Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Alice1.pdf: 5110626 bytes, checksum: 71cccc9ad3a5e2f57021b0a45b226dd9 (MD5) Previous issue date: 2008-08-21 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research had as a goal to study the expressions of art deco architecture in Florianópolis downtown, characteristic of the modernity that was configured from the 30 s, and still is not much recognized by historiography as well as by the architectonic patrimonial preservation departments. In the first chapter, named The imagistic fantasy of the new was analyzed the introduction of the modern in the city through public buildings that constituted the desire for renovation of the State that was strengthened and brought, a general way, the imagistic fantasy of the new . The second chapter, named The past inscribed in details, presents and analyzes the aesthetics of door-window edifications and some townhouses that compose the biggest part of the landscape in Brazilian downtown cities, especially here in Florianópolis. It is realized as the simple speech of this more popular art deco is presented, in great manner, as the survival of our colonial baroque forms, the reappearing of the past behind the modernizing appearance of the fronts. The third and last chapter, named For a salvation logics, intends to debate questions concerning the preservation of architectures, considering the analyses of the art déco edifications in the Santa Catarina island downtown and its inclusion or not in the performed actions of municipal preservation. This study was done with a diverse bibliographic research that was confronted with the analyses of the perceived images in the city and with official texts of the municipal preservation department. To deepen the nvestigation was done a photographic survey of the edification projects with art deco speech approved by the Urbanization an Public Services Clerkship (SUSP) among the 30 s and 50 s which, accompanied of the images of those still existent edifications in Florianópolis, resulted in an inventory localized in the end of the text which will be able to serve later on as a source for consultation / Esta pesquisa teve por objetivo estudar expressões da arquitetura de linguagem art déco do centro de Florianópolis, característica da modernidade que se configurou a partir dos anos trinta, e que ainda se encontra pouco reconhecida pela historiografia assim como pelos órgãos de preservação do patrimônio arquitetônico. No primeiro capítulo, chamado A fantasia imagética do novo foi analisada a introdução do moderno na cidade através dos prédios públicos que constituíram o desejo de renovação do Estado que se consolidava e que trouxeram, de uma forma geral, a fantasia imagética do novo . O segundo capítulo, chamado O passado inscrito em detalhes, apresenta e analisa a estética das edificações de porta-ejanela e alguns sobrados que compõem grande parte da paisagem dos centros das cidades brasileiras, especialmente de Florianópolis. Percebe-se como a linguagem singela deste art déco mais popular apresenta-se, em grande medida, como a sobrevivência de formas de nosso barroco colonial, a reaparição do passado por trás da aparência modernizante das fachadas. O terceiro e último capítulo, intitulado Por uma lógica da salvação, pretende debater questões acerca da preservação das arquiteturas, levando em consideração a análise de edificações art déco do centro da ilha de Santa Catarina e sua inclusão ou não nas ações de preservação municipais realizadas. Este estudo foi realizado com variada pesquisa bibliográfica confrontada com a análise das imagens percebidas na cidade e com textos oficiais do órgão de preservação municipal. Para aprofundar a investigação foi realizado um levantamento fotográfico dos projetos de edificações de linguagem art déco aprovados pela Secretaria de Urbanismo e Serviços Públicos (SUSP) entre as décadas de trinta e cinqüenta que, acompanhado das imagens daquelas edificações ainda existentes em Florianópolis, resultou num inventário localizado ao final do trabalho que poderá servir posteriormente como fonte de consultas

O objetivo desta pesquisa é a análise de cinco obras arquitetônica erguidas na cidade de São Paulo entre 1930 e 1945, anos que o Brasil foi governada por Getúlio Vargas. As obras escolhidas neste trabalho foram o Estádio do Pacaembu, a Biblioteca Municipal, o Túnel do Trianon, o Viaduto do Chá e a Ponte das Bandeiras, todas construídas pela Prefeitura Municipal de São Paulo, nas gestões de Fabio Prado e de Francisco Prestes Maia. Usando as teses de David Harvey e Robert O. Paxton, definimos o momento político e econômico em que os projetos foram construídos na cidade, levando em conta a relação entre o Estado brasileiro e a arquitetura em São Paulo. / The objective of this study is the analysis of five works of architecture constructed in the city of São Paulo between 1930 and 1945, years during which Brazil was governed by Getúlio Vargas. The works selected for this study were Pacaembu Stadium, the Municipal Library, the Trianon Tunnel, the Viaduto do Chá, and the Bandeiras Bridge, all constructed by the São Paulo municipal government during the mayorships of Fabio Prado and Francisco Prestes Maia. Using the theories of David Harvey and Robert O. Paxton, the study defines the political and economic moment in which the projects were constructed in the city, taking into consideration the relation between the Brazilian state and architecture in São Paulo.

