C’est la genèse du premier projet d’écriture des Libres Assiégés de Dionysios Solomos qui constitue le sujet de cette thèse. Il s’agit d’un texte inachevé, dont la réception est, en tant que telle, exclusivement issue d’éditions posthumes. La thèse est divisée en trois parties : dans la première nous entreprenons un examen critique des plus influentes éditions posthumes de l’œuvre de Solomos, en mettant l’accent sur leur incapacité à rendre compte des processus de la genèse. Nous y entreprenons, d’autre part, de déplacer l’examen de la genèse du champ de la philologie, laquelle donne la primauté au texte, au champ de la critique génétique, laquelle donne la primauté à l’avant-texte. Dans la deuxième partie, nous essayons de constituer et de lire l’avant-texte, ce qui nécessite un nouveau classement chronologique des feuillets à l’intérieur du dossier et une nouvelle transcription des manuscrits, classés à part dans un deuxième volume de format A3. Dans la troisième partie, nous faisons une tentative de lecture et d’interprétation de la genèse, tout en nous concentrant sur le problème de la compréhension des tracés et la reconstruction relative de la spatio-temporalité de l’écriture dans la genèse des Libres Assiégés. / The genesis of the first writing project of Dionysios Solomos’ The Free Besieged, a text in an unfinished state, the perception of which resides exclusively on its posthumous editions, constitutes the subject of this thesis. The thesis is divided in three parts: in the first one we attempt a critical survey of the most influential posthumous editions; these fail, in our view, to take into consideration the writing process of the poem, and we propose a different approach, that of the genetic criticism, which in contrast with philology, whose field of interest is the text, focus on the pre-text. In the second part we attempt a reading of the pre-text; for the needs of this task we proceed to a new chronological classification of the manuscripts and a new diplomatic transcription (Vol. II). In the third part we attempt a reading and an interpretation of the writing process, focussing on the problem of understanding and reconstructing the spatio-temporality of writing in the genesis of the Free Besieged.

L’objet de cette thèse consiste à décrire le processus et les techniques de composition utilisées par Claude Debussy à la fin de sa vie. À partir d’une réflexion préliminaire sur la situation et les conditions des pratiques compositionnelles de Debussy, plusieurs éléments du processus créateur et un certain nombre de techniques de composition peuvent être illustrés, en se fondant sur une analyse des esquisses qui conservent la trace du travail créateur. Ces dernières prennent la forme de ratures, interprétables grâce aux outils que fournit la critique génétique. Le corpus considéré embrasse plusieurs avant-textes d’œuvres composées durant l’été 1915, En blanc et noir pour deux pianos, les Douze études pour piano et la Sonate pour violoncelle piano, auxquelles s’ajoute la Sonate pour violon et piano, composée entre 1916 et 1917. Les documents les plus intéressants des dossiers génétiques, porteurs de traces abondantes du processus créateur, ont fait l’objet de transcriptions diplomatiques. Ces dernières ne constituent pas des facsimilés normalisés, mais offrent une représentation du manuscrit dans sa dimension à la fois spatiale et temporelle, tout en le reliant au devenir de l’œuvre. Ces transcriptions sont au fondement des analyses par lesquelles sont envisagés trois grands angles d’approche que la lecture des esquisses a fait émerger : la genèse des idées, les techniques de composition appliquées au matériau et la gestation de la forme musicale. La notion d’idée musicale permet d’explorer d’abord la constitution du projet musical, souvent cristallisé autour d’un élément extra-musical, puis le rapport entre l’invention mélodique et le processus de composition et, enfin, la construction des phrases musicales. Les techniques de composition mises en lumière se structurent par couples complémentaires : l’ellipse et l’interpolation, l’harmonie et le rythme, la duplication et la variation. La forme musicale est abordée selon deux problèmes apparents dans les esquisses : premièrement, la relation entre les fonctions formelles et leur mobilité, propre à l’œuvre in statu nascendi ; deuxièmement, la difficulté spécifique des zones conclusives. Cette « visite » de l’atelier de Debussy permet de faire l’hypothèse d’une méthode de composition