Esta pesquisa investiga o elemento sonoro-musical como criador de experiências estéticas, sensoriais, mnemônicas e afetivas dentro do pensamento e prática do diretor, pesquisador e professor polonês Jerzy Grotowski, no âmbito da evolução de sua obra no domínio das artes performativas. Este estudo, que parte da observação historiográfica, comparativa e crítica do fenômeno sonoro-musical na obra do artista, visa realizar um mapeamento das diferentes fases artísticas do diretor, que compreendem uma curva de 42 anos, indo do período da Arte como Apresentação ao da Arte como Veículo, e das diferentes conotações que este elemento teve em sua trajetória de criação e pesquisa. O trabalho também observa as diferentes apropriações do elemento sonoro-musical pelos últimos colaboradores do diretor, concentrando maior atenção às atividades atuais desenvolvidas nesse território por Thomas Richards e Mario Biagini, diretores do Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. Esta fase é investigada em relação ao desenvolvimento da importância dada às questões sonológicas dentro deste centro internacional de pesquisa e criação, que tem no trabalho criativo sobre os cantos de tradição afro-diaspóricos do continente americano o seu ferramental básico, explorando-se suas propriedades geradoras de comportamento orgânico em performance. A pesquisa é realizada através de estudos de textos escritos à cerca do tema pelo próprio diretor, seus diversos parceiros e estudiosos da sua obra, além de realizar pontes com a produção musical experimental contemporânea. Também conta com a análise de espetáculos, tanto em suporte audiovisual, quanto a partir do meu contato direto com a produção atual. Nesse último aspecto a pesquisa também está relacionada à noção de autoetnografia, sendo orientada por reflexões sobre a minha experiência na condição de performer na equipe do Open Program, um dos grupos de trabalho que integram o Workcenter, entre os anos de 2013 e 2015. Além disso, esta noção autoetnográfica se dá com a recriação do meu ponto de escuta sobre a obra de Grotowski. Com esse referencial a pesquisa busca compreender como se dá a construção do encontro experiencial entre o atorsonante e o espectador-ouvinte, partindo da criação de uma presença organizada, transmitida e percebida através do fenômeno sonoro (cantos, instrumentos e outros recursos), suas estruturações (vibratórias, melódicas, harmônicas, rítmicas e timbrísticas) e suas manifestações e nuances na corrente das artes performativas, conforme a visão grotowskiana: entre o polo da arte como veículo e o da arte como apresentação. / This research investigates the sound-musical element as creator of aesthetic, sensory, mnemonic and affective experiences within the thinking and practice of the Polish director, researcher and teacher Jerzy Grotowski, in the context of the evolution of his work in the field of performing arts. This study, that part of the historiographical, comparative and critical observation of the sound-musical phenomenon in the artist\'s work, is to carry out a mapping of different artistic phases of the director, comprising a curve of 42 years, ranging from the period of the Art as Presentation to the Art as Vehicle, and the different connotations that this element was in its path of creation and research. The work also notes the different allocations of sound-musical element by the last collaborators of the director, focusing greater attention to current activities in this area by Thomas Richards and Mario Biagini, directors of the Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. This phase is investigated in relation to the development of the importance given to sonological issues within this international center for research and creation, which is the creative work on african-diasporic tradition songs of the American continent their basic tools by exploiting its generating properties of organic behavior in performance. The survey is conducted through studies of texts written about the theme by the director himself, his various partners and scholars of his work, and making bridges with contemporary experimental music production. It also includes the analysis of performances, both in audio-visual support, as from my direct contact with the current production. In this last aspect the research is also related to the notion of autoethnography, being guided by reflections on my experience in the performer condition in the Open Program team, one of the work groups within the Workcenter, between the years 2013 and 2015. In addition, this autoethnographic notion is given with the recreation of my listener point on the work of Grotowski. With this framework the research seeks to understand how is the construction of experiential encounter between the doer-sounder and the spectator-listener, based on the creation of an organized presence, transmitted and perceived through the acoustic phenomenon (songs, instruments and other resources), their structuring (vibrating, melodic, harmonic, rhythmic and timbristic) and its manifestations and nuances in the chain of performing arts, as grotowskian view: between the pole of art as a vehicle and of art as presentation.