Gustave Fayet était artiste, collectionneur, grand propriétaire viticole et restaurateur de l’abbaye de Fontfroide. Il a mené toutes ces activités de front et elles sont liées les unes aux autres. Cette étude présente l’itinéraire de Gustave Fayet entre Béziers où sont ses racines, Paris où il se réalisa en tant qu’artiste, en passant par l’abbaye de Fontfroide qui fut le catalyseur de sa réalisation artistique. Ses racines biterroises façonnèrent son goût, lui donnèrent les moyens financiers de faire ce qu’il aimait. Là il rencontra Maurice Fabre et George Daniel de Monfreid qui le menèrent l’un à Odilon Redon et l’autre à Paul Gauguin, ses deux grands maîtres. Plus tard à Paris et a Fontfroide l’artiste a pu éclore. La vie menée at Paris at partir de 1905, lui permit d’approfondir les rencontres avec les artistes de son temps, et aller au bout sa vie de mécène et de collectionneur. Mais s’il trouva tout ceci a Paris, l’homme aspirait an calme, il se réalisa en achetant en 1908 l’abbaye a Fontfroide, dont il fit un lieu de rencontres artistiques : Odilon Redon décora sa bibliothèque, Richard Burgsthal créa des vitraux. Au cœur de cela, et grâce à la relation privilégiée qu’il entretenait avec Odilon Redon il mena une réflexion sur l’artiste qu’il voulait être. Il reprit ses pinceaux pour se lancer dans des créations très personnelles. Entre 1920 et 1925 il devint un artiste classé et reconnu, en particulier dans le domaine des arts décoratifs, réalisant des tapis au point noué de style art déco. Son travail commencé à Fontfroide lui ouvrit les portes de l’art décoratif, le succès fut au rendez-vous, il décida donc de vivre de son art. / Gustave Fayet was an artist, a collector, a great vineyards owner and the restorer of the abbey of Fontfroide. He led all these activities at the same time and they were all linked to each other. This study presents Gustave Fayet's itinerary between Béziers where were his roots, Paris where he fulfilled himself as an artist, and the abbey of Fontfroide which was the catalyst of his artistic fulfillment. His roots in Béziers shaped his taste, gave him the financial means to do what he liked. There he met Maurice Fabre and George Daniel de Monfreid who drove him to Odilon Redon and Paul Gauguin, his two great masters. Later in Paris and in Fontfroide the artist could hatch. The life he led in Paris since 1905 allowed him to go further in meeting the artists of his time and to achieve his life as a patron of arts and as a collector. But even if he found all that in Paris, the man wanted peace and quiet, he fulfilled himself in buying the abbey of Fontfroide in 1908, which he turned into a place of artistic meetings: Odilon Redon decorated his library; Richard Burgsthal made stained-glass windows. In this atmosphere and thanks to his unique relationship with Odilon Redon he led a reflection on the artist he wanted to be. He took again his paintbrushes to start very personal creations. Between 1920 and 1925 he became a ranked and recognized artist, especially in the field of the decorative arts, making art déco unique carpets. His work which started in Fontfroide opened him the gate to decorative arts, and success finally came, so he decided to earn a living from his art.

