Cette recherche met en parallèle les cultures germanophone et francophone par l’entremise de l’histoire de la contrebasse. La problématique consiste à expliquer l’absence de littérature en français sur l’école viennoise de contrebasse, qui s’est développée dans la seconde moitié du XVIIIe siècle et qui a eu une certaine incidence sur le développement de cet instrument. La première section propose une biographie des principaux représentants de cette école, tous contrebassistes virtuoses actifs à Vienne autour de 1750. Suivent un tour d’horizon des œuvres pour contrebasse concertante du classicisme viennois, puis un rappel historique sur le déclin de cette école. Dans la deuxième section, un parallèle est tracé entre l’avancée du violoncelle et le recul de la contrebasse au XIXe siècle. Suivent une présentation des instruments les plus appréciés de cette époque, à savoir le piano, le cor français et le violoncelle, puis une comparaison entre l’évolution de la contrebasse en France et dans les pays germanophones au XIXe siècle. Finalement, la troisième section est consacrée à la renaissance de l’école viennoise de contrebasse, amorcée au milieu du XXe siècle. Pour observer le déploiement de cette évolution dans les cultures française, germanophone et anglo-saxonne, cette section comporte un examen des œuvres publiées par les maisons d’édition spécialisées en musique ainsi que de celles enregistrées par les contrebassistes. / This research draws a parallel between the German and the French cultures through the history of the double bass. The problematic consists in explaining the absence of literature in French about the Viennese school of bass playing, which developed in the second half of the 18th century and had a certain impact on the development of this instrument. The first section proposes a biography of the main representatives of this school, which where all virtuosos double bassists in Vienna around 1750. This is followed by an overview of works for solos double bass of the First Viennese School, and a brief history of the decline of this school. In the second section a parallel is drawn between the progress of the violoncello and the decline of the double bass in the 19th century. This is followed by a presentation of the most appreciated instruments of this era, i.e. the piano, the French horn and the violoncello, and a comparison between the evolution of the double bass in France and in the German speaking countries in the 19th century. Finally, the third section is dedicated to the renaissance of the Viennese school of bass playing, which was initiated half way through the 20th century. To look closer to this evolution in the French, German and Anglo-Saxon cultures, this section also includes a review of works published by music publishers and those recorded by double bassists. / Diese Forschung will zwei Kulturen, die deutschsprachige und die französische, in Verbindung mit der Geschichte des Kontrabasses bringen. Die Fragestellung besteht darin, das Versäumnis der französischen Literatur über die Wiener Kontrabassschule zu erklären, eine Schule die sich in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts entwickelt und die eine Wirkung auf die Entwicklung dieses Instrumentes gehabt hat. Im ersten Abschnitt wird eine kurze Biographie der Hauptvertreter dieser Schule vorgeschlagen, die alle Kontrabassvirtuose und um 1750 in Wien tätig waren. Es folgt ein Überblick der Werke der Wiener Klassik für konzertanten Kontrabass, dann ein historischer Exkurs über den Niedergang dieser Schule. Im zweiten Abschnitt wird eine Parallele zwischen dem Vorsprung des Violoncellos und dem Rückgang des Kontrebasses im 19. Jahrhundert gezogen. In diesem Abschnitt werden desweiteren die bevorzugten Instrumente dieser Epoche, nämlich das Klavier, das Horn und das Violoncello diskutiert, und die Entwicklung des Kontrabasses in Frankreich und im deutschsprachigen Raum im 19. Jahrhundert verglichen. Schließlich widmet sich der dritte Abschnitt der Renaissance der Wiener Kontrabassschule, die in der Mitte des 20. Jahrhunderts begann. Um eine richtige Betrachtung der Entfaltung dieser Entwicklung in den französischen, deutschsprachigen und angelsächsischen Kulturen zu ermöglichen, findet sich in diesem Abschnitt ebenfalls eine Untersuchung der Werke, die von den Musikverlagen veröffentlicht wurden wie auch derjenigen, die von den Kontrabassisten aufgenommenen wurden.