O presente trabalho busca demonstrar de forma objetiva a influência das diferentes configurações de trato vocal na sonoridade da flauta. As alterações ocorridas na sonoridade do instrumento são, em geral, percebidas empiricamente pelos músicos a partir de imagens mentais acerca da configuração de seu trato vocal. Todavia, não há, entre os flautistas, uma visão mais clara e objetiva dos fenômenos ocorridos para que as alterações de timbre se viabilizem. Isso se deve, em grande parte, ao considerável número de variáveis envolvidas, como o ângulo de incidência do jato de ar no orifício do instrumento, movimentos de mandíbula, pressão do jato, entre outros. Considerando-se que as alterações de timbre são elemento essencial da interpretação musical e compõem não apenas o vocabulário técnico do instrumentista, mas, sobretudo, seu vocabulário criativo e sua sensibilidade musical, foi realizado um experimento que procurou mostrar com maior objetividade o papel do trato vocal nas alterações de timbre da flauta. O experimento consistiu em um aparato composto por um fonte de ar, um tanque/pulmão, modelos de trato vocal, embocadura artificial e o instrumento. Os resultados foram gravados e, posteriormente, analisados e comparados às medidas de impedância dos protótipos de trato vocal construídos para o experimento. Foram também realizadas entrevistas qualitativas com flautistas profissionais e professores com larga experiência na execução e no ensino do instrumento, que agregaram elementos à análise. A partir desses elementos, foram constatadas evidências contundentes de que as diferentes configurações do trato vocal são capazes de modificar a sonoridade da flauta. / The main objective of this research is to objectively demonstrate the influence of changes in the configuration of the vocal tract on the sound of the flute. These alterations are generally noticed empirically by musicians and are represented by mental images of the configuration of the vocal tract. The alterations of the vocal tract configuration are considered an important element of the musical interpretation. Nevertheless, there is not a clear and objective perception among flutists of how the vocal tract works to influence the sound of the flute. This is due to the considerable number of variables that are involved in this process, such as the angle and the pressure of the air jet on the instrument, the movements of the jaw, among others. In order to achieve the proposed objective, we designed an experiment whose main goal was to demonstrate the existence of vocal tract influence on the timbre of the flute. For this purpose we built an artificial blower that enables the elimination of the influence caused by modifications in the shape and position of lips and jaw. The results were recorded and analyzed in comparison with the measurement of the impedance of the prototypes of vocal tract that were built to the experiment. Moreover, we also conducted interviews with professional flutists and professors with extensive experience on the field, to aggregate elements to the final analysis. In conclusion, we were able to assert that there are compelling evidences that the different configurations of the vocal tract are able to modify the sound of the flute.

Esta pesquisa investiga o elemento sonoro-musical como criador de experiências estéticas, sensoriais, mnemônicas e afetivas dentro do pensamento e prática do diretor, pesquisador e professor polonês Jerzy Grotowski, no âmbito da evolução de sua obra no domínio das artes performativas. Este estudo, que parte da observação historiográfica, comparativa e crítica do fenômeno sonoro-musical na obra do artista, visa realizar um mapeamento das diferentes fases artísticas do diretor, que compreendem uma curva de 42 anos, indo do período da Arte como Apresentação ao da Arte como Veículo, e das diferentes conotações que este elemento teve em sua trajetória de criação e pesquisa. O trabalho também observa as diferentes apropriações do elemento sonoro-musical pelos últimos colaboradores do diretor, concentrando maior atenção às atividades atuais desenvolvidas nesse território por Thomas Richards e Mario Biagini, diretores do Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. Esta