Ville front placée quatre ans durant sous les bombardements, à la fin de la guerre, Reims est ravagée et détruite. La reconstruction s'effectue dans un contexte de gestion individuelle des indemnités sans que l'état ou les collectivités locales n'intervienne dans les choix des habitants. C'est ainsi que l'Art déco (à la fois un style et le reflet d’une époque) a trouvé sa place dans la ville, d'une façon naturelle. Reims renaît de ses cendres et atteint, le premier rang pour le nombre de permis de construire déposés en France, mêlant à une trame urbaine remodelée (par un plan de restructuration) sa nouvelle apparence inspirée par l'Art déco. Ce style a permis de répondre aux besoins des habitants meurtris par la Guerre, par la conjugaison judicieuse de l'art et de l'industrie. L'architecture qui résulte de cette reconstruction valut à la ville la dénomination de «capitale de /'Art déco ». Les rémois ont pu s'approprier ce style à travers une expression plus personnelle : l'originalité de l'architecture Art déco réside dans le fait que l'ornement se revêt de signification, non seulement il souligne la structure et fait corps avec l'édifice, mais selon les figures choisies et même la variété des plantes, il se révèle porteur d'émotion et pourvu de profondes significations. A titre d'exemple, la pomme de pin, symbole d'éternité se voit sur plusieurs des façades de la période de la reconstruction à Reims. Bien que les ravages aient largement démontré l'inverse, faire sculpter un tel symbole, c'était indéniablement nier le message des destructions. Ainsi, ce patrimoine doté d'un symbolisme unique et émouvant, est devenu aujourd'hui un élément de l'identité rémoise. / On the front lines for four years under bombardments, at the end of the war, Reims is ravaged and destroyed. The reconstruction is made in a context of individual management of the allowances without the state or the local authorities intervenes in the choices of the inhabitants. This is the way the Art deco (at the same time a style and the reflection dune period) found its place in the city, in a natural way. Reims is reborn of its ashes and achieves, the first rank for the number of building permits requested in France, involving with a remodeled urban network (by a restructuring plan) its new appearance inspired by the Art deco. This style allowed to meet the needs of inhabitants bruised by the War, by the sensible conjugation of the art and of the industry. The architecture which results from this reconstruction was worth in the city the nickname of " capital of the Art deco ". The inhabitants of Reims were able to appropriate this style through a more persona! expression: the originality of the architecture Art deco lies in the fact that the ornament puts on meaning, not only he underlines the structure and is at one with the building, but according to the chosen figures and even the variety of plants, he shows himself carrier of emotion and provided with profound meanings. As an example, the pine cane, the symbol of eternity is on several of the facades of the period of the reconstruction in Reims. Although the devastation widely demonstrated the opposite, make sculpture such a symbol, it was unmistakably to deny the message of the destructions. So, these holdings endowed with a only and moving symbolism, became today an element of the Reims identity.

Esta tese tem como foco principal a análise das letras e letreiros presentes em projetos arquitetônicos desenvolvidos entre 1925 e 1955 na cidade de São Paulo. Leva em consideração tanto as letras utilizadas para fornecer informações, quanto aquelas projetadas com o intuito de efetivamente serem inseridas nas edificações. O desenvolvimento da pesquisa aqui relatada foi baseado num corpus constituído por 170 projetos arquitetônicos de autoria de arquitetos cujo trabalho está significativamente relacionado ao estilo Art Déco: o Escritório Técnico Ramos de Azevedo Severo & Villares; o escritório Siciliano & Silva; e os arquitetos Elisiário Bahiana, Álvaro Botelho, Gregori Warchavchik, Rino Levi e Jayme da Fonseca Rodrigues. Teriam as letras e os letreiros utilizados nas pranchas de projetos arquitetônicos desse período, repetido as características gráficas e posturas encontradas também nos letreiros de edificações Art Déco construídas? Esta é a questão central da tese, que procura ainda, responder a questões secundárias relativas à relação entre estilo de letra e edificação; ao estabelecimento de padrões de desenho de letras em escritórios, ou entre escritórios; e à possibilidade de identificação dos profissionais envolvidos no desenho das letras e letreiros. Em relação ao letreiros arquitetônicos projetados para uso nas edificações, buscou-se compreender de que maneira isso ocorreu no trabalho dos arquitetos analisados, verificando como eram detalhados e especificados esses letreiros. Também fez parte deste trabalho, o levantamento das práticas de ensino do desenho de letras e caligrafia dentro dos principais cursos de formação profissional para arquitetos e desenhistas existentes em São Paulo naquele momento, o do Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, o da Escola Politécnica de São Paulo e o da Escola de Engenharia do Mackenzie College. A resposta à questão central foi positiva, porém com nuances nos resultados conforme as características particulares de cada um dos arquitetos. Os questionamentos secundários revelaram descobertas que possibilitaram um maior entendimento sobre o uso dos letreiros no desenho arquitetônico. / This dissertation focuses on the analysis of the letters and letterings found in architectural drawings produced between 1925 and 1955 in the city of São Paulo. It takes into account the letters used to convey information, and also those designed to be part of the buildings. The development of the research reported here was based on a corpus of 170 architectural designs from major architects whose work is significantly related to the Art Déco style: the companies Escritório Técnico Ramos de Azevedo Severo & Villares, and Siciliano & Silva; and the architects Elisiário Bahiana, Álvaro Botelho, Gregori Warchavchik, Rino Levi, and Jayme da Fonseca Rodrigues. Would the letters and letterings present in architectural drawings during this period, have repeated graphic characteristics and postures also found in architectural lettering on Art Déco buildings from the same period? This is the central question of this dissertation, that also aims to answer secondary issues regarding the relationship between letterform and architectural styles; the establishment of lettering standards in the offices or between them; and the possibility of identification of those responsible for drawing those letters and letterings. Concerning the design of letters for architectural use, it was sought to understand how that occurred in the work of the architects analyzed, observing how were detailed and specified. A survey of lettering and calligraphy teaching practices in the main professional courses for architects and draftsmen in São Paulo in the period was also conducted. The answer to the central question was positive, but with nuanced results according to particular characteristics from each architect. Secondary questions revealed findings that made possible a better understanding of the practice of lettering in architectural drawing.

