Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Cette étude porte sur les utilisations de l'intertextualité comme procédé dramaturgique dans Hécube et Les Troyennes d'Euripide. Les intertextes considérés sont les épopées homériques et l'Agamemnon d'Eschyle. Après une présentation des problèmes posés par le recours à la notion d' "intertextualité" dans le domaine de la littérature grecque antique, et plus particulièrement du théâtre grec antique, chaque pièce fait l'objet d'une étude approfondie. Les chapitres I à IV portent sur les stasima des deux pièces et posent la question du fonctionnement de l'intertextualité dans la parole lyrique du choeur. Les stasima sont envisagés dans une perspective unificatrice qui vise à mettre en lumière leur rôle de fil directeur dans les deux tragédies. Les chapitres suivants portent sur des passages étendus des deux pièces. L'utilisation de l'intertextualité dans la représentation du sacrifice de Polyxène fait l'objet du chapitre V tandis que le chapitre VI porte sur la double allusion intertextuelle (à l'Odyssée et à l'Agamemnon) mise en place par Euripide pour représenter le vengeance d'Hécube (Hécube). Les chapitres VII et VIII s'intéressent aux Troyennes : d'abord à la scène de Cassandre, comparée à la scène de l'Agamemnon d'Eschyle dont elle constitue une sorte de réécriture ; puis à la scène d'Hélène, où Euripide construit les tensions de son agôn à partir d'un passage précis du chant III de l'Iliade - qu'il rend volontairement encore plus problématique qu'il ne l'est chez Homère à travers les discours de ses deux personnages. La conclusion présente les résultats de cette enquête quant au fonctionnement et quant à diverses fonctions possibles de l'intertextualité dans la tragédie grecque.

Submitted by Lucienne Costa (lucienneferreira@ufcg.edu.br) on 2018-05-16T21:11:45Z No. of bitstreams: 1 VALTYANA KELLY DA SILVA – DISSERTAÇÃO (PPGH) 2018.pdf: 1359145 bytes, checksum: 1e669f821a8d5b76801f17feff2309b1 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-05-16T21:11:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 VALTYANA KELLY DA SILVA – DISSERTAÇÃO (PPGH) 2018.pdf: 1359145 bytes, checksum: 1e669f821a8d5b76801f17feff2309b1 (MD5) Previous issue date: 2018-03-09 / A escrita sobre o feminino, quer seja no âmbito literário, quer seja no científico, fez parte da zona de silêncio em diversos momentos da história. Em 1975, no Ano Internacional da Mulher, Chico Buarque e Paulo Pontes escreveram uma peça intitulada Gota D’água: uma tragédia brasileira. Esta obra dava uma nova face à conhecida personagem trágica Medeia: a de Joana. Medeia de Eurípides fora representada em 431 a.c., no período clássico da Grécia Antiga. Ambas compartilharam o lugar de mulheres, estrangeiras e sábias; em meio às aproximações e distanciamentos, marcados pela escrita de diferentes dramaturgos, em contextos sociais, políticos e temporais distintos. Destarte, através da análise das representações dos modelos femininos dos escritores, da apropriação feita por Chico Buarque e Paulo Pontes e pensando que as narrativas tornam acessíveis as experiências humanas no tempo, problematizo como o amor, a dor e a vingança demonstradas nas tragédias indicam as idealizações do modelo de mulheres, os conflitos de gênero, e as condições sociais que estavam subsumidas de acordo com cada período histórico. Compreendendo como se dá, no processo da história, as rupturas e continuidades no que concerne ao feminino representado no teatro. / L'écriture sur le féminin, que ce soit dans le domaine littéraire ou scientifique, faisait partie de la zone de silence à différents moments de l'histoire. En 1975, à l'occasion de l'Année internationale de la femme, Chico Buarque et Paulo Pontes ont écrit une pièce intitulée Gota D’água: uma tragédia brasileira. Ce travail a donné un nouveau visage au personnage tragique Medeia: de la Joana. Medeia d'Euripides était représentée en 431 a.c., à l'époque classique de la Grèce antique. Tous deux partageaient la place des femmes, étrangères et sages; au milieu des approches et des distances, marquées par l'écriture de différents dramaturges, dans différents contextes sociaux, politiques et temporels. Ainsi, à travers de l'analyse des représentations des modèles féminins d'écrivains, de l'appropriation faite par Chico Buarque et Paulo Pontes, et en pensant que les récits rendent les expériences humaines accessibles à temps, je problématise comment l'amour, la douleur et la vengeance démontrent les tragédies indiquer les idéalisations du modèle féminin, les conflits de genre, et les conditions sociales qui ont été subsumés selon chaque période historique. Comprendre comment, dans le processus de l'histoire, se produisent les ruptures et les continuités féminines représentées au théâtre.