Cette recherche met en parallèle les cultures germanophone et francophone par l’entremise de l’histoire de la contrebasse. La problématique consiste à expliquer l’absence de littérature en français sur l’école viennoise de contrebasse, qui s’est développée dans la seconde moitié du XVIIIe siècle et qui a eu une certaine incidence sur le développement de cet instrument. La première section propose une biographie des principaux représentants de cette école, tous contrebassistes virtuoses actifs à Vienne autour de 1750. Suivent un tour d’horizon des œuvres pour contrebasse concertante du classicisme viennois, puis un rappel historique sur le déclin de cette école. Dans la deuxième section, un parallèle est tracé entre l’avancée du violoncelle et le recul de la contrebasse au XIXe siècle. Suivent une présentation des instruments les plus appréciés de cette époque, à savoir le piano, le cor français et le violoncelle, puis une comparaison entre l’évolution de la contrebasse en France et dans les pays germanophones au XIXe siècle. Finalement, la troisième section est consacrée à la renaissance de l’école viennoise de contrebasse, amorcée au milieu du XXe siècle. Pour observer le déploiement de cette évolution dans les cultures française, germanophone et anglo-saxonne, cette section comporte un examen des œuvres publiées par les maisons d’édition spécialisées en musique ainsi que de celles enregistrées par les contrebassistes. / This research draws a parallel between the German and the French cultures through the history of the double bass. The problematic consists in explaining the absence of literature in French about the Viennese school of bass playing, which developed in the second half of the 18th century and had a certain impact on the development of this instrument. The first section proposes a biography of the main representatives of this school, which where all virtuosos double bassists in Vienna around 1750. This is followed by an overview of works for solos double bass of the First Viennese School, and a brief history of the decline of this school. In the second section a parallel is drawn between the progress of the violoncello and the decline of the double bass in the 19th century. This is followed by a presentation of the most appreciated instruments of this era, i.e. the piano, the French horn and the violoncello, and a comparison between the evolution of the double bass in France and in the German speaking countries in the 19th century. Finally, the third section is dedicated to the renaissance of the Viennese school of bass playing, which was initiated half way through the 20th century. To look closer to this evolution in the French, German and Anglo-Saxon cultures, this section also includes a review of works published by music publishers and those recorded by double bassists. / Diese Forschung will zwei Kulturen, die deutschsprachige und die französische, in Verbindung mit der Geschichte des Kontrabasses bringen. Die Fragestellung besteht darin, das Versäumnis der französischen Literatur über die Wiener Kontrabassschule zu erklären, eine Schule die sich in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts entwickelt und die eine Wirkung auf die Entwicklung dieses Instrumentes gehabt hat. Im ersten Abschnitt wird eine kurze Biographie der Hauptvertreter dieser Schule vorgeschlagen, die alle Kontrabassvirtuose und um 1750 in Wien tätig waren. Es folgt ein Überblick der Werke der Wiener Klassik für konzertanten Kontrabass, dann ein historischer Exkurs über den Niedergang dieser Schule. Im zweiten Abschnitt wird eine Parallele zwischen dem Vorsprung des Violoncellos und dem Rückgang des Kontrebasses im 19. Jahrhundert gezogen. In diesem Abschnitt werden desweiteren die bevorzugten Instrumente dieser Epoche, nämlich das Klavier, das Horn und das Violoncello diskutiert, und die Entwicklung des Kontrabasses in Frankreich und im deutschsprachigen Raum im 19. Jahrhundert verglichen. Schließlich widmet sich der dritte Abschnitt der Renaissance der Wiener Kontrabassschule, die in der Mitte des 20. Jahrhunderts begann. Um eine richtige Betrachtung der Entfaltung dieser Entwicklung in den französischen, deutschsprachigen und angelsächsischen Kulturen zu ermöglichen, findet sich in diesem Abschnitt ebenfalls eine Untersuchung der Werke, die von den Musikverlagen veröffentlicht wurden wie auch derjenigen, die von den Kontrabassisten aufgenommenen wurden.

