Ce travail a pour objet de comprendre les évolutions majeures de la pratique théâtrale au XVIIIe siècle,à travers l’analyse de sources manuscrites inédites du Comédien-Français Henri-Louis LeKain. Figureauto-constituée de « souverain des planches », LeKain n’a eut de cesse de vouloir réformer les modesde production et de fabrication théâtrales de son temps. En quoi le rapport de force qu’il instaure avectoutes les instances de décision et de pouvoir de la Comédie éclaire-t-il justement les mutations encours ? Quelles sont ses revendications ? Comment et pourquoi émergent-elles dans le champ théâtralde l’époque ? Quelles sont les stratégies mises en place par LeKain pour parvenir à ses fins ? En quoiconsiste cette tentative de prise de pouvoir sur l’ensemble du champ théâtral ? Pourquoi et commentcette va-t-elle esthétiquement et politiquement marquer les modes de gouvernance de la scène enFrance ? Le Registre et tout l’appareil écrit qui l’entoure et l’accompagne, procèdent autant, voiremoins, d’une tentative de fixer la « mise en scène » des tragédies retenues par le comédien que d’unevolonté d’arriver à la définition d’un Théâtre idéal dont LeKain se donne pour être tout à la fois leconcepteur et le dépositaire exclusif. En cherchant à se placer au centre d’un dispositif de productiondont il entend surveiller tous les aspects – artistiques, politiques, économiques, moraux – LeKaindéfinit les contours d’un système de contrôle très proche du système panoptique définit par Foucaultdans Surveiller et Punir. / The aim of this study is to understand the major changes in theatrical practice in the 18th century,through an analysis of unpublished manuscript sources, written by the French actor Henri-LouisLeKain. Self-appointed « king of the boards », LeKain never ceased in his striving to update anddevelop the practice of theatrical production and presentation. To what extent does the power-strugglehe initiated with the decision makers at the the Comédie-Française, throw light on the changes takingplace ? What were his demands ? How did they emerge in the theatrical world of the time, and why ?What strategies did LeKain pursue to achieve his goals ? What did this attempt to seize power consistof in the wider field of theatre ? And how does it affect the governance of French theatrical productionin the widest political and aesthetic sense ? The Registre and all surrounding and accompanyingwritten material arise from LeKain’s desire to arrive at a definition of a theatrical ideal, of which heconsidered himself both the originator and sole repository, and to a lesser extent, from an attempt toformalise the production of the tragedies that he had commissioned.By attempting to place himself at the heart of an apparatus of production such that he could watchover every aspect – artistic, political, economic and moral – LeKain defined the outlines of a system ofcontrol very similar to the panoptic gaze defined by Foucault in Surveiller et Punir.

Le mouvement de construction de théâtres en plein air sous le Troisième Reich ou Thingbewegung est un aspect relativement méconnu de la politique culturelle national-socialiste. Ce théâtre de propagande devait réunir plusieurs milliers de spectateurs dans des lieux excentrés, des espaces construits spécialement par le régime afin de célébrer la communauté du peuple dégagée de toute différenciation sociale ou, pour reprendre la terminologie nazie, la Volksgemeinschaft. L’aspect central reste la volonté du régime de faire coïncider, à une échelle considérable, une nouvelle forme d’architecture et de spectacle théâtral de masse. L’objectif, exprimé clairement dès le début du mouvement en 1933, était l’élaboration de 400 scènes sur l’ensemble du territoire. Dès 1934, vingt étaient effectivement en construction et en 1939, au début de la Seconde Guerre mondiale, elles étaient environ au nombre de trente. Ce projet de recherche part de l’hypothèse qu’une meilleure compréhension du phénomène devient possible lorsque ce dernier est restitué dans la tradition historique double du théâtre et de l’architecture. Cette démarche, à la fois synchronique et diachronique, fondée sur une approche pluridisciplinaire, vise à mettre au jour les formes spécifiques de création de ces lieux scéniques tout en soulignant l’appartenance à la politique idéologique totalitaire du national-socialisme. / The open-air theatre construction movement under the Third Reich or Thingbewegung is a relatively unknown aspect of National Socialist cultural policy. This propaganda theatre was to gather several thousand spectators in outlying places, spaces specially built by the regime to celebrate the community of the people free of any social differentiation or, to use Nazi terminology, the Volksgemeinschaft. The central aspect remains the regime’s desire to bring together, on a considerable scale, a new form of architecture and mass theatrical performance. The objective, clearly expressed from the beginning of the movement in 1933, was to develop 400 stages throughout the country. By 1934, twenty were actually under construction and, at the beginning of the Second World War in 1939, there were about thirty of them. This research project is based on the hypothesis that a better understanding of the phenomenon becomes possible when it is replaced within the dual historical tradition of theatre and architecture. This approach, both synchronic and diachronic, based on a multidisciplinary approach, aims to uncover the specific forms of creation of these scenic places while emphasizing the association with the totalitarian ideological policy of National Socialism.

