L'objectif de nos recherches consiste à définir la notion d'extravagance en l'inscrivant dans le contexte qui en voit l'essor littéraire, de l'année 1623 (avec L'Histoire comique de Francion de Sorel) à 1666 (avec Le Misanthrope de Molière et Le Roman bourgeois de Furetière) ; il s'agit de montrer comment cette notion rend compte des enjeux socioculturels, littéraires et esthétiques du premier XVIIe siècle. Nos travaux s'inscrivent dans une perspective pluridisciplinaire : l'extravagance convoque à la fois le domaine de la médecine, l'histoire des traitements et de l'enfermement du fou, la question philosophique des rapports réversibles entre folie et sagesse, domaines que nous étudions en miroir des représentations littéraires de la déraison. Le trouble qui atteint l'extravagant perturbe son imagination en n'altérant que faiblement son entendement. Un savoir mal maîtrisé et des lectures nocives, qui sont souvent des romans, sont la cause de son délire : contrairement à l'idiot, son esprit n'est pas vide, mais interprète de manière erronée ce qu'il perçoit du monde. Ce trouble de l'esprit l'amène également à s'écarter du comportement prescrit dans l'espace social. Face au modèle de l'honnête homme, défini par les traités de civilité, l'extravagant est incapable de respecter les codes de la bienséance et de la politesse. Cette lecture nous permet de proposer une interprétation renouvelée des types comiques que l'on trouve dans les comédies et les histoires comiques des années 1620-1660, tels le capitan-matamore, le pédant, le provincial, etc... / The purpose of our research is to define extravagance by looking at this notion in context when it experienced its first literary successes, that is from 1623 (with L'Histoire comique de Francion by Sorel) to 1666 (Le Misanthrope by Molière and Le Roman bourgeois by Furetière). We therefore aim at showing how it illustrated sociocultural, literary and esthetical issues in the early seventeenth century. Our research is carried along pluridisciplinary lines: extravagance deals at the same time with medicine, the history of cures and the imprisonment of the insane and the philosophical question of reversible links between madness and wisdom, and this is why I am studying these fields while analysing literary representations of madness. The extravagant's disorder disturbs his imagination without really impairing his understanding. Uncontrolled knowledge and noxious readings, which are often novels, are responsible for his madness. Unlike the fool, his mind is not empty, but it blurs the way in which he perceives the world. Such mental confusion also makes him move away from accepted social behaviours. As opposed to the model of the honest man as defined by treatises of courtesy, the extravagant man cannot abide by proprieties and polite codes. This perspective leads me to formulate a new interpretation of the comic characters we can find in comedies and comic novels from the 1620-1660 era, such as the braggart, the pedant, the countryman, and so on...

Ce présent travail étudie la mobilisation des concepts relatifs à la légitimité et à l’usurpation dans le théâtre français classique, et a pour corpus toutes les pièces (tragédies, tragi-comédies et comédies héroïques) représentant des perturbations étatiques liées à l’usurpation entre 1630 et la fin du XVIIe siècle. Si la mise en scène de bouleversements politiques extraordinaires confère une certaine grandeur à l’œuvre dramatique, elle implique un aspect référentiel qui, surtout dans une France où l’absolutisme s’établit et s’affirme, pourrait conduire à une difficulté. Or, c’est précisément cette problématique qui assure l’efficacité propre du thème de l’usurpation. La référence idéologique et morale est elle-même mobilisable sur un plan dramaturgique et peut constituer un élément structurant de l’effet dramatique, assurer l’engrenage de l’action, et répondre à une vision poétique. En même temps, à travers ces procédés dramaturgiques, les pièces construisent leur sens qui, tout en faisant écho à l’absolutisme monarchique, peut parfois présenter un écart par rapport aux réflexions politiques contemporaines. Cette étude s’articule autour de trois concepts – le droit de régner, le devoir de régner et la volonté de régner. L’analyse de la manière concrète de leur mise en place mène à une réflexion sur l’évolution du traitement du thème durant le siècle et sur le rapport complexe entre idéologie et dramaturgie. / This piece of work studies the mobilization of concepts relating to legitimacy and usurpation in classical French theater. The corpus includes all plays (tragedies, tragi-comedies and heroic comedies) representing state-level disruptions linked to usurpation from 1630 to the end of the seventeenth century. If the representation of extraordinary political disorders makes the subject of a play more elevated, it also implies a referential dimension that could give rise to a complication, especially in a France where absolutism was taking shape. Yet it is precisely this problem that warrants the value of the theme of usurpation. Once dramaturgically mobilized, the ideological and moral reference constitutes a structural element that creates the dramatic effect, which ensures the circle of the action and echoes a poetic vision. At the same time, through these dramaturgical features, the plays construct their meaning, which besides reflecting absolutist ideology can sometimes deviate from contemporary political thought. This study hinges on three concepts – the right to rule, the duty to rule and the will to rule. The analysis of the concrete means of their implementation is followed by a reflection on the evolution of the treatment of the theme throughout the century as well as on the complex relationship between ideology and dramaturgy.