reposant sur les catégories dégagées par l’analyse que d’autres travaux pourront étayer, nuancer ou préciser. / This dissertation describes the compositional process and the techniques used by Claude Debussy at the end of his life. Starting from a preliminary thought on the status of Debussy’s compositional practices, several features of the creative process and some compositional techniques may be highlighted, by analysing the sketches which record the traces of the creative work. These traces appear as crossings-out, which can be interpreted with the tools given by the genetic criticism. The corpus includes several avant-textes from works composed during the summer 1915, En blanc et noir for two pianos, the etudes for the piano, and the cello sonata plus the violin sonata, composed between 1916 and 1917. From the most pertinent documents, that are part of the genetic files and carry many traces of the creative process, diplomatic transcriptions have been realised. They do not constitute facsimile, nor normalised transcriptions; they rather represent the manuscript in terms of time and space, linking it also to the achieved work. These transcriptions form the basis of the analysis through which three perspectives are considered: the genesis of the ideas, the compositional techniques applied to the material, and the gestation of the musical shape. The notion of musical idea allows exploring first the constitution of a musical project, often focused on an extra-musical element, then the relationship between the melodic invention and the compositional process, and, lastly, the building of musical phrases. The compositional techniques go in complementary pairs: the ellipse and the interpolation, the harmony and the rhythm, the duplication and the variation. The musical shape is approached from two points of view: first, the relationship between the formal functions and their mobility, peculiar to the work in progress; second, the specific difficulty located in the conclusion areas. This ‘guide tour’ from Debussy’s studio leads up to hypothesise that there is a compositional method, relying on the categories identified by the analysis, and that further studies can support, moderate and precise.

Cette analyse, qui porte sur les six carnets composant le journal d'Aquin entre 1947 et 1949 prendra appui sur les outils et méthodes de la génétique, qui sont indispensables pour analyser et illustrer la pratique diaristique aquinienne et l'apport des archives d'Hubert Aquin dans ses créations. Le corpus à l'étude est constitué de cinq carnets de jeunesse demeurés jusqu'à ce jour inédits : Feuilles de route (14 janvier 1947-décembre 1947), Odyssée américaine (28 août 1947-13 novembre 1947), le Journal de 1948 (carnet 1 : 3 février 1948-23 mai 1948; carnet 2 : 24 mai 1948-22 novembre 1948) et le Cahier de citations, qui n'est pas daté; le sixième carnet (26 novembre 1948-5 décembre 1949) a été publié par Bernard Beugnot. Ce mémoire se propose d'analyser la posture du diariste adoptée par Hubert Aquin dès 1947 dans son journal, et qui se développera dans l'ensemble de son œuvre. Afin d'illustrer ce phénomène, notre étude est divisée en trois chapitres; le premier permet de comprendre le contexte dans lequel s'inscrivent les débuts diaristiques d'Aquin, mais aussi la nature et l'importance des documents du corpus; cette étude est d'abord suivie d'une analyse d'inspiration génétique des constantes et des changements observés au niveau de l'écriture du journal, puis d'une étude de ses principales thématiques. Dans le second chapitre, nous nous penchons d'abord sur le rôle de l'écriture diaristique dans la construction du statut d'écrivain, qu'Hubert Aquin s'octroie précocement dans plusieurs entrées, puis sur la réécriture; en effet, Aquin dactylographie systématiquement ses carnets, ce qui rapproche le travail du diariste de celui d'un écrivain. Ce phénomène sera illustré dans l'édition génétique d'Odyssée américaine, seul carnet dont les versions manuscrite et tapuscrite ont été conservées. Dans le troisième et dernier chapitre, nous analysons les stratégies scripturales mises en place par Aquin dans le journal dès 1947 et qui seront reprises dans l'ensemble de l'œuvre. Il s'agit aussi d'étudier la parenté formelle qui existe entre le journal, les dossiers de notes et les projets de romans inachevés. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Hubert Aquin, journal, diariste, posture d'écrivain, réécriture, stratégies scripturales, projets de romans.

