Cette thèse de doctorat en études théâtrales propose d’étudier les modèles et pratiques d’écriture du personnage dans les écritures théâtrales québécoises des années 2000, et, à partir de cette analyse à la fois dramaturgique (études de pièces et définition d’une typologie des personnages) et génétique (entrée dans la fabrique de plusieurs auteurs pour comprendre comment ils créent leurs personnages), de définir la ou les figures de l’auteur dramatique dans ce contexte de création. La dramaturgie québécoise présente des survivances du personnage, quand d’autres ne cessent de le remettre en question. Mais loin de perpétuer un réalisme psychologique américain, les auteurs québécois des années 2000 mettent en scène des êtres profondément déterritorialisés dont la profondeur psychologique disparaît au profit d’une profondeur intertextuelle ou métathéâtrale. Ces personnages-créatures invitent à entrer dans la fabrique des auteurs pour interroger le partage des voix qu’ils opèrent afin de détourner un réalisme encore majoritaire dans les dramaturgies d’Amérique du Nord. À partir des pôles d’écriture du personnage que sont la langue, le corps, l’intertexte et la scène, la thèse analyse les pratiques d’écriture de plusieurs auteurs issus de générations et de formations différentes : Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Étienne Lepage et Larry Tremblay. Ces auteurs, qui doivent négocier sans cesse avec une altérité, qu’elle soit réelle (le contexte de production québécois invite les auteurs à échanger avec les autres actants du processus théâtral) ou fictive (les auteurs sont profondément habités par des autres qui parlent à travers eux), se trouvent démultipliés dans le processus d’écriture. Il semble alors que, face à cette démultiplication et à la difficulté de plus en plus grande pour l’auteur de faire entendre sa voix, les auteurs québécois choisissent le chemin de l’autopoïétique et exploitent dans leurs dernières créations leur moi d’auteur comme un matériau et comme un hyperpersonnage surplombant la fiction. C’est alors une voix de l’écriture unifiée, toujours aux limites de l’autofiction et de l’autobiographie, qui habite des dramaturgies qui ne seraient plus capables de faire advenir l’autre, un personnage entièrement détaché de la voix de son créateur. / The purpose of this doctoral thesis in drama studies is to investigate the models and practices in character writing in Quebecois drama in the years 2000, and from this investigation, which will have both a theatrical approach – through the study of plays and the elaboration of a typology of characters – and genetic – by entering into the authors’ factory to understand how they create their characters –, to identify the figure(s) of the playwright in this creative context. In Quebecois playwriting, characters still survive, while they are constantly questioned in other writing contexts. However, far from perpetuating realism as it prevails in American character writing, Quebecois authors in the years 2000 create deeply deterritorialized characters whose psychological depth disappears to make room for intertextual and metatheatrical profoundness. These creature-characters invite us into the authors’ factory to examine the sharing of voices they perform so as to circumvent North American drama’s still dominant realism. The four poles of character writing – language, body, intertext and stage – will then allow us to analyze the writing practices of several authors who belong to different generations and followed different trainings: Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Etienne Lepage and Larry Tremblay. These authors, who constantly have to deal with an otherness whether it is real – the production contexts in Quebec lead authors to interact with the other actors of drama’s creative process – or fictional – authors are deeply inhabited by others who speak through them –, find themselves demultiplied inside the writing process. It then seems that, when facing this demultiplication and the growing difficulty to make their voice heard, authors in Quebec are chosing the path of autopoiesis and using their “I” as authors in their latest creations as a material and as a supercharacter which dominates fiction. The act of writing then acquires a unified voice, constantly on the fringe of autofiction and autobiography, which inhabits plays that would may no longer be able to bring forth the other, a character which would be entirely separated from its creator’s voice.