De tous les auteurs français du XIXe siècle, Balzac fut le plus connu en Europe centrale et orientale. Sa réception fut moins marquante avant 1918, tranquille en 1918-1948 et glorieuse en 1948-1989. Pourquoi Balzac a-t-il obtenu ce quasi monopole ? Pourquoi Balzac et non Flaubert, Zola ou Maupassant ? Nous avons analysé les postfaces et les critiques de ses chefs-d´œuvre ainsi que le contexte historique et culturel. Après 1948 le pouvoir communiste cherche quelqu'un sur qui s´appuyer en littérature et Balzac en sort victorieux. Son époque forte arrive pour tous les pays alliés de l´URSS. Son œuvre fait l´objet de dizaines de milliers de tirages, les maisons d´édition nationales se l´arrachent, subventionnent sa promotion littéraire en le liant avec Lénine ou très souvent avec Marx, Engels qui servent de caution pour lui ouvrir une grande voie. En quarante ans, Balzac est partout. Après 1989, la littérature classique est déjà installée mais c´est aussi sa fin. Balzac n´est plus nourri par les maisons d´édition : celles-ci étant devenues privées, publient ce qu´elles veulent. Que cinq livres de Balzac sont édités. Point d´intérêt pour l´auteur de La Comédie humaine, pourtant, la culture slovaque est imprégnée de son souvenir. / Of all the French authors in the XIXth century, Balzac was the best known in Central and Eastern Europe. His reception was less remarkable before 1918, quiet in 1918-1948 and glorious in 1948-1989. Why did Balzac obtain this almost monopoly? Why Balzac and not Flaubert, Zola or Maupassant? We analysed the postscripts and the criticisms of his masterpieces as well as the historical and cultural context. After 1948 the communist power is searching for someone who they can lean on in literature and Balzac emerged victoriously. His powerful era is visible in all the allied countries of the USSR. His work is the subject of ten thousand of the prints, the national publishing houses compete for him, subsidize his literary promotion by linking him with Lenin or very often with Marx, Engels who serve as a surety to open a great way for him. In forty years, Balzac is everywhere. After 1989, the classical literature is already installed but it is also its end. Balzac is no longer fed by the publishing houses: they become private and publish what they want. Only five books are edited. Point of interest of the author of the Human Comedy, however, the Slovak culture is impregnated in his memory.