Esta dissertação investiga o processo de modernização da cidade de Fortaleza, nos anos 1930 e 1940, tendo como objeto as transformações arquitetônicas ocorridas na capital, mais especificamente em seu centro da cidade, núcleo nervoso e gravitacional, onde as mudanças ocorriam com maior ressonância. Interessa ambientar a consolidação desse ideário moderno em um contexto de intensas reformas urbanas, assinalado pelo progresso material, desenvolvimento tecnológico, aceleração da dinâmica urbana, maior racionalidade e funcionalidade, crescimento populacional e territorial, incremento do consumo e expansão do capital, fortemente marcado, também, pela crescente influência norte-americana, pela Segunda Grande Guerra Mundial e pela divulgação e aceitação da estética Art Déco. O intuito é produzir uma pesquisa que contribua para a história da Modernidade em Fortaleza, entendida como um conjunto de modificações econômicas, culturais e sociais, tendo como foco maior a arquitetura. / This essay investigates the process of modernization of Fortaleza, in years 1930 and 1940, having as object the architectural transformations placed in the city, more specifically in its center, where the changes occurred with bigger resonance. This process took place in a context of intense urban reforms, material progress, technological development, acceleration of the urban dynamics, bigger rationality and functionality, population and territorial growth, increment of the consumption and expansion of the capital, also strong marked for the increasing of North American influence, the Second Great World War and the spreading and acceptance of the aesthetic Art Déco. The main intention of this work is to produce a research that contributes for the history of Modernity in Fortaleza, understood as a set of economic, cultural and social modifications, having as principal focus the architecture.

Esta dissertação investiga o processo de modernização da cidade de Fortaleza, nos anos 1930 e 1940, tendo como objeto as transformações arquitetônicas ocorridas na capital, mais especificamente em seu centro da cidade, núcleo nervoso e gravitacional, onde as mudanças ocorriam com maior ressonância. Interessa ambientar a consolidação desse ideário moderno em um contexto de intensas reformas urbanas, assinalado pelo progresso material, desenvolvimento tecnológico, aceleração da dinâmica urbana, maior racionalidade e funcionalidade, crescimento populacional e territorial, incremento do consumo e expansão do capital, fortemente marcado, também, pela crescente influência norte-americana, pela Segunda Grande Guerra Mundial e pela divulgação e aceitação da estética Art Déco. O intuito é produzir uma pesquisa que contribua para a história da Modernidade em Fortaleza, entendida como um conjunto de modificações econômicas, culturais e sociais, tendo como foco maior a arquitetura. / This essay investigates the process of modernization of Fortaleza, in years 1930 and 1940, having as object the architectural transformations placed in the city, more specifically in its center, where the changes occurred with bigger resonance. This process took place in a context of intense urban reforms, material progress, technological development, acceleration of the urban dynamics, bigger rationality and functionality, population and territorial growth, increment of the consumption and expansion of the capital, also strong marked for the increasing of North American influence, the Second Great World War and the spreading and acceptance of the aesthetic Art Déco. The main intention of this work is to produce a research that contributes for the history of Modernity in Fortaleza, understood as a set of economic, cultural and social modifications, having as principal focus the architecture.

