Cette thèse porte sur les transgressions discursives, esthétiques et sociales de la frontière entre la vie privée et la vie publique effectuées par les créatrices françaises contemporaines Sophie Calle et Annie Ernaux. Dans une perspective féministe qui s’appuie sur les théories du quotidien, la thèse pose les questions suivantes : quelles libertés peut se permettre la femme-artiste ou l’écrivaine aujourd’hui ? Où, comment, et par qui se dessinent les limites éthiques de la création ? À la lumière des représentations souvent stéréotypées de la femme criminelle, le premier chapitre dégage de la réception des œuvres de Calle et d’Ernaux les « crimes » – entre autres, d’obscénité, d’impudeur et d’indécence – dont elles ont été accusées par la critique. Les trois chapitres suivants ciblent les diverses manières subversives et innovatrices dont Calle et Ernaux déjouent les perceptions acceptées de la féminité pour s’assurer la liberté totale en création : elles se construisent en flâneuses maniant la photographie ou l’écriture photographique comme une arme, en amoureuses blessées qui se vengent de leurs amants, et en théoriciennes manipulant les modalités de leur propre inscription dans les canons littéraires et artistiques. Cette thèse analyse au fil des chapitres les échos des œuvres de Calle et d’Ernaux au plan social, insistant sur le rapport fécond qui existe entre l’œuvre d’art et son cadre, interrogeant l’ethos de l’artiste et celui de l’art. Sophie Calle et Annie Ernaux répondent avec force à la nécessité de se positionner autrement face à l’art en tant que femme, notamment, en proposant l’art et l’écriture comme hors la loi. La conclusion étudie dans cette optique le phénomène récent de la « judiciarisation » de l’art. En examinant certains procès intentés depuis 2010 à des artistes, des écrivaines, des commissaires d’exposition et des maisons d’édition françaises, cette thèse questionne finalement les risques et les violences de la représentation tels qu’ils sont désignés par la loi. / This dissertation analyzes how contemporary French artist Sophie Calle and contemporary French writer Annie Ernaux transgress the discursive, aesthetic, and social boundaries between public and private life. Taking a feminist perspective and drawing on theories of everyday life, this dissertation asks: what liberties are the female artist and writer permitted today? Where, how and by whom are the ethical limits of creative practice established? In light of often stereotypical literary and artistic representations of the female criminal, the first chapter examines the accusations of obscenity, shamelessness and indecency levelled against Calle and Ernaux by their critics. The following three chapters identify the diverse, innovative and subversive ways in which Calle and Ernaux question accepted perceptions of femininity in order to seize creative freedom: they assume the distinct and tactical positions of flâneuses, heart-broken women avenging their ex-lovers, and theorists manipulating the reception of their own works. Together, these four chapters trace the artwork’s resonance in the public sphere, insist on the fruitful relationship that exists between a work of art and its frame, and consider the ethos of the artist as well as that of art. Sophie Calle’s and Annie Ernaux’s practices suggest that in order to achieve creative autonomy, art and writing must function outside of the constraints of moral, ethical, social and even civil laws. By examining instances in which artists, writers, curators and publishing houses have been subject to lawsuits in France since 2010, the conclusion of this dissertation studies a recent increase in the litigation of art and outlines some of the limits of representation as defined by the law.