Cette thèse de doctorat porte sur la mendicité et la figure du mendiant dans la littérature grecque, d’Homère jusqu’au philosophes cyniques. Quatre familles de mots servent de point de départ à cette étude : πτωχός « le mendiant », ἀγύρτης « le prêtre mendiant », ἀλήτης « vagabond », πλάνης « le rôdeur » et la triade ἐπαίτης, προσαίτης, μεταίτης « le quémandeur ». Le hasard de la conservation veut que les attestations de la mendicité dans la littérature grecque se cantonnent au corpus poétique. Or, par sa dimension pragmatique, la poésie grecque reste liée à son contexte d’origine, en traitant toujours de problématiques sociales qui lui sont contemporaines. Notre travail se propose d’étudier dans quelle mesure les représentations littéraires et esthétiques de la mendicité sont investies d’une fonction sociale. Notre thèse adopte trois perspectives méthodologiques : une étude lexicale de la mendicité examinant les jeux de synonymie et les connotations, un examen des fonctions littéraires et dramatiques du personnage, tantôt catalyseur de l'action, tantôt vecteur d'émotions, et une analyse sur son rôle argumentatif dans les réflexions politiques et morales sur la pauvreté au IVème siècle. Le motif de la mendicité permet aux Grecs d’envisager un certain type d’exclusion civique, et en contre-point, d’appréhender la nature du lien social. Une étude chronologique montre que ce personnage, initialement contre-modèle du parfait citoyen, devient aux moments de grands bouleversements économiques un personnage attachant, permettant à la cité de réintégrer symboliquement les pauvres et de prôner indirectement la solidarité collective. / This study/PhD thesis is focused on the beggary and the beggar in Greek literature, from Homer to the cynicism. At the beggining, I am dealing with the study of four word groups : πτωχός ‟beggar”, ἀγύρτης ‟begging priest”, ἀλήτης ‟vagabond”, πλάνης ‟wanderer” and ἐπαίτης, προσαίτης, μεταίτης ‟almsman”. The preserved corpus of Greek literature with mention of the beggary is fortuitously restricted to poetry. By her pragmatic function, ancient Greek poetry remains connected with contemporary social problems. My work's aim is to investigate how literary and aesthetic representations of the beggary have a social function. I adopted three methodological perspectives: a semantic study of the beggary (synonyms and connotations), an study of the literary and dramatic functions of that character (sometimes action accelerator, sometimes factor of emotions), and an analysis of his argumentative role in political and moral reflexions about poverty during the fourth century B.C. The motive of the beggary enabled Greek people to consider a type of civic exclusion, and in parallel, to apprehend the nature of the social cohesion. A chronological approach shows that this character, previously a counter-model of the perfect citizen, becomes - when big economical changes arrive - an endearing character, who symbolically reinstates excluded people in the city and indirectly promote public solidarity.

La seconde moitié du XVIIIe siècle est une période de recherche et d’expérimentation dramatiques qui se traduisent, au sein de la programmation du théâtre de la Comédie-Italienne de Paris, en la conception d’une soixantaine de canevas italiens inédits, mis en scène par les acteurs-auteurs de la troupe italienne du théâtre, entre 1760 et 1779, année de la « suppression » du genre italien. À travers le dépouillement des sources périodiques, contenant les résumés des soirées et les récits des performances, des registres du théâtre, ouvrant l’accès aux effectifs des troupes, cette thèse propose la reconstitution du répertoire de pièces italiennes d’acteur et l’étude de la dramaturgie de ce spectacle parisien durant la seconde moitié du XVIIIe siècle. À partir des années 1760, la pratique de la scène, les modalités créatives et représentatives de la commedia dell’arte migrent vers les dramaturgies adjacentes à l’intérieur d’un répertoire mixte, français et italien, en donnant lieu à des phénomènes d’« hybridation » permettant de pérenniser la dramaturgie italienne et la « pratique » scénique des comédiens italiens, à l’intérieur des comédies des dramaturges français qui écrivent pour ce théâtre : J.-F. Cailhava de l’Estandoux et de J.