Premier grand prix de sculpture en 1919, le parisien Raymond Delamarre se positionne dans le nouvel ordre plastique néo-classique du groupe des prix de Rome des années 20 (peintres Dupas, Roganeau, Billotey, Pougheon et Despujols, sculpteurs Foucault, Janniot, Martial et Vézien, graveur Decaris, architectes Carlu, Roux-Spitz et Azéma). Porté par nature au colossal, il se libère de l’académisme de l’école des Beaux-Arts et concilie sa spécificité de médailleur et d’artiste-décorateur avec celle de la monumentalité. Recevant ses commandes d’architectes souvent prix de Rome, il est avant tout un sculpteur élégant aimant les allégories. Ses œuvres complexes se situent entre tradition décorative, hyperréalisme et modernité classicisante. Il puise sa plasticité volumétrique et ses simplifications aux sources de l’art grec archaïque et ses modèles techniques et stylistiques à la toreutique romaine. Sensible aux maniéristes italiens, il se réfère aussi à l’art français sous toutes ses formes. Il emprunte leurs sinuosités à Ingres, Burne-Jones et l’Art nouveau, au synthétisme de Bourdelle et au style Art déco. La théorie des profils de Rodin lui apprend sa gymnastique de la vue. Janniot lui inspire les étagements des figures dans ses reliefs monumentaux. Sa recherche de références fiables donne une valeur historiciste, didactique et symbolique à ses œuvres qui, après guerre, deviennent parfois trop systématiques. Il excelle dans l’expression de formes lisibles, aux lignes poétiques originales, qui doivent aux audaces des cubistes. Il affirme la continuité d’une identité nationale de l’art et montre qu’elle peut donner naissance à des créations puissantes, rythmées et inventives.italiens, il se réfère aussi à l’art français sous toutes ses formes. Il emprunte leurs sinuosités à Ingres, Burne-Jones et l’Art nouveau, au synthétisme de Bourdelle et au style Art déco. La théorie des profils de Rodin lui apprend sa gymnastique de la vue. Janniot lui inspire les étagements des figures dans ses reliefs monumentaux. Sa recherche de références fiables donne une valeur historiciste, didactique et symbolique à ses œuvres qui, après guerre, deviennent parfois trop systématiques. Il excelle dans l’expression de formes lisibles, aux lignes poétiques originales, qui doivent aux audaces des cubistes. Il affirme la continuité d’une identité nationale de l’art et montre qu’elle peut donner naissance à des créations puissantes, rythmées et inventives. / A first prize winner for sculpture in 1919, parisian-born Raymond Delamarre belongs to the neo-classical plastic order of the prize winners of the 20’s : painters Dupas, Roganeau, Billotey, Pougheon and Despujols, sculptors Foucault, Janniot, Martial et Vézien, engraver Decaris, architects Carlu, Roux-Spitz et Azéma. Attracted by colossal works, Delamarre gets free from the academic teachings of Beaux-Arts and reconciles his art as a medal-maker /decorator with a monumental one. Commissioned by architects, often Rome winners too, he is first and foremost a learned, elegant sculptor, with a liking for allegories, creating intricate works, half way between a decorative tradition, a high degree of realism and modern art. Volume plasticity and simplification of lines are derived from archaic Greek art and his technical and stylistic models from Roman toreutics. Influenced by Italian mannerists, he refers to French art in its various forms. The sinuous lines are borrowed from Ingres, Burne-Jones and Art nouveau, from Bourdelle’s synthetic art and Art Deco style. His agile mind’s eye is ensured by Rodin’s theory of profiles. The arrangement of his figures at various levels in his monumental reliefs are inspired by Janniot. His search for reliable references lend a historical, didactic and symbolical value to his work which, after the war, sometimes become too systematic. He is at his best when expressing very readable forms in original, poetic lines, akin to the daring attempts of cubists. However, he reasserts the continuity of a national identity of art, and shows that it can thus give birth to powerful, rythmic and greatly inventive plastic creations.

