Le présent mémoire regroupe trois portraits de troupes de théâtre québécoises liées au mouvement de la création collective des années 1960 et 1970. Le Grand Cirque Ordinaire, le Théâtre Euh ! et le Théâtre expérimental de Montréal illustrent, dans leurs orientations spécifiques, différentes tendances de ce phénomène aux confluents des nombreux bouleversements sociopolitiques et culturels propres à leur époque. Nous nous sommes principalement intéressé aux discours « parathéâtraux » de chacune de ces troupes, c'est-à-dire à leurs prises de parole livrées en marge de leurs activités de création. Pour chaque troupe, nous avons constitué un corpus de différents documents (entrevues, articles, manifestes) où les membres du GCO, du Euh! et du TEM, de façon individuelle ou collective, s'expriment sur leur propre parcours ou affichent leurs positions sur différents aspects du milieu théâtral québécois. La masse protéiforme que constitue cette documentation, bien que parfois difficile à analyser, est également indicielle de la multitude des approches de la création dans le mouvement de la création collective. Le choix de cette démarche trouve sa justification dans deux caractéristiques importantes du contexte théâtral québécois de cette époque: la grande popularité de l'improvisation dans le processus créateur et la prolifération des prises de parole des praticiens dans différentes publications. Le milieu théâtral reflète en ce sens de nombreux aspects de la société post-Révolution tranquille, où bon nombre de Québécois s'évertuent à créer, par eux-mêmes et pour eux-mêmes, de nouvelles structures politiques, sociales et culturelles tout en développant, à travers une panoplie de nouvelles tribunes, les discours qui sous-tendent ces réformes. Chaque troupe fait l'objet d'un chapitre divisé comme suit: un historique retraçant les principales productions et les événements marquants du parcours du collectif ; une description des différents documents constituant le corpus étudié ; une analyse du discours global de la troupe où nous tentons de cerner à la fois la nature du projet initial, les principales lignes de force du parcours et les possibles raisons conduisant à la séparation du collectif. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Création collective, Théâtre québécois, Improvisation, Années 1970.

Ce mémoire-création est né du désir d'interroger la spécificité de la parole théâtrale dans trois pièces québécoises contemporaines, en vue de la rédaction d'un texte dramatique. Les textes étudiés (Le chant du Dire-Dire de Daniel Danis, Le petit Köchel de Normand Chaurette et Les mains bleues de Larry Tremblay) ont été regroupés en vertu de ressemblances esthétiques, qui tiennent notamment au choix de ne « rien » représenter sur scène, et de faire entendre le récit d'un personnage rendant compte d'une action entièrement achevée. Il nous est apparu que ces pièces partageaient d'autres points communs thématiques, peu soulevés par la critique contemporaine. Ces trois textes, rangés le plus souvent dans la catégorie des textes « intimistes », voués à la remémoration d'un souvenir douloureux, adoptent une structure rituelle qui emprunte sa forme à un modèle musical Au renouvellement du genre dramatique s'ajoute dès lors une dimension collective, en apparence délaissée par le théâtre québécois depuis la fin des années 70. Afin de mettre en évidence la conjonction de trois imaginaires artistiques pourtant très distincts, nous avons adopté une approche comparée, fondée sur la confrontation des trois textes autour de grands axes communs. Nous avons eu recours à l'approche méthodologique développée par Hermann Parret pour mettre au jour la présence du lien collectif dans trois textes travaillés par les thèmes du mutisme et de la mutilation. Dans la partie théorique de ce mémoire, nous postulons que ces pièces tentent de conjurer la souffrance et la douleur physique infligées par la langue maternelle, lors de performances théâtrales traversées par un même fantasme: celui de la sublimation du mutisme dans le chant. Dans le second volet de notre mémoire, nous présentons le texte Chanson de toile, une pièce dont la forme emprunte à celle des trois textes étudiés, mais qui rejoint le Corpus en ce qu'elle est également parcourue par le thème du dépassement du mutisme -cette fois dans une perspective féminine. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Dramaturgie québécoise des années 90, Mémoire, Parole, Mélodie, Chant, Mutisme.