L’étude porte sur les catégories "signes" (Zeichen) et "traces" (Spuren) dans l’œuvre poétique et les déclarations poétologiques de Günter Eich (1907-1972). Signes naturels, linguistiques, traces biographiques et intertextuelles, relevé de stigmates historiques (Spurensicherung) imprègnent l’œuvre sous forme d’images poétiques et de concepts poétologiques. Complémentaires ou opposés, ils éclairent le parcours complexe du poète, du déchiffrement des signes naturels au souhait tardif de "ne pas laisser de traces", de la collecte de traces au tracé de l’écriture (et à son effacement) dans des textes lus comme des palimpsestes d’écrits antérieurs. A partir de documents d’archives inédits (manuscrits, correspondances, notes), de bibliothèques d’auteurs et d’entretiens avec des proches du poète, le rôle des signes et des traces dans les relations entre écriture poétique et réalité exogène est examiné en croisant processus d’écriture (méthodes de critique génétique) et réception des textes, celle-ci orientant à son tour les tracés poétiques ultérieurs. Le travail montre les interactions entre lecture et écriture du monde, le traitement des signes et traces étant à la fois un acte de déchiffrement et l’esquisse d’un nouveau balisage poétique (Zeichen-Setzung) du langage et du réel. Cette nouvelle approche de l'évolution de la poétique et de la poésie de Günter Eich éclaire le rapport problématique du poète au réel, à la tradition lyrique et à l’histoire de son temps en situant son œuvre au confluent de problématiques romantiques anciennes et d’une nouvelle fonction de la poésie née de la situation historique. / This study probes into the categories of “signs” (Zeichen) and “traces” (Spuren) in Günter Eich's poetic œuvre and poetological statements. Natural and linguistic signs, biographical and intertextual traces, accounts of historical stigmas (Spurensicherung) permeate his work through poetic images and poetological concepts. Whether complementary or antagonistic, they shed light on the poet's complex progress, from the deciphering of natural signs to his late desire to “leave no trace”, from the collecting of traces to the traces of writing (and its erasure) within texts that are read as the palimpsests of former writings. Relying on unpublished archives (manuscripts, correspondences, notes), on authors' private collections and on interviews of the poet's relatives and friends, we show how signs and traces shape out the relationships between poetic writing and the outer reality through a cross-study of writing processes (using genetic criticism) and the reception of texts (which, in turn, shapes out future poetic tracings). This study shows the interactions between the reading and the writing of the world, the treatment of signs and traces being both an act of deciphering and the sketching out of a new poetic marking out (Zeichen-Setzung) of language and of the real world. This new approach of the evolution of Günter Eich's poetics and poetry accounts for the poet's problematic relation to reality, to the lyrical tradition and to contemporary history by situating his work at the junction of ancient romantic issues and of a new function of poetry born from the historical context.

La thèse porte sur une étude génétique de la première mythobiographie de Claude Louis-Combet Marinus et Marina, un projet tut à fait original puisque, jusqu’à nos jours, aucune thèse génétique n’a été réservé à cet auteur. Notre étude englobe le manuscrit autographe de la mythobiographie et le dossier des marginalia, dossiers que l’auteur à prêtés au centre Jacques-Petit et que le laboratoire à numérisés. Nous avons choisi de soumettre ce roman à l’épreuve de la critique génétique afin de surprendre la genèse de l’œuvre, confrontant les avant-textes à l’autographe, faisant la différence entre les brouillons qui parlent des remords et des choix du romancier, et les ébauches abandonnées, qui dessinent un autre roman, celui où la sainte moniale n’était peut-être pas envisagée aussi sublime dans son épanouissement cosmique. Et surprendre aussi à travers le dossier des notes documentaires conservées par l’auteur, la gestation du roman. Gestation et genèse : étude des sources et confrontation de ou des avant-tes au texte, voilà notre double démarche génétique qui permet d’apporter des éclairages et des commentaires, nécessairement lacunaires, sur la première mytobiographie de Claude Louis-Combet / The thesis concerns a genetic study of the first “mythobiographie” Claude Louis-Combet Marinus and Marina, a project completely original because, until our days, no genetic thesis has been reserved for this author. Our study includes the original manuscript of the “mythobiographie” and the file of marginalia, files which the author lent to th center Jacques Petit-center and which the laboratory digitized. We chose to subject this novel to the test genetic criticism to surprise the genesis of the work, comfronting pre-texts with the autograph, making the difference between the drafts which speak about remorse and about choices of the novelist and abandoned sketchs, which draw another novel, were the saint was not maybe envisaged so sublime in her cosmic self-fulfillment. And surprise also, through the file of the documentary notes preserved by the author, the gestation of the novel. Gestation and genesis: study of sources and confrontation of pre-text to the text, here is our double genetic approach which allows us to the provide insights and comments, inevitably incomplete, on the “mytobiographie” of Claude Louis-Combet

