L'art du cinéma, depuis son arrivée en Iran et dans l'enceinte de la cour royale en 1900, a été d'emblée l'objet de contrôles émanant du pouvoir e place, pétri de croyances religieuses traditionnelles. Son étendue à la société iranienne, quatre ans plus tard, résulte des efforts des intellectuels du pays Mais, dès sa mise en présence avec le public, l'art cinématographique a dû faire face à deux antagonismes très forts dans la société: la religion et la morale; car ce média -élément patent de la modernité- était considéré par l'une et l'autre comme une source de corruption. Le cinéma, pour sa part, n'a jamais abandonné la partie. Dès les premières productions nationales et graduellement, on constate l'émergence d'œuvres qui prennent en compte l'impératif de la censure pour mieux le contourner, afin d'exprimer, de façon déguisée, au moyen de métaphores essentiellement, leurs préoccupations. Ce qui particularise le cinéma iranien comme à part dans le monde de la création cinématographique, c'est la tendance à développer un langage métaphorique provenant de son passé historique. Le cinéma iranien, en effet, a puisé son inspiration et ses fondements dans la poésie persane. Au fil de l'histoire, ses poètes -les premiers- ont appris à utiliser le biais de la métaphore pour exprimer leurs idées malgré les restrictions. Ce regard et ce caractère se sont ensuite intensifiés et ont imprégné petit à petit la société iranienne en général et les artistes en particulier. Cette façon de réagir est devenue ensuite tellement habituelle que Je peuple iranien, aussi, a commencé à l'utiliser à son tour, souvent pour exprimer ses pensées de façon indirecte et emblématique. Il sait décoder instantanément ce langage et en découvrir le message ou les messages. C'est dans ce contexte que les cinéastes iraniens sont parvenus à construire une méthode adéquate pour passer les bornes de la censure, critiquer la société iranienne à la faveur de cette transposition poétique et créer une interaction vive avec le public. Ce cheminement, qui a commencé dès la production nationale au début des années trente, s'est fortifié vers la fin des années cinquante pour se cristalliser à la fin de la décennie suivante. / The art of cinema since its emergence in Iran and on the grounds of the Royal Court in 1900 was immediately subject to censorship from the administration in power, attached to traditional religious beliefs. Its extension to Iranian society, four years later, was the result of the country intellectuals' efforts. But as soon as it was presented to the public, film art has had to face two very strong antagonisms in the society: religion and morality; because this media -major element of modernity -was considered by both as a source of corruption. The cinema, for its part, never gave up. From the first national productions, and gradually. we see the emergence of works that take into account the constraint of censorship in trying to bypass it, by expressing their concerns in disguised form essentially through metaphors. What distinguish Iranian cinema as apart from the world of filmmaking, is the tendency to develop a metaphorical language that emanate from its historical past. Iranian cinema, indeed, drew its inspiration and foundations in Persian poetry. Throughout history, poets -the first- have learned to usi metaphor to express their ideas despite the prohibition. This look and dimension are then intensified and gradually impregnated the Iranian society in general and artists in particular. This way of reacting became later so usual that the Iranian people, too, began to use it in tum often to express his thoughts through an indirect and symbolic way. He knows instantly how to decode the language and to receive the message or messages. It is in this context that Iranian filmmakers have managed to build an adequate method to pass the bounds of censorship. criticize Iranian society through this poetic transposition and create a lively interaction with the audience. This evolution. which began with the national production in the early thirties, was reinforced in the late fifties to crystallize at the end of the next decade.

