Ce travail de recherche porte sur les comédies de magie qui succèdent à l’événement théâtral qu’a constitué La pata de cabra, de Juan de Grimaldi (1829) dans l’histoire de la scène espagnole. L’angle choisi est celui de l’histoire culturelle, dans le dessein d’éclairer le “faire spectaculaire” de ce genre aussi bien du point de vue esthétique et artistique que technique et budgétaire. Ce théâtre de l’enchantement est abondant et il fit recette, malgré les critiques acerbes dont il fut l’objet, mais il est aujourd’hui tombé dans l’oubli. Si la comédie de magie est un genre mineur en apparence, elle s’inscrit pourtant dans une longue tradition “néo-ritualiste” espagnole et européenne et elle a sans conteste influencé d’autres genres (dans l’exploitation de tous les moyens qu’offre la scène) qui jouissent d’une plus grande renommée qu’elle. L’enjeu de l’étude est d’analyser l’aspect performantiel de cet objet culturel, fabrique des avant-gardes scéniques en Espagne. La comédie de magie est envisagée en tant que niche de talents et phénomène culturel d’exception en matière de technique représentative (décors, costumes, machinerie et autres dispositifs). / La pata de cabra (1829) by Grimaldi was a turning point in the history of Spanish Magical Theater. My dissertation is enquiry into 19th and 20th-Century Post- Grimaldian enchanting comedies. I use a cultural historical approach to shed light on this genre’s specific search for a “spectacular dimension” and to examine it from an aesthetic and artistic point of view, as well as a technical and budgetary one. This Magical Theatre was very prolific and successful at the time (despite harsh critics), but it has largely been forgotten since. Although Magical Comedy seems to be a minor genre, it is nonetheless part of a long “neo-ritualistic” Spanish and European tradition and, because of its extensive optimization of on-stage possibilities, it has undoubtedly influenced more renowned genres. I discuss the performance aspect of this cultural object and I argue that it is a workshop for Spanish Avant-Garde theatre. I show how Magical Comedy fostered theatrical creativity among artists and I discuss to which extent this singular cultural phenomenon shaped specific representative techniques (scenery, costumes, machinery and other devices) in Spanish theatre.

Alors que l'influence des théories optiques de la couleur sur le développement des techniques picturales aux XIXe et XXe siècles a fait l'objet d'études nombreuses, le champ, tout aussi déterminant, de la psychologie de la couleur demande à être exploré plus en avant. Notre recherche porte sur les liens historiques et épistémologiques entre les approches psycho-physiologiques de la couleur - empruntées aux discours de la psychologie expérimentale, de la psychiatrie et des sciences psychiques - et les cultures visuelles, au tournant du XXe siècle. Ce travail explore le pouvoir de conditionnement mental de la couleur, ou «chromomentalisme» : comment la couleur influence l'esprit et plus largement le corps de l'individu en affectant sa capacité de concentration, sa santé ou son humeur. La thèse présente trois grands axes qui correspondent à des déclinaisons différentes des psychologies de la couleur : la couleur-attention, la couleur-énergie et la couleur-émotion. La première partie analyse les dispositifs d'emprise attentionnelle utilisés à la fois en laboratoire et sur scène, la dialectique entre attention et distraction dans les expériences urbaines, et l'essor des psychotechniques de la couleur. La deuxième partie explore les pratiques d'emprise énergétique (le mythe du corps sans fatigue, la neurasthénie) et l'interprétation bio-esthétique de la couleur qui émerge à fois du débat occultiste et expérimental. La troisième partie porte sur le pouvoir de gestion des affects, en mobilisant le débat sur l'empathie et l'éducation des sens, l'esthétique populaire des couleurs, les modes de relation entre harmonies chromatiques et sociales. / Whilst the influence of color optical theories on the development of pictorial techniques in the Nineteenth and Twentieth centuries has been the subject of numerous studies, the field of color psychology needs to be explored further. Our research focuses on the historical and epistemological links between psycho-physiological approaches to color - derived from the discourse of experimental psychology, psychiatry and psychic sciences - and visual cultures at the turn of the Twentieth century. This dissertation explores the power of color as mental conditioning, or «chromomentalism» : how color influences the mind and more broadly the body of the individual by affecting its ability to concentrate, health or mood. The thesis presents three major axes that correspond to multiples aspects of color psychology : color-attention, color-energy and color-emotion. The first part analyzes the attention-grabbing devices used both in the laboratory and on stage, the dialectic between attention and distraction in urban experiences, and the rise of psychotechnics of color (art, cinema, advertising:). The second part explores the oractices of energetic control (the utopian goal of the "body without fatigue", neurasthenia, psychotechnics of energy) and the bio-aesthetic interpretation of color that emerges from occultism and experimental sciences. The third part focuses on the power of color to affect emotion, by questioning the debate on empathy and the education of the senses, the popular aesthetics of colors, the link between chromatic and social harmonies.