The National Library of Canada houses 3.5 meters of textual documents related to the celebrated Quebecois composer, Jacques Hétu (1938-2010). Among the working documents and biographical material donated in 1997 to the Jacques Hétu Fonds are autograph compositional documents relating to Hétu’s Suite pour guitare, Op. 41, written in 1986 (10 folios of sketch material and the composer’s fair copy). After deciphering, transcribing, and ascertaining the chronology of the sketches, an examination of the documents yields a new understanding of Hétu’s compositional process for Op. 41 (including the discovery of an unpublished movement entitled “Prelude II”) and the work’s form and structure. In addition, unpublished writings and correspondence by the composer are explored regarding Hétu’s life, musical style and his reception in Quebec. The study differs notably from traditional sketch studies in its adoption of a theoretical framework and methodology borrowed from critique génétique, or genetic criticism, a French movement of literary criticism originating in the 1970s. As opposed to traditional approaches to “genetic” documents, critique génétique dismisses the notion of a singular definitive text in favor of textual plurality by elevating the status of variants produced during the creative process (i.e. rough drafts or discarded versions). The advantage of a “genetic” approach is that it allows for the preclusion of fundamental theoretical problems associated with the use of a composer’s sketches to analyze a musical work. The extent to which the approach of critique génétique can be applied to music sketch is examined along with the consequences of adopting such a theoretical framework (including those regarding performance, editorial practice, and the ontology of completions of fragmentary works). / Graduate

A partir de létablissement dune transcription diplomatique du manuscrit du roman inachevé Le Premier Homme dAlbert Camus, lobjectif de cette thèse est de proposer une lecture du processus de création en ayant par guide une image camusienne : celle de la rosée du matin qui se dépose sur les ruines qui condense lidée de la recherche, dun point de vue personnel mais aussi esthétique, dun équilibre profond entre le passé et le présent, lancien et le nouveau, entre le désir davancer et le besoin du retour, entre le mouvement dinnovation et celui de reprise. Dabord, notre but est de montrer que depuis les années cinquante, Camus rêve dun renouvellement comme homme et comme artiste, mais cette envie dune vie nouvelle nest au fond quune envie de retour aux premières années et aux premiers écrits sur lesquels il veut jeter une lumière neuve. En effet, cest lidée dun nouveau roman sur la « Recherche du père » que lui permet de reprendre ses premières notes et ses écrits de jeunesse sur « Lenfance pauvre ». De cette façon, le début et la fin loeuvre camusienne sont profondément liés, Le Premier Homme peut être compris comme un grand projet décriture, dont la période de gestation sest prolongée pendant vingt ans. Cette reprise ne serait pas possible que par le mûrissement de Camus comme artiste, qui à travers létablissement dune théorie du roman à lui, arrive à trouver léquilibre, absent au début, entre une oeuvre qui se nourrit de son expérience personnelle et lenvie de créer un univers fictionnel. Dans cet apprentissage de lécrivain, le patronage de Proust et Tolstoï a été fondamental aussi pour trouver léquilibre entre le passé personnel et historique et loeuvre littéraire dont lécriture dépose une fraiche rosée sur les ruines. / Partindo do estabelecimento de uma transcrição diplomática do manuscrito do romance inacabado Le Premier Homme de Albert Camus, o objetivo desta tese é propor uma leitura do processo de criação tendo por guia uma imagem camusiana: a do orvalho da manhã que se deposita sobre as ruínas, que condensa a ideia de uma busca, ao mesmo tempo pessoal e estética, de um equilíbrio profundo entre o passado e o presente, o antigo e o novo, entre o desejo de avançar e a necessidade do retorno, entre o movimento de inovação e o de retomada. Primeiramente, nosso objetivo é mostrar que desde os anos cinquenta Camus sonha com uma renovação como homem e como artista, mas este desejo de uma vida nova é no fundo um desejo de retornar aos primeiros anos de sua vida e aos primeiros escritos lançando sobre eles uma nova luz. Precisamente, é a ideia de um novo romance sobre a Busca do Pai que lhe permite de retomar suas primeiras notas e seus primeiros escritos sobre a Infância Pobre. Desta maneira, o começo e o fim da obra camusiana estão profundamente ligados: O Primeiro Homem pode ser compreendido como um grande projeto de escrita, cujo período de gestação se estendeu por vinte anos. Esta retomada, entretanto, só se tornou possível por meio do amadurecimento do escritor, que através do estabelecimento de uma teoria romance própria, consegue encontrar o equilíbrio, ausente no início, entre uma obra que se alimenta de sua experiência pessoal e o desejo de criar um universo ficcional. Neste aprendizado do escritor, os modelos de Proust e Tolstoi foram fundamentais para encontrar o equilíbrio entre o passado pessoal e histórico e a obra literária cuja escrita deposita um fresco orvalho sobre essas ruínas.