Cette étude porte sur un corpus de toccatas et toccatinas pour piano écrites dans le monde entier de 1781 jusqu’à 1993. Elle a pour objectif de comprendre ce que signifie le terme « toccata » tout au long de l’histoire, quelle sont les diverses caractéristiques du genre à travers les périodes différentes, et quel est le rapport entre la toccata pour piano et l’esthétique de la virtuosité. L’auteur commence par observer l’évolution de la compréhension du terme sous les yeux des savants et des érudits de différentes époques, et une série de toccatas pour orgue et clavecin de Johann Sebastien Bach et d’Alessandro Scarlatti, afin de démontrer les caractéristiques principales du genre avant sa transmutation instrumentale. L’étape suivante consiste en une étude analytique du corpus principal. Elle décrit la transformation de la toccata de type pédagogique en un genre de niveau supérieur à l’exercice par son exigence architecturale et son animation. La toccata se dirige ensuite vers un esthétique extrême et surhumaine au XXe siècle. Par ailleurs, elle reflète la grande diversité des types de virtuosité dans des époques différente : celle créative et improvisatrice du temps de Bach, celle des techniques digitales raffinées de la génération de Clementi, etc. Aujourd’hui, avec une esthétique de virtuosité qui prend de plus en plus en compte l’aspect athlétique, la toccata, souvent accompagnée des techniques pianistiques stimulantes, devient une façon idéale de démontrer les capacités extraordinaires du pianiste, ce qui constitue les raisons de son succès auprès des compositeurs, des pianistes, et des auditeurs. / This study relies on a corpus of piano toccatas and toccatinas written in the world from 1781 to 1993. Its purpose is to understand what the term ‘‘toccata’’ means throughout history, what are the various characteristics of the genre in different periods, and what is the relationship between the toccata for piano and the aesthetics of virtuosity. The author starts by observing the evolution of the understanding of the term by scholars living in different eras, and a series of organ and harpsichord toccatas by Johann Sebastian Bach and Alessandro Scarlatti, in order to demonstrate the principal features of the genre before its instrumental transmutation. The next stage consists of an analytical study of the main corpus which designates the transformation of the toccata from a pedagogical genre to that of a higher level by its architectural requirement and its animation, then to one that moves towards an extreme and superhuman aesthetic in the twentieth century. Finally, the study shows that the toccata represents a diversity of types of virtuosity in different eras: the creative and improvisatory type in Bach’s time, the refined digital techniques of Clementi’s generation, etc. Today, with an aesthetic of virtuosity that increasingly takes into account the athletic aspect, the toccata, often accompanied by stimulating piano techniques, becomes an ideal way of demonstrating the extraordinary abilities of the pianist, which constitutes its success among composers, pianists, and listeners.