Ce travail propose une étude de la poétique de la douleur, tant physique et morale, dans certaines œuvres choisies de la poésie grecque archaïque et classique. Il démontre comment la douleur remplit une fonction essentielle dans les œuvres étudiées, en tant que moteur de l’action et mode de caractérisation des personnages, ainsi que par les liens qu’elle établit avec les thèmes centraux plus larges. L’étude de la poétique à proprement parler permet par ailleurs d’examiner en arrière-plan la question historico-culturelle de la valeur éthique et sociale de la douleur. Trois œuvres servent de cas d’étude: l’Iliade d’Homère (le livre V en particulier), l’Orestie d’Eschyle (principalement l’Agamemnon), et le Philoctète de Sophocle. Le premier chapitre traite de la douleur divine dans l’Iliade, en contraste avec celle des simples mortels. Le deuxième chapitre propose de réexaminer la question de la douleur et du chagrin de la perte dans l’Orestie d’Eschyle, en portant une attention particulière à la nature perverse de la souffrance maternelle de Clytemnestre. Le troisième et dernier chapitre examine la représentation de la douleur dans le Philoctète de Sophocle, et le caractère ambigu de la souffrance du héros, en analysant comment celle-ci sert à la fois de menace et de catalyseur de l’humanité de la victime souffrante elle-même et de ses témoins. / The present study offers an exploration of selected representations of physical and moral pain in archaic and classical Greek poetry, with a focus on the poetics. The analysis centers on the extent to which depictions of pain fulfill a central role in the works selected, as motor of the plot, instrumental mode of characterization, and link to key overarching themes. In the course of the examination of its poetic function, the cultural-historical question of pain’s ethical and social value emerges as a dominant background axis of investigation. Three works serve as case studies: the Homeric Iliad (book V in particular), Aeschylus’ Oresteia (mainly the Agamemnon), and Sophocles’ Philoctetes. The first chapter deals with the portrayal of divine pain in the Iliad, by contrasting it with that of mortals. The second chapter seeks to offer a better understanding of the portrayals of pain and loss in Aeschylus’ Oresteia, with particular focus on the perverse nature of Clytemnestra’s maternal suffering. The third and final chapter turns to the representation of pain in Sophocles’ Philoctetes and the ambivalence of the eponymous hero’s suffering, analyzing how it serves both as a threat and a catalyst to the humanity of the sufferer himself and that of his witnesses.