Célèbre dans l’histoire du théâtre pour avoir fondé en 1887 le Théâtre-Libre et ainsi révolutionné la mise en scène moderne, André Antoine a consacré la dernière partie de sa vie au cinéma, tournant huit films entre 1915 et 1922 pour la Société cinématographique des auteurs et gens de lettres, puis pour la Société d’éditions cinématographiques, avant de se consacrer à la critique, dramatique et cinématographique, dans plusieurs journaux. Cette dernière partie de sa vie laissa peu de traces dans l’histoire du cinéma et ses films, comme ses critiques et textes théoriques sur le cinéma, sont encore méconnus. Inspiré par les théories naturalistes d’Émile Zola, Antoine appliqua au nouvel art une méthode rigoureuse reposant sur l’expérience du milieu. Il se heurta ainsi aux tendances avant-gardistes qui gagnèrent le cinéma au début des années 1920. Or, c’est l’intérêt de cette valeur expérimentale de son cinéma, où priment la recherche, l’observation et l’expérience, que cette thèse met en lumière, en montrant les réseaux de convergence entre la méthode singulière d’Antoine et les pratiques et discours qui animèrent le cinéma au tournant de la Première Guerre mondiale, moment clef de sa légitimation en tant qu’art. Cette étude repose sur une analyse approfondie des films d’Antoine, de ses archives personnelles, des archives de production, et des nombreux écrits qu’il a produits sur le cinéma, entre 1915 et 1928, année de rupture dans un combat pour la reconnaissance de l’auteur de film qui opposa le metteur en scène aux cinéastes de la Première vague. / André Antoine’s place in theatre history is earned through his 1887 founding of the Théâtre-Libre and revolutionizing of modern mise en scène, but it is cinema that occupied the last part of his life as he made eight films between 1915 and 1922 for the Société cinématographique des auteurs et gens de lettres (“Film Society of Authors and Men of Letters”) and then for the Société d’éditions cinématographiques (“Society of Film Editions”), before devoting himself to theatre and film critic in several newspapers. These late years left few traces in film history, and both his films and his critical and theoretical writings remain largely unknown. Inspired by Emile Zola’s naturalist theories, Antoine took to the new art form a rigorous method based on the experience of environment. He clashed with avant-garde trends which were making their way to cinema in the early 1920s. This thesis highlights the experimental value of Antoine’s cinema, which gives a special role to research, observation and experience, by demonstrating the convergence of his special method with practices and discourse animating cinema at the turn of the World War I, a key moment of its legitimation as an art form. This study is based on in-depth analysis of Antoine’s films, his personal archives, production notes, as well as numerous texts he wrote on cinema between 1915 and 1928, the climactic year in the struggle for authorship recognition between Antoine and filmmakers of the First avant-garde.