L'objectif de ce mémoire est de développer une réflexion sur les relations texte-image en jeu dans l'oeuvre de Paul-Marie Lapointe. À partir du recueil Le Vierge incendié, il s'agit de démontrer l'évolution du traitement de l'espace de la page, actualisant une étude sémantique, thématique et visuelle. Notre travail a donc pour but l'élaboration d'une étude actuelle de cette oeuvre de 1948, notamment de ses dimensions figurale et visuelle. Il convoque certaines théories littéraires (écriture fragmentaire, figure littéraire, lecture tabulaire), ainsi que des théories en arts visuels. il touche ainsi aux questions de la poésie visuelle et des livres d'artistes, mais aussi, il permet une étude génétique des poèmes. Les questions d'espace-page et de poème-tableau sont aussi convoquées. Nous posons l'hypothèse selon laquelle le poème permet, grâce à l'étude de ses qualités picturales et esthétiques, d'en élaborer une étude visuelle. Il s'agit de prolonger les analyses sémantique et thématique par ce lien indéniable qu'elles entretiennent avec le domaine visuel du texte poétique. En reliant les études déjà existantes (Haeck, Fisette et van Schendel), ainsi qu'en articulant une analyse exhaustive de la composition du recueil (Major, Melançon), tout en ralliant l'étude nouvelle des dimensions tant figurale (Lyotard, Gervais) que génétique (Martel, Maunet), Le Vierge incendié de PauI-Marie Lapointe justifie la méthode utilisée pour aborder et confirmer cette hypothèse. En effet, c'est à partir de la rencontre et du dialogue des concepts littéraires précédents (écriture fragmentaire: Blanchot, Michaud, ... ), ainsi que de ceux de lecture tabulaire (Krüger, Vandendorpe) et des travaux concernant le poème-tableau (Maunet, Cornu), que s'élaborent les principaux postulats de notre mémoire. Ils permettent une lecture toute autre du travail de Lapointe, une lecture picturale et esthétique, motivée tant par l'interrelation entre la variété formelle du recueil et sa composition thématique, par la figure littéraire qui façonne le texte et par le poème-tableau. Cette étude est novatrice en ce qu'elle offre des voies analytiques encore inexplorées. L'originalité du travail de recherche réside dans l'étude de nouveaux aspects théoriques et poétiques chez Lapointe (la figure littéraire, la dimension picturale et l'analyse génétique). Plutôt que de s'attarder uniquement au discours de révolte (souvent pointé chez Lapointe), les dimensions figurale, génétique et picturale rendent compte de la valeur et de la portée de ce recueil. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Le Vierge incendié, Figure, Génétique, Picturalité, Poésie québécoise, Poésie visuelle, Relation texte-image.

À sa publication, La Joie de vivre d'Émile Zola fut reçue comme un roman à thèse réfutant les théories d'Arthur Schopenhauer. C'était là l'intention avouée du romancier. Or, nombreux sont les critiques à avoir soulevé la dimension puissamment pessimiste de l'oeuvre, invoquant surtout le personnage fortement autobiographique de Lazare et une genèse textuelle problématique. Zola accordait une grande importance à la documentation qu'il préparait en vue de rédiger ses romans. Notre objectif premier est donc celui d'examiner la façon qu'a eu le romancier d'écrire la philosophie qu'il a lue. À cette fin, nous nous penchons sur le Dossier préparatoire de La Joie de vivre et y suivons les stades successifs du personnage schopenhauerien; nous étudions également la version publiée du roman, mais de façon ciblée: nous nous limitons aux thèmes -fort schopenhaueriens -de la douleur et du malheur. Nous constatons, à partir de l'analyse des personnages, qu'un système très proche des idées du philosophe structure l'oeuvre et hiérarchise les forces en présence. Au cours de la préparation et de la rédaction de l'oeuvre, les faits compilés se mêlent au hasard des données biographiques, idéologiques et littéraires qui viennent en former la matière narrative. Notre labeur de généticien aura été celui de démêler les diverses influences rencontrées et de les replacer en ordre chronologique. Certaines, comme celles de Guy de Maupassant ou de Paul Bourget n'avaient pas encore été attestées ou n'avaient pas fait l'objet d'études approfondies. II en résulte une vision plus complète de l'avant-texte. Nos résultats démontrent qu'Émile Zola s'est trouvé à fictionnaliser plutôt fidèlement, à plusieurs égards, une philosophie qu'il entendait au départ réfuter. Le sens philosophique de l'oeuvre demeure ambigu néanmoins, irréductible à une conclusion nette. Partant, nous nous interrogeons sur la portée philosophique d'un texte Iiltéraire aussi plurivoque qu'est La Joie de vivre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Zola, La Joie de vivre, Schopenhauer, Philosophie, Génétique, Personnage.