fase é investigada em relação ao desenvolvimento da importância dada às questões sonológicas dentro deste centro internacional de pesquisa e criação, que tem no trabalho criativo sobre os cantos de tradição afro-diaspóricos do continente americano o seu ferramental básico, explorando-se suas propriedades geradoras de comportamento orgânico em performance. A pesquisa é realizada através de estudos de textos escritos à cerca do tema pelo próprio diretor, seus diversos parceiros e estudiosos da sua obra, além de realizar pontes com a produção musical experimental contemporânea. Também conta com a análise de espetáculos, tanto em suporte audiovisual, quanto a partir do meu contato direto com a produção atual. Nesse último aspecto a pesquisa também está relacionada à noção de autoetnografia, sendo orientada por reflexões sobre a minha experiência na condição de performer na equipe do Open Program, um dos grupos de trabalho que integram o Workcenter, entre os anos de 2013 e 2015. Além disso, esta noção autoetnográfica se dá com a recriação do meu ponto de escuta sobre a obra de Grotowski. Com esse referencial a pesquisa busca compreender como se dá a construção do encontro experiencial entre o atorsonante e o espectador-ouvinte, partindo da criação de uma presença organizada, transmitida e percebida através do fenômeno sonoro (cantos, instrumentos e outros recursos), suas estruturações (vibratórias, melódicas, harmônicas, rítmicas e timbrísticas) e suas manifestações e nuances na corrente das artes performativas, conforme a visão grotowskiana: entre o polo da arte como veículo e o da arte como apresentação. / This research investigates the sound-musical element as creator of aesthetic, sensory, mnemonic and affective experiences within the thinking and practice of the Polish director, researcher and teacher Jerzy Grotowski, in the context of the evolution of his work in the field of performing arts. This study, that part of the historiographical, comparative and critical observation of the sound-musical phenomenon in the artist\'s work, is to carry out a mapping of different artistic phases of the director, comprising a curve of 42 years, ranging from the period of the Art as Presentation to the Art as Vehicle, and the different connotations that this element was in its path of creation and research. The work also notes the different allocations of sound-musical element by the last collaborators of the director, focusing greater attention to current activities in this area by Thomas Richards and Mario Biagini, directors of the Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. This phase is investigated in relation to the development of the importance given to sonological issues within this international center for research and creation, which is the creative work on african-diasporic tradition songs of the American continent their basic tools by exploiting its generating properties of organic behavior in performance. The survey is conducted through studies of texts written about the theme by the director himself, his various partners and scholars of his work, and making bridges with contemporary experimental music production. It also includes the analysis of performances, both in audio-visual support, as from my direct contact with the current production. In this last aspect the research is also related to the notion of autoethnography, being guided by reflections on my experience in the performer condition in the Open Program team, one of the work groups within the Workcenter, between the years 2013 and 2015. In addition, this autoethnographic notion is given with the recreation of my listener point on the work of Grotowski. With this framework the research seeks to understand how is the construction of experiential encounter between the doer-sounder and the spectator-listener, based on the creation of an organized presence, transmitted and perceived through the acoustic phenomenon (songs, instruments and other resources), their structuring (vibrating, melodic, harmonic, rhythmic and timbristic) and its manifestations and nuances in the chain of performing arts, as grotowskian view: between the pole of art as a vehicle and of art as presentation.