Cette thèse trace et interroge le passage qui s’est opéré au cours des quarante dernières années dans la dramaturgie québécoise, soit le passage d’une écriture de l’identitaire à celle de l’individu. La lecture privilégiée sera de l’ordre de la sociocritique du texte dramatique et elle permettra d’identifier les stratégies discursives et poétiques autoréflexives d’une pratique théâtrale qui puise ses tropes aux littératures de l’intime. Ainsi, les pièces à caractère biographiques et les relectures historiques sont étudiées au même titre que celles qui se revendiquent de l’autobiographie, de l’autofiction et de l’autoreprésentation. Ces dernières caractérisent la production théâtrale québécoise récente. Après avoir été résolument politique et axée sur la langue, la dramaturgie québécoise, longtemps considérée écriture-miroir d’un peuple dont la nation est en perpétuel devenir, aujourd’hui s’intéresse d’abord à elle-même, à sa littérarisation, voire à ses praticiens préoccupés par la place qu’ils occupent dans un milieu plus exiguë, plus marginalisé dans l’ensemble de la société québécoise. Le devenir sociétal a-t-il été substitué par la préoccupation du devenir individuel, non pas comme exemplum, mais comme manifestation d’un sentiment d’unicité? La thèse examine l’émergence d’une dramaturgie tributaire des pratiques autographiques de ses praticiens. Le discours théâtral est à nouveau en accord avec le discours social, sauf que cette fois, le reflet que renvoie le miroir est celui d’une société d’individus préoccupés par leur propre devenir. / This thesis traces and investigates the transition in Quebec drama over the last forty years from writing driven by collective identity to writing driven by the individual. The reading of the dramatic texts draws on a socio-critical approach, identifying discursive strategies and the poetics of self-representation in a theatrical tradition seen to be borrowing its devices from intimate literature. Consequently, biographically inflected plays and epic plays reinterpreting history are studied alongside the more explicitly autobiographical, autofictional, and self-reflective works that have come to typify recent Quebec theatre production. After having been resolutely political and language-based, Quebec drama—long considered reflective of the national aspirations of a people in a state of ongoing redefinition—is now interested primarily in itself as a literary trope. Theatre practitioners have become preoccupied with the narrowing space they occupy in Quebec society. Has the social process of becoming [“le devenir” in the Deleuzian sense] been replaced by an overwhelming preoccupation with the individual sense of becoming, not as a stated exemplum, but rather as the manifestation of a sense of uniqueness? The thesis examines the emergence of a self-reflective dramaturgy celebrating the autobiographical practices its artists are engaged in. Thus theatrical discourse is again in step with social discourse in Quebec, except that the dramatic mirror is reflecting a society of individuals preoccupied with their own personal sense of accomplishment.

La fin des années 1960 et le début des années 1970 au Québec sont marqués par une ample vague d’affirmation identitaire à laquelle participent les écrivains, dramaturges, chansonniers et monologuistes de l'époque. Durant leur premier cycle de créations (1969-1971), le Grand Cirque Ordinaire et le Théâtre du Même Nom, deux collectifs d’acteurs, chefs de file du Jeune Théâtre, prennent part à ce mouvement. Ce projet de recherche entend analyser la pratique des deux collectifs en tissant des liens avec les traditions théâtrales qui l'ont précédée. Avant l'émergence d'une conscience nationale québécoise durant la fin des années 1960 (québécité), les scènes du Québec sont marquées par deux courants : la francité et l'américanité. L'influence de ces derniers sur la pratique du Grand Cirque Ordinaire et du Théâtre du Même Nom peut être éclairée par les notions de culture première et de culture seconde (Dumont, 1968). Les acteurs des deux troupes sont formés dans les écoles de jeu montréalaises (École Nationale et Conservatoire de Montréal) selon les principes du théâtre d'art français. Au moment de se constituer en collectif, ils rejettent cette culture seconde – qui leur apparaît étrangère, élitiste, universaliste – et se revendiquent de la tradition locale et populaire du burlesque. Dans leur pratique, le GCO et le TMN s'inspirent de l'américanité et renouvellent globalement l'approche du jeu et du théâtre qui leur a été transmise à l'école. Ainsi, deux conceptions du jeu s'opposent, l'une dans laquelle l'acteur répond aux besoins du texte en sa qualité d'interprète, l'autre dans laquelle il apparaît davantage créateur et polyvalent. Sur le plan du contenu, les collectifs québécois renouvellent le réalisme canadien-français de Gratien Gélinas et de Marcel Dubé en questionnant et en critiquant la culture québécoise (famille, religion catholique, condition ouvrière) dans leurs spectacles. D'un point de vue scénique, ils développent une esthétique originale : le « nouveau réalisme québécois ». Largement inspirée des procédés brechtiens, elle se définit comme un condensé de réel, une version dessinée à gros traits de celui-ci. Finalement, cette esthétique scénique se caractérise par son aspect québécois, populaire et critique.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / Théorie de la pratique - pratique de la théorie, cette thèse oscille entre ces deux pôles en dégageant différentes avenues d'utilisation de l'image animée (vidéo) au théâtre, d'où le terme vidéoscénique. Le théâtre des dernières années s'est beaucoup tourné vers les nouvelles technologies, particulièrement vers ces médias de l'image et du son, afin de renouveler à la fois le langage dramatique et scénique. Peu d'ouvrages ont été consacrés aux diverses relations entre cet art de présence qu'est le théâtre et cet art de la reproduction visuelle qu'est la vidéo. Pour arriver à bien circonscrire cette rencontre intermédiatique, beaucoup d'approches sont possibles et cette thèse prend le parti pris d'une approche médiologique afin de globaliser l'impact d'un média autonome sur un autre. Selon Régis Debray, ± Une médiologie n'a pas pour finalité la délivrance d'un message. Elle se contente d'étudier les procédés par lesquels un message s'expédie, circule et trouve preneur ¿.1 Il est donc question d'observer comment la vidéoscénique se manifeste techniquement puis comment elle s'inscrit dans l'espace et dans le temps. En prenant appui sur un modèle de communication développé par Maletzke, il s'agit ensuite d'examiner et de saisir les objectifs des créateurs qui ont recours à un pareil média et finalement prendre en considération les incidences systémiques inhérentes à la réception de cette médiation. Dans un premier temps, une mise en contexte des usages vidéoscéniques s'impose et le champ d'études, même s'il s'agit d'une théorie générale de la pratique, examine essentiellement la production théâtrale québécoise répartie sur trente-cinq années (1967-2002).