Condamnable sous son aspect juridique, le plagiat, lorsqu'il est abordé d'un point de vue littéraire et artistique, peut être considéré comme une esthétique. Le plagiat est un des procédés qu'embrasse la notion d'intertextualité ; il est commun, en cela, à la citation, la parodie, le pastiche, etc. L'intertextualité est la voie par laquelle sont analysés ces procédés par lesquels un texte entre en relation avec un ou plusieurs autres textes et les modalités à partir desquelles ceux-ci dialoguent entre eux. Le concept a contribué largement à remettre en question le mythe de l'auteur et du génie créateur, hérité du romantisme. Il a surtout servi à remettre le texte au cœur de l'analyse textuelle (littéraire, dramatique) en considérant celui-ci comme phénomène de production. L'intertextualité remet donc en cause l'idée que l'auteur soit un sujet unique dont le discours serait homogène. Dans l'esprit de l'intertextualité, il n'existe qu'un seul grand livre dont tout le monde s'inspire et que chacun pille allègrement. La mort de l'auteur, décrétée par Roland Barthes en 1968, renvoie à bien des égards à cette figure de l'écrivain plagiaire. L'essentiel consiste alors à voir le travail du texte dans ses nombreux commerces avec la littérature et, plus largement, avec le langage, ce qui exclut de fait tout positionnement moral face au plagiat. Ce mémoire entend examiner ces questions de deux manières. Dans un premier temps, en faisant l'étude de l'esthétique du plagiat dans l'œuvre de l'écrivain québécois Normand Chaurette. Trois œuvres dramatiques de cet auteur seront soumises à examen : Le Passage de l'Indiana (1996), Fragments d'une lettre d'adieu lus par des géologues (2000) et Provincetown Playhouse, juillet 1919, j'avais 19 ans (1981). Cette partie interroge, outre les procédés plagiaires proprement dits, la figure du créateur qui se trouve au centre de l'univers chaurettien. Dans un deuxième temps, en proposant à notre tour un texte fabriqué sur le modèle du centon, soit un collage de répliques empruntées à divers textes appartenant à la dramaturgie québécoise récente : Aphrodite en 04 (2006) d'Evelyne de la Chenelière, Lentement la beauté (2004) de Michel Nadeau et le Théâtre Niveau Parking, Les enfants d'Irène (2000) de Claude Poissant, Téléroman (1999) de Larry Tremblay et Pitié pour les vieilles chiennes sales (1999) de Marie-Ève Gagnon. Notre texte s'intitule Le caractère unique du flocon. À la fois œuvre originale et exercice de style inspiré des travaux de l'Oulipo, cette pièce se lit comme la décantation d'une expérience de lecture et ainsi comporte une dimension réflexive, qui n'emprunte pas la voie classique du commentaire, à propos d'un certain théâtre québécois contemporain. ______________________________________________________________________________

Le théâtre de Fabien Cloutier suscite abondamment le rire chez les spectateurs, mais ce rire est, très souvent, accompagné d'un sentiment de malaise qui investit la salle. Quel rôle joue le comique dans les pièces de Fabien Cloutier et quelle est la fonction du rire des spectateurs lors des représentations ? Ce mémoire postule que le rire, tel que provoqué par le théâtre de Fabien Cloutier, joue un rôle fondamentalement critique. À partir des dynamiques à la fois d’identification et de distanciation mises en œuvre par le théâtre de Fabien Cloutier, ce mémoire propose d’étudier la fonction critique du rire dans les pièces Scotstown, Cranbourne, Billy [Les jours de hurlement] et Pour réussir un poulet à la lumière de la théorie bergsonienne du rire, qui conçoit le rire comme un correctif social. / Fabien Cloutier’s plays spark copious laughter in spectators, but said laughter is often accompanied by a sense of discomfort which takes over the theatre. What part does the comic play in Fabien Cloutier’s work, and what is the function of audience members’ laughter during performances? This paper argues that laughter, as provoked by Fabien Cloutier’s theatre, serves a fundamentally critical purpose. Using the dynamics of both identification and distanciation at play in Fabien Cloutier’s theatre, this paper proposes that the critical function of laughter in plays Scotstown, Cranbourne, Billy [Les jours de hurlement] and Pour réussir un poulet be studied in light of the Bergsonian theory of laughter, which conceives of laughter as a social corrective.

