La comédie musicale Rent de Jonathan Larson bouleverse l'univers de Broadway dès son arrivée en 1996. La pièce emprunte certes bon nombre d'éléments propres au genre, mais s'en sert pour mettre de l'avant une réalité crue et marginale, dépeinte sur un fond musical résolument plus rock. Elle offre un regard intime sur les conséquences du sida, inspiré du contact de Larson avec le syndrome par l'intermédiaire de ses amis atteints. Pourtant, alors qu'elle profite d'un succès populaire indéniable, Rent demeure à ce jour boudée de façon générale par les groupes militants à titre d'instrument légitime de sensibilisation dans la lutte contre le sida. Ce mémoire a pour but d'explorer la force subversive réelle de l'œuvre de Larson, c'est-à-dire si Rent manque effectivement la profondeur et la pertinence nécessaires pour revendiquer sa place dans les rangs militants, ou si son potentiel d'outil de transformation sociale ne s'avère pas simplement éclipsé par l'ampleur du phénomène commercial qui l'entoure. Pour ce faire, la façon dont Larson utilise le genre de la comédie musicale pour traiter du sida est considérée sous tous les aspects suivants. D'abord, l'auteur parvient, par la déconstruction des stéréotypes liés aux personnes séropositives et du discours entourant le syndrome, à solliciter une écoute active des spectateurs, en les sensibilisant aux dangers des préjugés et de la marginalisation et en leur montrant les émotions et les conflits intérieurs vécus par les victimes. Ensuite, Larson exploite les possibilités offertes à la fois par le caractère intrinsèquement interartial de la comédie musicale et par son hybridité. Ainsi, le mélange des arts de la scène participe au dynamisme du propos, tandis que l'intégration d'autres genres éprouvés renforce la capacité de diffusion de l'œuvre. Enfin, la pièce de Larson est remise dans le contexte des conséquences et des attentes liées à la désignation d'œuvre sur le sida. Cette réflexion met en lumière la pertinence de la construction de Rent sous forme de témoignage, forme tout à fait adéquate de sensibilisation, capable de véhiculer efficacement les problématiques traitées dans la lutte contre le sida. En ce sens, il semble que la réussite commerciale de Rent ne tienne pas seulement à l'application d'une recette éprouvée, réinventée avec succès, mais bien à une indéniable capacité à opérer une conscientisation de son public à l'égard d'un syndrome qui, depuis son apparition, a transformé les relations humaines. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Rent, Jonathan Larson, comédie musicale, stéréotype, sida, marginalisation, intermédialité, interartialité, distanciation, témoignage.

L’histoire des relations culturelles internationales à travers l’étude des circulations et des transferts culturels, dans un contexte de mondialisation, est un sujet de plus en plus fréquent. Nous comprenons alors que l’action dans le domaine culturel correspond à l’intérêt que portent les États et les nations à faire connaître leur réalité sociale, politique, économique, scientifique et technique, afin de mieux échanger leurs réalisations. Dans le contexte particulier de la Corée du XXe siècle, les spectacles en langue française sont davantage perçus pour leur approche académique. Si ces derniers sont compris comme des œuvres savantes, mais aussi critiques et politiques, les spectacles coréens se focalisent davantage sur leur popularité auprès du grand public. En revanche, la comédie musicale de langue française, déjà présente sur le sol coréen mais qui jusqu’alors était perçue pour son approche académique, investit désormais le champ du divertissement populaire. Nous pouvons relever les principaux facteurs contribuant à ce succès au travers d’une approche esthétique et une méthodologie propre au marketing. Dans un contexte de circulation internationale des produits culturels, le plus important est de saisir dans quelles mesures cette culture peut s’adapter et influencer le développement d’une autre culture. Notre