Les nouvelles modalités d’énonciation explorées par le théâtre contemporain remettent en question la notion traditionnelle de dialogue. L’usage plus extensif du monologue, souvent considéré à tort comme s’inscrivant à l’opposé du dialogue et utilisé avec parcimonie dans le théâtre classique, conquiert la scène autant au Québec qu’à l’international et instaure un nouveau rapport entre la scène et la salle. Le volet création, I Sorel, explore comment trois solitudes se rencontrent sans se parler à travers un lieu partagé et par le jeu des croisements entre les monologues. Inspirée par l’art japonais du kintsugi, la pièce cherche à dévoiler la beauté des fissures et des imperfections de la langue, des lieux et des gens. L’essai porte sur l’usage singulier qui est fait des monologues au sein de Billy [les jours de hurlement] et en interroge les modalités et les effets sur l’élaboration de l’action dramatique et sur la construction du rapport au spectateur. / The new modalities of enunciation explored by contemporary theater challenge the traditional notion of dialogue. A more extensive use of the monologue, often mistakenly considered to be the opposite of dialogue and used sparingly in classical theater, is conquering the stage both in Quebec and internationally, establishing a new relationship between the stage and the audience. The creation, I Sorel, explores how, through a shared space and by the way their lonely voices intertwine, three solitudes meet without speaking. Inspired by the Japanese art of kintsugi, the play aims to reveal the beauty in the cracks and imperfections of language, places and people. The essay examines the singular use of monologues in Billy [les jours de hurlement] and questions their modalities and effects on the elaboration of the dramatic action and on the relationship the play establishes with its spectator.

La culture occidentale ayant favorisé l'émergence d'un théâtre voué spécifiquement aux enfants, il semble logique de penser que celui-ci est la manifestation d'une conception particulière de l'enfance, soit une catégorie sociale distincte des autres âges de la vie. Cette étude anthropologique vise essentiellement à faire ressortir les diverses conceptions de l'enfance qui influencent les créateurs à travers leur pratique théâtrale. La présente recherche se veut exploratoire. Elle souhaite d'abord et avant tout offrir un angle d'approche original sur une dimension de la société québécoise encore peu documentée. Afin de répondre à l'objectif de recherche, dix-sept créateurs, issus de quatorze compagnies de théâtre, ont été rencontrés au cours d'entrevues réalisées entre les mois de juin et novembre 2002. Les similitudes et les différences de leur rapport à l'enfance seront examinées plus attentivement.

