Ingresé a la Pontificia Universidad Católica del Perú en el año 1995, sin saber bien qué quería estudiar pero sabiendo que quería estudiar. Para poder cursar Estudios Generales Letras uno debe indicar a qué Facultad piensa ir así que me inscribí en Psicología, pero al terminar el primer año de Estudios Generales, cuando empezó a correr el rumor por los pasillos de Letras de que se abriría al año siguiente la nueva Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación, pensé que sería una buena opción para mí. La verdad es que tenía muchos intereses y mis inclinaciones se movían entre la literatura y la física, la arquitectura y la educación, la historia y la biología nuclear… Eran tan disímiles mis gustos que me costaba tomar una decisión tan importante: elegir a qué me iba a dedicar el resto de mi vida, y por alguna razón intuí que las Ciencias y Artes de la Comunicación podrían permitirme trabajar con temáticas variadas y albergar mis inquietudes. Una amiga de Letras llevó un taller de teatro en nuestro primer año de estudios y cuando vi su muestra final, algo de esa experiencia resonó íntimamente en mí. Al semestre siguiente me inscribí en ese mismo taller. En la primera clase estaban todos los alumnos del grupo anterior, un alumno nuevo y yo. No recuerdo bien qué hicimos en ese primer encuentro pero recuerdo perfectamente lo que pasó en nuestra segunda clase: el profesor directamente me lanzó al centro del espacio -todos sentados al frente me miraban- y me dijo: improvisa. Me quedé helada, inmóvil, tensa. Nunca me había sentido tan inútil, tan temerosa, tan expuesta y tan poco capaz de hacer algo interesante. Tuve tanto miedo que ni siquiera fui capaz de darme cuenta de que tenía miedo. Mis mecanismos de defensa se activaron de inmediato y lo que sentí claramente fue: el teatro es horrible, no quiero estar aquí. No volví más al taller / Tesis

Crianças e suas práticas de leitura representadas na pintura artística brasileira é o tema central dessa dissertação, que se detém na apreciação de representações diversas das experiências de crianças em torno do ler, manifestas nas produções artísticas entre os anos de 1890 e 1940. A investigação inscrita no campo da História da Educação, discute primeiramente as possibilidades de pesquisa histórica a partir de documentos visuais, especificamente a pintura artística, com vistas à compreensão da imagem como produção cultural de um tempo, atravessada por intencionalidades e sensibilidades. As imagens são tomadas como indícios históricos de uma prática que raramente deixa vestígios, a leitura. São elas representações de um tempo e não as práticas em si mesmas, operam por regimes de verossimilhança. Por isso, as práticas de leitura de crianças no Brasil são buscadas nos registros da pintura artística brasileira produzidas entre os anos de 1890 e 1940. A pesquisa junto a catálogos de exposições e acervos virtuais de museus e fundações de arte possibilitou a composição do corpus documental constituído por 33 (trinta e três) obras. A análise deste conjunto destacou os modos de ler representados em distintos espaços de sociabilidades da vida cotidiana em que as crianças se fazem presentes. A estratégia analítica do estudo está fundamentada na história cultural e inscreve-se no âmbito dos estudos da história da cultura escrita, busca compreender os lugares, os modos, os usos e as relações que se estabelecem em torno do ler de crianças em suas relações cotidianas. Para a construção desta pesquisa, são utilizados os estudos de Burke, Chartier, Manguel, Pesavento, entre outros autores que contribuem na análise desta dissertação. / Los niños y sus prácticas de lectura representadas en la pintura artística brasileña son el tema central de esta tesina que se dedica a la apreciación de distintas representaciones de las experiencias de los niños en el acto de leer, manifestadas en producciones artísticas de entre los años de 1890 y 1940. La investigación, que se insiere en el campo de la Historia de la Educación, discute primeramente las posibilidades de investigación histórica a partir de documentos visuales, en el caso específico la pintura artística, con vistas a la comprensión de la imagen como producción cultural de un tiempo, cruzada por intencionalidades y sensibilidades. Se toman las imágenes como indicios históricos de una práctica que raramente deja huellas, la lectura. Son esas imágenes representaciones de un tiempo y no las prácticas en sí mismas y operan por regímenes de verosimilitud. Por ello, se buscan las prácticas de lectura de los niños en Brasil en los registros de la pintura artística brasileña producida entre los años 1890 y 1940. El estudio de los catálogos de exposiciones y acervos virtuales de museos y fundaciones de arte ha posibilitado la composición de un corpus documental constituido por 33 (treinta y tres) obras. El análisis de este conjunto destacó los modos de leer representados en distintos espacios de sociabilidades de la vida cotidiana en los que los niños se hacen presentes. La estrategia de análisis del estudio se basó en la historia cultural y se insiere en el ámbito de los estudios de la historia de la cultura escrita, buscando comprender los lugares, los modos, los usos y las relaciones que se establecen alrededor del acto de leer de los niños en sus relaciones cotidianas. Para la realización la investigación se utilizan como referencia los estudios de Burke, Chartier, Manguel, Pesavento, además de otros autores que contribuyen al análisis presente en esta tesina.