étude consacrée à la réception de la comédie musicale de langue française en Corée devrait constituer un moyen de révéler les points de convergences ou de différences entre deux cultures radicalement éloignées, géographiquement, certes, mais aussi sur le plan historique, social ou généalogique. Notre analyse du rôle de la mondialisation repose sur la réception d’une culture sur un terrain étranger afin d’évaluer les influences réciproques que se portent ces deux cultures. / The history of cultural relations in the international arena, carried out through circulations andtransfers, has come to be a subject emerging more and more frequently in the context of globalization. It hasbecome apparent that actions of interchange in and from cultural domains respond to the states’ interestwhile countries allows others to acknowledge their social, political, economic, scientific and technical reality,in order for their realizations to be exchanged better. As for the context of Korea in the midst of its 20thcentury development, performances in French have been well perceived mainly through their academicapproach. They tend to be understood as technical, as well as critical and political maneuvers, whereasKorean performing arts exhibit the tendency of focusing on gaining popularity from a large public. On theother hand, musical theatre in French, readily present in Korean stages but perceived predominantly in thelight of academic approach, is starting to shift to the popular entertainment realm. Some of the principalfactors to its success can be studied through an aesthetic approach and methods oriented on marketing. Interms of international flow of cultural products, with the recognition of globalized economies, the essentialquestion is to grasp to what extent one culture can be assimilated into and influence the development ofanother. The efforts directed towards the Korean reception of musical theatre in French will have to give riseto a system in which the point of convergence or the differences between two radically distinct cultures notonly in geographical, but also in historical, social and genealogic respect should be duly noted. Our analysisof the role of the process of globalization lies on the inflow of one culture into a foreign territory, with thereciprocal influences arising from the relationship between the two.

Depuis quelques années, les français se passionnent de nouveau pour les comédies musicales américaines. Elles sont généralement adaptées dans la langue du pays d'accueil, le français en l'occurrence. Ce travail de recherche se propose d'observer ,dans un premier temps, et de tenter de comprendre, dans un deuxième temps, les comportements des adaptateurs de comédies musicales anglo-américaines face aux éléments qui parasitent la compréhension directe d'un texte. Trois problèmes de traduction seront examinés plus particulièrement : l'onomastique, les titres et le registre. Plusieurs exemples issus des dialogues et des chansons illustreront le fait que les choix des adaptateurs varieront en fonction du support. Ces choix seront souvent adoptés pour rendre le texte compréhensible, car rappelons-le, une comédie musicale est conçue pour être jouées sur scène et non pour être lue. Il sera également démontré que les comportements des adaptateurs seront différents dans les chansons. Ces derniers devront effectivement,respecter le plus fidèlement possible la base musicale qui leur dictera parfois ses choix. Ils se heurteront alors à de nombreuses contraintes, telles que les contraintes syllabiques, rimiques et rythmiques et de prosodie pendant la restitution des lyrics. Mais, la mission de tout adaptateur de comédies musicales consiste à produire un texte qui soit à la fois fidèle au fond comme à la forme. Ainsi ce projet de recherche se fonde sur l'hypothèse que les adaptateurs produisent un texte qui soit destiné à la scène et à l'écoute. Ces deux facteurs les amèneront à devoir modifier voire transformer le texte-source pour son public.

