[pt] Este trabalho se propõe a destacar a obra do compositor Marino Pinto, no panorama da música popular brasileira, enfocando aspectos da vida cultural no Rio de Janeiro entre as décadas de 1930 e 1960. Procurou-se discutir a atualidade de suas canções, constantemente gravadas pelos mais diversos intérpretes. A era do rádio, a convivência entre parceiros musicais em ambientes como o Café Nice, a profissionalização do mercado fonográfico, a luta pelo direito autoral, a produção musical para o carnaval e o meio do ano, as boates de Copacabana e o aparecimento da bossa nova são alguns dos temas tratados. Sem tocar instrumentos musicais, a não ser batucando em caixa de fósforos, ora fazendo a letra, ora a melodia, Marino Pinto criou composições com os mais variados parceiros. Este trabalho reúne gravações raras, imagens pouco divulgadas e entrevistas inéditas com músicos, pesquisadores e pessoas ligadas ao compositor. / [en] This study intends to highlight the works of songwriter Marino Pinto, in the scenery of Brazilian popular music, focusing on some aspects of cultural life in Rio de Janeiro between the 1930s and the 1960s. With his lyrics being constantly recorded by different singers, the topicality of his songs was discussed. The Radio Era, the relationship musical partners that met constantly in places like Café Nice, the professionalization of the phonographic market, the fight for authors rights, musical production for Carnival and the middle of the year, Copacabana s nightclubs and the rise of bossa nova are some of the topics examined. Without being able to play any instrument but a matchbox, sometimes writing the lyrics and sometimes the melody, Marino Pinto created songs with diverse collaborators. This work gathers rare recordings, little known images and unpublished interviews with musical artists, researchers and others linked to the songwriter.

[pt] O objetivo deste trabalho é investigar os elementos não-lexicais, todavia produtores de sentido, na performance vocal dentro do campo da canção. Tomam-se como norte epistemológico os estudos do suíço Paul Zumthor, que, ao falar sobre voz poética, afirma que ela transcende a linguagem simbólica e manifesta suas qualidades materiais no tom, timbre, intensidade e demais elementos não linguísticos, porém expressivos e instauradores de presença. A pesquisa se desenvolve em torno de alguns desses elementos, buscando entender melhor como atuam, de que maneira se organizam e por meio de que parâmetros produzem diferenças e semelhanças que afetam diretamente a produção de sentido no âmbito da língua em seu estado musical. Paralelamente, adotou-se como conceito teórico-empírico a proposição do compositor e linguista brasileiro Luiz Tatit, para quem, no universo da palavra cantada, a eficácia da linguagem poética provém das potências da entoação. Assim, buscamos na investigação de aspectos sonoros relacionados à fala e à oralidade os elementos materiais que dão subsídio a nossas elucubrações teóricas e proposições estéticas. / [en] The purpose of this work is to identify and investigate non-lexical elements, however producers of meaning in vocal performance in the song field. We take as a starting point the studies of Paul Zumthor, a Swiss linguist, who, when speaking of poetic voice, states that it transcends the symbolic language and expresses its material qualities in tone, timbre, loudness and other sound elements that in spite of being called non-linguistics are significant and responsible for creating presence. We have developed our research around some of these elements, trying to comprehend how they act, organize and create similarities and differences that affect directly the creation of meaning in the language in its musical state. At the same time, we adopted as a theoretical and empirical concept the proposition of Luiz Tatit, a Brazilian songwriter and also a linguist, who advocates that the efficacy of the poetic language in the universe of song lyrics comes from the characters of the intonation. In this investigation of the sound elements, we intend to find sufficient material to subside our theoretical reflections and aesthetical propositions.

[pt] Esta tese parte do desejo de compreender melhor de que modo os elementos materiais da voz deslocam os eixos de sentido da partitura-papel, redimensionando a experiência somática e semântica do ouvinte/receptor no âmbito da canção. No processo de pesquisa, investiu-se na sensibilização auditiva às sutilezas da palavra na música cantada, a fim de produzir análises que proponham reflexões a respeito da maneira como o intérprete reinventa um texto a partir de sua emissão vocal. Para tanto, em meio às lentes multifacetadas do cancioneiro nacional, optou-se por utilizar como bússola os chamados elementos materiais da voz – duração; intensidade; timbre e altura – com o objetivo de desenvolver microanálises técnicas/poéticas de cantores/cantoras de diferentes épocas e estilos, tendo como foco principal o manancial de canções que compõe a música popular brasileira. / [en] This thesis is based on the desire to better understand how the material elements of the voice shift the axes of meaning in the paper-score, redimensioning the somatic and semantic experience of the listener/receiver within the song. In the research process, it was decided to invest in hearing awareness of subtleties of the word in the sung music, in order to produce analyzes that propose reflections on how the interpreter reinvents a text from its vocal emission. For that, amid the multifaceted lenses of the national and global songbook, we choose to use as a compass the so-called material elements of the voice – duration, intensity, timbre and pitch – with the aim of develop technical/poetic micro-analyzes of singers from different times and styles, having as my main source of research the songs that make up Brazilian popular music.