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2018. / Esta dissertação tem como proposta investigar a relação entre a autoficção e a catarse na prática da cartografia artística. Para tal, são apresentadas sete cartografias artísticas de autoria própria, com obras em pintura, desenho, contos, intervenção urbana, roteiro cinematográfico e escultura. São também apresentadas e relacionadas obras de outros artistas. A autoficção é apresentada segundo recorte teórico proposto por Vincent Collona (2014) no primeiro capítulo, O Pé de Bico; suas exemplificações teóricas na literatura são utilizadas, mas busca-se também paralelos em outras linguagens, como um roteiro de curta-metragem e pinturas, de autoria própria, além de obras visuais de outros artistas como Johannes Gumpp (1626 – 1646), Katsushika Hokusai (1760-1849), Edgar Degas (1834 – 1917), Rafael Sanzio (1483 – 1520), Van Gogh (1853 – 1890), dentre outros. O segundo capítulo, intitulado Paralisia do Sono, aborda o conceito de experiência segundo Dewey (1980) e é exemplificado com pinturas próprias feitas a partir da vivência desse distúrbio do sono. A linguagem como possibilidade de criação de novas realidades é o tema de investigação na produção textual; essa relação é pensada a partir do autor Vilém Flusser (2007) no terceiro capítulo, chamado: Os Contos de Santa Luzia Cega. Malafetty: do Cafezinho na Sala dos Professores à Galeria de Arte é o nome do quarto capítulo, que exemplifica a relação entre vivência cotidiana, estetização da experiência e exposição desse resultado em galeria de arte; aponta-se possíveis aproximações da produção com a arte bruta, a charge e a caricatura. A cartografia artística é trabalhada a partir de Sueli Rolnik (2011) em consonância com instâncias do conhecimento sensível numa perspectiva fenomenológica no quinto capítulo, nomeado Tuberculose Ocular, em função da vivência dessa situação. A questão do tempo na cartografia artística é trabalhada no sexto capítulo Uma Barata: Desdobramentos Desta Experiência. O tema da catarse figura principalmente na cartografia empreendida no processo artístico Debanda (2017), sétimo capítulo desta dissertação, tendo ancoragem teórica principalmente em Aristóteles, Antonin Artaud, Patrice Pavis, dentre outros. / This dissertation aims to investigate the relationship between autofiction and catharsis in the practice of artistic cartography. For this, seven artistic cartographies of own authorship are presented, with works in painting, drawing, short stories, urban intervention, cinematographic script and sculpture. Other works by other artists are also presented and related. The autofiction is presented according to the theoretical cut proposed by Vincent Collona (2014) in the first chapter, Nozzles Foot (Pé de Bico); his theoretical exemplifications in the literature are used, but he also seeks parallels in other languages, such as a screenplay of short films and paintings, by his own authors, as well as visual works by other artists such as Johannes Gumpp (1626-1646), Katsushika Hokusai (1760-1849), Edgar Degas (1834-1917), Rafael Sanzio (1483-1520), Van Gogh (1853-1890), among others. The second chapter, entitled Sleep paralysis (Paralisia do Sono), approaches the concept of experience according to Dewey (1980) and is exemplified with his own paintings made from the experience of this sleep disorder. Language like the possibility of creating new realities is the subject of research in textual production; this relationship is thought from the author Vilém Flusser (2007) in the third chapter, called: The Tales of Saint Luzia Blind (Os Contos de Santa Luzia Cega). Malafetty: from Cafezinho in the Teachers' Hall to the Art Gallery (Malafetty: do Cafezinho na Sala dos Professores à Galeria de Arte) is the name of the fourth chapter, which exemplifies the relationship between daily living, aestheticizing the experience and exposing this result in an art gallery; it’s point out possible approximations of the production with the gross art, the cartoon and the caricature. Artistic cartography is based on Sueli Rolnik (2011) in consonance with instances of sensitive knowledge in a phenomenological perspective in the fifth chapter, named Ocular Tuberculosis (Tuberculose Ocular), in function of the experience of this situation. The question of time in artistic cartography is worked out in the sixth chapter One Cockroach: Outfits of This Experience (Uma Barata: Desdobramentos Desta Experiência.). The theme of catharsis is found mainly in the cartography undertaken in the artistic process Debanda (2017), the seventh chapter of this dissertation, with theoretical anchorage mainly in Aristotle, Antonin Artaud, Patrice Pavis, among others.