Associée d'habitude avec la tragédie comme genre littéraire et théâtral, la catégorie du tragique est en réalité une catégorieembrassant tous les genres d'arts. Elle est aussi l'objet de différentes sciences : philosophiques, littéraires, théâtrales.Premièrement, notre réflexion portera sur le tragique en tant que vision du monde, en tant que catégorie en mêmetemps, comme le montre bien Lucien Goldmann, d'ordre théorique, affectif et impensable sans ses rapports avec le systèmede valeurs. Deuxièmement, nous étudierons le conflit tragique étant à la base de cette vision comme un conflit insolubleentre l'homme et le monde, l'être et l'existence. Au cours de notre examen de la vision tragique, nous montrerons sa parentéavec la vision existentialiste telle qu'elle est présentée chez Albert Camus.Notre étude abordera les différents aspects du tragique, en particulier sa nature, l'opposition de la vision tragique àla vision rationaliste, les conditions de l'apparition du tragique, ses rapports avec le Mythe et avec les catégories pessimismeoptimisme,la question de la sortie éventuelle du tragique, etc.Nous examinerons le tragique sous le jour des concepts théoriques des auteurs de notre corpus critique, dans lesformes qu'il prend dans la tragédie grecque, la tragédie de Racine, dans le roman de Dostoïevski et dans l'oeuvre de Camus / The category of tragedy is usually linked with tragedy as a literary and theatrical type. In reality, it is a category embracingall types of arts. Besides, it is the object of different sciences: philosophical, literary, theatrical.Firstly, our reflexion will be focused on tragedy as vision of the world, as category at the same time, as illustratedby Lucien Goldmann, of theoretical, emotional order. Tragedy is unthinkable without its relation to the value system.Secondly, we will study tragic conflict at the root of this vision as insolvable conflict between the man and the world, thebeing and existence. During our review of the tragic vision, we will show his kinship with the existentialist vision aspresented in Albert Camus's work.Our study will address various aspects of the tragedy in particular: its nature, the opposition of the tragic vision tothe rationalist vision, the conditions for the appearance of the tragic, its relationship with the Myth and optimism-pessimismcategories, the question of the eventual disposition of the tragic etc.We will examine tragedy under the light of theoretical concepts of the authors of our critical corpus, in forms whichit takes in Greek tragedy, tragedy of Racine, in novel of Dostoïevski and in the Camus's work.

Cette étude porte sur les utilisations de l'intertextualité comme procédé dramaturgique dans Hécube et Les Troyennes d'Euripide. Les intertextes considérés sont les épopées homériques et l'Agamemnon d'Eschyle. Après une présentation des problèmes posés par le recours à la notion d' "intertextualité" dans le domaine de la littérature grecque antique, et plus particulièrement du théâtre grec antique, chaque pièce fait l'objet d'une étude approfondie. Les chapitres I à IV portent sur les stasima des deux pièces et posent la question du fonctionnement de l'intertextualité dans la parole lyrique du choeur. Les stasima sont envisagés dans une perspective unificatrice qui vise à mettre en lumière leur rôle de fil directeur dans les deux tragédies. Les chapitres suivants portent sur des passages étendus des deux pièces. L'utilisation de l'intertextualité dans la représentation du sacrifice de Polyxène fait l'objet du chapitre V tandis que le chapitre VI porte sur la double allusion intertextuelle (à l'Odyssée et à l'Agamemnon) mise en place par Euripide pour représenter le vengeance d'Hécube (Hécube). Les chapitres VII et VIII s'intéressent aux Troyennes : d'abord à la scène de Cassandre, comparée à la scène de l'Agamemnon d'Eschyle dont elle constitue une sorte de réécriture ; puis à la scène d'Hélène, où Euripide construit les tensions de son agôn à partir d'un passage précis du chant III de l'Iliade - qu'il rend volontairement encore plus problématique qu'il ne l'est chez Homère à travers les discours de ses