travail, deux concepts sont proposés : celui de Manteau Cloacal, pouvant se définir comme une corruption autocalmante et autostimulante des enveloppes psychiques dans une recherche de contact avec l’objet primaire ; et celui d’Effondrement scénique, tentative pour forcer un « domicile psychique fixe » en l’objet par l’usage des sensations, de la mise en scène et d’une certaine forme de séduction. / This work concerns the psychic life of the populations without fixed residence, excluded or the seriously precarious subjects. In spite of the various profiles strewing this public, the wandering is not an epiphenomenon occurring around psychiatric pathologies but a major, singular psychic disease non-reducible with other nosographic entities. It is a psychodynamic configuration which takes its origin in incapacity to place itself in the primary object, i.e. to feel contained in its concern and its function of daydream, creating a « black hole » into which unceasingly the subject is likely to fall. The defensive mechanisms associated with this psychodynamic have effects on the externality: the externality is a prism where space, the body, the sensoriality and the object are articulated. So usually, the externality functions in a quiet way. But in the psychic wandering it appears noisy and symptomatic so that various spaces which constitute the externality mix. To analyze these mixings up of the externality, the clinical investigation was carried out on the fields of the great exclusion by the participation in psychiatry-precariousness mobile teams and Samu Social, but also by the creation of therapeutic group into social structures. Presentation of the clinical practices and the work of social accompaniment aiming to make emerge a durable and safe bond belonged to the concerns of this research. At the end of this work, two concepts are proposed: the Cloacal Coat, which can be defined as an anesthetic and stimulative psychic envelope in a search for contact with the primary object; and the Scenic Collapse, which attempt to force by the use of the sensoriality and a certain form of seduction, a « psychic residence » in the object.
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Apports des traditions scéniques orientales dans les théories esthétiques et les pratiques du théâtre européen au XXe siècle / Contributions of the oriental scenic traditions in theatrical aesthetic theories and practices of the twentieth century European theaterLi, Min-Yuan 13 June 2013 (has links)
Dans la dernière dizaine années du 19ème siècle, les créations de Lugné-Poe et d’Antoine expérimentent de nouvelles esthétiques de représentation et voient dans la mise en scène l’essence de la création théâtrale. Le metteur en scène devient lui-même auteur, au point de jouer parfois un rôle prédominant. Tout au long du 20ème siècle, cette évolution de la mise en scène, en s’accélérant parfois brutalement, a pu atteindre une certaine anarchie. C’est pourquoi l’esthétique de la tradition scénique orientale, qui passe par des formes artistiques reproductibles, voire stéréotypées, a pu fournir des repères et des garde-fous. Paul Claudel est le premier à en avoir une réelle connaissance grâce à ses longs séjours en Asie. Il intègre les traditions, les cultures et les philosophies orientales dans son écriture théâtrale, et propose une nouvelle forme épique et lyrique de la dramaturgie, comme dans Le Soulier de satin et Christophe Colomb. Dans une proposition de théâtre symboliste, il met en scène de véritables poèmes reflétant sa cosmologie et sa vision poétique, en réalisant pratiquement le « théâtre total » dont rêve Jean-Louis Barrault. Au début du 20ème siècle, plusieurs expositions coloniales introduisent l'Orient en Occident. Elles donnent aux Occidentaux l'occasion d'un contact direct avec les traditions scéniques orientales. Les jeux formalistes, sacrés et esthétiques, de la poésie symbolique, séduisent les intellectuels et les artistes. En particulier, les représentations de Sada Yacco et Mei Lan-Fang déclenchent l’enthousiasme. Les théoriciens-metteurs en scène sont passionnés par les jeux expressifs et métaphoriques de leurs corps robustes, agiles et bien proportionnés, par leurs attitudes modérées et discrètes, tous façonnés selon la tradition séculaire orientale. Bien qu'il y ait des nuances entre les divers théâtres asiatiques, on les regroupe sous la dénomination usuelle de « théâtre oriental ». C'est la raison pour laquelle nous avons analysé à la fois les chocs provoqués par les trois grands événements qu’ont été, en Europe, successivement la visite de la troupe de Sada Yacco en 1901, l’Exposition Coloniale en 1931, et l’arrivée de Mei Lan-Fang en 1935, sur le théâtre occidental, mais aussi les origines et les caractères communs des théâtres asiatiques .Dès lors que les artistes innovants découvrent le théâtre oriental, ils sont subjugués par l’authenticité de sa théâtralité et l’opposent au théâtre occidental, dont ils dénoncent les défauts de la convention théâtrale. Les traditions scéniques orientales leur présentent des esthétiques paradoxales : des embellissements dépouillés mais enrichissants sur le plan métaphorique, des jeux artificiels stylisés mais révélant les détails réalistes, des créations contraintes par la tradition mais libérées par le talent des artistes, des représentations