Cet examen anthropologique de plusieurs familles de récits de souffrance dans l’histoire du cinéma utilise psychologie et sociologie en vue de déterminer des tendances universelles de la représentation, en dépassant la classification par genres ou les considérations culturelles territoriales. En recourant aux mêmes outils conceptuels pour penser des formes narratives souvent considérées comme mutuellement exclusives, l’analyse critique parvient à surpasser les dichotomies habituelles, et à proposer une définition originale de la souffrance comme sentiment de manque ou d’absence de contrôle. C’est en effet seulement par l’étude convergente des discours à caractère fictif (histoires), réel (témoignages) et scientifique (études), soit plus spécifiquement par l’examen des représentations de la souffrance qui y sont en jeu, que la souffrance elle-même peut être étudiée, en tant que phénomène esthétique par définition subjectif. En s’assimilant en toutes circonstances à un sentiment d’absence de contrôle, la souffrance nous révèle s’éteindre aussitôt que survient un inverse sentiment de contrôle. De la sorte, la fonction sociale des récits fictifs de souffrance se présente comme tentative d’offrir un apaisement par l’éveil du sentiment de contrôle, quand une partie d’entre eux seulement fait également preuve d’une dimension philosophique consistant à véhiculer cet enseignement. / This anthropologic examination of several families of stories of suffering in cinema history uses psychology and sociology in order to determine universal tendencies in representation, by overtaking generic or territorial considerations. In using the same conceptual tools for the study of several narrative forms often considered as mutually exclusive, this critical analysis manages to surpass the usual dichotomies, and to offer an original definition of suffering as a feeling of lack or absence of control. It is indeed only through the convergent study of fictitious (stories), real (testimonies) and scientific (studies) discourses about suffering, or more specifically through the examination of active representations, that suffering itself can be studied, as an aesthetic phenomenon, subjective by definition. By systematically assimilating itself to a feeling of absence of control, suffering reveals that it dims out as soon as an inverse feeling of control intervenes. This way, the social function of fictitious stories presents itself as an attempt to offer appeasement through the arousal of the feeling of control, when only a few of them also show a philosophical dimension consisting in carrying out this teaching.

Le débat qui, au sein des sciences cognitives, a fait rage entre les défenseurs et les détracteurs de la représentation tend à l'apaisement. Les modèles connexionnistes et dynamiques n'ont pas réussi leur pari, celui de rendre caduc le concept de symbole et encore moins celui d'éliminer le concept de représentation du discours cognitif. Non seulement la représentation, comprise dans le sens général comme état médiateur porteur d'information, se maintient comme un concept utile et efficace pour décrire tous les systèmes cognitifs, mais la représentation symbolique reste encore le meilleur outil pour expliquer certains processus cognitifs de haut niveau. En revanche, les modèles connexionnistes et dynamiques ont réellement révolutionné le concept de représentation en le dotant de propriétés dynamiques (sensibilité au contexte, corporéité et temporalité inhérente) qui se sont imposées dans l'explication des processus cognitifs de niveau fin. Le débat se déplace. La question n'est plus de savoir quel est le paradigme gagnant mais celle de savoir quelle type de représentation convient pour décrire tel ou tel processus cognitif. La représentation se présenterait alors moins comme un concept figé que comme un cadre général ou un champ de potentiel qui se spécifie selon le processus cognitif à décrire. Cette approche est attestée par les modèles hybrides qui intègrent plusieurs formes représentationnelles au sein d'une même architecture. Elle trouve un support et une inspiration considérables dans l'oeuvre de Pierce. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Représentation, Symbole, Fonctionnalisme, Computationalisme, Connexionnisme, Théorie des systèmes dynamiques, Pierce, Signe.