[pt] O objetivo desse trabalho é debater de forma crítica o corpo no campo da canção popular no Brasil. Como a partir do corpo, e da em-cena-ação deste, em diversas áreas que envolvem a produção e recepção da canção, se abrem novas possibilidades para pensar questões que atravessam a música popular e que reverberam na vida cultural brasileira. Minha proposta é refletir sobre a inscrição desse corpo na cena cultural na qual está implicada sua presença e sobre sua intervenção decisiva nesse campo de produção. Sua capacidade ímpar, se o comparamos aos corpos de artistas de outras grandes áreas da produção cultural como cinema, literatura ou teatro, de permanecer como índice estético, social e político de nossa sociedade. Esse lugar muito especial que o cancionista ocupa no Brasil e que só encontra similitudes em outros poucos países nos quais a música popular se desenvolveu com a mesma força. O corpo funcionará aqui como um liquidificador que processa todos esses índices e os (d)enuncia como dados concretos de uma experiência. / [en] The aim of this work is to critically debate on the body within the field of popular song in Brazil. The way how, from the body and its in-scene-n-a(c)tion, new possibilities in several areas involving the production and reception of the song are opened to think about issues transcending popular music and consequently reverberating through Brazilian cultural life. My proposition is to reflect on the inscription of this body on the cultural scene in which its presence is implied, and on its decisive intervention in this field of production. Its unique capacity - if compared to the bodies of artists from other great areas of cultural production such as film, literature or theatre - of lasting as an aesthetic, social and political index of our society. This very special place that the songwriter occupies in Brazil, and which solely finds similarities in a few other countries where popular music has developed with the same strength. The body will work here as a blender processing all these indexes, an(de)nouncing them as concrete data from an experience.

[pt] Nesta tese, proponho uma discussão sobre o trabalho de Rogério Duprat como arranjador de canções tropicalistas e sobre o modo como alguns de seus arranjos musicais dialogam com as palavras cantadas com as quais eles foram gravados no final dos anos 1960. Combinação de sons orquestrais, de clichês da música de cinema e de efeitos sonoros variados, os arranjos de Duprat conferem um caráter sonoplástico às gravações tropicalistas. Experiente compositor de música serial, eletroacústica e para computador, assim como de jingles e de trilhas sonoras para o teatro e o cinema, Duprat valeu-se de amplos conhecimentos da música de concerto europeia e da música popular do Brasil para fazer referências em seus arranjos a diversas obras e estilos musicais. Como um artífice, procurou compreender e responder às demandas dos compositores de canção, dos cantores, do produtor da gravadora, dos técnicos de gravação e de outros profissionais que acabaram por se tornar coautores de seus arranjos. Arranjos que também foram produzidos sob influência de agentes como John Cage, The Beatles, os poetas concretos e os compositores, regentes e instrumentistas do Música Nova, grupo paulistano de vanguarda de onde saíram Duprat e os demais arranjadores de canções tropicalistas. / [en] In this dissertation, I examine the work of Rogério Duprat as arranger for tropicalista songs and the way some of his musical arrangements dialog with the melodized words with which they were recorded in the late 1960s. As a mix of orchestral sounds, film music cliches, and sound effects, Duprat s arrangements give an audiovisual character to tropicalista recordings. As an experienced composer of serial, electroacoustic, computer, and advertising music, as well as theater and cinema soundtracks, Duprat employed his broad knowledge of Western concert music and Brazilian popular music in order to make audio references to diverse works and music styles interwoven into his arrangements. As a craftsman, he sought to understand and to answer the demands from song composers, singers, the record company producer, recording technicians, and other professionals that became collaborators of his arrangements. His arrangements were also influenced by agents such as John Cage, The Beatles, the concrete poets, and the composers, conductors and musicians of Música Nova, a São Paulo avant-garde group that was integrated by Duprat and the other arrangers for tropicalista songs.