-P. Claris de Florian. Il sera donc question de relire la « suppression » du genre italien en 1779, en les termes d’une « réexistence », en étudiant la portée globale du répertoire et de la dramaturgie italienne du point de vue de leur évolution, durant la seconde moitié du XVIIIe siècle, au sein du contexte productif et de la palette représentative de la Comédie-Italienne. / The second half of the eighteenth century represents a period of research and experimentation in dramatics that manifest themselves, within the theater’s programs of the Comédie-Italienne. These experimentations materialize in approximately sixty unpublished Italian plots, directed by the actors-authors of the Italian company between 1760 and 1779, year of the “suppression” of the Italian genre. Sorting through periodical sources, that include summaries of the evening performances and performances’s telling, and theater’s registers, which give the access to the acting company, this thesis intends to recreate the company’s repertoire of Italian plays. The intention is also to study the dramatic art of this Parisian show during the second half of the eighteenth century. From the 1760s, the experience of the stage, the creative and representative modalities of the commedia dell’arte slide towards closed dramaturgies inside a mixed repertoire French and Italian. It generates “hybrid” phenomena that give the possibility to preserve the Italian dramatic art and the scenic “technique” of the Italian comic actors, within the plays of French playwrights who have written for this theater: J.-F. Cailhava de l’Estandoux et de J.-P. Claris de Florian. This thesis will provide a rereading of the “suppression” of the Italian genre in 1779, in terms of “rebirth”. Then it will analyze the complete impact of the Italian repertoire and the dramatic art inside the productive context and the representative range of the Comédie-Italienne from the outlook of their evolution during the second half of the eighteenth century. / La seconda metà del XVIII secolo è un periodo di ricerca e sperimentazione drammatica che sfociano,nell’ambito della programmazione del teatro della Comédie-Italienne di Parigi, nella creazione di unasessantina di canovacci italiani inediti allestiti e rappresentati dagli attori-autori della compagnia italiana delteatro, tra il 1760 e il 1779, anno della « soppressione » del genere italiano. Attraverso lo spoglio delle fontiperiodiche, che contengono i riassunti degli spettacoli e i resoconti delle performance attoriali, le ricerched’archivio effettuate nei registri del teatro, che permettono di accedere agli effettivi delle troupes, la tesipropone la ricostituzione del repertorio italiano e lo studio della drammaturgia di questo teatro parigino dellaseconda metà del Settecento. A partire dal 1760 la pratica scenica, le modalità compositive e rappresentativedella commedia dell’arte migrano verso le forme drammaturgiche ad essa vicine all’interno di un repertoriobilingue, francese e italiano dando luogo a fenomeni di « ibridazione » che permettono la fissazione delladrammaturgia italiana e della pratica teatrale degli attori italiani, nella produzione francese degli autori checompogono per questo teatro : J.-F. Cailhava de l’Estandoux e J.-P. Claris de Florian. Lo studio dell’ampiezzadel repertorio e della drammaturgia italiana, considerati dal punto di vista dell’evoluzione che subiscono inseno al contesto produttivo e all’offerta rappresentativa della Comédie-Italienne, permette di rileggere la« soppressione » del genere italiano avvenuta nel 1779 come « riesistenza » e « perennizzazione » di questogenere. / Die zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts ist eine von dramaturgischer Forschung und Experimentierfreudigkeitgeprägte Periode, was sich in den Jahren 1760 bis 1779, Jahr der ‚Abschaffung’ des italienischen Genres,innerhalb des Programms des Pariser Theaters Comédie Italienne in der Konzeption von ungefähr 60unveröffentlichten neuen italienischen Kanevas, die von Schauspieler-Autoren der italienischen Truppe desTheaters inszeniert wurden, ausdrückt. Durch die Aufarbeitung publizistischer Quellen, die neben Kritikenund Inhalten dieser Abende auch Theaterregister beinhalten, und somit einen Zugang zum Personalbestandder Truppe eröffnen, wird in der vorliegenden Dissertation eine Rekonstruktion des Repertoires deritalienischen Schauspielerstücke sowie die Untersuchung der Dramaturgie dieser Pariser Vorstellungen derzweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts vorgenommen. Ab den 1760er Jahren verlagern sich die Szenenpraxis,die kreativen und repräsentativen Modalitäten der commedia dell’arte hin zu benachbarten Dramaturgieneines gemischten, französisch und italienischen Repertoires hin und machen Platz für hybride Phänomene,was erlaubt, die italienische Dramaturgie und die Bühnenpraxis der italienischen Schauspieler innerhalb derKomödien französischer Dramaturgen, die für dieses Theater schreiben (J.-F. Cailhava de l’Estandoux und J.-P. Claris de Florian), zu einem festen Bestandteil zu machen. Es geht also darum, die „Abschaffung“ desitalienischen Genres 1779 hinsichtlich einer „Reexistenz“ noch einmal zu überdenken, indem man denglobalen Beitrag von „italienischem“ Repertoire und „italienischer“ Dramaturgie aus Sicht ihrer Entwicklungin der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts im Kontext der Produktion und der Darstellungspalette derComédie Italienne untersucht.