150f. / Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-04-08T18:46:34Z No. of bitstreams: 2 fernandessegparte2.pdf: 20784376 bytes, checksum: 58b4344530acd82b3978254d6449873a (MD5) fernandessegparte1.pdf: 14709135 bytes, checksum: f278dfae1941ba10cfc1439913b2d44e (MD5) / Approved for entry into archive by Lêda Costa(lmrcosta@ufba.br) on 2013-04-18T12:26:22Z (GMT) No. of bitstreams: 2 fernandessegparte2.pdf: 20784376 bytes, checksum: 58b4344530acd82b3978254d6449873a (MD5) fernandessegparte1.pdf: 14709135 bytes, checksum: f278dfae1941ba10cfc1439913b2d44e (MD5) / Made available in DSpace on 2013-04-18T12:26:22Z (GMT). No. of bitstreams: 2 fernandessegparte2.pdf: 20784376 bytes, checksum: 58b4344530acd82b3978254d6449873a (MD5) fernandessegparte1.pdf: 14709135 bytes, checksum: f278dfae1941ba10cfc1439913b2d44e (MD5) Previous issue date: 2009 / A pesquisa investiga, de forma prático-teórica, o processo de confecção de objetos cerâmicos, enquanto signos de uma linguagem visual universal, através da qual o homem se encanta e canta sua concepção de universo. Uma linha imaginária visualsonora,portanto, liga o procedimento cerâmico que se faz com terra — argila — ao planeta Terra, considerando fazeres poéticos regionais e universais. Esta linha tornase eixo da imaginação para o movimento incessante entre cosmovisões ameríndias e devaneios contemporâneos. Enquanto as experimentações cerâmicas tornam-se sementes, proto-estrelas e outras formações cósmicas, constelações de obras-estrelas são traçadas para visualizar e analisar o gesto criativo por método associativo e processual como em redes de criação. Tomo Gaston Bachelard como filósofo norteador desta pesquisa porque é esclarecedora sua análise da ação do modelador,daquele que, com imaginação e vontade, trabalha com a maciez e resistência das massas cerâmicas. Faço aproximações e distanciamentos com obras de artistas pesquisadores nas áreas de artes visuais e música: Norma Grinberg, Eriel Araújo,Ana Maria Tavares, Walter Smetak, Susan Rawcliffe, Márcia Xavier, Gabriel Orozco,Amélia Toledo, Celeida Tostes e Delma Godoy. As reflexões e a prática no atelier apontaram caminhos e possíveis respostas para questões que envolvem o procedimento cerâmico e a arte contemporânea. Os resultados que abraçam o diálogo com o espectador para conquista de novos conhecimentos, interligados a esta dissertação, foram apresentados em duas exposições individuais: Germinando Estrelas, onde foram instalados objetos sonoros, as Proto-estrelas, na EBEC Galeria de Arte, em 2007, e terra-Terra, onde se pode perceber uma atmosfera cósmica com as obras Granulações, Sítio cósmico, Proto-estrelas, Cantos do joão-de-barro e Caco-cipó no sótão do Palacete das Artes Rodin Bahia, em 2009, em Salvador. / Salvador

O presente trabalho busca demonstrar de forma objetiva a influência das diferentes configurações de trato vocal na sonoridade da flauta. As alterações ocorridas na sonoridade do instrumento são, em geral, percebidas empiricamente pelos músicos a partir de imagens mentais acerca da configuração de seu trato vocal. Todavia, não há, entre os flautistas, uma visão mais clara e objetiva dos fenômenos ocorridos para que as alterações de timbre se viabilizem. Isso se deve, em grande parte, ao considerável número de variáveis envolvidas, como o ângulo de incidência do jato de ar no orifício do instrumento, movimentos de mandíbula, pressão do jato, entre outros. Considerando-se que as alterações de timbre são elemento essencial da interpretação musical e compõem não apenas o vocabulário técnico do instrumentista, mas, sobretudo, seu vocabulário criativo e sua sensibilidade musical, foi realizado um experimento que procurou mostrar com maior objetividade o papel do trato vocal nas alterações de timbre da flauta. O experimento consistiu em um aparato composto por um fonte de ar, um tanque/pulmão, modelos de trato vocal, embocadura artificial e o instrumento. Os resultados foram gravados e, posteriormente, analisados e comparados às medidas de impedância dos protótipos de trato vocal construídos para o experimento. Foram também realizadas entrevistas qualitativas com flautistas profissionais e professores com larga experiência na execução e no ensino do instrumento, que agregaram elementos à análise. A partir desses elementos, foram constatadas evidências contundentes de que as diferentes configurações do trato vocal são capazes de modificar a sonoridade da flauta. / The main objective of this research is to objectively demonstrate the influence of changes in the configuration of the vocal tract on the sound of the flute. These alterations are generally noticed empirically by musicians and are represented by mental images of the configuration of the vocal tract. The alterations of the vocal tract configuration are considered an important element of the musical interpretation. Nevertheless, there is not a clear and objective perception among flutists of how the vocal tract works to influence the sound of the flute. This is due to the considerable number of variables that are involved in this process, such as the angle and the pressure of the air jet on the instrument, the movements of the jaw, among others. In order to achieve the proposed objective, we designed an experiment whose main goal was to demonstrate the existence of vocal tract influence on the timbre of the flute. For this purpose we built an artificial blower that enables the elimination of the influence caused by modifications in the shape and position of lips and jaw. The results were recorded and analyzed in comparison with the measurement of the impedance of the prototypes of vocal tract that were built to the experiment. Moreover, we also conducted interviews with professional flutists and professors with extensive experience on the field, to aggregate elements to the final analysis. In conclusion, we were able to assert that there are compelling evidences that the different configurations of the vocal tract are able to modify the sound of the flute.