La particularité de la conduite de ruse, caractérisée par une diversité étonnante des domaines où elle se manifeste et s’applique, fait de ce phénomène d’intelligence une matière privilégiée dans la production dramaturgique de Molière. Pour soulever des questions cruciales portant sur l’aveuglement, l’imposture, le pouvoir de l’imagination et ses dérèglements, le théâtre comique de Molière construit ses intrigues en exploitant les fausses apparences, le simulacre et le décalage entre l’être et le paraître identifiés dans la pratique de la ruse. La nécessité de réduire le pouvoir tyrannique des personnages tenant les clés de la décision, ou d’atteindre une ambition prédéterminée, impose une forme d’affrontement doux et masqué mené par le personnage de la ruse. La fourberie de celui-ci s’achemine par l’insinuation dans l’esprit de la cible en adoptant une stratégie persuasive, puisée à la science de la rhétorique sophistique, et élaborée en fonction des passions de l’adversaire dans le seul but de le persuader par des inventions imaginaires susceptibles de le mettre à sa merci. Cette scène d’affrontement crée l’énergie du spectacle de la ruse grâce à la virtuosité du jeu théâtral du fourbe qui se livre à des mouvements scéniques, à des mimes, à des exaltations expressives destinés à séduire le public avant la cible. Le caractère outrancier des dupes, leurs réactions burlesques, l’amplification des performances des trompeurs permettent au public de Molière de constater les défauts de sa société, d’en rire, et de vivre des moments euphoriques offerts par la comédie de la ruse. / The characteristics of the crafty behavior of trickery, and the surprising variety of domains where it appears and is put into practice, makes this mind phenomenon a preferential subject in Moliere’s dramatic production. To raise crucial questions on self-delusion, imposture, powers of imagination and his disorders, Moliere’s comic theatre constructs plots making use of deceptive appearances, simulacrum and discrepancy between being and appearance, characterized in the practice of trickery. The necessity to cut down the despotic power of the characters holding the key of decision, or to achieve a given goal, calls for a gentle and concealed method of confrontation led by the trickster. His trickery worms its way into the mind of a prey using a persuasive strategy drawn from the science of sophistic rhetoric and designed according to the passions of the opponent in the sole purpose to convince him by fictitious fabrications that might put him at the mercy of the trickster. The confrontation scene creates the energy of the trickery performance thanks to the virtuosity of the trickster’s acting who engages himself in scenic gestures, pantomimes and expressive outburst intended to seduce the audience before the prey. The extreme characters of the dupes, their comical reactions, the elation of the trickster’s performances allow the audience to notice the defects of his society, laugh with them and to live euphoric moments created by the comedy of trickery.

La particularité de la conduite de ruse, caractérisée par une diversité étonnante des domaines où elle se manifeste et s'applique, fait de ce phénomène d'intelligence une matière privilégiée dans la production dramaturgique de Molière. Pour soulever des questions cruciales portant sur l'aveuglement, l'imposture, le pouvoir de l'imagination et ses dérèglements, le théâtre comique de Molière construit ses intrigues en exploitant les fausses apparences, le simulacre et le décalage entre l'être et le paraître identifiés dans la pratique de la ruse. La nécessité de réduire le pouvoir tyrannique des personnages tenant les clés de la décision, ou d'atteindre une ambition prédéterminée, impose une forme d'affrontement doux et masqué mené par le personnage de la ruse. La fourberie de celui-ci s'achemine par l'insinuation dans l'esprit de la cible en adoptant une stratégie persuasive, puisée à la science de la rhétorique sophistique, et élaborée en fonction des passions de l'adversaire dans le seul but de le persuader par des inventions imaginaires susceptibles de le mettre à sa merci. Cette scène d'affrontement crée l'énergie du spectacle de la ruse grâce à la virtuosité du jeu théâtral du fourbe qui se livre à des mouvements scéniques, à des mimes, à des exaltations expressives destinés à séduire le public avant la cible. Le caractère outrancier des dupes, leurs réactions burlesques, l'amplification des performances des trompeurs permettent au public de Molière de constater les défauts de sa société, d'en rire, et de vivre des moments euphoriques offerts par la comédie de la ruse.