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Lʼœuvre littéraire dʼHonoré de Balzac témoigne dʼune profonde connaissance du système judiciaire et dʼune grande réflexion à son sujet. La violence et le crime, certainement pas les côtés les plus reluisants de lʼHomme, font tout de même partie intégrante de la société. Puisque Balzac a lʼambition de montrer la nature humaine telle quʼelle est, il consent à peindre le meurtre sans euphémismes. Loin de rejeter entièrement lʼesthétique romantique sanglante, il décrit le crime comme une action fondamentalement ambivalente, cʼest-à-dire, quʼil ne le condamne pas absolument ni ne le défend ouvertement. Nous retrouvons dans Balzac ce dont très peu dʼécrivains, et encore moins de philosophes, savent rendre compte : la complexité même de la vie. Lʼengagement social de Balzac invite à penser sa façon de mettre le meurtre en fiction en rapport au contexte sociologique et historique de ses œuvres. Dans la réflexion balzacienne sur le meurtre, quatre thèmes importants reviennent constamment : lʼargent (aspect économique), la jeunesse, la famille (aspects sociaux) et le remords (aspect moral). La dimension philosophique de La Comédie humaine justifie, quant à elle, le choix dʼune lecture également philosophique de lʼœuvre de Balzac. Les meurtres de quatre nouvelles appartenant aux Études philosophiques (El Verdugo, LʼAuberge rouge, Les Marana et Un drame au bord de la mer), assurent une pensée multiple sur des thèmes tels que la justice, le droit, le nom de famille, lʼhonneur, la culpabilité et le glissement dʼune société ancienne vers une société nouvelle dominée par lʼargent. / The literary work of Honoré de Balzac testifies to a deep knowledge and reflection of the judicial system. Violence and crime, certainly not the brightest sides of humanity, are nevertheless an integral part of society. Since Balzacʼs ambition is to show human nature as it is, he agrees to depict murder without euphemisms. Far from entirely rejecting the bloody romantic aesthetic, he describes crime as a fundamentally ambivalent action, meaning that he neither absolutely condemns it nor openly defends it. We find in Balzac what very few writers, and even fewer philosophers, can account for : the very complexity of life itself. Balzacʼs social commitment invites us to think about his way of putting murder in fiction in relation to the sociological and historical context of his works. In Balzacʼs reflections on murder, four important themes constantly recur : money (economic aspect), youth, family (social aspects) and remorse (moral aspect). The philosophical dimension of La Comédie humaine justifies the choice of an equally philosophical reading of Balzacʼs work. The murders of four short stories belonging to the Études philosophiques (El Verdugo, LʼAuberge rouge, Les Marana and Un drame au bord de la mer), ensure a multiple reflection on themes such as justice, law, family name, honour, guilt and the shift from an old society to a new money-dominated society.

The following is a meta-commentary of the article, “Marriage and the City: Fatal Displacement in La Maison du chat-qui-pelote,” co-authored by Dr. Anca Mitroi Sprenger and myself, Laurel Cummins. The article will soon be submitted for publication, and this commentary contains an annotated bibliography of all our primary and secondary sources as well as an account of the origin of the argument and the process of writing the article. Our article is based upon an analysis of La Maison du chat-qui-pelote, a story authored by Honoré de Balzac within his seminal collection La Comédie humaine. In the article, we analyze the theme of fatal displacement in La Maison du chat-qui-pelote as an allegory of the repressions of nineteenth-century modernity. The theme is presented through the tumultuous marriage of the bourgeois protagonist, Augustine Guillaume, to the aristocrat artist, Théodore de Sommervieux, and through Augustine's literal movement within the city of Paris that ensues after their marriage (from her home, the Chat-qui-Pelote, to her husband's home, her attempted return to the Chat-qui-Pelote, and her visit to her husband's mistress). We demonstrate that these displacements are not only the source of Augustine's premature death but are emblematic of the perishing past in a post-revolutionary, modern Paris. Our development of this conclusion comes through a close analysis of the principal text itself as well as of the literal and figurative displacements that occur throughout to the main character, Augustine. In studying these displacements, we consider not only the social structures and institutions at the time of the novel but the detailed images of the past that anchor Augustine in traditions that do not let her transition into modernity. We examine the portrayal of marriage in La Maison du chat-qui-pelote as it coincides to the ideals of marriage in pre and post-Revolution periods. We likewise consider the various geographical areas (as pinpointed by specific roads provided by the author) as a way of understanding the historical background and the effect of displacement from various areas of Paris to others. The title of the story (which references the sign outside of the protagonist's house), the Chat-qui-Pelote, also offers rich symbolism that, when deciphered, substantiates our claim that this story goes far beyond an unfortunate marriage caused by class disparity. Instead, Augustine's trajectory in the story, she being the human embodiment and relic of ancient French traditions, alludes to a foundational inability for past ways of French life to survive in modernity.

