No autorizada por la autora para ser publicada a texto completo en el repositorio institucional. / Magíster en artes con mención en teoría e historia del arte / La presente tesis trata sobre la problemática de la deslocalización de la violencia política presentes en la producción artístico-visual en dos de las artistas más influyentes en el devenir del arte político- crítico latinoamericano contemporáneo, la colombiana Doris Salcedo y la mexicana Teresa Margolles. Se trata de un análisis y diálogo entre sus obras trabajadas principalmente entre los años 2000 - 2012, las cuales tanto por su complejidad histórica como representacional desbordan los códigos heredados de la institución, logrando poner en cuestión lo que la realidad actual tiene de inédito, la cotidianeidad de la violencia, situación que surge precisamente como consecuencia de los fenómenos sociales y económicos de la mundialización y la globalización desarrollados e instalados a nivel internacional desde la segunda mitad del siglo XX hasta comienzos del siglo XXI los cuales denotan la inminente crisis de los Estados Nacionales Desde este contexto es que este análisis es abordado tanto desde el plano histórico cultural particular de Colombia y México como desde la proyección que como obras alcanzan estas en relación con el nuevo arte latinoamericano y su internacionalización , dentro de estos mismos puntos se buscará discutir y responder la forma en cómo el discurso artístico de corte político- crítico que ambas artistas exponen en sus obras transita y dialoga con y desde los nuevos espacios del arte, es decir, el espacio galerístico, museal y público en la escena internacional, propiciando con ello, cuestionar y expandir el problema de la violencia política local a nivel mundial, para el desarrollo de lo anterior se recurrirán a determinados conceptos filosóficos y sociológicos de Jacques Ranciére y de Roberto Esposito(autonomía del arte y arte político del primero) , (lo impolítico del segundo) como también antropológicos y sociológicos (violencia política, Julio Aróstegui narcoterrorismo entre otros) los cuales irán relacionados a la mirada de otros autores vinculados siempre desde la reflexión artística y social contemporánea.

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La investigación que sigue aborda el problema del modelo y su lugar en la producción artística moderna. Se localiza, particularmente, en el momento en que la pintura se hace partícipe de la crítica de la representación y su relación con el mundo visible se vuelve marcadamente problemática. Esto es, fines del siglo XIX y principios del XX. Esta tesis toma por motivo un momento crucial en ese contexto histórico como es la obra de Cézanne y la lectura interpretativa de la misma a la luz del problema del modelo. En este sentido lo que pone a operar es la noción de modelo y su rol, tanto en la producción pictórica de Cézanne, como en las interpretaciones que la toman como referente para producir a su vez un modelo de comprensión de la pintura moderna, que se habría desarrollado a partir de las fórmulas cezanneanas.

Este trabajo, se concentra en los aportes a la teoría del arte, realizados por el poeta y ensayista Emilio Adolfo Westphalen (Lima, 1911-2001), planteamientos que tienen un estímulo inicial en la adhesión del poeta a la estética y el discurso poético del surrealismo. Es nuestra intención, el definir hasta donde llega la impronta del surrealismo en sí, dogmático y holístico, y donde comienza la superación de sus inconsistencias y el aporte original de Westphalen a la teoría del arte en el Perú. Para ello, rastreamos el factor religioso (entendiendo la religión como ideología, discurso totalizante y dogmático) aportado por el surrealismo, en los escritos/ensayos estéticos de Emilio Westphalen. Nos centramos en los conceptos de “idea” y “creación”, planteando que el desarrollo de una propuesta estética surge, derivado, de una concepción ideológica determinada. Nuestras fuentes son los textos publicados en la revista Las Moradas (Lima, 1946-1948, edición facsimilar publicada por la Universidad de San Martín de Porres, Lima, 2002) cotejadas con el volumen compilatorio Escritos varios sobre arte y poesía editado por el Fondo de Cultura Económica (Lima, 1992).