L’étude proposée accompagne une traduction en espagnol d’un extrait du Chant du Dire-Dire de Daniel Danis en vue d’une production de la pièce par la compagnie Tiatro à Santiago du Chili. La méthodologie utilisée s’appuie sur la théorie fonctionnaliste du skopos (Vermeer 1978). Celle-ci envisage chaque traduction comme un acte de communication à part entière, indépendant de celui du texte source, puisqu’elle est destinée à un système socio-culturel différent et ainsi s’adresse à des usagers différents ; d’où la nécessité de soumettre le dispositif du texte source à ces nouveaux paramètres au moment d’établir le « projet » de la traduction. Cette approche fonctionnaliste remet en question le caractère prescriptif de certains concepts proposés pour traduire le théâtre, comme celui de « playability », « performability » ou de « théâtralité ». On constate que ces notions sont trop ambiguës et ne tiennent pas compte des particularités esthétiques de chaque pièce ou du contexte de la représentation. L’établissement du skopos, c’est-à-dire de l’objectif de notre propre traduction destinée à un public chilien, repose principalement sur une analyse dramaturgique et esthétique de la pièce de Danis. Les particularités du texte sont décrites, en particulier, le traitement de la langue, qui constitue le principal défi de la traduction. Celle-ci est étudiée dans ses rapports avec le théâtre québécois de « l’époque du joual » et avec l’oralité populaire pour cerner une singularité porteuse du projet dramaturgique de l’auteur. L’étude détaillée de la pièce est suivie d’une traduction commentée d’un « dire » intitulé Les traces du chaos dans la maison Durant. Cette traduction est présentée sous forme bilingue et accompagnée d’un commentaire explicitant les problèmes rencontrés et les solutions micro-structurelles proposées en fonction du skopos préalablement établi. The present research complements a Spanish translation of an excerpt of Daniel Danis’ Le Chant du Dire-Dire (Song of the Say-Sayer) for a future production by the theatre company Tiatro in Santiago de Chile. The methodology is based on Vermeer’s skopos theory (1978), a functionalist approach to translation. This theory considers every translation an independent communicational act, different from the one established by the source text since it is destined to a different socio-cultural system and thus, different users. As such, it is necessary to adapt the source text system to these new parameters when defining the translation “project”. This functionalist approach puts into question some of the best known concepts advanced in theatre translation during the past twenty years, such as “playability”, “performability” or “theatricality”. They prove too vague and do not take into considering the aesthetic specificities of each play or the context to which they are destined. The parameters of the skopos, in the present case, that of a translation intended to be performed in front of a Chilean audience, is based on a detailed analysis of Danis’ play. This analysis defines the unique attributes of the text, specifically in regards to the use of language. The research also examines the relationship between the play’s language and the “époque du joual” (1960-1970’s) in québécois theatre, as well as its rapport with québécois vernaculars, insofar as they are key in the articulation of the playwright’s dramaturgical project. The analysis of the play is followed by an annotated translation of the “dire” entitled Les traces du chaos dans la maison Durant (Traces of chaos in the Lasting home). This translation, presented in a bilingual format, provides commentary explaining the different problems encountered during the process as well as the micro-structural adaptations proposed according to the pre-established skopos.