Entre 1750 et 1810, l’entrée du soliste dans les premiers mouvements de concerto est un événement théâtral et musical. Examinant le corpus de Johann Christian Bach, Haydn, Mozart, Viotti et Beethoven, cette thèse distingue les stratégies compositionnelles récurrentes, constituant la norme de l’époque étudiée. Elle analyse les procédés rhétoriques à l’œuvre en évaluant l’effet produit par chacun par rapport à la norme attendue.La première partie concerne la construction de l’attente du soliste. Elle évalue la fonction introductive du premier tutti, distinguant les « tuttis-cadre » des « tuttis-narratifs » et examinant l’impact de la présence d’une modulation. La deuxième partie étudie les stratégies de clôture de l’exposition orchestrale et l’existence d’une rupture lors de l’entrée du soliste. La troisième partie montre la manière de donner la parole au soliste par le choix de son thème d’entrée, d’une ornementation éventuelle ou l’ajout d’une section introductive virtuose autonome. / Between 1750 and 1810, the entry of the soloist in the first movement of a concerto is a musical and theatrical event. Going through the corpus of Johann Christian Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, and Viotti, this thesis distinguishes personal strategies from recurring compositional techniques that are standard in the period under review. It analyzes the rhetorical techniques used through assessing the effect of each technique compared to that of the expected standard.The first part concerns the construction of the expectation of the soloist. It evaluates the introductive function of the first tutti, creating a disctinction between “frame-tuttis” and “narrative tuttis”, and examinating the impact of the presence of a modulation. The second part focusses on the closing strategies of the orchestral exposition and the existence of a break for the soloist’s entry. The third part shows the hand over to the soloist through the choice of the entry theme, the eventual ornementation, and the adding of an autonomous virtuoso introductive section.

L’objectif de cette thèse est de s’interroger sur la prégnance éventuelle de paradigmes romantiques chez les pianistes improvisateurs solistes issus du jazz. Du modèle de la virtuosité soliste au style et plus généralement à l’esprit romantique,est-il possible de déceler, chez eux, une part d’héritage assumée ou non ? Concernant des pianistes aussi différents que les virtuoses de la musique savante romantique du XIXe siècle en Europe et les pianistes de jazz américains du siècle suivant, le terme d’héritage pourrait sembler inadapté voire abusif. Or il ne faut pas sous-estimer l’apport de la musique savante écrite aux musiques improvisées, en particulier dans le domaine pianistique. Tous les pianistes improvisateurs se sont plus ou moins trouvés confrontés à des pages extraites des répertoires classique, romantique ou contemporain, tout au moins pendant leurs études pianistiques qui pour certains, ont été extrêmement approfondies. Peut-on discerner dans le jeu de certains virtuoses les influences des deux grands génies romantiques au caractère si différent que furent Chopin l’intimiste et Liszt l’extraverti au travers de cette virtus latine reliant habileté et transcendance, apanage du héros prométhéen qui vole le feu pour l’offrir à l’humanité ? La musique improvisée est fréquemment une entité de partage, le récital de soliste restant l’exception. C’est à l’occasion de ce moment privilégié que les rares élus, dont la relation à l’instrument sur lequel ils jouent est à chaque fois nouvelle, accèdent au statut de héros en valorisant énergie, action et savoir humain. De Jelly Roll Morton, autoproclamé « inventeur » du jazz à l’improvisation totale de l’ère post-bop, en passant par les pianistes de stride et Art Tatum, la représentation du romantisme revêt des aspects protéiformes allant de l’émancipation des aspects fonctionnels liés à la danse aux préoccupations programmatiques d’un Brad Mehldau se remémorant Schumann. / The aim of this thesis is to question the possible impact of romantic paradigms for soloist improviser pianists coming from the jazz scene. From the soloist virtuosity to the style and more generally to the romantic spirit, is it possible to find in their work a certain heritage, whether it is overtly admitted or not? However, 19th century classical music virtuosi and jazz pianists from the following century are so different that it seems natural to wonder whether the word ‘heritage’ is the proper one to use. Yet, the contribution of written classical music to improvised music pieces shouldn’t be overlooked, especially when examining thepianistic domain. Every improviser pianists have been faced with pieces from the classical, romantic or contemporary repertoire to some extent, at the very least during their piano studies which, for some of them, were extremely advanced. Through the Latin virtus connecting dexterity and transcendence – the prerogative of the Promethean hero stealing fire as a present for humanity - could it be possible to find in the playing of certain virtuosi the influence of the two great romantic geniuses, Chopin the intimist and Liszt the extrovert, whose characters were so different? Improvised music is frequently a moment of sharing (soloists’ recitals being the exception) and it is the moment when a few chosen ones can reach the status of heroes, emphasizing energy, action and human knowledge. From Jelly Roll Morton, self-proclaimed “inventor” of jazz music, the stride pianists and Art Tatum,to the complete improvisation of the post-bop era, romanticism is represented through many different protean aspects such as the emancipation of functional aspects connected to dance or again the programmatic concerns of a certain Brad Mehldau, reminiscing about Schumann.