Basée sur l’hypothèse que le théâtre est susceptible d’intervenir sur le « vivre-ensemble » des hommes, cette étude prend la mesure du bouleversement à l’œuvre sur les scènes théâtrales françaises contemporaines pour définir théoriquement ses potentialités. À cette fin, elle construit des correspondances entre deux objets : le rapport acteurs-spectateurs à l’œuvre dans quinze spectacles contemporains (2005-2008) et certains textes philosophiques de Georges Bataille et Michel Foucault. De l’« archéologie du présent » de Naissance de la biopolitique au geste de la « dépense » de La Part maudite, les deux philosophies, qui se complètent l’une l’autre, s’inscrivent en réaction à un « vivre-ensemble » fondé sur l’utilité et le jeu des intérêts particuliers. L’étude analyse de façon répétée un élément constitutif d’un ou de plusieurs spectacles pour ensuite le corréler à un point spécifique des deux pensées a-dialectiques. La réflexion s’élabore en trois étapes : la scène, le spectateur, l’acteur. Au fur et à mesure, un théâtre prend forme, fondé sur la co-existence des contraires et dévolu à la communication, qui, un temps, rompt l’isolement des êtres séparés. En conclusion, l’étude dégage les effets de fragilisation auxquels ce théâtre soumettrait notre mode d’organisation politique. La thèse comprend en annexe dix-neuf entretiens avec les artistes des spectacles du corpus. / This research is based on the hypothesis that drama could potentially influence the « being together » among people. It measures the big change taking place in French contemporary theatres in order to define theoretically its capacities. The study aims at finding links between two notions : the actor-spectator relationship in fifteen contemporary performances (2005-2008) and philosophical texts by Georges Bataille and Michel Foucault. From the « archeology of the present » in Naissance de la biopolitique to the act of « spending » in La Part Maudite, these two philosophies which add one to the other stand as a reaction to a « being together » based on usefulness and the intervention of private interests. This study analyses repeatedly one element of one or several performances and correlates them to a specific point in the two a-dialectical thoughts. It has three parts : the stage, le spectator, the actor. A theatre gradually takes shape, based on the co-existence of opposites and dedicated to communication which puts an end to the isolation of separate beings for a while. At the end, the study highlights the fact that this theatre could undermine our political organisation. This thesis includes nineteen interviews with the artists from the performances of the corpus.

Les mises en scène récentes de T. Ostermeier explorent les liens entre littérature et art théâtral pour questionner, à l’aide d’un réalisme complexe qu’il réinvente, ce que les œuvres ont à dire de la réalité politique et sociale de notre présent. Il privilégie toujours pour cela des espaces entre qui permettent de briser la rigidité d’un respect littéral étouffant et de faire dialoguer le passé et le présent, l’actuel et le virtuel, le proche et le lointain. A la surface visible, son réalisme articule la profondeur invisible qui dédouble le réel en explorant sa spectralité à travers les personnages eux-mêmes, leur mémoire, leurs fantômes ; leur langue qui, entre traduction et retravail, crie le non-dit, le refoulé, l’absence ; l’espace des lieux-seuils, des (non)-lieux et des passages, des images du hors-scène, trop présent, ou de l’intime, insaisissable ; et même la musique dont les échos démultiplient les réseaux de sens. C’est dans la hantise de ces doubles que T. Ostermeier cherche à reconstruire un sens qui ne fasse pas abstraction des fêlures ni des fractures. Son travail doit être analysé comme une œuvre autonome qui convoque l’œuvre littéraire support pour la faire parler à nouveau, lui faire dire à nos oreilles d’aujourd’hui la douleur intemporelle du réel et l’espoir politique de reconstruire ce présent. La « déterritorialisation » constante du théâtre de T. Ostermeier, assumée, donne corps aux spectres qui sont l’autre nom de notre réalité pour que nous, spectateurs, puissions, finalement, nous en saisir. Refusant un théâtre et une littérature qui ne font qu’interpréter le monde, il s’agit pour T. Ostermeier de faire dialoguer l’un et l’autre pour le transformer. / In his recent productions, T. Ostermeier investigates the links between literature and drama with complex, renewed realism to question what insights the works of the past can give us into today’s political and social reality. He always favours the in-betweens which enable him to break through the stifling inflexibility of literal interpretation and initiates a dialogue between the past and the present, the actual and the virtual, what is close at hand and what is distant. His realism connects the visible surface of reality to its invisible depth – its double. He delves into this spectrality by focusing on the characters’ memory, their ghosts; on their language, hanging between translation and reworking, as their unsaid, repressed words speak loud; on space viewed as space between – thresholds, somewhere/nowhere, passages, pictures of all too present off-stage scenes or of elusive intimacy; on music too, echoing meaning in multiple layers. These ghost-like doubles are T. Ostermeier’s material to rebuild a meaningful present without ignoring its cracks and fault lines. His productions should be analysed as an autonomous oeuvre which calls on literary works to make sense afresh, to voice the painful, timeless experience of the real and the political hope to rebuild the present. His constantly ‘deterritorialising’ theatre substantiates our ghosts – the flipside of our reality – so that we, spectators, may finally get a grasp on them. T. Ostermeier will not confine theatre and literature to merely interpreting the world, he wants them to dialogue in order to transform it.