Memoria para optar al título de periodista

En la Tesis “La Euritmia y sus disoluciones. Las ‘dimensiones’ del número en Música y Arquitectura”, se presenta el trayecto de la euritmia en cada uno de sus estadios cronológicos de la Vanguardia y la Neovanguardia. En ellos se ve la progresiva disolución y reajuste artístico a través de los diferentes momentos estéticos y de sus necesidades proyectuales tanto en el campo de la Arquitectura como en el de la Música del siglo XX. Es en el marco de la escenificación de la forma artística y de sus leyes morfológicas en las que esta tesis tiene su estructura vertebral, a la luz del ‘número’ y de sus implicaciones espaciales y sonoras. Durante la primera y la segunda parte de la tesis, estudiamos el Arte, la Ciencia y la Naturaleza como proyecciones del número en su extensión artística y conceptual. Una de las herramientas básicas para expresar la confrontación y hermandad entre el mundo de la Ciencia y el Arte la encontraremos gracias a la noción de empatía, y en los conceptos de geometría y de abstracción que nos ayudarán a expresar la correlación etimológica entre Ciencia y Estética artística durante las Vanguardias europeas. Se pretende poner de manifiesto la relación entre tradición y modernidad utilizando como puentes de conexión el canon, la proporción y el número. En la tercera parte de la presente tesis presentamos la relación entre Arte y Experiencia artística proporcionada a través del cocepto de número. Éste se hace vivencial en la experiencia arquitectónica y musical como hecho estético presente en la segunda mitad del siglo XX, momento histórico denominado como las Neovanguardias. En esta tercera parte analizaremos las sensaciones que se proyectan desde el emisor hasta el receptor de la obra de arte pasando por la vivencia estética que proporciona el objeto artístico.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura Brasileira. / Made available in DSpace on 2012-10-16T00:04:08Z (GMT). No. of bitstreams: 0Bitstream added on 2016-01-08T15:31:40Z : No. of bitstreams: 1 255606.pdf: 1276359 bytes, checksum: 496ee843106137f9b31f94bbd5334369 (MD5)

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão / Made available in DSpace on 2012-10-16T08:10:18Z (GMT). No. of bitstreams: 0Bitstream added on 2016-01-08T19:23:27Z : No. of bitstreams: 1 101661.pdf: 2256911 bytes, checksum: 067ec9abf5663c9b4f44f334b5cdc943 (MD5) / Este estudo, um trabalho temático sobre a questão do satanismo, pretende mostrar as relações intertextuais da obra de dois escritores, o brasileiro João da Cruz e Sousa e o francês Charles Baudelaire. Trata-se, ao longo do estudo, de tentar provar minha hipótese de trabalho: que ambos os poetas se basearam em 'princípios satânicos' no momento do ato da criação. Isto me levou a estabelecer a existência de uma teoria satânica no âmbito de suas poesias, marcando assim o início da poesia moderna.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em Psicologia, Florianópolis, 2010 / Made available in DSpace on 2012-10-25T03:10:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 283206.pdf: 1921402 bytes, checksum: b15087d8268fee8dc0b27282005e409e (MD5) / O objetivo principal desta pesquisa foi investigar os processos de criação musical como atividade mediadora na constituição do sujeito, realizada com dois músicos violonistas compositores de música instrumental, integrantes de um duo de violões. A fundamentação teórica baseia-se principalmente nos aportes teóricos do psicólogo russo Lev S. Vygotski, de acordo com o materialismo histórico e dialético, e seus interlocutores, sobre processo de criação, atividade criadora e relação estética, utilizando, também, os estudos do filósofo russo Mikhail M. Bakhtin a respeito da criação/produção estética, e da relação entre ética & estética. A música é entendida, neste trabalho, como sendo uma linguagem afetivo-reflexiva, como trabalho acústico e como atividade humana situada em contextos. O método, de orientação qualitativa, esteve pautado na configuração de histórias de relação com a música, sendo