deux personnages. La conclusion présente les résultats de cette enquête quant au fonctionnement et quant à diverses fonctions possibles de l'intertextualité dans la tragédie grecque. / This study investigates the question of how intertextuality is used as a dramaturgical device in Euripides' Hecuba and Troades. The intertexts considered here are the Homeric epics and Aeschylus' Agamemnon. After a presentation of the poblems raised by the use of the notion of "intertextuality" in the field of ancient Greek literature, and more specifically Greek theatre, the two dramas are each studied in depth. Chapters I to IV are concerned with the stasima of these plays and raise the question of the specific manner in which intertextuality is inscribed in the lyrical language of the chorus. The stasima are considered from a global perspective in order to highlight their function as a guiding thread running through each drama. The following chapters deal with extended portions of Hecuba and Troades. The use of intertextuality in the representation of the sacrifice of Polyxena is studied in chapter V, whereas chapter VI deals with the double intertextual allusion (both to the Odyssey and to the Agamemnon) engaged in by Euripides in his representation of Hecuba's revenge (in Hecuba). Chapters VII and VIII are about the Troades, focusing firstly on the Cassandra scene, which is compared with the Cassandra scene in Aeschylus' Agamemnon, reworked here by Euripides. Secondly there is the scene involving Helen, where Euripides builds up the tensions of the agôn by basing it on a precise passage of Iliad III - which, in the light of the positions taken by the two characters, he purposely renders even more problematic than it is in Homer. The conclusion presents the results of this inquiry into the functioning and possible purposes of intertextuality in Greek tragedy

La notion de l’agir en Grèce ancienne a, dans les études grecques au XXème siècle, fait l’objet d’un débat important, fondé sur des textes philosophiques – avant tout Aristote – et littéraires – particulièrement Homère et la tragédie grecque. Le débat porte sur la prise de position du lecteur moderne face au traitement antique de cette notion, entre familiarité et sentiment d’étrangeté. L’alternative suivante se présente en effet à lui : la conception grecque de l’agir lui est-elle familière, en ce qu’elle est à l’origine de la notion occidentale, ou est-elle devenue absolument étrangère ? Le philologue allemand Bruno Snell et le philosophe français Jean-Pierre Vernant ont apporté des contributions fondamentales à ce sujet.Dans la présente thèse de doctorat, les positions des deux chercheurs sont comparées à lueur de leurs méthodes – « Geistesgeschichte », histoire de l’esprit et « Wortphilologie », philologie du mot, pour Snell, psychologie historique, sociologie, anthropologie et structuralisme chez Vernant. Par ailleurs, la thèse analyse dans quelle mesure leurs contributions s’ancrent dans les traditions nationales respectives des études grecques. Cette réflexion est particulièrement intéressante dans le cas de Bruno Snell et de Jean-Pierre Vernant qui pratiquaient la recherche de manière explicitement interdisciplinaire et internationale. Bruno Snell et Jean-Pierre Vernant sont d’éminentes personnalités des études grecques de la seconde moitié du vingtième siècle. Ils n’inspirèrent point simplement leur propre champ de recherche mais eurent en tant qu’intellectuels au sens zolien, une influence politique et sociale. / The notion of acting in ancient Greece was intensely discussed in the field of ancient Greek scholarship during the 20th century on the basis of philosophical texts – above all by Aristotle – and literary texts – particularly by Homer and the Greek tragedy. The debate revolves around the position of the modern reader with regard to the ancient notion, between estrangement and familiarity. He is faced with the following alternative: is the Greek conception of acting familiar to him, being the source of the western one, or has it become absolutely alien to him? The German philologist Bruno Snell and the French philosopher