L’étude proposée accompagne une traduction en espagnol d’un extrait du Chant du Dire-Dire de Daniel Danis en vue d’une production de la pièce par la compagnie Tiatro à Santiago du Chili. La méthodologie utilisée s’appuie sur la théorie fonctionnaliste du skopos (Vermeer 1978). Celle-ci envisage chaque traduction comme un acte de communication à part entière, indépendant de celui du texte source, puisqu’elle est destinée à un système socio-culturel différent et ainsi s’adresse à des usagers différents ; d’où la nécessité de soumettre le dispositif du texte source à ces nouveaux paramètres au moment d’établir le « projet » de la traduction. Cette approche fonctionnaliste remet en question le caractère prescriptif de certains concepts proposés pour traduire le théâtre, comme celui de « playability », « performability » ou de « théâtralité ». On constate que ces notions sont trop ambiguës et ne tiennent pas compte des particularités esthétiques de chaque pièce ou du contexte de la représentation. L’établissement du skopos, c’est-à-dire de l’objectif de notre propre traduction destinée à un public chilien, repose principalement sur une analyse dramaturgique et esthétique de la pièce de Danis. Les particularités du texte sont décrites, en particulier, le traitement de la langue, qui constitue le principal défi de la traduction. Celle-ci est étudiée dans ses rapports avec le théâtre québécois de « l’époque du joual » et avec l’oralité populaire pour cerner une singularité porteuse du projet dramaturgique de l’auteur. L’étude détaillée de la pièce est suivie d’une traduction commentée d’un « dire » intitulé Les traces du chaos dans la maison Durant. Cette traduction est présentée sous forme bilingue et accompagnée d’un commentaire explicitant les problèmes rencontrés et les solutions micro-structurelles proposées en fonction du skopos préalablement établi. The present research complements a Spanish translation of an excerpt of Daniel Danis’ Le Chant du Dire-Dire (Song of the Say-Sayer) for a future production by the theatre company Tiatro in Santiago de Chile. The methodology is based on Vermeer’s skopos theory (1978), a functionalist approach to translation. This theory considers every translation an independent communicational act, different from the one established by the source text since it is destined to a different socio-cultural system and thus, different users. As such, it is necessary to adapt the source text system to these new parameters when defining the translation “project”. This functionalist approach puts into question some of the best known concepts advanced in theatre translation during the past twenty years, such as “playability”, “performability” or “theatricality”. They prove too vague and do not take into considering the aesthetic specificities of each play or the context to which they are destined. The parameters of the skopos, in the present case, that of a translation intended to be performed in front of a Chilean audience, is based on a detailed analysis of Danis’ play. This analysis defines the unique attributes of the text, specifically in regards to the use of language. The research also examines the relationship between the play’s language and the “époque du joual” (1960-1970’s) in québécois theatre, as well as its rapport with québécois vernaculars, insofar as they are key in the articulation of the playwright’s dramaturgical project. The analysis of the play is followed by an annotated translation of the “dire” entitled Les traces du chaos dans la maison Durant (Traces of chaos in the Lasting home). This translation, presented in a bilingual format, provides commentary explaining the different problems encountered during the process as well as the micro-structural adaptations proposed according to the pre-established skopos.