El principio metafísico de razón suficiente, que explica y funda las existencias sensibles y materiales, justifica y hace posibles las más elevadas manifestaciones de la actividad humana. Y esto es rigurosamente lógico, pues, si lo condicional, lo relativo y lo contingente tienen su razón de existir, también la tienen lo necesario, lo absoluto y lo incondicionado, y por consiguiente la Ciencia, la Religión y el Arte. Si Rousseau y D’Alembert juzgaron inútil la existencia de la Historia; Kant, Hegel y los mas grandes pensadores han hecho la apoteosis y el elogio de las artes. El arte vive, y vivirá mientras el espíritu humano no se encuentre satisfecho tan sólo con la virtualidad del ideal, anhele su realización completa; mientras al hombre atormenten esos deseos de felicidad, de calma, de dicha que no puede lograr en este mundo, que le aprisiona con los lazos de la materia, que le tortura con los desengaños de la realidad, que le hace sufrir con el espectáculo de la variación incesante, de la virtud escarnecida y de la inocencia hollada. Estos anhelos ardientes y siempre vivos de bienestar y de mejora, estas aspiraciones constantes á fijar eternamente el ideal sólo pueden satisfacerse, sólo pueden colmarse mediante las obras de arte. El artista que es honrado, y no quiere poner su talento al servicio de intereses rastreros, saca de su propio fondo esa belleza, esa perfección, ese ideal que persigue y no encuentra en el exterior, y lo realiza en una unidad viviente y ordenada, que conserva fija y perennemente los encantos que si proporciona el mundo visible es con una duración fugaz y transitoria. Las bellezas que él nos ofrece y los halagos con que nos brinda, atraen y seducen a nuestro espíritu, es cierto; pero pasada la admiración súbita que nos causan, la reflexión no puede volver sobre ellos para hacer mas duraderas las gratas emociones que hemos experimentado; porque se disipan, borran y desaparecen con la prontitud y rapidez, con que las ondas sonoras se pierden y se confunden en las vibraciones incesantes del eter. Hay en la vida real actos de heroísmo, rasgos de abnegación, sacrificio y desinterés; más todo esto, que constituye el bello patrimonio de la humanidad se desvanece, cuando el hombre muere, y cuando con su muerte se olvidan sus acciones. Véase, pues, como solo el arte puede satisfacer esa necesidad del ideal que sentimos; como solo él, puede fijar lo que en el mundo visible ni se detiene, ni se paraliza; como solo el puede restablecer ese acuerdo que la razón concibe entre las ideas y las existencias; como, en fin, á el solo es dado proporcionar consuelo y descanso á nuestro espíritu en medio de las tormentosas agitaciones de la lucha diaria. / Tesis

Realiza un bosquejo breve del arte desde su nacimiento. Enuncia sus principales características presentes en cada época. Realiza un esbozo del desarrollo artístico del Perú a manera de tributo. / Tesis