Esse trabalho se situa numa zona de convergência entre composição e pesquisa. O intento é investigar, compreender e compartilhar meu próprio processo criativo num exercício de autoanálise, onde pesquisadora e compositora precisam negociar um olhar conjunto. Para tanto, selecionei como objeto de estudo um conjunto de três peças compostas no contexto do doutorado: LAN (2011), A menina que virou chuva (2013) e I am [where?], making a personal trajectory of listening (2015). A partir de LAN busco delinear o universo conceitual que atravessa minhas reflexões e minha prática artística, criando um emaranhado de assuntos ligados aos temas forma, tempo e sonoridade. Em A menina que virou chuva aprofundo o trabalho de análise musical exemplificando alguns procedimentos mais técnicos e específicos de construção e elaboração musical. Por fim, em I am [where?] apresento uma espécie de diário/relato de bordo de composição, recuperando a genealogia da peça e explicitando um pouco mais meu modo de trabalho. Ainda que não seja abordado mais diretamente no plano conceitual, o tema espaço também perpassa essa pesquisa. / This work is located in a convergence zone between composition and research. The intent is to investigate, understand and share my own creative process in an exercise of self-analysis where researcher and composer need to negotiate a common view. Therefore, I selected as object of study a set of three pieces composed in the context of my PhD project: LAN (2011), A menina que virou chuva (2013) and I am [where?], making a personal trajectory of listening (2015). From LAN I seek to outline the conceptual universe that runs through my thoughts and my artistic practice, creating a tangle of issues related to the themes form, time and sonority. In A menina que virou chuva I delve into the work of musical analysis exemplifying some more technical and specific procedures of musical construction and elaboration. Finally, in I am in [where?] I present a kind of diary/board report of composition, recovering the genealogy of the piece and showing a bit more my way of working. Although it is not addressed more directly at the conceptual level, the subject space also runs through this research.

This study highlights aspects of performance for the consideration of the pianist wishing to perform Rachmaninoff’s second piano sonata op. 36, using a combination of the two versions (1913 and 1931) published by Boosey&Hawkes. By providing a background to the composition, revision, and structure of this sonata, the study aims to inspect all aspects of the conception and revision of the work. Through a close examination of two recordings of this sonata - by Vladimir Horowitz and Van Cliburn - the study analyses and compares the performers’ choices regarding the selection and combination of material from the two versions for performance. Aspects such as technical difficulty, texture, structure and sonority are highlighted as points for the pianist to contemplate when attempting an alternative version of this work. These elements of successful performance are singled out by the detailed observation of the material selected by the performers, with conjectures as to the most probable reason for its selection. The various analyses and comparisons are illustrated by means of music examples. / Dissertation (MMus (Performing Arts))--University of Pretoria, 2007. / Music / MMus / unrestricted

Este trabalho relata uma trajetória particular de criação que envolve uma série de questionamentos estéticos, teóricos e técnicos que resultaram em uma coleção de obras musicais. Três delas foram escolhidas para compor este memorial: Percusmática (para sons eletroacústicos em 8.0), Quatro Cenas para Piano e Quatro Cenas para Grupo de Câmara, pois refletem a relação simbiótica entre a pesquisa bibliográfica, a experimentação em estúdio e a condução de processos composicionais por meios acústicos instrumentais e eletroacústico acusmático. O memorial divide-se em duas partes: a primeira aborda a pesquisa bibliográfica, as ideias e conceitos que foram propulsores do impulso criativo, como aqueles relacionados a escuta musical, o objeto sonoro, a composição pela sonoridade, a música especulativa e a processos composicionais formalizados. A segunda, procura descrever os processos composicionais realizados e as implicações das discussões teóricas acerca da sonoridade, composição e escuta musical em seu desenvolvimento, assim como a influência da escuta acusmática vivenciada na prática eletroacústica em estúdio. Algumas das referências composicionais e musicais derivam de conceitos e ideias da música