Ce travail porte sur la construction idéologique de la culture populaire dans les comédies brésiliennes, musicales ou pas, et dans le cinéma novo de la période 1950-1975.Il analyse la façon dont ces comédies (la chanchada), influencées par l’idéal d’une nation hétéroclite mais unique instauré par Getúlio Vargas ont représenté la culture populaire comme une idéologie des classes subalternes. Utilisant le concept de carnavalisation, ces films populaires, influencés par la radio, le théâtre de revue et le cirque, mettaient le monde à l’envers en essayant de corriger les injustices sociales dont étaient victimes les pauvres. Souvent décriées et considérées comme légères et aliénées, elles étaient beaucoup plus critiques que l’on ne disait, ainsi que le démontre cette recherche.En partant du principe que le cinéma novo est le corollaire des débats sur la quête d’une identité pour le cinéma brésilien tenus au cours des années 1950, période très influencée par le Parti Communiste Brésilien, ce travail analyse les trois phases différentes du mouvement. Durant la première, la culture populaire fut construite comme l’opium du peuple et les cinéastes ayant utilisé leur propre monde comme modèle de représentation de la culture populaire. Les films, très autoréflexifs, cherchaient à éveiller la conscience critique des pauvres et à les aider à sortir de l’aliénation. La deuxième, survenue après le putsch militaire de 1964, plongea les cinéastes dans le passé afin de comprendre les erreurs de la gauche et les raisons de sa défaite. Ensuite, la recherche analyse la troisième phase du mouvement quand les cinéastes furent amenés, par un gouvernement libéral qui considérait le cinéma comme un produit marchand qui devait s! e réaliser sur le marché, à changer de voie et à réaliser des films tournés vers le grand public. A ce titre, les films de cette phase, aux formes plus simples, dialoguèrent avec les chanchadas afin de finalement atteindre le peuple, sans jamais renoncer au cinéma d’auteur / This research focuses on the ideological construction of popular culture in Brazil in comedy films, musical or not, and cinema novo over the 1950-1975 period. It analyzes how these comedies (called chanchadas), which were influenced by the ideal of a varied but unique nation established by Getúlio Vargas represented the popular culture as an ideology of the subordinate classes. Using the concept of carnivalization, these popular films, influenced by radio, revue theater and circus, put the world upside down trying to correct social injustices suffered by the poor. Often criticized and considered as superficial and alienated, they were much more crítical than they were said to be at the time. Assuming that cinema novo is the corollary of the discussion on the identity quest for the Brazilian cinema that took place during the 1950s, a period heavily influenced by the Brazilian Communist Party, the research analyzes the three phases of the mo! vement. During the first one, popular culture was built as the people's opium and filmmakers used their own world as a model of representation for popular culture. The films, which were very self-reflexive, sought to arouse the crítical consciousness of the poor and help them pull out of alienation. During the second phase, which occurred after the military coup of 1964, filmmakers were immersed in the past in order to understand the mistakes of the left and the reasons for its defeat. During the third phase of the movement, led by a liberal government that perceived cinema as a commodity that should be sold to the market, filmmakers changed their way forward and made films directed to the general public. As such, the films of this phase, characterized by simpler forms, engaged in dialogue with the chanchadas to finally reach the people, while never giving up auteur cinema

Ce travail porte sur la construction idéologique de la culture populaire dans les comédies brésiliennes, musicales ou pas, et dans le cinéma novo de la période 1950-1975.Il analyse la façon dont ces comédies (la chanchada), influencées par l'idéal d'une nation hétéroclite mais unique instauré par Getúlio Vargas ont représenté la culture populaire comme une idéologie des classes subalternes. Utilisant le concept de carnavalisation, ces films populaires, influencés par la radio, le théâtre de revue et le cirque, mettaient le monde à l'envers en essayant de corriger les injustices sociales dont étaient victimes les pauvres. Souvent décriées et considérées comme légères et aliénées, elles étaient beaucoup plus critiques que l'on ne disait, ainsi que le démontre cette recherche.En partant du principe que le cinéma novo est le corollaire des débats sur la quête d'une identité pour le cinéma brésilien tenus au cours des années 1950, période très influencée par le Parti Communiste Brésilien, ce travail analyse les trois phases différentes du mouvement. Durant la première, la culture populaire fut construite comme l'opium du peuple et les cinéastes ayant utilisé leur propre monde comme modèle de représentation de la culture populaire. Les films, très autoréflexifs, cherchaient à éveiller la conscience critique des pauvres et à les aider à sortir de l'aliénation. La deuxième, survenue après le putsch militaire de 1964, plongea les cinéastes dans le passé afin de comprendre les erreurs de la gauche et les raisons de sa défaite. Ensuite, la recherche analyse la troisième phase du mouvement quand les cinéastes furent amenés, par un gouvernement libéral qui considérait le cinéma comme un produit marchand qui devait s! e réaliser sur le marché, à changer de voie et à réaliser des films tournés vers le grand public. A ce titre, les films de cette phase, aux formes plus simples, dialoguèrent avec les chanchadas afin de finalement atteindre le peuple, sans jamais renoncer au cinéma d'auteur