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2016-09-23T12:01:45Z No. of bitstreams: 1 alvarodyogopereira.pdf: 3085668 bytes, checksum: b7c1b1aaabf650ec81c7ea27115dcdb5 (MD5) / Approved for entry into archive by Diamantino Mayra (mayra.diamantino@ufjf.edu.br) on 2016-09-26T20:30:30Z (GMT) No. of bitstreams: 1 alvarodyogopereira.pdf: 3085668 bytes, checksum: b7c1b1aaabf650ec81c7ea27115dcdb5 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-26T20:30:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 alvarodyogopereira.pdf: 3085668 bytes, checksum: b7c1b1aaabf650ec81c7ea27115dcdb5 (MD5) Previous issue date: 2016-06-02 / Nesta dissertação, pretendemos discutir a passagem do texto teatral à encenação cinematográfica através da análise da transposição das rubricas teatrais em Boca de Ouro, de Nelson Pereira dos Santos. Para tanto, faremos uma discussão inicial sobre as particularidades do texto teatral, com destaque para as rubricas, e da obra fílmica, pontuando suas especificidades e diálogos. Em seguida, verificaremos os aspectos intersemióticos desta relação e faremos um resgate contextual do nosso estudo de caso. Num segundo momento, nos dedicaremos a discutir os aspectos particulares da encenação nas áreas do teatro e do cinema. Por fim, apresentaremos a metodologia que desenvolvemos para trabalhar especificamente com a transposição das rubricas teatrais à obra fílmica, realizando inferências de ordem quantitativodescritiva e também qualitativa, observando aspectos da incorporação do discurso teatral pela obra fílmica e da transmidialidade verificada. / In this dissertation, we intend to discuss the passage from theatrical text to cinema mise-en-scène by analyzing the transposition of theatrical stage directions in Boca de Ouro, by Nelson Pereira dos Santos. Therefore, we will make an initial discussion on the particularities of the theatrical text, highlighting the stage directions, and of the movie itself, punctuating their specificities and dialogues. Then, we will find the intersemiotic aspects of this relationship and make a contextual rescue of our case study. Secondly, we will be dedicated to discuss particular aspects of the mise-en-scène in theater and cinema. Finally, we will present the methodology that we developed to work specifically with the implementation of theatrical stage directions in the movie, making quantitative-descriptive and also qualitative inferences, observing aspects of incorporation of theatrical discourse by film and checked transmediality.

L’incise de citation a mauvaise réputation dans le champ narratif, où elle est pourtant fort utile pour indiquer la source des répliques : elle soulève de nombreuses polémiques, tant sur le plan de la théorie que de la pratique. Peu traitée par les études grammaticales, elle est souvent fustigée par les discours normatifs dès qu’elle s’écarte du prototypique dit-il, au nom de transgressions de certaines règles syntaxiques et logiques, décourageant les auteurs qui déplorent sa monotonie de la déjouer par des variations distributives et lexicales. Ce travail vise à exposer les difficultés analytiques soulevées par cette forme, qui voit bon nombre de ses réalisations rejetées comme incorrectes, et à s’interroger sur les fondements de tels jugements. Le parcours diachronique d’un vaste corpus narratif invite à reconsidérer sa monotonie, en rendant compte de son histoire, qui est celle d’une diversification formelle et fonctionnelle : bien plus que simple escorte du dialogue qui se contenterait d’en indiquer les actants, elle possède de nombreux rôles textuels qui font d’elle un enjeu narratorial et esthétique. / Interpolated clauses have a bad reputation in the narrative field, although they are very useful in indicating the source of lines ; they arouse numerous theoretical as well as practical controversies. Seldom dealt with in grammatical studies, they are often censured by normative discourses whenever they stray from the prototypical he said, as they transgress certain syntactic and logical rules. This censure discourages those authors who lament their monotony from trying to avoid this thanks to distributive and lexical variations. This study aims at showing the analytical difficulties that are raised by this form – many variants of which are rejected as incorrect –, and seeks to question the bases of such judgments. Looking at a vast, diachronic corpus of narrative texts invites us to qualify its monotony by accounting for its history, one of formal and functional diversification : interpolated clauses do not accompagny dialogues simply to point out their speakers, they have many textual roles that put them at the centre of narratorial and aesthetic issues.