Comment penser les problèmes d'accessibilité relatifs aux prix et la politique de répertoire des cinémas contemporains ? Quels sont les déterminants de la fréquentation des salles de cinéma et les conditions de son augmentation ? Quelles formes pourrait prendre un système d’exploitation cinématographique alternatif ? Tels sont les questionnements qui sous-tendent la recherche doctorale présentée dans cette thèse. Ce travail vise à définir et élaborer des bases théoriques et méthodologiques afin d’augmenter l'efficacité de la gestion du système de distribution des films en Russie, en s’appuyant sur l'utilisation de l'expérience russe et française en matière de préservation de l'identité nationale de la culture cinématographique dans un contexte de mondialisation culturelle. Cette thèse a permis d’élaborer un projet de système de gestion de la structure intergouvernementale portant sur l'exploitation cinématographique dans ses dimensions d’économie politique, d'organisation et de marketing dans la perspective d’une efficacité accrue pour résoudre les problèmes d’ordres économique et socio-culturel. Les résultats de l'étude peuvent être utilisés pour contribuer à définir la politique de l’État dans la sphère de l'exploitation cinématographique aux niveaux fédéraux, régionaux et locaux ; dans le processus de réforme et d'amélioration de l'efficacité de la gestion du système d'exploitation cinématographique ; pour la détermination des orientations à long terme de l'activité de marketing dans le domaine de l'exploitation cinématographique. / What is the solution of the problems with the price accessibility and repertoire policy for the modern cinemas ? What are the determinants of cinemas attendance and how to increase the target audience of cinemas ? What is the suitable form for the "system of alternative film exhibition" ? These were the questions to answer with the recent thesis. The purpose of the research is consisted in the determination and elaboration of theoretical and methodological bases for increasing the efficiency of Russian film exhibition management using the accumulated Russian and French experience of maintaining the national identity of cinematograph culture in the conditions of cultural globalization. As a result of the conducted research the international structure of film exhibition was elaborated and presented widely in the organizational, economical and marketing aspects with the aim of increase the efficiency of the solution of economical and socio-cultural problems. The results of this scientific work can be used while defining the state policy in the film exhibition field on the federal, regional and local levels ; in the process of reforming and increasing the efficiency of film exhibition management ; during the practice of foundation the perspective directions of marketing activities in the film exhibition field.

En France, la majorité des salles de cinéma est constituée par des cinémas "Art et essai". Comment rendre compte de l'identité de ces lieux de diffusion dans une perspective communicationnelle ? Outil des politiques d'aménagement et ressource possible pour le développement des territoires, la plupart des salles Art et essai en Midi-Pyrénées se présente sous la forme d'équipements dits "de proximité". Or, la "salle de proximité" représente un point aveugle des recherches universitaires qui portent sur le modèle Art et essai. Sur la base de ce constat, trois étapes structurent l'investigation. La mise en question des représentations de l'histoire du mouvement Art et essai permet d'abord de caractériser cette exploitation comme un modèle hybride, qui relève à la fois d'une politique culturelle nationale et de l'activité située des professionnels de la diffusion qui sont confrontés aux singularités du territoire dans lequel ils exercent. L'analyse diachronique du parc Art et essai en Midi-Pyrénées permet ensuite de présenter l'organisation des acteurs, de pointer leur rôle dans la structuration d'un modèle de diffusion alternatif en région, puis d'exposer le renouvellement récent des rapports de force. Cette approche généalogique, qui suppose d'intégrer les évolutions liées à la décentralisation, dessine une ligne de partage, au sein du parc Art et essai actuel, entre une logique de service, d'une part, et une logique de projet, d'autre part. Cette distinction elle-même est enfin mise à l'épreuve des résultats obtenus à travers deux enquêtes, la première portant sur les contenus offerts sur les écrans Art et essai de la région et la seconde sur la place de la subvention Art et essai dans l'économie des structures. En définitive, la représentation convenue d'un territoire symbolique de l'Art et essai doit être reconsidérée au profit d'une définition de la salle de cinéma Art et essai dont l'identité se construit, sur le temps long, en fonction de l'ancrage territorial des établissements. Par ancrage territorial, il ne s'agit pas de désigner la seule " zone de chalandise " mais l'enchevêtrement de plusieurs dimensions (économique, politique, sociale et géographique) qui forment un espace signifiant et opératoire, co-construit par les spectateurs, les diffuseurs et les acteurs publics locaux. / In France, most movie exptheaters are classified as Art et essai. How is it possible to account for the identity of these screening rooms within a communications framework ? As both a means to implement town and country planning policy and a potential resource for economic growth, the vast majority of Art et essai theaters in Midi-Pyrénées are viewed as local, convenience features. Yet, the convenience Art et essai theater has so far never been dealt with as such within academic analyses. The present research therefore offers a three-step approach to addressing this issue. Appraising the representations construed by the history of Art et essai as a movement allows first to characterize how theaters are run, following a hybrid model combining national-scale arts policy and on-site management, the latter being directly confronted with the particular realities of the terrain on which they operate. A diachronic scrutiny of overall Midi-Pyrénées Art et essai theater stock then allows to a) present how the partakers involved organize, b) point out their role in the setting up of a regional alternate approach to screening and c) exhibit the recent new deal within the power ratio. This genealogical approach which entails integrating evolutions linked with decentralization allows to draw a line amid today's Art et essai theaters, between service providers and project contributors. The results from two separate inquiries are then used to put this very distinction to the test. The first inquiry deals with regional Art et essai theaters' movie programming and the second with assessing the bearing of Art et essai public subsidies within their business model. Ultimately, the generally acknowledge representation of Art et essai's symbolic territory is to be reevaluated to allow for redefining the identity of Art et essai movie theaters as a long-term construct, whose evolution depends on their territorial foothold. Here, territorial foothold does not point merely to their marketing area but the intertwining of multiple dimensions (economic, political, social and geographic) that forms a meaningful and operating framework built both by viewers, theater management and local government.