Cette thèse de doctorat en études théâtrales propose d’étudier les modèles et pratiques d’écriture du personnage dans les écritures théâtrales québécoises des années 2000, et, à partir de cette analyse à la fois dramaturgique (études de pièces et définition d’une typologie des personnages) et génétique (entrée dans la fabrique de plusieurs auteurs pour comprendre comment ils créent leurs personnages), de définir la ou les figures de l’auteur dramatique dans ce contexte de création. La dramaturgie québécoise présente des survivances du personnage, quand d’autres ne cessent de le remettre en question. Mais loin de perpétuer un réalisme psychologique américain, les auteurs québécois des années 2000 mettent en scène des êtres profondément déterritorialisés dont la profondeur psychologique disparaît au profit d’une profondeur intertextuelle ou métathéâtrale. Ces personnages-créatures invitent à entrer dans la fabrique des auteurs pour interroger le partage des voix qu’ils opèrent afin de détourner un réalisme encore majoritaire dans les dramaturgies d’Amérique du Nord. À partir des pôles d’écriture du personnage que sont la langue, le corps, l’intertexte et la scène, la thèse analyse les pratiques d’écriture de plusieurs auteurs issus de générations et de formations différentes : Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Étienne Lepage et Larry Tremblay. Ces auteurs, qui doivent négocier sans cesse avec une altérité, qu’elle soit réelle (le contexte de production québécois invite les auteurs à échanger avec les autres actants du processus théâtral) ou fictive (les auteurs sont profondément habités par des autres qui parlent à travers eux), se trouvent démultipliés dans le processus d’écriture. Il semble alors que, face à cette démultiplication et à la difficulté de plus en plus grande pour l’auteur de faire entendre sa voix, les auteurs québécois choisissent le chemin de l’autopoïétique et exploitent dans leurs dernières créations leur moi d’auteur comme un matériau et comme un hyperpersonnage surplombant la fiction. C’est alors une voix de l’écriture unifiée, toujours aux limites de l’autofiction et de l’autobiographie, qui habite des dramaturgies qui ne seraient plus capables de faire advenir l’autre, un personnage entièrement détaché de la voix de son créateur. / The purpose of this doctoral thesis in drama studies is to investigate the models and practices in character writing in Quebecois drama in the years 2000, and from this investigation, which will have both a theatrical approach – through the study of plays and the elaboration of a typology of characters – and genetic – by entering into the authors’ factory to understand how they create their characters –, to identify the figure(s) of the playwright in this creative context. In Quebecois playwriting, characters still survive, while they are constantly questioned in other writing contexts. However, far from perpetuating realism as it prevails in American character writing, Quebecois authors in the years 2000 create deeply deterritorialized characters whose psychological depth disappears to make room for intertextual and metatheatrical profoundness. These creature-characters invite us into the authors’ factory to examine the sharing of voices they perform so as to circumvent North American drama’s still dominant realism. The four poles of character writing – language, body, intertext and stage – will then allow us to analyze the writing practices of several authors who belong to different generations and followed different trainings: Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Etienne Lepage and Larry Tremblay. These authors, who constantly have to deal with an otherness whether it is real – the production contexts in Quebec lead authors to interact with the other actors of drama’s creative process – or fictional – authors are deeply inhabited by others who speak through them –, find themselves demultiplied inside the writing process. It then seems that, when facing this demultiplication and the growing difficulty to make their voice heard, authors in Quebec are chosing the path of autopoiesis and using their “I” as authors in their latest creations as a material and as a supercharacter which dominates fiction. The act of writing then acquires a unified voice, constantly on the fringe of autofiction and autobiography, which inhabits plays that would may no longer be able to bring forth the other, a character which would be entirely separated from its creator’s voice.