Cette thèse de doctorat en arts du spectacle propose une approche des pratiques, des discours et des représentations autour de la notion de virtuosité en danse. Elle explore des formes en mutation sur la scène chorégraphique et interdisciplinaire contemporaine en s’intéressant à l’incorporation d’un geste virtuose chez plusieurs performers, au passage entre le vingtième et le vingt-et-unième siècle. Observant les transferts d’une discipline ou d’un art à l’autre, ce travail s’est construit à partir d’un corpus de douze interprètes danseurs, breakeurs et acrobates. La première approche choisie a été de les interroger sur leurs parcours, leurs habitudes de travail, leur perception du geste virtuose, puis d’observer les représentations auxquelles ils participent. L’analyse ainsi proposée se construit à partir un corpus d’œuvres (danse contemporaine, cirque contemporain, hip hop) et d’entretiens présentés en annexe de ce travail. La virtuosité est donc envisagée du point de vue de l’interprète, considérée dans un système complexe et présent comme une forme d’indiscipline. A partir de certains constats et grâce à des méthodologies propres à l’analyse du mouvement et à l’analyse esthétique, cette recherche propose une exploration du geste virtuose à l’aune de certaines migrations disciplinaires et s’interroge sur la présence et l’importance de nouvelles formes de virtuosité sur la scène contemporaine, tentant d’en redéfinir les termes et les pratiques. / This doctoral thesis in performing arts offers an approach to practice, discourse and representations around the notion of virtuosity in dancing. It looks into forms currently mutating on today’s choreographic and interdisciplinary stage, focusing on the way various performers incorporate virtuosic movement into their interpretation, at the juncture between the 20th and the 21st centuries. Observing the transfers taking place between disciplines, this research is built on a corpus of twelve performers: dancers, breakers and acrobats. The first stage of the approach was to make them describe the path they had followed, their working habits, their perception of a virtuosic move, and to make observations about the shows they take part in. This analysis is based on a corpus of productions (contemporary dance, contemporary circus, breakdance) and interviews presented in the appendix. Virtuosity is thus investigated from the point of view of the performer, considered inside a complex system and presented as a form of indiscipline. Based on a number of observations and methodologies specific to movement analysis and aesthetic analysis, this research proposes an exploration of the virtuosic movement with respect to certain transdisciplinary migrations and examines the questions of the presence and significance of new forms of virtuosity on the contemporary stage, in an attempt to redefine its terms and practices.

Depuis quelques années Cyrano de Bergerac bénéficie d’un regain d’intérêt dans les études littéraires. Toutefois, ce vaste champ bibliographique se centre essentiellement sur les deux romans ou sur le recueil de lettres, sans prendre en compte l’ensemble de l’œuvre d’un écrivain pourtant polygraphe. Le présent travail se propose à la fois de trouver la cohérence d’un geste d’écriture au-delà des variations génériques, et d’analyser la dimension idiosyncrasique d’un style : la singularité de l’écriture cyranienne mérite d’être envisagée hors de tout rattachement à un groupe littéraire ou idéologique (qu’on pense, notamment, aux « burlesques » ou encore aux « libertins »). Les perspectives croisées de la stylistique et de l’analyse du discours permettent de faire émerger une quête permanente de la virtuosité langagière, dont l’écriture de la pointe est le support privilégié.Cyrano écrit pour susciter l’admiration, comme il en convient lui-même : l’ensemble de son œuvre porte la trace de cette aspiration. Toutefois, la recherche obstinée de la fulgurance comporte en soi un coût pragmatique : l’artifice, nécessaire mais risqué, témoigne de la fragilité de l’éclat. / For a few years now, Cyrano de Bergerac has been considered with renewed interest by literary scholars. However the many studies published recently have mainly focused on his two novels or on the collection of his letters, without really taking into account his body of works in its entirety. This study offers both to find, beyond generic variations, the coherence of his writing, and to analyse the idiosyncratic dimension of his style; the singularity of Cyrano’s writing deserves to be considered for itself, without linking it to any literary or ideological movement – be it the “Burlesques” or the “Libertines”.The combined perspectives of stylistics and of discourse analysis reveal a constant quest for linguistic virtuosity, writing conceits being its most used device. Cyrano writes to arouse admiration, as he confesses himself; his whole body of works bears the mark of this endeavour. However, aiming constantly for dazzling wit comes at a pragmatic cost; literary devices are necessary but risky – they bear witness to the fragility of the writer’s feat.