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / WAG! The Musical est la seconde comédie musicale d'Aleksey Shegolev ainsi que la première à être exécutée dans un théâtre off-Broadway à New York durant l'été 2013. Une des premières comédies de William Shakespeare, Peines d’amour perdues, a servi d’inspiration pour son partenaire Julian Silverman (dramaturge) et lui (compositeur et librettiste) dans la composition de WAG!. Afin de moderniser le sujet shakespearien traité dans les Peines d’amour perdues, plusieurs ajustements ont été nécessaires. Dans le but de maintenir l’attention des spectateurs, le niveau d'intensité dans l’action doit constamment s'élever. Cette thèse traitera notamment des divers procédés musicaux employés dans le but de soutenir l’action. Le rock ' n' roll, ainsi que le jazz furent les principaux langages musicaux à avoir une forte influence sur cette composition. Conséquemment, à travers une analyse détaillée, Shegolev explique comment le rythme, l'harmonie et la texture construisent sa comédie musicale. De plus, la manière de rendre l’humour en musique, si nécessaire au genre comique, sera également objet de discussion dans cette dissertation. La dissertation sera clôturée par un chapitre qui traitera de l'expérience personnelle que Shegolev a accumulée au cours des ateliers de lecture et des répétitions aux quelles sa pièce a été assujettie, afin de monter WAG! dans un théâtre de production à petite échelle à New York. / WAG! The Musical is Aleksey Shegolev's second full-length musical and it is the first to be performed in an off-Broadway theatre in New York during the summer of 2013. The idea for the plot was inspired by William Shakespeare’s Love’s Labour's Lost, and he and his partner, Julian Silverman, created a story fit for modern times. Shegolev was the composer and lyricist, while Silverman was the book writer. Good storytelling and strong songwriting depends on the characters having a goal to pursue as they overcome the obstacles in their paths. As the story progresses, the level of intensity must always rise to keep the audiences’ attention. Jazz and rock ‘n’ roll were the main musical influences on this piece and we will see how rhythm, harmony and texture played a part in creating WAG!. Musicalizing comedy by using various techniques in composition is another topic that will be explored. Finally, this dissertation will close with Shegolev's experiences during the workshop from dealing with the director to the endless revisions and cuts that had to be made before opening night.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Cette thèse porte sur la comédie musicale américaine des décennies 1940 et 1950 à Broadway, illustrée par le répertoire du compositeur Leonard Bernstein. L'enjeu est d'analyser les différents mécanismes internes et externes de création des œuvres de cette époque. La comédie musicale étant un genre vivant à la croisée du théâtre, de la musique et de la danse, nous avons choisi de l'étudier selon plusieurs démarches : historique, structurelle, et typologique. D'un point de vue méthodologique, cette thèse s'appuie notamment sur l'analyse narrative et musicale de 156 musicals, et des trois comédies musicales de L. Bernstein en particulier. Dans un premier temps, la thèse se concentre sur la comédie musicale à Broadway dans les décennies 1940 et 1950, en explicitant les marqueurs historiques, narratifs, musicaux et chorégraphiques du genre. Dans un second temps, la thèse analyse le répertoire des musicals de L. Bernstein dans sa globalité, en interrogeant d'une part le style de l'artiste, et d'autre part la cohérence des œuvres entre elles et avec les canons mis en évidence dans la partie précédente. Enfin, l'étude de la comédie musicale On the Town (1944) explicite la genèse de l'œuvre, ses caractéristiques musicales et chorégraphiques, et la réception publique et critique du spectacle. / This dissertation deals with the American Broadway musical during the 1940's and the 1950's, illustrated by Leonard Bernstein's works. Our concern is to study the various internal and external processes of creation of these pieces during this period. As the Broadway musical is a lively genre overlaying theatre, music and dance, we chose to study it through multiple angles: through its history, its structure and its typology. From a methodological point of view, this dissertation will rely on the narrative and musical analysis of 156 musicals, and especially three of L. Bernstein's musicals. First this dissertation will focus on Broadway's musicals during the 1940's and the 1950's, and will clarify the genre's historical, narrative, musical and choreographic markers. Secondly we will study L. Bernstein's own musicals. We will make explicit the composer's style, and put to test the consistency of his works amongst themselves and with the genre's canons. Last but not least, our analysis of the musical On the Town (1944) we will highlight the show's genesis, its musical and choreographic markers, and its public and critical reception.