L’œuvre de Nelly Arcan s’inscrit dans un pan de la littérature contemporaine accueillant les monstres comme figures de la transgression qui, par leur é-normité, interrogent la norme dont ils s’écartent. Ces êtres à la fois fascinants et inquiétants hantent la littérature depuis les récits fondateurs de la mythologie antique. Arcan, à l’instar de plusieurs femmes auteurs, recourt au procédé de la réécriture de plusieurs grands mythes grecs dans Folle (2004) et À ciel ouvert (2007). Dans les deux récits, elle met en scène des personnages en fuite qui, face à leur destin néfaste, se métamorphosent en femmes-monstres et en hommes-monstres. Les personnages masculins empruntent des traits à Jason, Narcisse et Pygmalion, mais sont, par leur déviance sexuelle et leur propension à la domination, beaucoup plus monstrueux que leurs modèles antiques. Contaminées par la monstruosité des hommes qu’elles aiment jusqu’à l’annihilation de soi, les protagonistes des deux récits affichent certains traits de Médée, de Méduse et des Amazones, tirant parti de la puissance de ces figures nocives pour donner une leçon aux personnages masculins. Elles acquièrent ainsi de nouveau leur statut de sujet. Dans ce mémoire, il s’agira, par le biais de la mythocritique, des théories de la réécriture et de l’effet-personnage, d’étudier les causes, le processus et les effets du « devenir-monstre » des personnages féminins et d’examiner la reconfiguration de mythes antiques par Arcan. En s’intéressant à la greffe des mythes antiques sur les personnages arcaniens, au déplacement et au renversement des mythèmes caractéristiques des figures prédécesseures, cette recherche espère montrer comment Nelly Arcan dissèque les relations de couple qui mènent au « devenir-monstre » des partenaires. Il ressortira de cette analyse une vision apocalyptique du vivre ensemble, entre hommes et femmes, qui rejoue l’ancienne « guerre des sexes » que l’on croyait terminée. / Nelly Arcan’s body of work is in line with a trend in contemporary writing to represent the monster as a transgressive figure, which, through its own “e-normity,” steps out of the norm and questions it. Both fascinating and unnerving, the monster has haunted literature since the tales of ancient mythology came into existence. Following the steps of many women writers, Arcan rewrites numerous Greek myths in Folle (2004) and À ciel ouvert (2007). These novels narrate the stories of characters who transform into monsters due to their ill-fated destinies. The male characters are inspired by Jason, Narcissus and Pygmalion. However, their sexual deviance and tendency to dominate make them much more monstrous than their ancient models. Contaminated by the monstrosity of the men they love to the point of self-annihilation, Arcan’s female protagonists share some characteristics with Medea, Medusa and the Amazons. They gain power from these dangerous mythological figures to teach lessons to the monstrous males, thereby claiming possession of their own subjectivities. Using literary approaches such as mythocritique, theories of rewriting, and theories of character, this research will focus on the causes, processes and effects of the female characters’ “becoming-monster” and will study Arcan’s reconfiguration of ancient myths. Through an examination of the merging of these myths and an analysis of the displacement and upending of their distinctive mythemes, this master’s thesis hopes to show how Arcan dissects love relationships that lead to the “becoming-monster” of the partners involved. This analysis will bring out Arcan’s apocalyptic vision of co-habitation, a vision which re-enacts the war of the sexes that we thought ended long ago.

Les recueils de poésie Autoportraits de Marie Uguay et Nombreux seront nos ennemis de Geneviève Desrosiers appartiennent tous deux au genre de l’intimisme. Celui-ci est principalement caractérisé par une observation rapprochée du quotidien. Mon projet est constitué de deux volets : une recherche sur l’intimisme chez Uguay et Desrosiers, ainsi qu’un projet de création inspiré de leur poésie. Dans le volet recherche de mon mémoire, je me penche sur la logique du seuil et les rapports problématiques à l’altérité dans ces deux recueils. Dans Autoportraits et Nombreux seront nos ennemis, la position en retrait ou sur le seuil du « Je » permet d’observer ce qui l’entoure en conservant une perspective intime confortable où il ne se retrouve pas confronté à l’altérité. Les poèmes de la partie création de mon mémoire témoignent de l’inventivité dont le « Je » fait preuve afin d’échapper à son quotidien et sont empreints d’une perméabilité entre rêve et réalité. Le quotidien statique se présente comme un piège, un enfermement. La tension entre l’ici et l’ailleurs est exprimée dans les textes par une logique de l’attente; celle d’un nouveau départ et de la réalisation du rêve. Par cette pratique, je souhaite jouer avec les dangers de l’intimisme : ceux d’un narcissisme ou d’un sentimentalisme exacerbés. / This memoir focuses on two poetry collections from Quebec: Marie Uguay’s “Autoportraits” and Geneviève Desrosiers’ “Nombreux seront nos ennemis”. These can be characterised as “intimist” as they bring to the forefront the poetical narrator’s close observations of his daily life. My two-part project includes a research on Uguay’s and Desrosiers’ view of “intimism” as well as a poetry collection inspired by their work. My research concentrates on the threshold’s logic and on the narrator’s troubled relationship with the various representations of alterity. In the two studied poetry collections, the “I” indeed occupies a reclusive position from which it does not have to face alterity. The poems that form the second part of this project testify to the resourcefulness in which the narrator spreads out in order to avoid his humdrum existence. The monotony of daily life is seen as a trap or a form of imprisonment. Consequently, only a thin frontier separates dreams from reality in these poems. The contrast between the “I”’s actual positions and his fancied destinations plays a major role in the text’s aesthetic. Several wishes are laid upon the table, amongst them a new departure. The poems therefore express the narrator’s longing but attempt to avoid the dangers of a classic “intimism” which are an exaggerated sensitivity or narcissism.