Ce mémoire est né du désir de comprendre le rôle du motif de la catastrophe inaugurale dans les rhapsodies de la mémoire du théâtre québécois des années 1980 à nos jours. Pour cela, nous avons choisi un corpus d'envergure, c'est-à-dire les œuvres complètes de deux auteurs qui marquent fortement le paysage théâtral contemporain : Daniel Danis et Normand Chaurette. Notre travail de recherche fait apparaître le caractère structurant du motif non seulement au sein des pièces considérées séparément, mais aussi dans l'ensemble des œuvres. En effet, celles-ci s'articulent autour d'une même problématique. Elles inscrivent leur cheminement dans sa remise en jeu, et le redéploiement autour de celle-ci d'un nombre limité de motifs. Notre démarche comparatiste nous permet de mettre en valeur les choix et les partis esthétiques des deux auteurs en montrant la complémentarité de démarches rarement rapprochées. Au sein des deux œuvres, la catastrophe inaugurale provoque les mouvements qui animent le texte. Le premier que nous identifions est « horizontal » : la catastrophe déclenche le mouvement des corps dans un espace donné. Nous l'abordons à l'aune du concept de « déterritorialisation » élaboré par Gilles Deuleuze et Félix Guattari dans L'Anti-Œdipe et Mille Plateaux. Ce mouvement est situé au sein d'un espace territorial caractérisé par une certaine organisation sociale, dont il va venir éprouver les rapports de pouvoir. Au sein du texte, ce mouvement est lui-même emporté par un autre : celui du retour. Les œuvres de notre corpus présentent en effet une dimension métapoétique, et réfléchissent sur leur propre genèse. Au centre de cette réflexion se trouve à nouveau l'événement catastrophique, qui, par son intensité, vient confronter le langage au silence de l'expérience sensible. C'est à l'aune du concept de « répétition », élaboré par G. Deleuze dans Différence et répétition, que nous interrogeons la dimension métapoétique de la forme rhapsodique, cherchant à comprendre comment le langage met en scène l'opération de sélection par laquelle il est parvenu à sa propre forme stylisée. Loin de résoudre les paradoxes qu'elle met en scène, la rhapsodie épouse les conflits qu'elle représente pour remettre sans cesse en jeu les interrogations qui la travaillent : comment transmet-on la mémoire catastrophique? Quels rôles l'écriture dramaturgique peut-elle tenir dans cette transmission? ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : dramaturgie québécoise des années 80 à nos jours, mémoire, catastrophe, rhapsodie, conflit des codes, mouvement.

Dans les études portant sur le théâtre québécois, très peu d'espace est consacré aux femmes dramaturges. Après avoir lu l'ensemble des textes dramatiques du répertoire féminin, nous avons repéré une problématique récurrente, soit celle de l'ombrageuse relation mère-fille. Cette relation revêt une importance majeure dans l'identité féminine, dans les liens que les filles et les femmes entretiennent les unes avec les autres. Il a un impact décisif sur la vie et sur le cheminement des femmes, autant dans leur intimité que dans leur vie sociale. Un double cadre théorique a servi à la rédaction de notre thèse. Le cadre théorique principal de notre thèse se composera des textes de théoriciennes qui ont étudié l'union mère-fille (Rich, Irigaray, Couchard...). Notre démarche sera donc de nature psychanalytique puisque cette théorie répond, de façon adéquate et opportune, aux questions portant sur l'évolution de l'être humain. Il va sans dire que le langage utilisé devra être emprunté à la dramaturgie. De la structure textuelle au personnage en passant par le langage, plusieurs écrits critiques soutiendront l'étude des éléments composant les textes du corpus. Ce deuxième cadre théorique, composé de dispositifs de l'analyse théâtrale, servira à faire ressortir des éléments clés des textes, à découvrir certains principes organisateurs, certains types de paroles (Ryngaert, Ubersfeld, Sarrazac, Pavis, etc.). Les années 1960-1973 verront apparaître, dans le théâtre féminin québécois, la voix de la mère, qui se joindra à la voix de la fille pour exprimer les difficiles relations qui les opposent. Les mères prendront la parole, contrairement à ce qui se passe dans le roman québécois, où la mère ne deviendra