Orientador: Roberto Tadeu Iaochite / Banca: Roberta Gurgel Azzi / Banca: Samuel de Souza Neto / Resumo: O presente estudo teve como objetivo investigar as crenças da autoeficácia docente em professores que ensinam Arte em contexto de aprendizagem colaborativa. Assim delimitou-se como objetivos específicos: a) mensurar o nível de autoeficácia e as fontes de construção dessa crença com professores de Arte antes, durante e após a participação em um curso de formação continuada; b) correlacionar as variáveis pessoais e de contexto com o nível e as fontes de autoeficácia; c) mensurar o nível de aprendizagem colaborativa entre os participantes do curso de formação e sua associação com as variáveis pessoais; d) explorar em que medida as variáveis ligadas à aprendizagem colaborativa explicam a AED e fontes; e) identificar os principais desafios percebidos para ministrar Arte na escola. Considerando os objetivos, optou-se pela pesquisa quanti-qualitaiva utizando-se de cinco instrumentos de pesquisa, a saber: um questionário de caracterização dos participantes (FISK, 2012; IAOCHITE, 2007), a Escala de Autoeficácia Docente, elaborada por TschannenMoran e Woolfolk Hoy (2001), traduzida por Polydoro et al. (2004) e ajustada para área de Arte, a Escala de Fontes de Autoeficácia Docente (IAOCHITE; AZZI, 2012), a Escala de Experiência Colaborativa (SPEARS, 2012) sobre a participação no curso de formação para o ensino de Arte e o Relatório de Avaliação sobre a Prática de Ensino, elaborado especificamente para esse estudo. Participaram 29 professores de Arte, de ambos os sexos, com faixa etária... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The present study aimed to investigate the beliefs of teacher self-efficacy in teachers teaching Art in a context of collaborative learning. Thus, the following specific objectives were defined: a) to measure the level of self-efficacy and the sources of construction of this belief with Art teachers before, during and after attending a continuing education course; b) correlate personal and context variables with the level and sources of self-efficacy; c)measure the level of collaborative learning among participants in the training course and their association with personal variables; d) explore the extent to which the variables linked to collaborative learning explain teacher self-efficacy and sources; e) identify the main challenges perceived to teach art in school. Considering the objectives, the quantitative-qualitative research was used using five research instruments, namely: a questionnaire to characterize the participants (FISK, 2012; IAOCHITE, 2007), the Teaching Self-Efficacy Scale elaborated by Tschannen Moran and Woolfolk Hoy (2001), translated by Polydoro et al. (2004) and adjusted for the area of Art, the Teaching Self-efficacy Scale (IAOCHITE, AZZI, 2012), the Collaborative Experience Scale (SPEARS, 2012) on Participation in the Art Teaching Training Course, and the Teaching Practice Assessment Report, prepared specifically for this study. Attended by 29 art teachers of both genders, with an average age of 37 years and an average time of 10.6 years of teaching c... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Estudia los espacios urbanos y las esculturas públicas inaugurados en Lima entre 1883 y 1929 para conmemorar a los próceres de la Independencia y a los héroes de la guerra con Chile (1879-1883). Periodo de 46 años que comprende desde el inicio de la reconstrucción nacional posguerra con Chile hasta las postrimerías del Oncenio de Augusto B. Leguía (1919-1930), cuando se vivió una situación diplomática delicada entre Perú y Chile a razón del reclamo peruano por la ejecución del plebiscito, a realizarse en 1894, que definiría si Tacna y Arica retornaban al territorio peruano, como lo estipulaba el Tratado de Ancón de 1883. Al no realizarse el plebiscito las relaciones entre los dos países se tornaron tensas en las primeras décadas del siglo XX. Asimismo, este periodo coincide con el centenario de la Independencia de Chile (1910) y del Perú con la proclama de su Independencia (1921) y la batalla de Junín y Ayacucho (1924), en tanto, en 1929, se firmó entre Perú y Chile el Tratado de Lima con el cual se puso fin al diferendo territorial entre ambas naciones con respecto a Tacna y Arica. / Tesis