Ce travail a pour objectif la mise en évidence des interférences entre la presse et la littérature. en étudiant les "romans athéniens" de Grigorios Xénopoulos, publiés en feuilleton entre 1913 et 1945 dans la presse athénienne, nous examinons le champ littéraire et journalistique grec depuis la fin du XIXe siècle et jusqu’à la deuxième guerre mondiale, la description de l’espace urbain (Athènes) et la présence de l’interdiscours dans les romans. Nous traitons le corpus dans l’optique d’une littérature de presse, médiatique et largement accessible. Enfin, dans le sillage de l’analyse du discours et particulièrement de la nouvelle rhétorique, nous examinons la dimension argumentative des textes et l’image de l’auteur dans la fiction, telle qu’elle est perçue notamment à travers le réseau intertextuel. / This work aspires to the description of the connection between the press and the literature. by studying Grigorios Xenopoulos’"Athenian novels", published in serial form between 1913 and 1945 in the Athenian press, I examine the greek literary and journalistic field from the end of the 19th century until the world war II, the description of the urbain space (Athens) and the interdiscourse in the novels. the corpus is treated from the point of view of the media and the largely accessible press literature. Finally, following on from the discourse analysis and in particular from the new rhetoric, I examine the argumentative dimension of the texts and the image of the author in fiction, as it is perceived in particular through the intertextual network.

La réflexion engagée dans la thèse propose une archéologie des représentations collectives se rapportant à l’espace domestique de l’écrivain et à son œuvre au moyen d’une socio-critique des textes où elles prennent corps. À partir de la notion de « maison-musée », la maison-musée de l’écrivain est considérée comme un lieu réel et comme une structure mentale et matérielle où s’inventent, s’organisent, s’exposent et sont conservées des « images d’écrivain » qui, quoique variées, voire hétérogènes, définissent un imaginaire et une imagerie cohérents de la figure de l’écrivain. Dans la thèse, la dimension discursive de la « paratopie » du lieu d’écriture est mise en perspective avec les approches posturales et scénographiques centrées sur la figure de l’écrivain. Pour ce faire, l’étude postule que l’agencement des objets dans les maisons-musées s’appuie sur ces « scéno-mythographies ». Des dispositifs d’exposition divers les transposeraient par la suite dans l’espace muséal. Partant, la thèse montre que les mises en scène de l’écrivain à demeure constituent un levier essentiel des appropriations mémorielles collectives des écrivains et de leurs œuvres parce qu’elles cristallisent des représentations mythiques à succès qui s’actualisent dans l’esprit du temps. Plus largement, elles participent à l’écriture de l’histoire littéraire qui s’institutionnalise au XIXe siècle : elles mettent l’accent sur certains écrivains, sur une mythologie de la création littéraire et sur des œuvres qui ont vu le jour dans de « hauts-lieux littéraires ». Enfin, il s’agit de comprendre les enjeux de poétique et de réception qui lient les maisons des écrivains à leur œuvre littéraire. / The reflection undertaken in the thesis offers an archaeology of the collective representations relating to the writer’s domestic space and work, by means of a socio-criticism of the texts in which they materialise. From the notion of “house-museum”, the writer’s house-museum is considered a real place, as well as a mental and material structure where « images of the writer » are invented, organised and displayed. Albeit varied, even heterogonous, these images define a coherent imagination and imagery of the writer’s figure. In the thesis, the discursive dimension of the writing place′s “paratopia” is put into perspective with scenographic and postural approaches that are centred on the figure of the writer. To that end, the study predicates that the arrangement of objects in