courtes mais requérant un long temps d’apprentissage, un seul art théâtral intégrant divers arts. Se référant à ces formes caractéristiques orientales, Craig cherche à trouver une « forme définie », Meyerhold tend à établir une nouvelle convention de théâtralité, Brecht approfondit sa théorie et son écriture visant à l'effet de la « distanciation » et Artaud désire « en finir avec les chefs-d’œuvre » et faire parler le propre langage scénique. Après ces innovateurs qui ont découvert la source de l’Orient, les metteurs en scène suivants, tels Grotowski, Barba, Brook et Ariane Mnouchkine, orientent leur recherche spirituelle et introspective vers l'Orient, en engendrant leur propre esthétique réalisée par la pratique. De la sorte, cette dernière ne relève plus d’une unique tradition orientale ou de la convention occidentale, mais d’une fécondation née de leur appropriation de l’Orient mêlée à leur propre personnalité, leur « tribu » et leurs préférences culturelles. / In the last decade of the 19th century, works of Lugné-Poe and Antoine experiment a new aesthetic representation and search the essence of the theatrical invention in the mise en scène. The director (metteur en scène) becomes the author; toa certain extent, sometimes, s/he takes the predominant role. Throughout the 20th century, the evolution of the directing (mise en scène) accelerates abruptly and it is so violent and sometimes it reaches to a state of anarchy. This is why the aesthetics of oriental scenic tradition, which goes through reproducible art forms, even stereotypical, could provide beacon and safeguards.Paul Claudel is the first person who acquires knowledge about the Orient due to his long stays in Asia. He incorporates the oriental traditions, cultures and philosophies in his playwriting, and proposes new epic and lyric forms in theater, likeone sees in The shoe of satin and Christophe Columbus. Proposing a symbolist theater, he had staged real poems which reflect his cosmology and his poetic vision. Claudel had achieved what Jean-Louis Barrault dreamed of -the "total theater."In the early 20th century, several colonial exhibitions introduced the East to the West. They gave Westerners an opportunity of directly absorbing the oriental scenic tradition. The formalists acting— sacred and aesthetics— in symbolic poetry attractsintellectuals and artists. Particularily, the representations of Sada Yacco and Mei Lan-fang were most enthusiastically received. The theoretical directors were passionate about the expressive and metaphorical acting of their robust,well-proportioned yet flexible bodies, about their moderate and discreet attitude, which were shaped by the ancient Eastern traditions. Although there were slight differences among various Asian theaters, they were grouped under the common name of "Oriental Theatre". In this sense, I would like to analyze the impacts caused by three major events of the western theater history in Europe: the successive visitings of troupe Sada Yacco in 1901, the Colonial Exhibition in 1931, and the arrival of Mei Lan-Fang in 1935. At the same time, we should trace the origins and common characteristics of Asian theaters.When the innovative artists discovered the eastern theater, they were overcame by the authenticity of its theatricality and they mirror the Western theater in opposition to the Eastern theater, in which they denounce the shortcomings of Westerntheatrical convention. The oriental scenic tradition shows them the paradoxical aesthetic: (1) unornamented decoration yet enriching in the metaphorical layout; (2) stylized artificial acting but realistic-details revealing; (3) short performance butrequiring long-term training; (4) creations constrained by tradition but set free by the talent of artist; (5) one theatrical art integrating various arts.Referring to these oriental characteristic forms, Craig seeks to find a "definite form", Meyerhold tends to establish a new convention of theatricality. As for Brecht, he goes further into developing theory, and his writing aims to produce the effect of"alienation." Artaud, on the other hand, wants to "terminate the masterpieces" and allow real stage language to speak for itself.After these pioneers who discovered sources from the Orient, directors who follow these doctrines such as Grotowski, Barba, Brook, and Ariane Mnouchkine turn their spiritual search and introspective towards the Orient, in hopes of generating their own aesthetics which could be realized in practice. Therefore, their creations reflect not merely Eastern traditions nor do they apply only Western conventions, but they are fertilized and born out of their appropriation to the Orient, mingled with these directors’ own personality, their "tribe" and their cultural preferences
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De la répétition à la figuration : logiques de la construction du lien thérapeuthique dans les troubles autistiques et psychotiques : « Il est une fois… encore une fois… » / Repetition to figuration : logical construction therapeutically link in autistic and psychotic disordersLiozon, Corinne 10 September 2015 (has links)