L’objet de notre recherche a été précisément de démontrer que des éléments historiques et mémoriels ont joué un rôle primordial dans la construction des héroïnes méditerranéennes. Notre but était donc de souligner ces éléments, d’étudier leurs manifestations dans les œuvres et d’interroger ces dernières afin de trouver les raisons pour lesquelles les écrivaines ont choisi ces éléments parmi d’autres dans la création de leurs personnages. Nous avons donc démontré que ce sont le patrimoine, la mythologie et les traditions orientaux et méditerranéens qui sont revendiqués par nos écrivaines tout en faisant appel à la référence et à la culture occidentales. Nos recherches nous ont permis de découvrir également que les évènements historiques et les traditions culturelles et religieuses ne sont pas les seules à influencer la représentation du personnage féminin ; Il nous a fallu démontrer que ces écrivaines ont nourri leurs œuvres en puisant dans leurs expériences personnelles et leurs souvenirs d’où s’ajoute le rôle de la mémoire individuelle dans la construction des personnages, ce qui nous a offert des pistes afin d’explorer l’inconscient de ces écrivaines en révélant les empreintes de ce dernier dans les textes. Cette étude, a l’ambition, de plus, de démontrer que les œuvres choisies sont des exemples indéniables de la rencontre entre les cultures et les langues, de décrire les différents défis auxquels font face les héroïnes mais aussi les femmes écrivaines et de contribuer à montrer que ces dernières expriment, à travers leurs écrits, leur humanisme et leur révolte contre les violences et les misogynies meurtrières. Ne pouvant nier, in fine, que ces écrivaines engagées et unies par l’amour de la langue et de la culture françaises insistent sur le rôle fondamental de l’écriture. / The object of our research was precisely to demonstrate that historical and memorial elements played a key role in the construction of mediterranean heroines. Our goal was to emphasize these elements, to study their manifestations in the works and to question them in order to find the reasons why the writers chose these elements among others in the creation of their characters. We have therefore demonstrated that it is the heritage, the mythology and the Eastern and Mediterranean traditions that are claimed by our writers while appealing to Western reference and culture. Our research also allowed us to discover that historical events and cultural and religious traditions are not the only ones to influence the representation of the female character; We had to demonstrate that these writers nourished their works by drawing on their personal experiences and memories, and added the role of individual memory in the construction of the characters, which offered us avenues to explore the unconscious of these writers by revealing the imprints of the latter in the texts. This study also aims to demonstrate that the selected works are undeniable examples of the encounter between cultures and languages, to describe the different challenges faced by heroines and women writers, and to contribute to show that the latter express, through their writings, their humanism and their revolt against violence and murderous misogyny. Not being able to deny, in fine, that these committed writers united by the love of French language and culture insist on the fundamental role of writing.

This thesis is a feminist reading of the work of Henry Handel Richardson (1870-1946), which considers her four major novels: Maurice Guest (1908), The Getting of Wisdom (1910), The Fortunes of Richard Mahony (1930), and The Young Cosima (1939). It proposes that Richardson foregrounds the work of gender ideology in her novels, and that her work is also conscious about its own fictional procedures. This thesis argues that Richardson consciously examines the ideological aspect of narrative modes, such as naturalism, the Bildungsroman, and popular romance. Moreover, it illustrates her attempts to invent narrative strategies which subvert the conventional assumptions about gender inherent in those forms. ???Gender Ideology and Narrative Form??? draws on recent theoretical approaches to narrative, ideology, subjectivity, and dialogism, to argue that Richardson makes the ideological shaping of her stories most visible through manipulations of genre, plot, narrative voice, and point of view. Aspects of ideology examined include the Victorian and late-Victorian equation of masculinity with public rationality, mind, public achievement, and genius: and, on the other hand, the association of femininity with the body, passion, and private or domestic spaces. The thesis also considers some of the values and assumptions about gender implicit in nineteenth-century scientific thinking. Henry Handel Richardson has been viewed as a conservative writer, in both aesthetic and political terms. By contrast, I suggest that she resists the moral and representational codes of the realist or naturalist form, and that her uncompromising oppositional strategy achieves a number of radical results. It exposes and criticises the masculinist bias of certain representational methods; it offers new ways of representing female experience; and it insists that the private sphere must be treated also as a political space in which crucial power relationships are at work. My approach to Henry Handel Richardson???s fiction opens new ways to see her work as the product of a distinctive feminist consciousness.