Orientador: Leandro Osni Zaniolo / Coorientador: Ronaldo Alexandre Oliveira / Banca: Sebastião de Souza Lemes / Banca: Edson do Carmo Inforsato / Banca: Isaac Antônio Camargo / Banca: Maria Irene P. O. de Souza / Resumo: Esta pesquisa buscou apreender o delineamento construtivo dos currículos do Curso de Artes Visuais da Universidade Estadual de Londrina - UEL, a partir das motivações históricas da educação brasileira. Assim, foram analisados: o currículo da criação do curso, em 1974, que foi adequado à legislação em 1976, para delimitar o marco de referência, e todas as reformulações realizadas, de 1982, 1992, 1998, 2005 e 2010. Desse modo, empreendeu-se uma busca para a compreensão do ensino de arte e da formação de professores. Tomou-se como suporte uma abordagem de caráter qualitativo, que compreendeu: revisão de literatura, análise de documentos; análise de depoimentos em forma de entrevistas, com professores egressos, atuantes no ensino de arte em escolas públicas da região metropolitana de Londrina PR, e com professores elaboradores dos currículos do Curso de Artes Visuais da UEL. Foram estudadas as configurações curriculares implantadas no curso de formação de professores em arte, com o intuito de se verificar de que maneira os currículos influenciam a formação docente dos egressos e as relações que estes estabelecem entre o currículo e sua práxis no dia a dia em sala de aula. Nesse sentido, compreendeu-se a lógica que subjaz dos diferentes currículos do referido curso, que, confrontada com os depoimentos dos professores, possibilitou a identificação de lacunas e de contribuições para a formação dos professores e a percepção do currículo acadêmico sob outra perspectiva. Assim, concluiu-se que há necessidade de uma melhor articulação interna ao currículo do Curso de Artes Visuais da UEL, bem como desse currículo, articulado ao currículo e à cultura escolar, para a constituição de seus projetos pedagógicos à formação docente / Abstract: This research aimed to apprehend the constructive delineation of the Visual Arts Course curriculum of the State University of Londrina - UEL, from the historical motivations of the Brazilian education. So, they were analyzed: the curriculum of the course creation, in 1974, that was adequate to legislation in 1976, to delimit the benchmark, and all reformulations performed, from 1982, 1992, 1998, 2005 and 2010. Thus, a search was undertaken to understand the art teaching and teacher training. It was taken as support a qualitative approach, that included: literature review, analysis of documents; analysis of testimony, in the form of interviews, with egresses teachers, working in art teaching in public schools in the metropolitan area of Londrina PR, and with elaborators teachers of curriculums of Visual Arts Course of the UEL. Were studied the curriculum settings implemented in the course of teacher training in art, in order to verify how the curriculum influence the teacher training of egresses and the relationships that they establish between the curriculum and their praxis in day to day in class. In this sense, It was realized the logic behind the different curriculums of that mentioned course, that, faced with the testimony of teachers, allowed the identification of gaps and contributions to teacher training and the perception of the academic curriculum from another perspective. Thus, it was concluded that there is need for a better internal articulation to Visual Arts Course Curriculum of the UEL, as well as this curriculum, linked to curriculum and school culture, for the constitution of its pedagogical projects for teacher training / Doutor

Orientador: José Leonardo do Nascimento / Banca: Amílcar Torrão Filho / Banca: Sergio Mauro Romagnolo / Resumo: A presente dissertação aborda o conceito de Grotesco na Estética e na História da Arte, analisados sob dois aspectos principais: da forma como esse conceito foi transformado desde a época da Grécia Antiga até o século XIX (período de grandes mudanças formais da representação humana nas Artes) e do exemplo do artista Francisco de Goya, através de sua série de gravuras Los Desastres de la Guerra, composta por imagens violentas; grotescas, híbridas e trágicas, que refletem esteticamente o horror advindo da Guerra de Independência e do retorno de um Estado Monárquico e Absoluto. Nossa pesquisa tem por meta avaliar as mudanças políticas, sociais e culturais que influenciaram a transformação desses conceitos estéticos e a aceitação desses novos paradigmas que resultaram numa mudança de visão e fruição da própria Arte entre os séculos XVII e XIX (época de ascensão do Liberalismo e Iluminismo), mostrando como os acontecimentos históricos podem transformar os conceitos artísticos de acordo com as necessidades humanas de retratar seu próprio tempo. Os procedimentos metodológicos foram de revisão bibliográfica parcial sobre as questões do Grotesco na Arte e uma pesquisa sobre a vida e obra de Goya, utilizando as imagens acima citadas, que aqui são analisadas do ponto de vista iconológico / Abstract: The current dissertation accosts the concept of "Grotesque" in Aesthetics and history of Arts analysed under two main aspects: the way this concept was transformed since the times of Ancient Greece until the nineteenth century ( a period of great formal changes of the human representation and other pictorial genres, and the example of the artist Francisco de Goya through his series of etchings The Disasters of War, composed by violent, hybrid and tragic images, which reflect aestheticly the horrors resulted from the War of Independence and the return of a Monarchic and Absolutist State. Our research objectives have the aim of appraising political, social and cultural factors that influenced the processing and acceptance of new paradigms such as the Grotesque in art making, that resulted in a change of vision and enjoyment of the Art itself between the seventeenth the nineteenth centuries (time of the rise of Liberalism and Iluminism), showing how this concept was transformed by artistic, cultural and historical events according to the Human needs of portraying their own time. The methodological procedures were of a partial bibliographical review about the issues of the Grotesque in art and a research of the life and work of Goya, using the prints cited before, which are here analysed from an iconological point of view / Mestre