utilizado para tanto o emprego de entrevistas abertas com roteiro norteador para a apreensão das informações. Também foram realizadas observações de ensaios e momentos de criação musical dos músicos # registradas por meio de diário de campo, bem como registro audiovisual de quatro concertos dos músicos sujeitos de pesquisa. O conteúdo das entrevistas foi transcrito na íntegra, lido e relido, e trabalhado com análise do discurso, a partir das contribuições de Bakhtin e seus interlocutores. Como discussão das informações e resultados da pesquisa foram produzidas cinco categorias teóricoempíricas, a saber: a) vozes dos próprios músicos sobre seu processo de criação no fazer musical; b) vozes dos músicos que dialogam entre si para compor música; c) acontecências sonoras entre muitas vozes: objetivações e percursos musicais; d) uma voz que se produz em uma dialogia entre duas e muitas outras vozes: a(s) música(s) do duo; e) existência em devir: projetos atuais e projetos de futuro. Um dos aspectos centrais produzidos como conhecimento e resultado desta investigação foi o de que a música, assim como seu(s) processo(s) de criação, pode ser concebida como uma construção dialógica entre as várias vozes musicais presentes na história de um sujeito, entremeadas ao processo de criação da própria vida, culminando em uma est(ética) de si. Existe, então, um amálgama entre o processo de criação de si como sujeito assim como o de suas atividades criadoras, objetivando contemporaneamente músicas e sujeitos, onde estes são capazes de se (re)criarem na existência. Ou seja, pela atividade criadora musical, sujeitos podem (re)criar a si mesmos, suas relações, seus fazeres, suas produções estéticas, suas possibilidades de vida, inovando, aprimorando e qualificando continuamente em seus percursos de vida.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em Psicologia. / Made available in DSpace on 2012-10-23T18:53:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 262185.pdf: 5966537 bytes, checksum: c8936f6c8b21a54f09f2dda07b53181e (MD5) / A presente pesquisa tem como objetivo investigar os processos de criação em linguagem visual de Sílvia Teske, procurando dar visibilidade à elaboração estética de seu estilo singular de criação plástica. Um dos principais postulados dessa investigação é o de que a compreensão de como operam os processos de criação de um sujeito que cria plasticamente constitui um lócus privilegiado tanto para a investigação do funcionamento do psiquismo humano em movimento, quanto para a visibilidade da consciência estética contemporânea, uma vez que o sujeito criador é, simultaneamente, produtor cultural e produto da cultura. O sujeito estudado é Sílvia Teske, artista visual, graduada em Licenciatura em Artes Plásticas, nascida e residente em Brusque, Santa Catarina. A matriz teórico-epistemológica da presente investigação é a Psicologia Histórico-Cultural de Vygotski e o método utilizado é o proposto pelo psicólogo Bielorusso em sua obra. Foram dois os recursos metodológicos utilizados nessa pesquisa: 1) Entrevistas e 2) Videografia. Os registros videogravados foram coletados em dois momentos: 1) Durante a realização das entrevistas; 2) Em sessões em que o sujeito estava criando in loco em seu ateliê. Dois processos de criação foram escolhidos para serem analisados, por constituírem as principais atividades criadoras do sujeito no momento da investigação: 1) a pintura em tela e 2) a assemblage a partir da criação de objetos tridimensionais # denominados #caixinhas# - utilizando técnicas mistas. Na análise dos dados procurou-se encontrar uma unidade na poética visual criada por Sílvia Teske. Constatou-se que o universo feminino é uma temática constante em suas obras e que o sujeito criador faz uso do humor e da sátira para construir, desconstruir e/ou reconstruir os signos visuais que constituem seu trabalho, de forma lúdica e dialética. Conseqüentemente, as criações plásticas de Sílvia Teske podem ser lidas como uma crítica social da condição feminina na contemporaneidade, objetivada em signos visuais.