This dissertation examines selected literary works by Anita Rau Badami, Denise Chong, Hiromi Goto, Larissa Lai, and Kerri Sakamoto, exploring how their stories respond both to the absence of representations of Asian Canadian women in literary discourses of the early twentieth century and to homogenizing assumptions in official histories. My formulation of (re)presentation in the title recognizes the multiplicity and constructedness of these denoted identities and experiences and the self-representations of these writers as a response to this elision and misrepresentation. The term repair borrows from philosopher Hilde Lindemann Nelson’s theorizing of “narrative repair,” which involves telling counterstories, but also is used in psychological contexts as a healing mechanism. An elaboration of both models, as applied in this study, is optimally useful in diasporic contexts as resistance to the elision and/or racist and gendered discursive constructions of Asian Canadian women and as restoration of damaged identities. The texts under study—Tamarind Mem, The Concubine’s Children, Chorus of Mushrooms, When Fox Is a Thousand, and The Electrical Field—were all published in the mid-1990s, after the initial forays into the writing of novels by Asian Canadian authors such as Joy Kogawa (1981) and SKY Lee (1990). My choice of these sister narratives recognizes the family as central to identity construction and intergenerational (mis)understanding and emphasizes the importance of this period’s second-generation explosion of writings by Japanese, Chinese, and Indo Canadian women that paved the way for the current plethora of writings by authors from these cultural groups that contribute significantly to Canadian representations of diasporic identity. This study explores the nuances and pluralisms of the representations of Asian Canadian women. The texts under consideration are cultural autobiographies and matrilineal or sexually transgressive narratives that reinvent the cultural memory of Canadian women of Asian ancestry; produce cultural fusions through the transcreation of oral traditions and simulations of the oral, transcoding of ancestral tongues, and discursive strategies of silence; and address connections between self and place in examinations of Canada, the adopted country, as (un)homely territory. Presenting unhyphenated diasporic female subjects who exceed socially scripted boundaries of gender, sexuality, race, and nationality, in terms of both Canada and the writers’ and protagonists’ ancestral Asian nations, these “acts of narrative insubordination” (Nelson 8) exemplify emancipatory politics and recuperative and revisionary projects. Interrogating questions of (re)presentation and repair from positions of liminality and across gendered, racial, linguistic, and geographical divides, this research contributes to current urgent discussions of identity, transculturation, multiculturalism, and globalization in literary and cultural studies.

Ce mémoire de maîtrise a pour visée d’étudier la spécificité antiautoritaire du discours narratif de l’écrivaine argentine Luisa Valenzuela. Le corpus étudié comprend des nouvelles publiées dans les livres Cambio de armas (1982) et Simetrías (1993), écrites respectivement durant la dictature militaire (1976-1983) et dix ans après le retour à la démocratie. L’analyse des nouvelles dialogue avec l’essai de l’écrivaine, Peligrosas palabras (2001), et avec les différentes perspectives théoriques que nous adoptons dans chacun des chapitres (sociolinguistique, théorie féministe et critique culturelle). Cette recherche fera ressortir comment l’expression du désir dans les textes de Luisa Valenzuela critique les relations de domination présentes dans la dictature et dans la société patriarcale. Les textes étudiés 1) dénoncent les effets de la politique répressive sur le sujet en exposant la sexualité et en rejetant la séparation entre les sphères publique et privée; 2) ils soulignent la matérialité du corps, qui est marqué par les relations sociales et les rapports de pouvoir, à partir de laquelle il est possible de construire une objectivité féminine hors de l’opposition entre corps et esprit; 3) ils créent de nouvelles formes de représentation de la mémoire qui permettent de redéfinir la relation à l’histoire et à l’Autre. Dans le langage de Valenzuela, le désir se présente alors comme une revendication de relations sociales justes et d’une vision alternative du langage, de la subjectivité et de la mémoire. / This thesis studies the antiauthoritarian specificity of the short stories that Luisa Valenzuela published in the Cambio de armas (1982) and Simetrías (1993), written during the military dictatorship (1976-1983), and ten years after the return to dictatorship. The analysis of the stories establishes a dialogue with Valenzuela’s essay Peligrosas palabras (2001) and with different theoretical perspectives that we study in each chapter (socio-linguistic, feminist theory, and cultural criticism). This study emphasizes how the expression of desire, in Valenzuela’s work, criticizes the relations of domination that appear during the dictatorship and in the patriarchal society. The short stories 1) denounce the effects of repression on the subject trough open sexuality and a rejection of the public-private division: 2) underline the materiality of the body, marked by social and power relations, allowing for the creation of a feminine objectivity without separating the body from the mind; 3) create new ways of representing memory, allowing for a redefinition of the relations to history and to the other. In Valenzuela’s discourse, desire is presented as a demand for equality in social relationships, and for an alternative vision of language, subjectivity, and memory. / Esta memoria tiene como objetivo estudiar la especificidad antiautoritaria de la narrativa breve de la escritora argentina Luisa Valenzuela. El corpus estudiado consta de cuentos provenientes de los libros Cambio de armas (1982) y Simetrías (1993), escritos respectivamente durante la dictadura militar (1976-1983) y diez años después de la vuelta a la democracia. El análisis de los cuentos entra en diálogo con el ensayo de la autora, Peligrosas palabras (2001), y con las diferentes perspectivas teóricas que adoptamos en cada capítulo (socio-lingüística, teoría feminista y crítica cultural). Esta investigación destaca cómo la expresión del deseo en los textos de Valenzuela construye una crítica de las relaciones de dominación presentes tanto en la dictadura como en la sociedad patriarcal. Los cuentos 1) denuncian los efectos de la política represiva sobre el sujeto al exponer la sexualidad y al rechazar la separación de los ámbitos privados y públicos; 2) subrayan la materialidad del cuerpo marcado por las relaciones sociales y las fuerzas del poder, a partir de la cual se construye una objetividad femenina que no separa la mente del cuerpo; 3) crean nuevas formas de representar la memoria, permitiendo redefinir la relación con la historia y con el otro. El deseo se presenta, en la obra de Valenzuela, como una reivindicación de relaciones sociales equitativas y de una visión alternativa del lenguaje, la subjetividad y la memoria.

Cette thèse porte sur les transgressions discursives, esthétiques et sociales de la frontière entre la vie privée et la vie publique effectuées par les créatrices françaises contemporaines Sophie Calle et Annie Ernaux. Dans une perspective féministe qui s’appuie sur les théories du quotidien, la thèse pose les questions suivantes : quelles libertés peut se permettre la femme-artiste ou l’écrivaine aujourd’hui ? Où, comment, et par qui se dessinent les limites éthiques de la création ? À la lumière des représentations souvent stéréotypées de la femme criminelle, le premier chapitre dégage de la réception des œuvres de Calle et d’Ernaux les « crimes » – entre autres, d’obscénité, d’impudeur et d’indécence – dont elles ont été accusées par la critique. Les trois chapitres suivants ciblent les diverses manières subversives et innovatrices dont Calle et Ernaux déjouent les perceptions acceptées de la féminité pour s’assurer la liberté totale en création : elles se construisent en flâneuses maniant la photographie ou l’écriture photographique comme une arme, en amoureuses blessées qui se vengent de leurs amants, et en théoriciennes manipulant les modalités de leur propre inscription dans les canons littéraires et artistiques. Cette thèse analyse au fil des chapitres les échos des œuvres de Calle et d’Ernaux au plan social, insistant sur le rapport fécond qui existe entre l’œuvre d’art et son cadre, interrogeant l’ethos de l’artiste et celui de l’art. Sophie Calle et Annie Ernaux répondent avec force à la nécessité de se positionner autrement face à l’art en tant que femme, notamment, en proposant l’art et l’écriture comme hors la loi. La conclusion étudie dans cette optique le phénomène récent de la « judiciarisation » de l’art. En examinant certains procès intentés depuis 2010 à des artistes, des écrivaines, des commissaires d’exposition et des maisons d’édition françaises, cette thèse questionne finalement les risques et les violences de la représentation tels qu’ils sont désignés par la loi. / This dissertation analyzes how contemporary French artist Sophie Calle and contemporary French writer Annie Ernaux transgress the discursive, aesthetic, and social boundaries between public and private life. Taking a feminist perspective and drawing on theories of everyday life, this dissertation asks: what liberties are the female artist and writer permitted today? Where, how and by whom are the ethical limits of creative practice established? In light of often stereotypical literary and artistic representations of the female criminal, the first chapter examines the accusations of obscenity, shamelessness and indecency levelled against Calle and Ernaux by their critics. The following three chapters identify the diverse, innovative and subversive ways in which Calle and Ernaux question accepted perceptions of femininity in order to seize creative freedom: they assume the distinct and tactical positions of flâneuses, heart-broken women avenging their ex-lovers, and theorists manipulating the reception of their own works. Together, these four chapters trace the artwork’s resonance in the public sphere, insist on the fruitful relationship that exists between a work of art and its frame, and consider the ethos of the artist as well as that of art. Sophie Calle’s and Annie Ernaux’s practices suggest that in order to achieve creative autonomy, art and writing must function outside of the constraints of moral, ethical, social and even civil laws. By examining instances in which artists, writers, curators and publishing houses have been subject to lawsuits in France since 2010, the conclusion of this dissertation studies a recent increase in the litigation of art and outlines some of the limits of representation as defined by the law.