Résumé : Cette thèse est une lecture commentée et une transcription d’une performance enregistrée sur bande sonore de la création collective Les Enfants de Chénier dans un autre grand spectacle d’adieu qui a été présentée du 23 septembre au 11 octobre 1969. Le spectacle a été créé à partir d’un canevas et d’une mise en scène de Jean-Claude Germain et il est basé sur les improvisations des comédiens Louisette Dussault, Nicole Leblanc, Monique Rioux, Gilles Renaud et Jean-Luc Bastien. Peu de documents d’informations ont survécu après une courte série de représentations de ce spectacle sinon une bande sonore et quelques critiques journalistiques. Pourtant, dans le Nouveau Théâtre québécois (1973), Michel Bélair affirme que le Spectacle d’adieu est un tournant dans l’évolution du théâtre québécois. Afin d’éclaircir le rôle de cette pièce dans l’évolution du théâtre québécois, nous nous attachons d’abord à situer le Spectacle d’adieu dans le contexte socioculturel de la période 1965 à 1970 au Québec. Un exercice comparatif binaire à la manière de Philip Stratford entre le Spectacle d’adieu et The Farm Show (du Théâtre Passe Muraille) démontrera ensuite que le Spectacle d’adieu a influencé le développement du théâtre canadien-anglais de l’époque. De plus, un des objectifs de cette thèse est d’offrir la première transcription d’une performance du spectacle enregistrée par Réginald Hamel en 1969. Cette transcription sera produite selon une méthodologie développée à partir de deux champs d’études principaux, soit le théâtre et l’anthropologie. / Abstract : This thesis is a comment and a transcript of a tape recorded performance of the collective creation Chenier’s Children in Another Great Farewell Show that was presented from September 23 to October 11 in 1969. The show was created from the canvas and the stage directions of Jean-Claude Germain. It also took its source in the improvisations of comedians Louisette Dussault, Nicole Leblanc, Monique Rioux, Gilles Renaud and Jean-Luc Bastien. Not much documentation survived after a brief series of performances of this show except an audio tape and a few newspaper critics. However, in the Nouveau Théâtre québécois (1973), Michel Bélair states that the Farewell Show is a turning point in the evolution of Quebecois theatre. In order to clarify the role of this play in the evolution of Quebec’s theatre, we first situate it in the sociocultural context of Quebec between 1965 and 1970. A binary comparison between the Farewell Show and The Farm Show (Theatre Passe Muraille) as proposed by Philip Stratford will demonstrate afterward that the Farewell Show influenced the development of English Canadian theatre at the time. Moreover, one of the objectives of this thesis is to offer the first transcript of a performance of the Farewell Show recorded by Réginald Hamel in 1969. This transcript is created according to a transcription methodology developed from two fields of study – theatre and anthropology.

Ce mémoire de recherche-création composé de deux parties s’intéresse à l’usage du récit dans la dramaturgie québécoise contemporaine, plus particulièrement à la réactualisation du procédé de la teichoscopie en tant que « vision à travers le mur » et à sa relation avec les images. Prenant comme point de départ un évènement réel, la pièce Nuage de cendres raconte, sur le ton de l’ironie tragique, l’éruption du volcan islandais Eyjafjallajökull en 2010 vécue à distance par un volcanologue islandais et une Québécoise en fuite. Envisageant la teichoscopie à la fois comme procédé de montage et opération de conversion du « dire » en « voir », la pièce explore les questions du deuil, du silence, de la cendre et de la fascination pour les images. La deuxième partie est un essai intitulé Voir à travers les murs : la teichoscopie dans Yukonstyle de Sarah Berthiaume. Pour comprendre la circulation à relais de la faculté d’omniscience chez les personnages qui font le récit de leurs « visions à travers le mur », l’étude propose le concept de personnage-voyant. En étudiant la reprise de la figure amérindienne primordiale du corbeau, elle croise les concepts d’« espassetemps » (Dominique Legros), d’anachronisme et de survivance (Georges Didi-Huberman) afin d’analyser la construction, par la teichoscopie, d’un territoire qui résiste aux délimitations. La « vision à travers le mur » marque ainsi le franchissement de toutes les frontières : celles du temps, des lieux, des êtres. L’essai s’attache enfin à montrer que, contrairement à la tendance générale de la dramaturgie québécoise contemporaine où le récit exprime le repli sur soi et l’incommunicabilité entre les personnages, la teichoscopie rend possibles, dans Yukonstyle, une ouverture à l’autre et une transmission. / Composed of a play and an essay, this M.A. thesis examines the use of narration in contemporary theatre in Quebec. It focuses specifically on the renewal of the device known as teichoscopia, considered as “vision through the wall”, and its relationship with images. The play, Nuage de cendres, begins with a true event: it relates, with a tone of tragic irony, the eruption of the Icelandic volcano Eyjafjallajökull in 2010, experienced remotely by an Icelandic volcanologist and a young woman escaping from her life in Quebec. Considering teichoscopia both as an editing process and a means of converting words into vision, the play explores the issues of loss, silence, ashes and fascination for images. The second part of the thesis consists of an essay titled Voir à travers les murs : la teichoscopie dans Yukonstyle de Sarah Berthiaume. In order to analyze the relay of omniscient ability between the characters who narrate what they see through the wall, the essay proposes the concept of the character-seer. It studies how the play integrates the Native American figure of the crow, and how the concepts of “everywhen” (Dominique Legros), anachronism and survival (Georges Didi-Huberman) intersect. Teichoscopia thus builds a territory that resists delimitation: the “vision through the wall” marks the crossing not only of spatial and temporal boundaries, but those between beings as well. Finally, this essay shows how, in Yukonstyle, contrary to other contemporary plays that often use narration to express withdrawal into oneself and lack of communication, teichoscopia makes possible true openness and transmission.