Dans l’art de la musique instrumentale, il y a certainement eu des moments de développement extraordinaires. La plus grande révolution dans le domaine du violon aura probablement été Paganini, avec ses innovations dans le cadre de la technique, de la texture et des effets timbriques du violon. Dans le domaine du piano, Liszt, suite à sa rencontre avec le violon assimilateur et imitateur du Génois, reforma son jeu et reconçut le pianisme de l’époque. Dans cette mission, il fut accompagné par des améliorations techniques à l’instrument. L’art du jeu du piano, qui hérita de Paganini le côté assimilateur et imitateur, qui abandonna le salon et s’installa dans les grandes salles, fut reconnu comme la « grande manière » ou le « grand style ». Ces termes, provenant principalement de l’art de Liszt, qui fut apparemment son premier représentant, se réfèrent à un style pianistique particulier, basé sur de grands effets acoustiques et de nouvelles techniques d’exécution. Le corpus de l’étude est constitué des œuvres de Liszt d’après Paganini, telles que les Études d’exécution transcendante d’après Paganini, les Grandes Études de Paganini, La Grande Fantaisie de bravoure sur La Clochette et les œuvres en relation avec Paganini des générations suivantes de pianistes de la « grande manière ». Celles-ci incluent les versions des études de Liszt réalisées par Ferruccio Busoni, son Introduzione e Capriccio (Paganinesco), les arrangements des Caprices de Paganini par Michael Zadora, les Variations sur un thème de Paganini de Mark Hambourg et les Études d’après un thème de Paganini op. 47b d’Ignaz Friedman. L’étude tente de tracer la « grande manière » dans les formes pianistiques appliquées dans les œuvres citées ainsi que d’identifier les particularités du « pianisme » des auteurs concernés. / In the art of instrumental music there were moments of extraordinary evolution. The greatest revolution in the domain of the violin was probably the appearance of Paganini and his innovations in the technique, the texture of violin writings and the exploitation of the timbrical effects of the instrument. In the domain of the piano, Liszt, after having heard the assimilating and imitating violin of the Genovese, reformed his playing and transformed the pianism of his époque. In that mission, he was accompanied by technical improvements of the instrument. The art of piano playing, which inherited from Paganini the assimilating and imitating tendencies and left the salon in favor of big halls, was recognized as the “grand manner” or the “grand style” grand style’, first represented by Liszt. These terms, mainly originating from the conceptual grandeur of his art, refer to a particular pianistic style, based on big acoustic effects and new techniques of execution. The corpus of the present study is constituted by the works after Paganini by Liszt, including the Études d’exécution transcendante d’après Paganini, the Grandes études de Paganini, La Grande fantaisie de bravoure sur La Clochette, and the works related to Paganini of the following generations of pianists of the « grand manner”. These include the arrangements of Liszt’s studies of Busoni, the Introduzione e Capriccio paganinesco, the Variations sur un thème de Paganini of Mark Hambourg and the Paganini-Studies op. 47b of Ignaz Friedman. The study tempts to trace the “grand manner” in the pianistic forms applied in the cited works, and to identify the specificities of the pianism of the concerned authors.