eletrônica e concreta desenvolvida a partir dos anos 50, da música textural dos anos 60 e da música espectral no final dos anos 70, como: o objeto sonoro, classe de sons homogêneos, sons granulares, tipo de grão, textura de massa, densidade, envelope sonoro, contorno dinâmico, composição tímbrica e composição pela sonoridade. / This work describes a particulary path of creation that envolves a series of aesthetical, theoric and technic questions that resulted in a collection of musical works. Three of them where chosen to compose this paper: Percusmática (for electracoustics sounds in 8.0), Quatro Cenas para Piano e Quatro Cenas para Grupo de Câmara, because they reflect the symbiotic relationship between the bibliographical research, the studio experience and the leading of compositional processes in instrumental-acoustics and elecracoustic-acusmatical means. This work is divided in two parts: first approaches the bibliographical research, the concepts and ideas that improved the creative impulse, as thus related to musical listening, sound object, composition through sonority, speculative music and fomalized compositional processes. Second describes the compositional processes and the consequences of the theorical discussions about sonority, composition and musical listening in their development, as the influence of the acousmatic listening experienced in the electracoustic routine in studio. Some of the compositional and musical references are derived from concepts and ideas of the concrete and electronic music of the fifties, the textural music of the sixties and the spectral music of the late seventies, like: the sound object, class of homogeneaous sounds, granular sounds, type of grain, mass texture, density, sound evelope, dynamic contour, timbristic composition and composition through sonority.

Submitted by SAMUEL ANDRE POMPEO null (samuel.pompeo@terra.com.br) on 2016-08-26T22:57:31Z No. of bitstreams: 1 disserta versão final.pdf: 1455241 bytes, checksum: e7d80b4415cf358530962f2f4f703690 (MD5) / Approved for entry into archive by Ana Paula Grisoto (grisotoana@reitoria.unesp.br) on 2016-08-30T14:25:46Z (GMT) No. of bitstreams: 1 pompeo_sa_me_ia.pdf: 1455241 bytes, checksum: e7d80b4415cf358530962f2f4f703690 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-30T14:25:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 pompeo_sa_me_ia.pdf: 1455241 bytes, checksum: e7d80b4415cf358530962f2f4f703690 (MD5) Previous issue date: 2016-06-29 / Esta pesquisa tem o objetivo de identificar a importância e os benefícios do estudo dirigido para a sonoridade nos instrumentos de sopro. O intuito desse tipo de estudo é obter melhor desempenho performático, podendo ser aplicado tanto por saxofonistas quanto por outros instrumentistas de sopro. A investigação também apurou a origem das técnicas relacionadas à sonoridade, notadamente à respiração. Os procedimentos metodológicos concentraram-se em descrever a apostila pedagógica elaborada pelo pesquisador, voltada para o estudo da sonoridade; realizar um levantamento bibliográfico dos métodos e livros destinados aos instrumentistas de sopro, principalmente aos saxofonistas; encontrar subsídios teóricos envolvendo as questões ligadas à respiração e à emissão de ar; realizar uma pesquisa-ação com alunos da Escola Municipal de Música; e entrevistar músicos profissionais ligados ao mundo popular e erudito para checagem do conhecimento relativo aos estudos e informações sobre respiração e emissão sonora. Isso possibilitou traçar um panorama do entendimento da sonoridade que músicos e professores possuem e da abordagem dada por autores de livros e métodos ao estudo da sonoridade – cabe ressaltar que os músicos e professores participantes deste estudo são, particularmente, da cidade de São Paulo. Os resultados mostram que as técnicas de respiração usadas pelos instrumentistas de sopro possuem sua origem nas técnicas do canto. Além disso, constatou-se que a adoção da prática específica e contínua para o desenvolvimento da sonoridade apresenta benefícios para o praticante, como ganho de volume e uniformidade de timbre em todas as regiões do instrumento. A dissertação contempla, além do capítulo Introdutório e das Conclusões Finais, quatro capítulos que descrevem a metodologia pedagógica empregada pelo pesquisador para o estudo da sonoridade, a fundamentação teórica da pesquisa, a pesquisa-ação e a discussão dos resultados. / This research aims to identify the importance and benefits of a study routine focused on sonority in wind instruments. The objective of that kind of study is to obtain better performance development