This thesis is a feminist reading of the work of Henry Handel Richardson (1870-1946), which considers her four major novels: Maurice Guest (1908), The Getting of Wisdom (1910), The Fortunes of Richard Mahony (1930), and The Young Cosima (1939). It proposes that Richardson foregrounds the work of gender ideology in her novels, and that her work is also conscious about its own fictional procedures. This thesis argues that Richardson consciously examines the ideological aspect of narrative modes, such as naturalism, the Bildungsroman, and popular romance. Moreover, it illustrates her attempts to invent narrative strategies which subvert the conventional assumptions about gender inherent in those forms. ???Gender Ideology and Narrative Form??? draws on recent theoretical approaches to narrative, ideology, subjectivity, and dialogism, to argue that Richardson makes the ideological shaping of her stories most visible through manipulations of genre, plot, narrative voice, and point of view. Aspects of ideology examined include the Victorian and late-Victorian equation of masculinity with public rationality, mind, public achievement, and genius: and, on the other hand, the association of femininity with the body, passion, and private or domestic spaces. The thesis also considers some of the values and assumptions about gender implicit in nineteenth-century scientific thinking. Henry Handel Richardson has been viewed as a conservative writer, in both aesthetic and political terms. By contrast, I suggest that she resists the moral and representational codes of the realist or naturalist form, and that her uncompromising oppositional strategy achieves a number of radical results. It exposes and criticises the masculinist bias of certain representational methods; it offers new ways of representing female experience; and it insists that the private sphere must be treated also as a political space in which crucial power relationships are at work. My approach to Henry Handel Richardson???s fiction opens new ways to see her work as the product of a distinctive feminist consciousness.

<p><i>She Will Be: Literary Authorship and the Coming Woman in the Postbellum United States </i>argues that postbellum women writers deployed the figure of the Coming Woman, an archetype for the nation’s improved female future, to articulate expanded sociopolitical opportunities for women, interrogate prevailing standards of literary art, and validate their own literary pursuits. During the final decades of the nineteenth century, the American reading public became increasingly fascinated with identifying who the Coming Woman would be, what qualities she would possess, and how her arrival would alter the nation’s future. Such questions flooded US print culture in the decades between 1865 and 1900, demonstrating that the Coming Woman not only occupied a space between the antebellum True Woman and fin de siècle New Woman but also that she was a major feminine archetype in her own right.</p><p><br></p><p>Even so, existing scholarship on the Coming Woman tends either to identify the Coming Woman anachronistically as an early iteration of the New Woman or, when naming her directly, to overlook her complex function as both a harbinger and manifestation of manifold sociopolitical changes. These limited examinations elide the Coming Woman’s ubiquitous influence on postbellum literary culture, particularly in terms of the complex links Susan Coultrap-McQuin and Lawrence W. Levine have traced between middlebrow culture and postbellum national identity. <i>She Will Be</i> builds on recent scholarship by demonstrating how the American Coming Woman helped reshape notions of women’s literary authorship, modernity, and national identity in the late nineteenth century. By examining her literary life through four key middlebrow genres (<i>Bildungsroman</i>, sentimentality, utopianism, and regionalism), <i>She Will Be</i> reveals how female authors used the Coming Woman figure to imagine—and, indeed, write into being—an expanded vision for the US’s female future.</p>