house-museums is based on these ‘‘sceno-mythographies,’’ which are then transposed into the museum space thanks to various display devices. Right from the start, the thesis shows that the writer’s stagings perpetually constitute an essential lever of the writers’ collective memorial appropriations and their works because they crystallise successful mythical representations, which are actualized in the spirit of the age. More broadly, they take part in writing the literary history that is institutionalised in the 19th century: they put the emphasis on certain writers, on a mythology of the literary creation, and on works that came to life in “high literary places.” Finally, the thesis tackles the issues of poetics and reception that link the writers’ houses to their literary work.

Cette étude porte sur l’histoire de l’éducation physique des jeunes filles canadiennes-françaises à Montréal de 1860 à 1920, c’est-à-dire des premières manifestations d’une éducation corporelle dans le réseau éducatif privé jusqu’à la période dite de « l’âge d’or » des sports féminins au Canada. Dans une première partie, le mémoire analyse les discours des hommes de science canadiens-français de manière à saisir leur réflexion théorique sur le corps féminin en mouvement et les prescriptions qu’ils ont formulées à ce sujet. Dans une seconde partie, il présente l’évolution des pratiques gymnastiques et sportives dans les grands pensionnats catholiques de Montréal tenus par les Sœurs de la Congrégation de Notre-Dame et les Sœurs des Saints Noms de Jésus et de Marie. Il apparaît que les promoteurs de l’éducation physique féminine font face à certains défis : comment encourager l’exercice pour les jeunes filles sans trop les exposer dans l’espace public ? Comment concilier l’entraînement physique et l’idéal esthétique de la féminité ? Enfin, comment promouvoir davantage de mouvements pour le corps féminin juvénile sans risquer de nuire à sa capacité reproductive ? Médecins et pédagogues, face à ce dilemme, définirent les contours d’une éducation physique et sportive féminine acceptable. Cependant, bien que les normes diffusées par la littérature prescriptive essentiellement masculine aient été contraignantes, des pratiques innovantes, répondant à des objectifs précis, apparaissent dès les années 1860 dans les grands pensionnats montréalais et se diversifient au début du XXe siècle sous l’impulsion des actrices historiques — religieuses enseignantes, professeures de gymnastique et couventines. / This study examines the history of the physical education of Montreal’s young French Canadian girls from 1860 to 1920; from the first manifestations of corporal education in the private education network to the so-called « golden age » of women’s sports in Canada. Firstly, the discourses of French Canadian scientists are analyzed in such a way as to capture their theoretical reflections on the female body in movement and the prescriptions they formulated. Subsequently, this study presents the evolution of sport and gymnastic practices in the Catholic female boarding schools of Montreal held by the Sisters of the Congregation of Notre-Dame and the Sisters of the Holy Names of Jesus and Mary. Proponents of women’s physical education faced certain challenges: how to promote exercise for young women without exposing them to the public space? How to reconcile physical training with the aesthetic ideal of femininity? Finally, how to promote more movement for the juvenile female body without risking its reproductive capacity? Doctors and educators, faced with this dilemma, defined the contours of an acceptable female physical and sports education. However, although the norms disseminated by the predominantly male prescriptive literature were restrictive, innovative practices that met specific objectives started to appear in Montreal’s boarding schools in the 1860s. These practices diversified in the first decades of the twentieth century under the impetus of historical actresses – teaching sisters, gymnastic professors and students.