La première section de ce mémoire consiste en un scénario de long métrage original. L’art de marcher sur la neige est un film québécois de la route développant les thèmes de la fuite, de la solitude, du silence et de la quête de soi. Avant tout, nous aborderons la bible du scénario : le sujet, l’angle de traitement, le milieu et les personnages seront entre autres présentés. La seconde section du mémoire est consacrée à une étude du concept de norditude dans les fictions artistiques. L’étude vise à faire un tour d’horizon des trois composantes sous-jacentes à l’expérience de la norditude par les personnages des fictions de l’écran : les lieux de survivance, la solitude confidente et le silence.

Dans ce mémoire, nous cherchons à poser un regard nouveau sur le miroir, cet objet apparemment anodin, dont la présence au cinéma dissimule souvent un sens caché, ainsi qu’à démontrer, à travers l’élaboration d’une typologie des différentes fonctions du miroir, que la surface spéculaire se révèle souvent une clé d’interprétation importante pour saisir le sens d’un film à l’échelle du plan, de la scène ou de l’ensemble de l’œuvre. Nous tenterons, dans un premier temps, de définir et distinguer les modes de réflexivité du miroir au cinéma – concret, métaphorique, métacinématographique – pour ensuite les associer aux différents rôles que le miroir peut prendre dans les films. Enfin, nous proposerons une analyse filmique de Black Swan de Darren Aronofsky (2010), laquelle prendra appui sur l’étude des miroirs employés dans l’œuvre.

Je m’intéresse à la figure du spectateur prévue par le film, à partir des travaux de Francesco Casetti, Roger Odin, Umberto Eco et Martin Lefebvre. Mon objectif est de montrer que la figure du spectateur est plurielle. Dans cette perspective, nous verrons que tout film fait une offre à son spectateur, mais que celui-ci y répond de manières différentes selon le contexte dans lequel il voit le film et les positions éthiques qu’il fait siennes. Le film Pink Flamingos, de John Waters (1972), cherche, par tous les moyens, à provoquer la sensation d’un dégoût intéressant. Il s’inscrit en faux contre l’institution du film de fiction traditionnel, puisqu’il propose au spectateur d’« interagir » avec lui. Nous verrons toutefois que cette proposition implique une distinction entre, pour simplifier, un « bon » et un « mauvais » spectateur, selon qu’il soit ou non participatif.

À propos de la vidéocassette : Vidéo d'accompagnement d'un mémoire de maîtrise es Arts à la faculté des études supérieures de l'Université Laval. Compilation de sept vidéos d'art réalisés par Anne-Marie Bouchard en 1997-1998. Comprend : Éclats (6:05 min.), Un rêve d'eux (3 min.), Parking (4:45 min.), Tunnel (2:08 min.), Animation chat (1:50 min.), Traversée (3:44 min.), Secrets gardés (5:25 min.). / Québec Université Laval, Bibliothèque 2014

Ce mémoire a pour objectif de mettre en lumière la manière dont la figure du père influence la construction identitaire des personnages du film The Royal Tenenbaums (2001) du cinéaste Wes Anderson. L’analyse du film effectuée dans ce mémoire porte sur la relation qu’entretiennent le père et les enfants Tenenbaum, de même que sur la figure paternelle ou sur l’idée que les personnages se font du rôle du père. Le père réel et la figure du père idéal ont une fonction déterminante dans la constitution de leurs identités respectives. Par l’articulation de certaines réflexions issues des théories psychanalytiques de C. G. Jung et de Jacques Lacan, ainsi que par l’emprunt de quelques notions relatives à l’identité narrative élaborées par le philosophe Paul Ricœur, cette étude a pour but de rendre compte de la manière dont s’organise la perception de la paternité chez les personnages, ainsi que des effets que celle-ci induit.