[pt] A tese apresenta o modelo poligonal, um paradigma autoral criado para a análise de canções populares centrado no peso de quatro parâmetros: melodia, contabilidade, forma e sentido. Traduções de canções podem ser avaliadas usando os mesmos quesitos, o que permite uma visualização rápida dos erros e acertos do tradutor. O modelo é colocado à prova com a análise e tradução autoral (e comentada) de três canções: Highway 61 Revisited e All Along the Watchtower, de Bob Dylan, e Idioteque, do Radiohead. Uma semelhança influenciou a escolha desses dois artistas: eles têm fases musicais muito bem definidas: Dylan começou a carreira como músico folk tocando instrumentos acústicos e acabou adotando instrumentos elétricos; já o Radiohead tinha um som rock n roll e lançou álbuns com uma influência mais eletrônica. Então, para pensar na questão da performance e nas influências artísticas de cada canção, as três traduções foram gravadas. / [en] This dissertation introduces the polygonal model, a paradigm for the analysis of translation of popular music centered around four parameters: melody, singability, form, and sense. Translations of songs can be evaluated with the same criteria, which allows for a quick way to visualize the translator s mistakes and successes. The model is tested with the analyses of commented translations of three songs: Highway 61 Revisited and All Along the Watchtower, written by Bob Dylan, and Idioteque, written by Radiohead. A similarity influenced why those two artists were chosen: Dylan started out as a folk musician playing acoustic instruments and then went electric; Radiohead had a rock n roll sound, but then released albums with a heavy electronic influence. In order to think about performance and the artistic influences from each song, the three translations were recorded.

[pt] Viver em Yiddish: embalo, infância, memória e narrativa, tem como tema central canções de ninar Yiddish, canções Yiddish que trazem o tema da infância e narrativas sobre o Yiddish e a vida. O estudo se debruçou sobre melodias e letras de nove canções de ninar Yiddish; 36 canções Yiddish que trazem o tema da infância; e memórias e narrativas com o Yiddish de quinze pessoas entrevistadas. O objetivo principal foi descobrir o que se canta nas canções de ninar Yiddish; quais infâncias comparecem no cancioneiro Yiddish; e o que contam pessoas conectadas com o Yiddish – na essência de suas vidas – sobre suas relações com a língua, a cultura, as canções. A tese teve a intenção de performar diferentes gestos: (a) fazer investigação teórico-crítica realizada a partir de levantamento bibliográfico sobre o Yiddish – história, língua e cultura; (b) realizar minuciosa análise de nove canções de ninar Yiddish e 36 canções Yiddish que trazem concepções de infâncias: laboração de escavação, seleção, arrumação meticulosa das canções escolhidas em duas coleções; (c) escutar narrativas de oito mulheres e sete homens pertencentes à faixa etária de 62 a 87 anos, falantes de Yiddish, pais, avós e bisavós, músicos, professores, pesquisadores e colecionadores conectados com a cultura Yiddish em memórias, trajetórias de vida, trajetórias docentes. A pesquisa teve como estratégia metodológica a busca por canções de ninar Yiddish e canções que trazem o tema da infância nos compêndios de partituras Mlotek reconhecidos internacionalmente (MLOTEK, 1998; s/ano; 2000), sem necessariamente estarem classificados nos álbuns como canções de infância ou de ninar; e realização de 9 entrevistas individuais e 3 em duplas (dois casais de cônjuges e um casal de irmãos). Foi escrita em pandemia: desafio. Possui como central aporte teórico-metodológico Martin Buber e Walter Benjamin: dois autores presentes no decorrer de toda a escrita em inspiração, interlocução e iluminação nos olhares para as canções, as infâncias, as narrativas ouvidas e os sentidos de ser aluno e professor com o Yiddish. Entretanto, muitos outros autores chegam com potência para o debate. As análises apontam que a canção Yiddish é diversa, amalgamada e, ao mesmo tempo, original, singular – uma música que traz o dia a dia da vida, criada pelo povo, transmitida na oralidade e também feita por poetas, letristas, músicos. Canções de ninar Yiddish e canções Yiddish que trazem o tema da infância cantam narrativas que sonham, embalam, ninam, rememoram, denunciam; revelam brincadeiras engraçadas e satíricas, histórias com aguçado humor, recheadas quase sempre de medo e esperança. Segredam histórias, deflagram contextos, guardam em si multiplicidade de sentimentos, impressões, dúvidas, certezas, crenças e cotidianos. As narrativas ouvidas das pessoas entrevistadas convidaram a olhar a vida em Yiddish de diversos ângulos, definições e sentidos. Não se constituíram objetos isolados de análise e interpretação, mas matéria integrante do corpo argumentativo: são vozes intercessoras com força de interpelação. / [en] Living in Yiddish: Lullabies, Childhood, Memory and Narrative, has as its central theme Yiddish lullabies, Yiddish songs that bring the theme of childhood and narratives about Yiddish and life. The study focused on the melodies and lyrics of nine Yiddish lullabies; 36 Yiddish songs that bring the theme of childhood; and memories and Yiddish narratives of fifteen people interviewed. The main objective was to find out what is sung in Yiddish lullabies; which childhoods appear in the Yiddish songbook; and what people connected with Yiddish tell – in the essence of their lives – about their relationship with the language, the culture, the songs. The thesis intended to perform different gestures: (a) to carry out a theoretical-critical investigation based on a bibliographical survey on Yiddish – history, language and culture; (b) carry out a thorough analysis of nine Yiddish lullabies and 36 Yiddish songs that bring conceptions of childhood: labor of excavation, selection, meticulous arrangement of the songs chosen in two collections; (c) listen to the narratives of eight women and seven men aged 62 to 87 years old, Yiddish speakers, parents, grandparents and great-grandparents, musicians, teachers, researchers and collectors connected with Yiddish culture in memories, life trajectories, teaching trajectories. The research had as a methodological strategy the search for Yiddish lullabies and songs that bring the theme of childhood in internationally recognized Mlotek music compendiums (MLOTEK, 1998; s/year; 2000), without necessarily being classified in the albums as childhood songs or to lull; and conducting 9 individual interviews and 3 in pairs (two couples of spouses and a couple of brothers). It was written during the pandemic: challenge. Its central theoretical-methodological contribution is Martin Buber and Walter Benjamin: two authors present throughout the entire writing in inspiration, interlocution and lighting in the eyes of the songs, childhoods, the narratives heard and the meanings of being a student and teacher with the Yiddish. However, many other authors come to the debate with power. The analyzes show that Yiddish song is diverse, amalgamated and, at the same time, original, singular – a music that brings everyday life, created by the people, transmitted orally and also made by poets, lyricists, musicians. Yiddish lullabies and Yiddish songs that bring the theme of childhood singing narratives that dream, rock, lull, remember, denounce; they reveal funny and satirical jokes, stories with sharp humor, often filled with fear and hope. They secrete stories, trigger contexts, keep within themselves a multiplicity of feelings, impressions, doubts, certainties, beliefs and daily life. The narratives heard from the people interviewed invited them to look at life in Yiddish from different angles, definitions and meanings. They were not isolated objects of analysis and interpretation, but an integral matter of the argumentative body: they are intercessory voices with the power of interpellation.