narratrice que beaucoup plus tard. Deux pièces retenues, Le temps sauvage (1967) d'Anne Hébert et Encore cinq minutes (1967) de Françoise Loranger, témoignent de ce moment historique. Lors de l'essor du féminisme des années 1970 (1974-1979), les filles chercheront à sortir de leur emprisonnement en sommant la mère de comparaître devant elles et en la condamnant sans possibilité d'appel, allant jusqu'à tuer symboliquement cette gardienne des valeurs de la société patriarcale. Le matricide traduit donc une volonté de libération. Empruntant des formes éclatées, des monologues et une structure semblable à celle d'un procès, ces auteures écartent le réalisme, qu'elles associent au patriarcat. Les pièces plus représentatives de cette période sont sans aucun doute À ma mère, à ma mère, à ma mère, à ma voisine, de Gagnon, Laprade, Lecavalier et Pelletier et « Les vaches de nuit» de Jovette Marchessault. La troisième période (1980-1999) verra naître plusieurs voies théâtrales différentes. L'une des voies marquera un retour à un théâtre plus réaliste, à une structure dialogique, puisque les filles réagiront avec vigueur, voulant anéantir l'héritage que leur mère leur a légué, même si cette lutte doit les mener vers un destin tragique. La deuxième voie présente des dramaturges qui, par des procédés allant du témoignage à l'utilisation d'un espace du récit, institueront l'espoir qui pourra enfin permettre aux mères et aux filles de partager leurs attentes et leur vie intérieure. Quant à la troisième voie, née plus tard, à la fin des années 1990, elle est mise de l'avant par des jeunes femmes qui utiliseront l'onirisme et les monologues fragmentés pour dénoncer la mère féministe et permettre à la fille d'inventer sa propre voie, au prix, une fois de plus, d'un matricide. Jocelyne Trudelle trouvée morte dans ses larmes (1983) de Marie Laberge, La déposition (1988) d'Hélène Pedneault, Baby Blues (1989) de Carole Fréchette, Les divines (1996) de Denise Boucher et Dévoilement devant notaire (2002) de Dominick Parenteau-Lebeuf feront donc l'objet d'une analyse en profondeur. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : théâtre québécois, théâtre des femmes, rapport mère-fille, relation mère-fille, Anne Hébert, Françoise Loranger, Pol Pelletier, Jovette Marchessault, Marie Laberge, Carole Fréchette, Denise Boucher, Hélène Pedneault, Dominick Parenteau-Lebeuf, Louise Dupré.

Dominick Parenteau-Lebeuf, auteure dramatique québécoise, a signé plus d'une vingtaine de pièces. Plusieurs de celles-ci ont été mises en scène au Québec comme à l'étranger, et certaines ont été traduites en allemand, en anglais, en bulgare et en italien. Figure importante de la dramaturgie actuelle, l'auteure explore, dans ses textes, quelques motifs récurrents parmi lesquels font saillie les imaginaires du féminin, lesquels semblent aujourd'hui faire retour dans la sphère artistique, tant en littérature et en théâtre qu'en arts visuels. Le but de la présente recherche est d'observer et de comprendre quelques-unes des articulations de ceux-ci dans l'œuvre de l'auteure. Trois axes ont été ici privilégiés : les poétiques de l'énonciation, en particulier la parole monologuée et le jeu de rêve; les imaginaires du corps; le rapport à la mère et au discours féministe. L'analyse dramatique développée pour chacun de ces axes réflexifs s'est nourrie de plusieurs champs théoriques qui forment le cadre conceptuel composite de la recherche, élaborée au carrefour de plusieurs discours. Ainsi, ont été convoqués les outils de l'analyse littéraire et dramatique et de l'esthétique théâtrale, de même que divers discours s'attachant à circonscrire le féminin. Hétérogènes, parfois antagonistes, ces constructions discursives, provenant du champ de la psychanalyse et des approches féministes et postféministes, ont permis, dans leur rencontre ou leur friction, de jeter un éclairage plurivoque sur l'œuvre de Parenteau-Lebeuf. Au terme de la recherche, l'ambivalence discursive, repérée dans les thèmes, les images et les structures de l'énonciation des textes de l'auteure, s'est révélée comme ciment de l'écriture, noyau structurant autour duquel a pu se tramer une trajectoire de lecture et de compréhension des pièces. Oscillation organisatrice, refusant toute fixation, cette ambivalence, manifeste