Premier grand prix de sculpture en 1919, le parisien Raymond Delamarre se positionne dans le nouvel ordre plastique néo-classique du groupe des prix de Rome des années 20 (peintres Dupas, Roganeau, Billotey, Pougheon et Despujols, sculpteurs Foucault, Janniot, Martial et Vézien, graveur Decaris, architectes Carlu, Roux-Spitz et Azéma). Porté par nature au colossal, il se libère de l'académisme de l'école des Beaux-Arts et concilie sa spécificité de médailleur et d'artiste-décorateur avec celle de la monumentalité. Recevant ses commandes d'architectes souvent prix de Rome, il est avant tout un sculpteur élégant aimant les allégories. Ses œuvres complexes se situent entre tradition décorative, hyperréalisme et modernité classicisante. Il puise sa plasticité volumétrique et ses simplifications aux sources de l'art grec archaïque et ses modèles techniques et stylistiques à la toreutique romaine. Sensible aux maniéristes italiens, il se réfère aussi à l'art français sous toutes ses formes. Il emprunte leurs sinuosités à Ingres, Burne-Jones et l'Art nouveau, au synthétisme de Bourdelle et au style Art déco. La théorie des profils de Rodin lui apprend sa gymnastique de la vue. Janniot lui inspire les étagements des figures dans ses reliefs monumentaux. Sa recherche de références fiables donne une valeur historiciste, didactique et symbolique à ses œuvres qui, après guerre, deviennent parfois trop systématiques. Il excelle dans l'expression de formes lisibles, aux lignes poétiques originales, qui doivent aux audaces des cubistes. Il affirme la continuité d'une identité nationale de l'art et montre qu'elle peut donner naissance à des créations puissantes, rythmées et inventives.italiens, il se réfère aussi à l'art français sous toutes ses formes. Il emprunte leurs sinuosités à Ingres, Burne-Jones et l'Art nouveau, au synthétisme de Bourdelle et au style Art déco. La théorie des profils de Rodin lui apprend sa gymnastique de la vue. Janniot lui inspire les étagements des figures dans ses reliefs monumentaux. Sa recherche de références fiables donne une valeur historiciste, didactique et symbolique à ses œuvres qui, après guerre, deviennent parfois trop systématiques. Il excelle dans l'expression de formes lisibles, aux lignes poétiques originales, qui doivent aux audaces des cubistes. Il affirme la continuité d'une identité nationale de l'art et montre qu'elle peut donner naissance à des créations puissantes, rythmées et inventives.

Submitted by Francisco Costa (xcosta@ufba.br) on 2013-07-08T12:26:28Z No. of bitstreams: 1 EHCipo.pdf: 92387938 bytes, checksum: 9f793bb2ff8252ae9b67fe3da2ff87ed (MD5) / Approved for entry into archive by Edilene Costa(ec@ufba.br) on 2013-07-25T21:45:28Z (GMT) No. of bitstreams: 1 EHCipo.pdf: 92387938 bytes, checksum: 9f793bb2ff8252ae9b67fe3da2ff87ed (MD5) / Made available in DSpace on 2013-07-25T21:45:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 EHCipo.pdf: 92387938 bytes, checksum: 9f793bb2ff8252ae9b67fe3da2ff87ed (MD5) / FAPESB / Este trabalho estuda a construção da Estância Hidromineral de Cipó, no Estado da Bahia, a partir de 1935, com base no Plano de Expansão e Melhoramentos do engenheiro civil Oscar Caetano da Silva. A construção da cidade balneária se desenvolve durante as décadas de 30 e 40 com a abertura de vias e implantação de redes de serviços públicos e a construção de edifícios sob administração direta do Estado da Bahia, através de prefeitos técnicos do quadro da SVOP, tendo como incentivador da atividade balneária o médico Genésio Salles, concessionário das águas de Cipó desde 1928. Com a finalidade de conceituar aspectos do tema em que está inserido o objeto, buscou-se caracterizar as cidades balneárias e identificar as motivações do seu planejamento, delimitando o período de desenvolvimento desse tipo de cidade no Brasil na primeira metade do século XX. A construção da Estância de Cipó envolve, além das questões políticas e sociais relativas ao empreendimento balneário, aspectos do urbanismo e da arquitetura em território brasileiro e baiano no período estudado, os quais são postos nos capítulos que antecedem o estudo do caso de Cipó. A Estância Hidromineral de Cipó surge sob um plano urbanístico característico do período de transição da prática disciplinar no estado, cuja implantação foi conduzida por engenheiros civis formados pela Escola Politécnica da Bahia. Conformando o espaço urbano, a arquitetura do conjunto construído na cidade é exemplar de um período em que o Art Déco está presente na urbanização das principais cidades brasileiras, a despeito da historiografia oficial da arquitetura moderna. Com base em pesquisas de bibliografia específica, em arquivos públicos e particulares e na observação in loco foi possível reconstituir aspectos importantes do processo de construção da cidade e seus envolventes, contribuindo para ampliar o conhecimento sobre a história do urbanismo e da arquitetura na Bahia. Este trabalho traz ainda o reconhecimento da importância histórica da construção da Estância Hidromineral de Cipó, que pode suscitar a consciência preservacionista de instituições competentes e da própria população cipoense, principal responsável pelo destino do seu patrimônio. / Salvador - Programa de Pós-Graduação em Arquitetura e Urbanismo/UFBA