Ce travail propose d’interroger la constitution du lien thérapeutique avec des enfants présentant des troubles autistiques ou psychotiques. Ces pathologies narcissiques-identitaires considérées comme troubles majeurs de l’intersubjectivité soumettent nos dispositifs de soins à de constants ajustements, pour accueillir ce que ces sujets nous livrent avec insistance, et qui prend la forme de comportement répétitifs. Nous sommes dans une pratique clinique extrême, aux confins du langage qui nous oblige à repenser notre cadre interne, à redéfinir nos postures, pour soutenir un travail de symbolisation. Retirés dans une sensorialité réconfortante ou absorbés dans des activités ritualisées, ces sujets nous engagent psychiquement et corporellement à « trouver-créer » comment leur faire signe pour établir le contact et relancer les processus de réflexivité entravés. La trajectoire vers l’autre, détour essentiel à la subjectivation des éprouvés corporels est à construire. Ce travail est une modélisation de cette trajectoire du retrait devant l’objet à l’attrait pour l’objet. Deux notions sont développées, celle de l’effacement et celle de l’oscillatoire, qui viennent figurer la dynamique de la rencontre, faite de rapprochements et d’éloignements. Les « états de présence » du thérapeute sont un rouage essentiel de ce processus d’attraction, dont l’accomplissement sera « le partage d’affects ». / This work presents an investigation of the therapeutic relation to children with autistic or psychotic problems. These narcissistic-identity pathologies, considered as a major problem of intersubjectivity, submit our instruments of care to constant adjustment; in order to harvest what these subjects insistently present in the form of repetitive behaviors. We find ourselves in an extreme of clinical practice, at the limits of language, which forces us to reconsider our internal framework and redefine our positions with the aim of supporting a task of symbolization. Withdrawn into a comforting sensoriality or absorbed in ritualized activities, these subjects engage us psychically and corporally to "find-create" how to draw attention so as to establish contact and relaunch the inhibited processes of reflection.The trajectory towards the other, an essential detour towards the subjectivizing of corporeal feelings, is in need of construction. This work models that trajectory from withdrawal before the object to the attraction towards the object. Two concepts are developed, that of erasure and of the oscillatory. They come to fashion the dynamics of interaction, composed of advances and retreats. The "states of presence" of the therapist are an essential cog in the process of attraction, for which attainment becomes "affective sharing".
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Jean Vilar, de la tradition théâtrale à l'utopie nécessaire : contribution à l'étude de la pensée de Vilar conduite à la lumière de ses textes / Jean Vilar, from theatrical tradition to necessary utopia : a contribution to the study of Vilar's thought in the light of his textsMontillet, Louis 17 October 2014 (has links)
L’image de l’homme de théâtre Jean Vilar reste aujourd’hui bien réductrice. Elle peut se résumer en deux mots : Avignon, TNP. L’étude vise à effacer cette caricature, tente de retrouver le parcours de Vilar dans sa totalité : se soustraire à la légende et recouvrer l’histoire. Formation, influences, hésitations, impasses, difficultés tout au long de son chemin avant de rencontrer le théâtre. Autrement dit, dévoiler un itinéraire d’homme et non pas une icône. Itinéraire également, celui du praticien et de la réflexion née du travail en vingt-cinq ans de carrière. Au sein des trois composantes qui constituent à ses yeux l’essentiel de son art – répertoire, réalisation, public – Vilar fait-il montre d’une pensée univoque ou au contraire laisse-t-il entrevoir des ruptures, voire des contradictions ? Conduite à partir de ses textes – écrits et oraux – publiés ou inédits, l’étude dessine un Vilar bien plus complexe que l’image qui en reste ne le laisse soupçonner. Parfois malaisé à saisir, bâti de doutes et de certitudes, de mal être et d’assurance, de timidité et d’orgueil, d’échecs et de réussites, tel est l’homme qui a marqué d’un sceau indélébile le théâtre du milieu du vingtième siècle. / The image of the man of the theatre Jean VILAR remains quite reductive today. It can besummed up in two words: Avignon, TNP. The study aims erasing this caricature, it tries to recover VILAR’s course in full: getting out of the legend and back to history. Training, influences, hesitations, deadlocks, difficulties all along his way before he met the theatre. In other words, revealing the itinerary of a man and not a mere icon. An itinerary as well, that of the practitioner and of the thought that grew out of a twenty five years’ career in theatrical work. Within the three components he considers as the very main points of his art – repertoire, creation, audience – does VILAR display a univocal thought or on the contrary does he let one have an inkling of breakings or even of contradictions? Led from his texts – both written and oral – published or unpublished, the study shows a VILAR who is much more complex than the image that remains of him allows one to suspect. Sometimes rather difficult to grasp, built up on doubts and certitudes, ill-being and self-assurance, shyness and pride, failures and successes, such is the man who left an indelible mark on the theatre of the middle of the twentieth century.