à divers degrés de lisibilité, inscrit résolument l'écriture de Parenteau-Lebeuf dans le territoire mouvant de la pensée postféministe, un espace discursif impermanent, inassignable, tissé de contradictions et d'irrésolution. Un second objectif de la recherche consistait à observer la mise en place de résonances interdiscursives entre les imaginaires du féminin observés chez l'auteure et ceux se déployant, lentement, dans le parcours d'écriture .de mon texte dramatique Les Dormantes. Consciente que la création s'érige toujours en « territoire occupé », j'ai cherché à mettre au jour les mouvances de ce phénomène de co-présence textuelle, une forme élargie de l'intertextualité, dans une trajectoire poïétique particulière. Espérant que ce parcours singulier trouve quelque réverbération chez d'autres, je rends compte de celui-ci dans la toute dernière partie de la thèse, plus modeste que les précédentes. Empruntant la voie méthodologique des pratiques analytiques créatives, lesquelles font de l'acte d'écrire un trajet vers la connaissance, je propose trois assemblages textuels dont la forme, libre, témoigne de mon parcours poïétique de façon à la fois analytique et sensible. Se dégage de ce trajet mosaïqué une réflexion sur l'ambivalence expérimentée à l'égard des sources vives de l'écriture, celle-ci se dépliant entre greffe et retrait, entre réverbération interdiscursive et autonomisation différenciatrice, dans le mouvement fuyant, et infiniment recommencé, du texte qui éclot. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Dominick Parenteau-Lebeuf, imaginaire, féminin, postféminisme, théâtre, dramaturgie, poïétique, interdiscursivité.

Ce mémoire analyse les trois premières pièces du dramaturge québécois Daniel Danis : Celle-là (1993), Cendres de cailloux (1993) et Le chant du Dire-Dire (1998). Ces trois pièces ont en commun la mise en scène de communautés imaginaires en crise et l'adoption d'une forme narrative proche de l'anamnèse, où le récit de l'action est fait après coup. L'objectif de ce mémoire est d'étudier la façon dont, dans ces trois pièces, la tentative de résoudre la crise communautaire est liée à la mise en récit des événements dans le contexte de la représentation théâtrale. Dans un premier temps, l'analyse situe l'œuvre de Daniel Danis dans le champ théâtral québécois par rapport aux enjeux et aux pratiques qui lui sont propres dans le contexte d'une société minoritaire et d'une littérature périphérique, et s'intéresse aux questions de l'identité et de l'altérité ainsi qu'à la relation entre le corpus québécois et le contexte sociohistorique et linguistique. Les différentes réponses esthétiques à la crise du drame aristotélicien, crise théorisée par Peter Szondi et par Jean-Pierre Sarrazac, sont aussi explorées, ainsi que leur influence sur la dramaturgie québécoise contemporaine. Les trois textes sont ensuite étudiés en parallèle de façon plus approfondie. À la lumière des théories de la communauté, de l'altérité et du drame contemporain, mais surtout des textes eux-mêmes et de leurs réseaux isotopiques, l'analyse se penche sur l'identité des communautés imaginaires et sur leurs principes de fonctionnement ainsi que sur leur rapport à l'altérité et à la parole. Cet examen amène à s'interroger sur la crise que traversent les communautés imaginaires et sur les modalités de résolution possibles dans le contexte de la représentation théâtrale. Enfin, des études sur la mythologie (Claude Lévi-Strauss, Anthropologie structurale), sur le récit (Paul Ricœur, Temps et récit) et sur les métaphores de la mémoire guident l'analyse formelle du modèle de la pièce-anamnèse. Le mémoire s'intéresse principalement à la ritualisation du matériau narratif dans Celle-là, Cendres de cailloux et Le chant du Dire-Dire, qui confère une fonction réparatrice au récit mythique mis en scène et permet ainsi la résolution de la crise communautaire. Ces trois pièces suggèrent qu'en s'ouvrant sur l'Autre-spectateur par l'entremise du rituel de la représentation, il est possible de continuer à exister, ne serait-ce que dans le récit, après la tragédie de l'éclatement communautaire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : récit, dramaturgie, Québec, Daniel Danis, communauté, mythe, identité, altérité, parole, mémoire, théâtre