Type de dépôt #1 (version complète) / Ce mémoire porte sur la réactualisation de l’opéra d’un point de vue féministe en s’appuyant sur l’exemple de la mise en scène de Don Giovanni (1787-1788) de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Cette étude montre comment il est possible, en s’appuyant sur les outils de l’analyse musicale et littéraire, de créer une mise en scène qui respecte les principales caractéristiques du livret et de la partition – conservant ainsi ce que Jean-Jacques Nattiez appelle des « fidélités locales » – tout en permettant au public d’aujourd’hui de s’identifier à une œuvre composée il y a plus de deux siècles, et de s’y projeter. Pour ce faire, l’enjeu est de proposer une adaptation de l’opéra qui tient compte du contexte politique et social actuel, axé ici sur le féminisme. Prenant pour exemples les trois personnages féminins de Don Giovanni, le mémoire est construit sous la forme d’un triptyque, par ordre chronologique d’apparition des personnages : Donna Anna, Donna Elvira, Zerlina. Ainsi, il sera possible d’établir un point de vue s’apparentant au female gaze dans cet opéra, jusqu’ici majoritairement interprété par le biais du male gazing (regard masculin). Le premier chapitre propose donc l’analyse de deux airs phares du personnage de Donna Anna. Cherchant à l’abstraire de l’entité quasi fusionnelle qu’elle constitue avec son fiancé Don Ottavio, l’analyse harmonique et littéraire s’intéresse aux passages où Donna Anna est susceptible d’affirmer son indépendance. L’analyse de ces mêmes scènes dans deux mises en scènes récentes de l’œuvre vise ensuite à vérifier si les caractéristiques qui ressortent de cette analyse sont mises en valeur dans les productions. Enfin, dans un processus s’apparentant à la recherche-création, je propose pour les passages étudiés des avenues de mise en scène qui tiennent compte des analyses effectuées dans les premières parties du chapitre. Les deux autres personnages féminins sont abordés suivant le même procédé, cherchant d’un côté à dé-ridiculiser celui de Donna Elvira – trop souvent considérée comme « hystérique » – et, de l’autre, à rendre au personnage de Zerlina son côté stratège, habituellement camouflé dans les productions « traditionnelles » où la jeune femme n’est représentée que par son côté paysan. / This thesis explores the feminist actualization of opera, using Wolfgang Amadeus Mozart’s (1756-1791) Don Giovanni (1787-1788) as a case study. This study shows how it is possible, by using musical and literary analytical tools, to create a performance that respects the main characteristics of the libretto and the score—thus preserving what Jean-Jacques Nattiez calls “local loyalties”—while allowing today’s audience to identify with a work composed over two centuries ago. To do so, I propose an adaptation of the opera that takes into account the current political and social context, focused here on feminism. Taking as examples the three female characters of Don Giovanni (Donna Anna, Donna Elvira, and Zerlina), the thesis is built as a triptych in which the characters are studied in the chronological order of their apparition. The approach is based on a female gaze point of view, contrasting with the male gazing interpretation which has been dominant in the operatic world until now. The first chapter analyses two major arias of Donna Anna. In order to free her from the almost fusional entity she forms with her fiancé Don Ottavio, the harmonic and literary analysis centers around passages where she is most likely to show independence. The analysis of these same scenes in two recent stagings of the work then aim to verify whether the characteristics that emerge from this analysis are highlighted in the productions. Finally, in a process of research-creation, I propose staging directions for the same passages that take into account the findings made throughout the chapter. The two other female characters are approached following the same process, seeking on the one hand to de-ridiculize the character of Donna Elvira—too often considered “hysterical” —and, on the other hand, to highlight Zerlina’s sense of strategy, which is usually downplayed in “traditional” productions in which the young woman is solely represented by her peasant character.

The master thesis attempts to characterise the staging poetics of Miroslav Macháček, one of the most remarkable Czech theatre directors of the second half of the 20th century. Based on his stage works in the 70's and 80's at the National Theater, the author of this thesis attempts to make a reconstruction of all his productions of that period; and thus the detailed analysis of the more significant productions characteristic to the director's style is provided. In order to define the stagings, the author bases her research upon archival theater reviews and studies in particular periodicals, photographical materials from the productions and in some cases also audiovisual recordings. Furthermore, other sources include the director's correspondence, notes about his work and the memories of his contemporary witnesses. The thesis also focuses on the historical context and the conditions at the National Theater of that particular time, which influenced Macháček's activity there.