Suite à notre constatation qu'il n'existe pas, à ce jour, d'études approfondies portant sur l'activité artistique du sculpteur et performeur canadien André Fournelle, nous avons voulu y contribuer en étudiant neuf interventions de cet artiste contemporain, qui mettent en évidence la valeur d'une activité symbolique singulière. Son travail constitue un exemple incontestable de persistance et d'innovation sur la scène canadienne des arts visuels. Créateur prolifique, ses sculptures monumentales et ses installations éphémères échappent au cadre du marché de l'art « traditionnel ». Malgré l'envergure et l'ampleur de son oeuvre, aucune exposition rétrospective n'a eu lieu à ce jour. Consciente de la complexité de son oeuvre et la dispersion de la documentation le concernant, nous avons décidé de restreindre notre objet d'étude à l'analyse de quelques éléments (formes, matériaux et sites) que l'artiste utilise avec régularité dans ses interventions. Nous nous sommes vue contrainte de procéder à une sélection. Neuf oeuvres -Fires in your cities (1982), Passage, série Grèce (1983), Spirale (1989), Resecare (1990), L'interdit Damoclèse (1992), L'ombre Rouge (1998), Lumière et silence (1999), L'esprit de lieux (2001), Pyrophore (2003) -se sont finalement imposées comme faisant partie d'un projet continuel qui traverse, depuis longtemps, son travail créatif. Le système de la création de ces oeuvres et le mode de leur apparition contribuent largement à dessiner l'univers particulier du sculpteur. Les citations d'autres travaux de l'artiste sont ici nombreuses, car nous croyons utile de soumettre au lecteur les oeuvres mêmes que nous étudions, étant donné qu'elles n'ont jamais été réunies auparavant au sein d'une seule étude. Cette recherche étant basée sur une approche analytique, certains éléments présents dans la démarche artistique de Fournelle y sont analysés sous différents aspects. C'est cette démarche de lecture, au-delà d'une description qui révélera le type de thème que le langage symbolique a pour vocation d'exprimer. En effet, ce mémoire s'appuie sur une importante recherche d'archives personnelles, textes critiques, interviews avec A. Fournelle, et constitue en grande partie, un travail d'interprétation. Notre étude ne prétend être, ni définitive, ni complète. Mais celle-ci a été élaborée d'une manière aussi transparente que possible. Il s'agit par conséquent d'une réflexion préliminaire pour la réalisation de futurs travaux concernant l'activité artistique de ce sculpteur multidisciplinaire. Néanmoins, nous croyons avoir démontré que l'activité symbolique d'André Fournelle s'appuie sur les bases d'un vocabulaire riche et condensé sous des formes symboliques universelles qui émanent d'une subjectivité singulière. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : André Fournelle, Art contemporain, Activité symbolique, Formes, Matériaux et l'esprit des lieux.

Cette thèse a pour objectif de mettre en lumière divers aspects de la « culture des contraires » - une culture traduisant une propension pour la juxtaposition d'éléments à première vue fort différents. Dans le premier chapitre, nous offrons au thème de la culture des contraires un point d'ancrage qui a été assez peu exploité dans la recherche : les réflexions des néoplatoniciens sur les symboles. Ces réflexions développent une conception selon laquelle la monstruosité et la laideur sont le reflet nécessaire - et non la pure antinomie - du beau. Le monstrueux ou « contre nature » est alors digne d'être considéré puisqu'il peut évoquer son contraire. Nous concluons ce chapitre par une illustration de la singularité et de la fécondité de cette perspective, avec l'étude d'un film, Night of the Demon (1957), dans lequel luttent deux tendances opposées par rapport au monstrueux : l'évocation et la monstration. Dans le deuxième chapitre, nous retenons trois notions importantes pour bien comprendre la culture des contraires: l'éclectisme, le syncrétisme et le bricolage. L'éclectisme se traduit par une ouverture aux différences; par la volonté d'accueillir les idées les plus diverses sans les considérer exclusives. Le syncrétisme, pour sa part, implique davantage : la synthèse d'éléments divers débouche ultimement sur la fusion de doctrines qui semblent avoir peu de choses en commun. Autrement dit, le libre choix n'est pas effectué pour lui-même, mais pour faire système. La notion de bricolage, quant à elle, a souvent été utilisée dans les sciences sociales, au XXe siècle. Nous nous attardons d'abord aux réflexions de Lévi-Strauss sur le bricolage, puisque ces réflexions ont durablement influencé des penseurs (Genette, Derrida, Deleuze et Guattari, de Certeau, Lyotard) dont nous rappelons les principales intuitions. Une fois le sens de l'éclectisme, du syncrétisme et du bricolage bien établi, nous nous efforçons, dans la deuxième partie de la thèse, d'étudier les contraires en tant qu'ils s'inscrivent dans des pratiques et des productions culturelles. Nous nous intéressons d'abord aux conduites extrêmes. Moins encadrées par les institutions, les formes contemporaines du rite de passage sont souvent étonnantes, voire choquantes. Les jeunes sont