L’interdisciplinarité est une pratique largement employée dans le spectacle vivant contemporain. Que l'on aborde le concept de coopération ou celui d’intégration, il s’agit d’une procédure de fusion qui, dans le cas des arts du spectacle, se concrétise par la croisée des disciplines artistiques entre elles, avec d’autres sciences, ou d’autres arts. Dans la scène théâtrale l’interdisciplinarité se présente sous plusieurs formes. La présente étude se concentre sur les spectacles contemporains mariant théâtre, musique et danse et leur relation avec le genre interdisciplinaire par excellence que représente le Musical. Ce dernier est par nature un genre hybride, car il combine plusieurs arts en une seule entité. Ces arts doivent à la fois maintenir leurs intégrités propres et se combiner pour former une unicité organique. Malgré sa complexité, il réussit à être un genre à part entière qui a influencé d’autres genres, ainsi que plusieurs essais artistiques contemporains. En tant que genre autonome, il possède des lois de fonctionnement, des signes récurrents, des règles esthétiques. Nous avons choisi de traiter cinq spectacles interartistiques afin d’en dégager les caractéristiques du genre et parallèlement d’ordonner ces singularités. Notre recherche s’établie sur Out Loud de STOMP, Tubes du BLUE MAN GROUP, Perseus d’ithakArts, Elektra Fragments mise en scène par Michael HACKETT et 2, mise en scène par Dimitris PAPAIOANNOU. Ces spectacles qui échappent à toute catégorisation, présentent des similarités avec le Musical. Cette thèse se focalise ainsi sur la recherche des éléments du genre au sein de ces spectacles et propose un choix de conventions qui définissent le Musical. / Interdisciplinarity is a widely employed practice in the contemporary arts scene. Whether the term refers to the collaboration or notion of integrating different disciplines, we can infer to a process of fusion, which in the field of the performing arts, takes numerous forms. This dissertation focuses on contemporary inter-artistic performances that combine theatre, music and dance, and their relation to the interdisciplinary genre of Musicals. Musical Theatre is by definition a hybrid entity, combining different artistic expressions. The latter, are at all times maintain their separated integrity, while they must be fused in such a way in order to form an organic unity. Despite its complexity, Musical Theatre manages to be a genre in itself, which in turn has influenced other genres, including many contemporary experimental performances. Thus, as an autonomous form of expression, it possesses laws of operation, technical characteristics and aesthetic rules that defines it. The purpose of this research is to identify elements and influences of Musical Theatre within five contemporary interdisciplinary shows, while tracing the theoretical aspects and conventions that determine this genre. The examined shows are Out Loud by STOMP, Tubes by the BLUE MAN GROUP, Perseus by ithakArts, Elektra Fragments directed by Michael HACKETT and 2, directed by Dimitris PAPAIOANNOU. These autonomous fusion works defy categorization; however, they share fundamental characteristics with Musicals.