Jean-Pierre Vernant have made fundamental contributions to this debate.This PhD compares the positions of both researchers with regard to their methodologies – Snell’s « Geistesgeschichte », history of the spirit and « Wortphilologie », philology of the word, and Vernant’s historical psychology, sociology, anthropology and structuralism. Moreover, this dissertation analyses to what extent their contributions are rooted in the respective national traditions of ancient Greek scholarship. This reflection is particularly interesting in the case of Bruno Snell and Jean-Pierre Vernant, as they both pursued an explicitly international and interdisciplinary approach to research. Bruno Snell and Jean-Pierre Vernant are eminent classical scholars of the second half of the twentieth century. Not only did they inspire their own field of research through their work, but they also exerted a strong social and political influence as intellectuals in the sense of Emile Zola. / Die Frage nach dem Begriff des Handelns bei den Griechen wurde in der Klassischen Philologie des 20. Jahrhunderts anhand philosophischer (vor allem Aristoteles) und literarischer Texte (vor allem Homer und der griechischen Tragödie) stark debattiert. Gegenstand dieser Debatte ist die Haltung des heutigen Lesers gegenüber der antiken Auffassung dieses Begriffs, zwischen Vertrautheit und Fremdheit. Dabei stellt sich folgende Frage: Steht uns heute das griechische Konzept des Handelns nah, als Ursprung des abendländischen Konzeptes, oder ist es uns ganz und gar fremd geworden? Der deutsche Altphilologe Bruno Snell und der französische Philosoph Jean-Pierre Vernant haben zu diesem Thema relevante und bedeutende Beiträge geleistet. Die Positionen des deutschen und des französischen Wissenschaftlers werden in der vorliegenden Arbeit in Bezug auf ihre jeweilige Methodik − Geistesgeschichte und Wortphilologie bei Snell, historische Psychologie, Soziologie, Anthropologie und Strukturalismus bei Vernant − verglichen. Darüber hinaus wird der Frage nachgegangen, inwiefern ihre Beiträge in ihrer jeweiligen Wissenschaftstradition verwurzelt sind. Diese Fragestellung ist im Falle Snells und Vernants von besonderem Interesse, da beide explizit eine überfachliche und internationale Auffassung von Wissenschaft vertreten. Bruno Snell und Jean-Pierre Vernant sind bedeutende Persönlichkeiten der Gräzistik der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts; sie haben nicht nur ihr Fach durch ihre Forschung geprägt, sondern hatten − als Intellektuelle im Sinne Zolas − auch gesellschaftlich und politisch großen Einfluss. / La questione della nozione del agire presso gli antichi Greci fu l’oggetto di un dibattito importante nella filologia classica del Novecento, fondato sia su testi filosofici (sopratutto Aristotele) che letterari (innanzitutto Omero e la tragedia greca). L’argomento del dibattito è la presa di posizione del lettore moderno di fronte alla nozione antica, fra estraniamento e confidenza. Sorge dunque la domanda seguente: ci risulta familiare la nozione greca del agire, in quanto origine della nozione occidentale, oppure è diventata assolutamente estranea per noi? Il filologo tedesco Bruno Snell e il filosofo francese Jean-Pierre Vernant hanno portato contributi fondamentali a questo argomento. Nella tesi di dottorato, le posizioni dei due scientifici vengono comparate rispetto ai loro metodi – « Geistesgeschichte », storia dello spirito e « Wortphilologie », filologia della parola, presso Snell, psicologia storica, sociologia, antropologia e strutturalismo presso Vernant. Inoltre, la tesi esamina quanto i loro contributi siano radicati nelle tradizioni scientifiche nazionali. Questa problematica è particolarmente interessante nel caso di Snell e Vernant, siccome tutti e due adottavano esplicitamente una concezione interdisciplinaria e internazionale della scienza. Bruno Snell e Jean-Pierre Vernant sono eminenti personalità della filologia greca della seconda metà del Novecento; non hanno solamente ispirato il loro campo di ricerca, ma avevano – come intellettuali nel senso di Zola – anche un’influenza sociale e politica.