amenés à expérimenter d'une manière souvent forcenée: ils doivent inventer de nouvelles formes rituelles pour mieux négocier les passages les plus cruciaux de leur existence. Dans un premier temps, nous nous penchons sur l'engouement des jeunes pour les jeux vidéo - plus précisément, pour les jeux de combat. Nous poursuivons avec l'analyse de deux phénomènes unissant l'expression artistique et le rite : celui des tags et des graffiti et celui des arts du corps. Nous mesurons jusqu'à quel point ces phénomènes permettent au jeune de se façonner une identité, selon une esthétique bricoleuse qui allie le bagage personnel du participant et de nombreux emprunts. Par rapport aux notions d'éclectisme et de syncrétisme, le bricolage comporte de très fortes résonances artistiques. Les deux derniers chapitres exploitent donc cette dimension du bricolage. Le quatrième chapitre est principalement traversé par un mouvement artistique qui accorde une place prépondérante aux synthèses inattendues : le surréalisme, qui tend à réunir ce qu'on avait tendance à dissocier. Cet effort visant à réunir les contraires se répercute sur tous les aspects du mouvement. Dans le cinquième et dernier chapitre, nous poursuivons notre étude des inscriptions culturelles du jeu entre les contraires. Mais tandis que nous nous étions intéressés à la création artistique dans le quatrième chapitre, il s'agit, cette fois, d'adopter le point de vue du récepteur; dans l'économie de cette réception, nous nous intéressons au rapport entre le culte et la culture, par le truchement du phénomène des œuvres et des figures cultes. L'usage du terme « culte » suggère un certain rapport au religieux. Nous scrutons également l'émergence et l'évolution d'un discours qui prétend opérer un renversement radical par rapport aux critères esthétiques modernes : non plus préoccupés par l'élection de chefs-d’œuvre, les membres de cette sous-culture jettent volontairement leur dévolu sur des films médiocres. Cette esthétique paraît opérer une sorte de désublimation du beau classique dans un geste qui rappelle, à bien des égards, l'attaque contre le « bon goût » orchestrée par la mouvance néodadaïste de l'art contemporain. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Religion, culture, éclectisme, syncrétisme, bricolage, contraires, symbole, surréalisme

Cette thèse porte sur l'univers ethnoculturel que donnent à lire les quatre premiers romans de V. Hugo : Han d'Islande (1823), Bug-Jargal (1826), Le Dernier Jour d'un Condamné (1829) et Notre-Dame de Paris (1831). La récurrence de certains motifs dans cette jeune écriture fait apparaître une architecture formée de réseaux symboliques que nous pouvons appréhender suivant deux grandes structures culturelles : la dialectique littératie/oralité (ou culture écrite/culture orale) et le schème carnaval/carême. Deux structures qui sous-tendent l'organisation fictionnelle et narrative de chacune des œuvres, et s'agencent de manière à y faire émerger une dynamique générale : l'antinomie ordre et désordre. Partant d'une approche ethnocritique (V. Cnockaert, J.-M. Privat, M. Scarpa), nous nous penchons ainsi sur la question des rites et des coutumes pris comme signes ethnographiques, et des modalités de leur intégration dans le tissu romanesque. Notre thèse repose d'une part sur l'étude des rapports entre ce qui relève de la logique du carême – les grandes institutions, qui imposent un ordre et instaurent des régimes oppressifs – et ce qui relève du carnavalesque (ou des pratiques collectives des carnavals traditionnels) – les personnages-désordre, qui sont tous voués à un destin singulier –, et s'attache à montrer d'autre part comment ces représentations ethno-logiques sont, suivant une perspective plus large, au cœur de relations belligérantes entre littératie et oralité. Nos lectures tiennent également à mettre en lumière ce qu'autorise cette pluralité culturelle à l'écriture même de Hugo, qui se veut une écriture de changement. Réappropriés par l'auteur, transformés dans et par l'écriture, les schèmes (et motifs) culturels reçoivent, de fait, « un nouveau sens dans le système de relations constitutif de l'œuvre » (Bourdieu). Aussi non seulement sont-ils à l'origine d'une carnavalisation littéraire (Bakhtine), mais encore donnent-ils lieu à la mise en place d'un système unifiant dans notre corpus de jeunesse. La portée polyphonique des effets de carnavalisation générés dans les textes – à partir de ces croisements, métissages et confrontations culturels – permet d'avancer une interprétation d'ensemble en regard des récits, de même qu'en regard de la pensée hugolienne (les vues, croyances et convictions de l'auteur) que véhiculent les romans. Il s'agit en somme, dans cette thèse, d'examiner comment Hugo, à travers une écriture de combat, éclaire autrement la situation générale de la France du début du XIXe siècle – la situation de cette jeune nation qui tente de se redresser après les violences (encore fraîches) de la Révolution de 1789. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Victor Hugo, Littératie, Oralité, Carnaval, Carême, Carnavalisation, Ethnologie du symbolique, Littérature, XIXe siècle.