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Le Don Giovanni de Wolfgang Amadeus Mozart au XXIe siècle : une réactualisation féministeKubler, Laura 05 1900 (has links)
Type de dépôt #1 (version complète) / Ce mémoire porte sur la réactualisation de l’opéra d’un point de vue féministe en s’appuyant sur l’exemple de la mise en scène de Don Giovanni (1787-1788) de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791).
Cette étude montre comment il est possible, en s’appuyant sur les outils de l’analyse musicale et littéraire, de créer une mise en scène qui respecte les principales caractéristiques du livret et de la partition – conservant ainsi ce que Jean-Jacques Nattiez appelle des « fidélités locales » – tout en permettant au public d’aujourd’hui de s’identifier à une œuvre composée il y a plus de deux siècles, et de s’y projeter. Pour ce faire, l’enjeu est de proposer une adaptation de l’opéra qui tient compte du contexte politique et social actuel, axé ici sur le féminisme. Prenant pour exemples les trois personnages féminins de Don Giovanni, le mémoire est construit sous la forme d’un triptyque, par ordre chronologique d’apparition des personnages : Donna Anna, Donna Elvira, Zerlina. Ainsi, il sera possible d’établir un point de vue s’apparentant au female gaze dans cet opéra, jusqu’ici majoritairement interprété par le biais du male gazing (regard masculin).
Le premier chapitre propose donc l’analyse de deux airs phares du personnage de Donna Anna. Cherchant à l’abstraire de l’entité quasi fusionnelle qu’elle constitue avec son fiancé Don Ottavio, l’analyse harmonique et littéraire s’intéresse aux passages où Donna Anna est susceptible d’affirmer son indépendance. L’analyse de ces mêmes scènes dans deux mises en scènes récentes de l’œuvre vise ensuite à vérifier si les caractéristiques qui ressortent de cette analyse sont mises en valeur dans les productions. Enfin, dans un processus s’apparentant à la recherche-création, je propose pour les passages étudiés des avenues de mise en scène qui tiennent compte des analyses effectuées dans les premières parties du chapitre. Les deux autres personnages féminins sont abordés suivant le même procédé, cherchant d’un côté à dé-ridiculiser celui de Donna Elvira – trop souvent considérée comme « hystérique » – et, de l’autre, à rendre au personnage de Zerlina son côté stratège, habituellement camouflé dans les productions « traditionnelles » où la jeune femme n’est représentée que par son côté paysan. / This thesis explores the feminist actualization of opera, using Wolfgang Amadeus Mozart’s (1756-1791) Don Giovanni (1787-1788) as a case study.
This study shows how it is possible, by using musical and literary analytical tools, to create a performance that respects the main characteristics of the libretto and the score—thus preserving what Jean-Jacques Nattiez calls “local loyalties”—while allowing today’s audience to identify with a work composed over two centuries ago. To do so, I propose an adaptation of the opera that takes into account the current political and social context, focused here on feminism. Taking as examples the three female characters of Don Giovanni (Donna Anna, Donna Elvira, and Zerlina), the thesis is built as a triptych in which the characters are studied in the chronological order of their apparition. The approach is based on a female gaze point of view, contrasting with the male gazing interpretation which has been dominant in the operatic world until now.
The first chapter analyses two major arias of Donna Anna. In order to free her from the almost fusional entity she forms with her fiancé Don Ottavio, the harmonic and literary analysis centers around passages where she is most likely to show independence. The analysis of these same scenes in two recent stagings of the work then aim to verify whether the characteristics that emerge from this analysis are highlighted in the productions. Finally, in a process of research-creation, I propose staging directions for the same passages that take into account the findings made throughout the chapter.
The two other female characters are approached following the same process, seeking on the one hand to de-ridiculize the character of Donna Elvira—too often considered “hysterical” —and, on the other hand, to highlight Zerlina’s sense of strategy, which is usually downplayed in “traditional” productions in which the young woman is solely represented by her peasant character.
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