[pt] A composição pode ser o espaço de imersão intimamente ligada ao viver. Quando se trata de mulheres que criam, reforçando temas femininos, temos a música assumindo o compromisso de fazer política, ultrapassando as fronteiras de gêneros e mostrando que o subalterno pode falar em um mercado dominado por um conservadorismo machista. Esta tese tem por objetivo reconstituir criticamente a história de algumas cantoras compositoras do Brasil a partir de entrevistas com representantes de sete estilos musicais que se impuseram no cenário musical brasileiro na segunda metade do século XX. Partindo da expressão cantautora, utilizada para designar esse tipo de artista na maioria dos países de língua neolatina, mas não no Brasil, o objetivo é reiterar a faceta autora de cantoras consagradas e discutir os seguintes pontos: suas experiência em um mercado dominado predominantemente pelo gênero masculino; se o canto as fazem criar ou se as criações as levam a cantar; quais suas inspirações; o que as move em direção à composição; e o que, afinal, elas falaram e que, segundo elas, não foi dito pelos homens. Essas e outras questões esclarecerão a multiplicidade dessas artistas e mostrarão a importância das cantautoras para a cultura brasileira. / [en] The composition might also be the immersive space closely linked to living. When it comes to women who create, reinforcing feminine themes, music starts to make politics, crossing gender boundaries, and showing that the subaltern can speak in a market dominated by male chauvinism. This Ph. D. dissertation aims to critically reconstruct from interviews the history of some Brazilian songwriters representing seven musical styles that prevailed on the Brazilian music scene in the second half of the 20th century. Based on the expression cantautora, used to designate a female singer and songwriter in most neolatin languages-speaking countries, but not in Brazil, the objective is to emphasize the author role of those established singers and discuss the following points: their experience in a predominantly dominated market by the male gender; whether singing makes them create or whether creations lead them to sing; what are their inspirations; what moves them towards composition; and what, after all, they said and which, according to them, was not said by men. These and other questions will illustrate the multiple talents of these artists and show the importance of cantautoras for Brazilian culture.