Author's thesis, Heidelberg, 1962, originally issued under title: Studien zur Geschichte und Theologie des II. Ökumenischen Konzils von Konstantinopel 381." / Bibliography: p. [9]-14.

De nos jours, parler de monumentalité soulève des questions pour le moins problématiques. Selon des interprétations négatives, cette notion est fruit d’une pensée rétrograde, fondée sur l’historicisme et sur une lecture de l’architecture comme une question de style. A contrario, la monumentalité représente, à l’origine, la qualité immatérielle qui permet au monument d’émerger de son contexte et d’être reconnu comme élément structurant de l’espace urbain. Cette qualité joue un rôle capital au sein de la métropole puisqu’elle s’oppose à une logique de l’architecture basée sur l’économie et qu’elle éveille la conscience collective à la fonction mémorielle du monument et à sa symbolique d’avertissement pour la société. La consultation internationale du Grand Paris (CIGP) a été une vitrine internationale considérable qui a donné aux équipes pluridisciplinaires participantes la possibilité de définir les paramètres fondateurs pour le développement de la métropole du XXIème siècle de l’après-Kyoto. À la demande des décideurs politiques, les équipes de la CIGP ont engagé un questionnement sur la manière de matérialiser les symboles fédérateurs de la société contemporaine. S’agirait-il d’un renouveau de la monumentalité ? Comment faire coexister ce questionnement face aux principes du développement durable ? Serions-nous confrontés à une nouvelle forme de monumentalité émergente ? Cette recherche a l’ambition de présenter la récursivité de l’histoire transformant la notion de monumentalité et d’apporter quelques éléments de réponse concernant la possible émergence d’une nouvelle monumentalité métropolitaine / Talking about monumentality in contemporary times has become at least a problematic issue. This notion most often refers to negative interpretations identifying it as the fruit of retrograde thinking, based on historicism and in reading architecture as a question of style. On the contrary, monumentality originally represents the immaterial quality that allows the monument to stand up from its context and to be recognized as a structuring element of the urban. Faced with the metropolis, this quality plays a capital role by opposing the logic of architecture based on economics and by awakening the collective conscience to the monument’s memorial function and its symbolic warning for society. The Greater Paris International Consultation (CIGP) was a considerable international showcase that gave to its multidisciplinary teams the opportunity to define the founding parameters for the development of post-Kyoto metropolis for the 21st century. As asked by politicians, the CIGP teams started to question how to materialise the unifying symbols of contemporary society. Would it be a renewal of monumentality? How can this questioning coexist facing the principles of sustainability? Would we be faced to a new form of emergent monumentality? The aim of this research is to present the historical appeals that have transformed the notion of monumentality and to provide some answers regarding the possible emergence of a new metropolitan monumentality

Depuis les années 1940, l’art dans le monde arabe traverse des questionnements quant à son authenticité et son identité. Cette thèse souligne dans sa première partie l’importance et l’influence du patrimoine et de l’héritage culturel de la peinture arabe contemporaine. La deuxième partie détaille les éléments culturels provenant de l’héritage patrimonial, dont la complémentarité entre la calligraphie et l’arabesque. Dans la calligraphie contemporaine, des artistes explorent et ont développé de nouvelles formes dans la calligraphie arabe, un art riche qui met au jour la composition plastique de la lettre et sa valeur abstraite. La quête identitaire sera traitée sous la forme d'un mariage entre l’art du passé et l’art de la modernité, via l’étude de la lettre arabe. Elle s'illustre au moyen d'ornements traditionnels de l’art populaire (naïf ou non) comme l’une des sources d’inspiration dans la société arabe actuelle. De ces travaux émergent un