and could be adopted by saxophonists and other wind players as well. The investigation also found out the origins of sonority techniques, notably the ones related to the breathing process. The research method concentrates on describing the pedagogical sonority workbook developed by this researcher; reviewing workbooks and handbooks that target wind musicians, especially saxophonists; finding theoretical basis encompassing questions related to breathing process and air emission; conducting an action research with students from Escola Municipal de Música; and interviewing professional musicians, both popular and classical, to verify their knowledge regarding study practices, breathing information and sound emission. That allowed me to delineate a general perspective regarding the comprehension by musicians and instructors and the approach given by book authors to sonority studies—it is worth mentioning that musicians and instructors participants in this study are mainly from São Paulo. The results show that breathing techniques used by wind performers originate from singing techniques. Additionally, results demonstrate that the adoption of the practice dedicated to sonority development offers benefits to the practioner, as volume enhancement and timbre uniformity through all instrument regions. This dissertation includes, besides Introduction and Final Conclusions, four chapters that describe simultaneously the pedagogy applied by this researcher in studying sonority, the theoretical foundation of the research, the action research and the results discussion.

Este trabalho relata uma trajetória particular de criação que envolve uma série de questionamentos estéticos, teóricos e técnicos que resultaram em uma coleção de obras musicais. Três delas foram escolhidas para compor este memorial: Percusmática (para sons eletroacústicos em 8.0), Quatro Cenas para Piano e Quatro Cenas para Grupo de Câmara, pois refletem a relação simbiótica entre a pesquisa bibliográfica, a experimentação em estúdio e a condução de processos composicionais por meios acústicos instrumentais e eletroacústico acusmático. O memorial divide-se em duas partes: a primeira aborda a pesquisa bibliográfica, as ideias e conceitos que foram propulsores do impulso criativo, como aqueles relacionados a escuta musical, o objeto sonoro, a composição pela sonoridade, a música especulativa e a processos composicionais formalizados. A segunda, procura descrever os processos composicionais realizados e as implicações das discussões teóricas acerca da sonoridade, composição e escuta musical em seu desenvolvimento, assim como a influência da escuta acusmática vivenciada na prática eletroacústica em estúdio. Algumas das referências composicionais e musicais derivam de conceitos e ideias da música eletrônica e concreta desenvolvida a partir dos anos 50, da música textural dos anos 60 e da música espectral no final dos anos 70, como: o objeto sonoro, classe de sons homogêneos, sons granulares, tipo de grão, textura de massa, densidade, envelope sonoro, contorno dinâmico, composição tímbrica e composição pela sonoridade. / This work describes a particulary path of creation that envolves a series of aesthetical, theoric and technic questions that resulted in a collection of musical works. Three of them where chosen to compose this paper: Percusmática (for electracoustics sounds in 8.0), Quatro Cenas para Piano e Quatro Cenas para Grupo de Câmara, because they reflect the symbiotic relationship between the bibliographical research, the studio experience and the leading of compositional processes in instrumental-acoustics and elecracoustic-acusmatical means. This work is divided in two parts: first approaches the bibliographical research, the concepts and ideas that improved the creative impulse, as thus related to musical listening, sound object, composition through sonority, speculative music and fomalized compositional processes. Second describes the compositional processes and the consequences of the theorical discussions about sonority, composition and musical listening in their development, as the influence of the acousmatic listening experienced in the electracoustic routine in studio. Some of the compositional and musical references are derived from concepts and ideas of the concrete and electronic music of the fifties, the textural music of the sixties and the spectral music of the late seventies, like: the sound object, class of homogeneaous sounds, granular sounds, type of grain, mass texture, density, sound evelope, dynamic contour, timbristic composition and composition through sonority.