Dans l’Antiquité, en Grèce, la tragédie joue un rôle important dans la vie des Grecs. Il y avait des concours tragiques pendant des fêtes religieuses ; surtout, pendant les Grandes Dionysies, avait lieu le concours tragique le plus important. Beaucoup de dramaturges y participaient et trois grands tragiques ont émergé, dont Eschyle a été le premier dramaturge illustre et connu. Il s’inspirait des sources mythiques et des légendes antiques. Il posait les questions et présentait sur scène les problèmes que les Athéniens rencontraient. Il faisait réfléchir les citoyens athéniens par ses tragédies. Il a introduit de nombreux personnages féminins dans l’espace théâtral et leur a accordé des rôles importants. Cela ne correspondait pas à la situation réelle des femmes grecques de cette période-là. Les femmes grecques devaient rester toujours dans le gynécée, s’occuper des affaires à l’intérieur de la maison, être en charge du filage et du tissage, rester toujours silencieuses sans se mêler des affaires politiques et donner naissance aux enfants pour assurer le renouvellement des générations. En revanche, les figures féminines du monde créé par Eschyle quittent leur gynécée, voyagent, s’exposent devant le public, s’expriment à haute-voix, se mêlent des affaires politiques, refusent le mariage et la maternité ou montrent peu d’amour maternel envers leurs enfants. Mais pourquoi le dramaturge se décide-t-il à mettre sur scène de si nombreuses figures féminines qui ont un rôle important ? D’abord, il ne faut pas oublier que les personnages féminins sont joués par les acteurs masculins et que les chœurs féminins sont constitués de choreutes masculins ; par conséquent, les figures féminines sont créées par le dramaturge Eschyle. Il y a plusieurs raisons : la beauté scénique qui séduit l’attention de l’auditoire ; la nature de femme qui est à l’origine des maux humains et son irrationalité qui pousse le développement tragique ; et la faiblesse féminine qui entraîne le manque de contrôle et de maîtrise de soi et qui rend les figures féminines aptes à jouer le rôle que les personnages masculins ont du mal à interpréter. / In ancient Greece, the tragedy plays an important role in the lives of Greeks. There were tragic contests during the religious holidays. During the Great Dionysia, there was the most important tragedy contest. Many playwrights participated in it and there emerged three great tragedians, the first playwright, Aeschylus included. He was inspired by the mythical sources and ancient legends. He showed the problems met by the Athenians on stage through mythical characters. His tragedies made the Athenians think about the problems. He showed many female roles in theatrical space and put them in an important place, which didn't correspond to the real situation of the Greek women in that period. These Greek women had to remain still in the harem, take care of household affairs, charge the spinning and the weaving, always remain silent without meddling in political affairs and give birth to children for the family. In contrast, the female figures in the world created by Aeschylus leave their harem, travel, expose themselves to the public, express themselves loudly, get involved political affairs, refuse marriage and show little maternal love towards their children. But why the playwright decides to make the many female figures on stage play the important roles? First, we need to notice that the female characters are played by male actors and that the female choirs consist of male choruses, therefore, the female figures are created by the playwright Aeschylus. There are several reasons for this : the beauty in the scene attracted the attention of the audience; woman is the source of human evil ; irrationality of women drives the development of the tragedy ; and the weakness of women decides their lack of self-control and make them more suitable to play the roles that male characters struggle to interpret.

La tragédie du quatrième siècle fut considérée depuis l’antiquité comme une phase de décadence du genre tragique. Toutefois, plusieurs spécialistes ont montré qu’il ne s’agissait pas d’un déclin : le théâtre continuait à jouer un rôle important dans la vie culturelle du monde grec. Dans cette thèse nous proposons une nouvelle édition des fragments des poètes tragiques grecs du quatrième siècle, qui furent actifs entre la fin de la guerre du Péloponnèse et la mort d’Alexandre le Grand. L’édition des textes est précédée d’une courte introduction sur chaque poète et suivie de leur apparat critique, leur traduction et des commentaires. Nous proposons également un nouvel ordre des poètes et des témoignages pour faciliter l’étude de ces textes. Nous espérons que cette thèse contribuera à une meilleure compréhension de cette production méconnue et invitera à des nouvelles recherches. / After the death of Euripides and Sophocles, tragic poets continue to write tragedies. During the fourth century BC theatre expanded all over the Greek world. In this thesis, I propose a new edition of the tragic fragments of the fourth century BC, by poets who were active from the end of the Peloponnesian war to the death of Alexander the Great. The edition of these texts is preceded by a brief introduction on each poet and followed by a critical apparatus, their translation and commentaries. I also propose a new order of the poets and testimonies in order to facilitate the study of the texts. I hope this thesis will contribute to a better understanding of this relatively unknown production and inspire new researches.