questionnement sur l’esthétique et la plasticité de la calligraphie. La troisième partie porte sur la définition et l’apparition de l’orientation artistique nommée Al-Hurufiya et les deux manifestations ponctuelles et majeures qui ont accompagné son apparition, respectivement théorique et artistique : le rassemblement de « la dimension unique » et le Groupe de Casablanca. La quatrième partie expose les différentes caractéristiques de la peinture hurufie, en répertoriant les méthodes employées par les artistes arabes spécialisés dans ses pratiques. Enfin, dans la cinquième partie, nous exposons et expliquons la démarche plastique qui nous inspire à partir de l’usage de la lettre arabe, des signes, des symboles et des autres motifs d’arabesque. L’enjeu est de présenter la relation singulière que nous entretenons avec cet art et de nous inscrire dans le continuum hurufi, pour ensuite nous permettre de bifurquer sur d’autres modes plastiques. / Since the 1940s, the art in the Arab world is going through questions about its authenticity and identity. This thesis emphasizes in its first part the importance and influence of the heritage and cultural legacy of contemporary Arab painting. The second part details the cultural elements from the historic heritage, whose complementarily between calligraphy and arabesque. In contemporary calligraphy artists to explore and have developed new forms in Arabic calligraphy, a wealthy art reveals the plastic composition of the letter and its abstract value. The quest for identity is treated as a marriage between the art of the past and the art of modernity, through the study of the Arabic letter. It is illustrated by means of traditional folk art ornaments (naive or not) as a source of inspiration in the current Arab society. From this work emerged a questioning of aesthetics and plasticity of calligraphy. The third part deals with the definition and development of artistic orientation named Al- Hurufiya and two point and major events that have accompanied its appearance, respectively theoretical and artistic: the gathering of the “single dimension” and the Group Casablanca. The fourth part describes the various features of the hurufie painting, identifying the methods used by Arab artists specialized practices. Finally, in the fifth section, we present and explain the artistic approach that inspires us from the use of the Arabic letter, signs, symbols and other Arabesque motifs. The challenge is to present the unique relationship we have with us this art and enroll in the hurufi continuum, then allow us to fork over other plastics modes.

Le rapport que l’Humanité entretient avec la chevelure relève de l’invariant. Comme d’autressociétés, le monde grec antique s’est approprié ce rapport, l’a pensé d’une manière spécifique,l’investissant de valeurs et de symboles qui lui étaient propres et qui reflétaient son fonctionnementsocial et culturel, ses représentations concernant le monde des hommes, des dieux et leurs relations.Pour appréhender la place qu’occupe cet attribut physique en Grèce, de l’âge archaïque à la périodehellénistique, il est nécessaire d’explorer ce que les sources, essentiellement littéraires, maiségalement dans une moindre mesure iconographiques, en disent et en donnent à voir. En observantle vocabulaire en contexte, il est possible de mettre en lumière les conceptions, les connotations, lesimages que génère la chevelure, ainsi que les valeurs dont elle se trouve investie, entre signe etsymbole : se dessine ainsi un véritable langage capillaire. Pour les Grecs, la chevelure mais aussiles poils présentent des liens étroits avec le domaine du tissage, du végétal et de l’animal, enparticulier avec le cheval ; ces liens révèlent une part importante de leur imaginaire. L’apparencecapillaire de référence, toute en longueur éclatante, en ondulation et en mouvement, indice dejeunesse et d’excellence, de force, de virilité et de panache, est celle des dieux et des figureshéroïques, modèles dont s’inspire l’élite aristocratique. Autour de cette norme, la chevelurecontribue à identifier, distinguer et hiérarchiser le sauvage et le civilisé, l’ordre et le désordre, maisaussi à dire, à travers les violences dont elle est