Cotutelle de thèse entre l'Université de Montréal et l'Université Paris 3 Sorbonne-Nouvelle / Parallèlement à la construction progressive du concept d’« adolescence » par certaines disciplines telles la sociologie et la psychologie, la catégorie de la jeune fille prend une importance de plus en plus marquée dans la réalité sociale et la littérature française des années 1880-1914. Et pourtant : malgré son importance tant quantitative que « qualitative » dans le roman tournant-de-siècle, force est de constater que le personnage-personne de la jeune fille n’a reçu que très peu d’attention critique au cours des dernières décennies. C’est encore plus vrai du personnage de la jeune personne tel qu’il est représenté dans le « roman catholique » des années 1880-1914, cette étiquette de même que l’immense espace d’hétérogénéité générique constitutive qu’il représente ayant somme toute fait l’objet de peu de travaux. L’objectif de cette thèse consiste donc à préciser les caractéristiques que revêt la jeune fille de papier en régime catholique d’écriture ainsi que l’utilisation à des fins politiques, socioéducatives et idéologiques qui est faite d’elle par les romanciers catholiques de l’ère 1900 – autrement dit par les différents pôles d’un sous-champ littéraire catholique en construction et en mouvement. Pour ce faire, et au croisement de l’histoire littéraire, de l’histoire culturelle et de la sociologie de la littérature, il convient d’abord de définir les exigences, normes et valeurs diffusées au sein du sous-champ, toutes liées à la jeune fille historique et sociale et qui conditionnent les postures et les pratiques d’écriture de l’ensemble des agents. Seulement après analyserons-nous les représentations de la « jeune fille » inscrites dans les principaux sous-genres investis par les romanciers catholiques du temps – le roman d’amour, le roman traditionaliste et le roman de vocation spirituelle. On verra alors qu’en plus de rendre visible un conflit de représentations fictionnelles qui réfracte les débats sociaux entre laïcs-républicains et catholiques, les personnages de jeunes filles mis en récit par le roman catholique révèlent les conflits qui opposent différents acteurs à l’intérieur même du sous-champ et, plus largement, du monde catholique de la période 1880-1914. C’est poser que la « jeune fille » est à la fois l’un des enjeux et l’un des instruments fondamentaux du sous-champ des romanciers catholiques tournant-de-siècle : sa représentation littéraire permet en effet aux écrivains catholiques d’alors, en fonction de leur position (dominante-orthodoxe ou dominée-hérétique) dans le sous-champ et des intérêts qui y sont associés, de prendre position dans le sous-champ littéraire catholique, autrement dit de conserver telle quelle ou de subvertir profondément la structure du sous-champ, et donc par extension la structure du champ des formes et des contenus romanesques. / The girl is more important than ever in Fin-de-Siècle France : the rising conflict between the Third Republic and the Church puts the spotlight on this now unavoidable fictional character. And yet, very few studies have focused on her. The same could be said of the Catholic Novel, which has not received much critical attention over the last decades. This study thus aims at describing the features of the girl in French turn-of-the-century Catholic literature, and the ways she is used by Catholic writers to undermine the basis of the new (anticlerical) Republic. But Catholic writers are far from agreeing on the ways the girl should be depicted : some believe that her fictional representation should have moral and ideological effects on the readers (romance and traditionalist writers such as M. Maryan, Henry Bordeaux, René Bazin and Paul Bourget), while others think it should inspire in them the love of the Passion of Jesus (spiritual writers like Barbey d’Aurevilly, Léon Bloy and Émile Baumann). In short, this study shows how, in Fin-de-Siècle French literature, the girl becomes one of the major instruments of the conflicts between Catholics and Republicans, but also between Catholics.