[pt] O objetivo desta investigação é analisar a circulação da Nueva Canción Chilena na resistência cultural brasileira, pensando nos significados dessa conexão para o contexto e como foi incorporada enquanto parte dos repertórios de ações coletivas contra a Ditadura Militar, sobretudo entre 1974 e 1980. Diante da conjuntura de ditaduras militares instauradas no Cone Sul, a música foi um elemento utilizado por artistas, estudantes, trabalhadores e intelectuais como instrumento de expressão e representação de seus ideais políticos contra o autoritarismo. Na segunda metade da década de 1970, com reformulações e disputas sobre a resistência cultural brasileira, é possível perceber a incorporação da Nueva Canción Chilena por determinados grupos como expressão simbólica de um discurso antiautoritário, anti-imperialista e de pertencimento à comunidade latinoamericana. A presença da Nueva Canción no Brasil, através dos artistas desse movimento e de suas canções, foi identificada em eventos artístico-culturais, coletâneas de discos produzidos por gravadoras nacionais e nos diálogos de músicos brasileiros com esse universo, tanto pelo caráter estético quanto pelas interpretações de algumas dessas músicas. Com o intuito de explorar os discursos articulados no entorno de determinada produção musical, foram utilizadas publicações de jornais da imprensa brasileira como fontes principais para esta pesquisa, a fim de compreender os significados simbólicos atribuídos à Nueva Canción Chilena, como foi a recepção desse cancioneiro e quais foram os agentes envolvidos nesse processo de circulação cultural. / [en] The objective of this investigation is to analyze the circulation of Chilean New Song Movement in brazilian cultural resistance, thinking about the meanings of this connection for the context and how it was incorporated as part of the contentious repertoires against the Military Dictatorship, especially between 1974 and 1980. With the conjuncture of military dictatorships established in the Southern Cone, music was an element used by artists, students, workers and intellectuals as an instrument of expression and representation of their political ideals against authoritarianism. In the second half of the 1970s, with reformulations and disputes about brazilian cultural resistance, it is possible to perceive the incorporation of Chilean New Song Movement by certain groups as a symbolic expression of an anti-authoritarian and anti-imperialist discourse, in addition to expressing a belonging to the Latin American community. The presence of Chilean New Song Movement in Brazil, through the artists of this movement and their songs, was identified in artistic-cultural events, collections of records produced by national record companies and in the dialogues of brazilian musicians with this universe, through aesthetic characteristics and interpretations of some of these songs. With the intention of exploring the discourses articulated around a certain musical production, publications from newspapers of the brazilian press were used as main sources for this research, in order to understand the symbolic meanings attributed to Chilean New Song Movement, how was the reception of this songbook and who were the agents involved in this process of cultural circulation.

[pt] As interlocuções entre os campos da psicanálise, da música e da musicoterapia são pensadas a partir do uso da canção como recurso clínico para o manejo à psicose. Destaca-se a canção como imbricação de texto, arranjo e voz, o que leva-nos a tratar da voz na psicanálise lacaniana: voz enquanto objeto a, presença vocal do Outro. Pensa-se a canção em algumas vias: na materialidade do significante, como recurso ao discurso do psicótico; na possibilidade de emprestar-se como enquadramento diante do mar vocal de Outro com o qual o psicótico se encontra; e, por fim, a canção como o que pode operar sobre alguma reordenação pulsional: reverberações da canção que fazem um corpo, literalidade de um canto que escreve, para o psicótico, uma existência. / [fr] Les interlocutions entre les champs de la psychanalyse, de la musique et de la musicothérapie sont pensées à partir de l utilisation de la chanson comme ressource clinique pour la manipulation de la psycose. On distingue la chanson comme imbrication de texte, arrangement et voix, ce qui nous amène à traiter la voix dans la psychanalyse lacanienne: voix en tant qu objet a, présence vocale de l Autre. On pense la chanson dans certains sens: dans la matérialité du signifiant, comme la ressource au discours du psychotique; dans la possibilité de se prêter comme cadre devant la mer vocale de l Autre avec laquelle se trouve le psychotique; et, enfin, la chanson comme celle qui peut agir sur une certaine réorganisation pulsionnelle: réverbérations de la chanson qui font un corps, littéralité d un chant qui écrit, pour le psychotique, une existence.