souvent l’objet, les souffrances ou la négation del’être. Ornement dont la coiffure harmonieuse constitue un trait fondamental, la chevelure touche aukosmos, agencement et parure; désignant par analogie certains phénomènes et corps astraux, elleparticipe alors tout à la fois à construire et à refléter l’ordre et la beauté de l’univers. / The relation that mankind has with hair falls under the invariant. Like other societies, the ancientGreeks have appropriated and thought this relation in a specific way. They have invested it withvalues and symbols of its own, which reflected its social and cultural functioning, its views of theworld of men, gods and their relationships. To understand the place of this physical attribute inGreece, from the Archaic to the Hellenistic Age, we need to explore what sources say and showabout it. They are mostly literary ones but also iconographic ones to a lesser extent. A close study ofvocabulary in context enables us to bring out ideas, connotations and images generated by hair, andthe values it is invested with, between sign and symbol. Thus a true capillary language is beingdrawn. For the Greeks, hair but also bristles are closely connected to weaving, plants and animals,especially horses ; these links reveal an important part of their imagination. Capillary appearance,full of length and brightness, of ripple and motion, as an indication of youth and excellence,strength, virility and panache, belongs to gods and heroic figures ; indeed the aristocratic elite isinspired by their models. Around this standard, hair helps to identify, to distinguish and to rank thewild and the civilized, order and disorder, but also helps to express the suffering or the denial of abeing, through the acts of violence it often undergoes. As an ornament whose harmonious hairstyleis a fundamental feature, hair reaches the kosmos, as a layout and an adornment ; by analogy, itrefers to certain astral phenomena and bodies and at the same time, it thus participates in buildingand reflecting the order and beauty of the universe.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:19:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fios de vida, tramas de historias - Kelio Junior.pdf: 971926 bytes, checksum: a4f953d3fd3451b23f049e2111458a41 (MD5) Previous issue date: 2009-04-27 / Cette étude a pour but d‟entreprendre un voyage à l‟univers fictif de Lygia Fagundes Telles, artiste qui enrichit la littérature nationale il y a longtemps. Parmi nombreux aspects esthétiques présentents dans cet objet d‟étude, notre regard se détiendra et analysera l‟insistante répétition de l‟image du fil et d‟autres semblables. Telle images sont presentées comme des symboles qui sont présents tout au long de l‟ouvre de cette auteure, en faisant partie son univers mythique particulier. Dans ce emmêlé de lignes, de points, d‟aiguilles, de crochets, de tricots, des fileuses le lecteur entrevoit des destins qui sont tissus, de personnes qui sont entrelacées les unes aux autres, des individus attachés à des rescaux sociaux et d‟autres qui se manifestent par un filet de voix. En reprenant des aspects propres du mythes, l‟écrivaine Lygia Fagundes Telles tisse un travail d‟artisane, une oeuvre d‟art sur laquelle on travaillera, en proposant une analyse des valeurs possibles et des sens du symbole du fil. / Este estudo objetiva aventurar-se por uma viagem ao universo fictício de Lygia Fagundes Telles, artista que há muito vem enriquecendo a literatura nacional. Em meio à vastidão de aspectos estéticos desse objeto de estudo, nosso olhar se detém e perscruta a insistente recorrência à imagem do fio e outras afins. Tais imagens apresentam-se como símbolos que perpassam toda a obra da escritora, fazendo parte de seu universo mítico pessoal. Nesse emaranhado de linhas, pontos, agulhas, crochês, tricôs e fiandeiras, o leitor se depara com destinos que são tecidos, pessoas que são enlaçadas umas às outras, indivíduos presos em redes sociais e outros que se manifestam por um fio de voz. Retomando aspectos próprios do mito, a escritora Lygia Fagundes Telles tece um trabalho de artesã, obra de arte sobre a qual empreendemos uma análise dos possíveis valores e sentidos do símbolo do fio.