Adaptations cinématographiques d’Alice au pays des merveilles et De l’autre côté du miroir de Lewis Carroll: Analyse des transécritures de Walt Disney, Jan Švankmajer et Tim Burton observe comment trois versions cinématographiques différentes, provenant d’un même texte source, peuvent être singulières les unes par rapport aux autres. Le but de ce mémoire est d’analyser les transécritures de Walt Disney (1951), de Jan Švankmajer (1989) et de Tim Burton (2010) autant dans les changements narratifs que dans les ajouts faits par les réalisateurs qui personnalisent l’adaptation. Pour ce faire, nous nous appuierons sur la notion d’idée de Deleuze. Chacune des analyses est divisée selon: les idées de roman et de cinéma qui se « rencontrent », les ajouts et modifications des idées de roman, ainsi que les idées ayant été rejetés par l’adaptateur-cinéaste. / Adaptations cinématographiques d’Alice au pays des merveilles et De l’autre côté du miroir de Lewis Carroll: Analyse des transécritures de Walt Disney, Jan Švankmajer et Tim Burton observes how three different cinematographical versions, of the same source text, are singular from one another. The goal of this essay is to analyze the adaptations of Walt Disney (1951), Jan Švankmajer (1989) and Tim Burton (2010) from the narrative choices to what directors added in order to personalize the adaptation. To do so, we rely on Deleuze’s notion of ideas. Every analyze is being divided by: the meeting of the novel’s ideas and the film’s ideas, by ideas that have been added or modified, and by ideas that were eliminated by the adaptor-filmmaker.

Cette étude propose l’analyse de représentations queer dans le cinéma des années 2000. Plus précisément, elle porte sur la façon dont l’abus sexuel au masculin est représenté dans deux films produits en 2004, soit La mauvaise éducation (La mala educación), du réalisateur espagnol Pedro Almodovar, et Mysterious Skin, du réalisateur étatsunien Gregg Araki. À l’aide de la réflexion contenue dans Ça arrive aussi aux garçons : l’abus sexuel au masculin du sociologue Michel Dorais, l’objectif vise à démontrer comment cet événement traumatique influence de manière significative la construction identitaire et sexuelle des personnages principaux. De manière plus générale, ce mémoire positionne ces deux réalisateurs dans la grande et riche lignée du cinéma queer, qui met en scène des désirs hors norme et des identités sexuelles alternatives. Le premier chapitre porte sur les théories queer et ses diverses manifestations au grand écran. Il permet par la suite de réunir Almódovar et Araki dans une même étude et de souligner la pertinence de cette réunion. Le deuxième chapitre s’intéresse, à l’aide d’analyses d’extraits significatifs des films, à la façon dont chacun met en scène l’abus sexuel au masculin et comment cet événement se présente dans la vie des protagonistes. Le dernier chapitre se penche sur la construction identitaire et sexuelle des personnages principaux, afin de mieux comprendre l’incidence de l’abus sexuel. Jumelée aux travaux de Judith Butler, l’approche queer sera donc mise de l’avant dans cette étude qui se montre d’emblée attentive, d’un point de vue cinématographique, aux notions de sexe, de genre et de désir, et ce, à travers l’analyse de plusieurs extraits filmiques et d’éléments à la fois narratifs et structurels particulièrement significatifs quant à la représentation de l’abus sexuel au masculin. / This study proposes to analyze queer cinema representations in the 2000s. It focuses on how the male sexual abuse is shown in two films released in 2004, Bad Education (La mala educación), from the Spanish director Pedro Almodóvar, and Mysterious Skin, from the American director Gregg Araki. Applying ideas from sociologist Michel Dorais, in his 1997 book, Ça arrive aussi aux garçons: l’abus sexuel au masculin, we aim to show how this event significantly influences the identity and the sexual construction of the films’ main characters. More generally, this study places these two directors in the large and rich tradition of queer cinema, which focuses on unconventional desires and sexual identities. The first chapter deals specifically with queer theory main ideas and its various manifestations in cinema, which allows us to bring Almodóvar and Araki together in one study and to emphasize the relevance of this reunion. The second chapter focuses on significant scenes from the movies that show how each director presents male sexual abuse and how this event reflects on the lives of the protagonists. Finally, the last chapter analyses problems of identity and sexual construction in the main characters, to see how sexual abuse has affected them. Coupled with the work of Judith Butler, the queer approach in film studies is therefore adapted in this thesis, in order to emphasize the importance of concepts like genre, sexuality, and the manifestations of desire through the analysis of several scenes from the corpus. Therefore, particularly significant narrative and structural elements, as regards to the representation of male sexual abuse in cinema, will be studied