Réalisé en codirection avec Hélène Buzelin / Depuis le début des années 1980, le milieu théâtral québécois manifeste un intérêt croissant pour Tchekhov. Pourtant, les pièces traduites ne répondent pas à la tendance qui, dans le Québec des années 1970-1980, consistait à adapter les classiques du théâtre étranger de façon ethnocentrique, notamment en les traduisant en québécois. Pour Tchekhov, les traducteurs et les praticiens semblent davantage préoccupés par la dimension dramaturgique de la langue que par l'adaptation au contexte sociolinguistique d'accueil. Intriguée par ce phénomène, nous avons cherché à le vérifier et à le comprendre dans le présent mémoire en analysant trois traductions québécoises d’Oncle Vania, représentées entre 1983 et 2001. Notre travail se trouve au carrefour de deux disciplines : la traductologie et l’analyse dramaturgique. Il cherche à démontrer l’ancrage proprement dramaturgique des différentes stratégies de traduction d’Oncle Vania en étudiant la série de leurs concrétisations, du texte source jusqu’à la mise en jeu cible. Le corpus se compose de deux traductions à visée mimétique et d’une réécriture. Dans l'Oncle Vania de Michel Tremblay (1983), l'idiolecte du personnage de Marina a été traduit en joual de façon à recréer l'effet dramaturgique source. Dans Uncle Vanya (1993), une production anglaise du Théâtre du Centaur, les répliques de Sérébriakov ont été traduites en français par Jean-Louis Roux, l'interprète du personnage, et mettent en valeur plusieurs traits distinctifs de celui-ci. La troisième pièce à l'étude est une réécriture de la pièce par Howard Barker, (Uncle) Vanya, traduite au Québec par Paul Lefebvre (2001). La vulgarité de la langue de cette pièce a été traduite de façon sémantique pour recréer la relation déstabilisante spectacle/spectateur propre au Théâtre de la Catastrophe de Barker. Très différentes les unes des autres, ces versions d'Oncle Vania démontrent que la traduction peut s'inscrire, en tant que processus d'analyse dramaturgique, au sein de la critique et de la réflexion sur l'œuvre de Tchekhov. En effet, ces traductions semblent participer davantage de l'histoire globale de l'interprétation du théâtre de Tchekhov en français que d’un projet sociopolitique. Ce mémoire contribue ainsi aux études de traductologie, en y intégrant des modalités d’analyse dramaturgique et apporte un nouvel éclairage à l’histoire de la traduction théâtrale au Québec. / Since the beginning of the 1980’s, Quebec's theatrical milieu interest for Chekhov plays is growing. However, the translated plays do not reflect the tendency which, in the 1970’s and the 1980’s, consisted in adapting the foreign classics of theater in an ethnocentric way, especially by translating them into québécois French. For Chekhov, the translators and the practitioners seemed more worried about the dramaturgic aspects of the language than by the sociolinguistic adaptation of the plays to the context of reception. Intrigued by this phenomenon, we tried to verify and understand it by analyzing three Uncle Vania plays translated and produced in Quebec between 1983 and 2001. Our work is at the crossroads of two disciplines : traductology and dramaturgical analysis. It tries to demonstrate the strictly dramaturgic roots of the various translations strategies for Uncle Vania by studying the series of their concretizations, from the source text to the target mise en jeu. The corpus consists of two mimetic translations and a rewriting. The first play is Oncle Vania, translated by Michel Tremblay (1983), where the idiolect of Marina, one of the characters, was translated in joual in order to recreate the dramaturgic effect of the source text. In the second translation, Uncle Vanya, played in English at the Centaur Theater (1993), the lines of professor Serebryakov were translated into French by Jean-Louis Roux, the character's interpreter, and emphasize several of his characteristics. The third play of the corpus is a rewriting of Chekhov's, (Uncle) Vanya by Howard Barker, translated in Quebec by Paul Lefebvre (2001). The vulgarity of the language of this last play was translated in a semantic way, in order to recreate the show/spectator relation particular to the Barker’s Theatre of Catastrophe. These Uncle Vania’s versions are very different from one another and demonstrate that translation, as a process of dramaturgic analysis, can contribute to the criticism and the reflection on the work of Chekhov. In fact, these translations seem to participate more in the global history of the interpretation of Chekhov’s theater in French, than in a sociopolitical reading of theatrical translation in Quebec. In contributing top translation studies by the mean of dramaturgical analysis, this work also sheds new light on the history of theatrical translation in Quebec.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.