Marqueur linguistique très usité dans la comédie, la forme diminutive est une des particularités de la langue d’Aristophane. Comparables au suffixe -ette en français (e.g. maison > maisonnette), les suffixes -ιον et -ισκος sont utilisés par des personnages de tous les genres et de toutes les classes sociales pour exprimer leur évaluation diminutive. Parfois utilisés pour représenter un objet plus petit, parfois pour complimenter et parfois pour exprimer son dédain, les diminutifs sont difficiles à définir et encore plus complexes à démêler des autres formes qui peuvent partager leur suffixe. La première étape de ma recherche a donc consisté à créer un schéma radial capable d’expliquer les différents aspects sémantiques et pragmatiques du diminutif dans le dialecte attique d’Aristophane. La seconde partie de ma recherche a servi de vérification du schéma radial proposé. À travers une méthode établie à partir du schéma radial et de la définition morphologique du diminutif grec, j’ai classé et vérifié les termes trouvés par une application de traitement automatique des langues naturelles créée dans le cadre de cette recherche. Ces données ont également servi à vérifier certaines hypothèses sur la fréquence d’apparition du diminutif et sa variété d’expression dans le sociolecte féminin chez Aristophane. Sujet encore débattu chez les linguistes, la relation entre le genre et l’expression est au centre des préoccupations de la recherche actuelle en morphologie évaluative. L’ensemble de cette recherche se veut donc également une description d’un cadre méthodologique adapté à l’analyse des textes anciens à l’aide de méthodes informatiques. / A linguistic marker widely used in comedy, the diminutive form is one of the distinctive features of Aristophanes' language. Comparable to the suffix -ette in French (e.g. maison > maisonnette), the suffixes -ιον and -ισκος are used by characters of all genders and social classes to express their diminutive valuation. Sometimes used to represent a smaller object, sometimes to compliment and sometimes to express disdain, diminutives are difficult to define and even more complex to disentangle from other forms that may share their suffix. The first stage of my research therefore involved creating a radial scheme capable of explaining the various semantic and pragmatic aspects of the diminutive in Aristophanes’ attic dialect. The second part of my research served to verify the proposed radial scheme. Using a method based on my radial scheme and the morphological definition of the greek diminutive, I classified and verified the terms found by a natural language processing application created as part of this research. These data were also used to test certain hypotheses on the frequency of appearance of the diminutive and its variety of expression in Aristophanes' feminine sociolect. The relationship between gender and expression is still a hotly debated topic among linguists, and is at the heart of current research in evaluative morphology. The whole of this research is therefore also intended as a description of a methodological framework suitable for the analysis of ancient texts with computational methods.

Ce projet de recherche propose de déceler les manifestations formelles et narratives du « sentiment d'absurdité » camusien dans Suicide Club (2001) de Sono Shion et The Taste of Tea (2004) réalisé par Ishii Katsuhito. En vue de déterminer la part de responsabilité détenue par la crise économique japonaise des années 1990 dans le traitement absurde de ces œuvres, le caractère inconséquent de la violence représenté chez Sono et le traitement de la solitude chez Ishii sont analysés. Abordant tous deux le concept de rupture générationnelle, la présence d’absurde au sein de ces films illustre la réalité préoccupante de la « génération perdue » japonaise, de jeunes gens confrontés à l’absence d’offre d’emplois et à un isolement sociétal forcé. / This project aims to identify the formal and narrative manifestations of the Camusian “sense of absurdity” in Sono Shion’s Suicide Club (2001) and The Taste of Tea (2004) directed by Ishii Katsuhito. In order to determine the extent to which the Japanese economic crisis of the 1990s contributed to the absurd treatment in these works, the project analyzes the inconsistent nature of the violence represented in Sono’s film and the treatment of solitude in Ishii’s. Both films address the concept of generational rupture. In doing so, the presence of the absurd within these films illustrates the worrying reality experienced by young people faced with the absence of job offers and forced societal isolation, known as the Japanese "lost generation".