Orientador: Pelópidas Cypriano de Oliveira / Banca: João Cardoso Palma Filho / Banca: Silvia Barros de Held / v.1: O laboratório do artistas - cientista:relatório circunstanciado apresentado como trabalho equivalente ; v.2: Proposta de Projeto Pedagógico: criação do curso superior de tecnologia em gestão artistica e cultural / Resumo: Atualmente, pensar em uma Instituição de Ensino Superior formadora de artistas visuais sem estar amparada nas transformações que a revolução tecnológica proporciona, bem como as mudanças ocorridas no mercado seria o mesmo que criar uma empresa fadada ao fracasso. Vistas sob o mesmo ponto de vista coorporativo, as faculdades tem buscado diferenciais e a atrativos para conquistar mais alunos e consolidar qualidade sem perder a quantidade. Pensar a formação do artista sob métodos quantitativos mais do que qualitativos não é uma tarefa fácil, visto que se trata de um curso de nicho, em que há um grande investimento na parte estrutural, como laboratórios diferenciados, ambientes individualizados e equipamentos específicos, o que gera gastos e não receitas imediatas. Há ainda o agravante de ser um curso não muito procurado, baseado na Instituição a qual trabalho enquanto coordenadora do Curso de Licenciatura em Artes Visuais e nem com o custo alto da mensalidade. Há uma saturação sazonal no mercado de trabalho com estes profissionais na área da Educação, o que faz com que muitos acabem por não investir em uma área sem retorno financeiro imediato. Vivenciando todas estas situações, a presente pesquisa nasceu de uma preocupação em formatar o curso de Artes Visuais dentro das necessidades contemporâneas, agradando principalmente o órgão avaliador e determinador da existência do curso: o MEC. Nasceu então, o espaço produtor de estudos na área e fomentador da Arte no mercado, o qual deu o título a esta dissertação, o Laboratório do artista - cientista, preocupado com o ambiente criativo e propulsor da criação do artista, voltado ao estudo, produção da arte midiática e inserção mercadológica. Trata-se de estudo de caso que se utilizará do conceito de laboratório, ao invés da palavra ateliê, para vir ao encontro dos anseios em experimentos... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: Currently, think of a higher education institution-forming visual artists without being supported by the transformations of the technological revolution provides, as well as changes in the market would be the same as creating a contract doomed to failure. Views from the same point of view corporate keynote, colleges have sought to win attractive spreads and more students and consolidate without losing quality for quantity. Think the formation of the artist in quantitative methods rather than qualitative is not an easy task, since it is a course of niche, there is a large investment in the structural part, as different laboratories, environments, individualized and specific equipment, which generates no immediate revenue and spending. There's still aggravating to be a very popular course is not based on the Institution to which work as coordinator of the Bachelor of Visual Arts, nor with the high cost of tuition. . There is a saturation in the market for seasonal work with these professionals in the field of education, which means that many end up not investing in an area without immediate financial return. Experiencing all these situations, this research was born of a concern in the course format Visual Arts within the contemporary needs, especially pleasing to the national evaluator and determiner of the existence of the course: the MEC. Starded then, the space producer of studies in the field of Art and developers in the market, which gave the title to this dissertation, the Laboratory of the artist - scientist, concerned with the creative environment and pushing the creation of the artist, devoted to the study, production art media and marketing integration. This is a case study that uses the concept of the lab, instead of the word studio, to come out to meet the expectations in technological experiments in the XXI century... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre