Les théories et pensées de la lecture ont, au tournant du XXIe siècle, valorisé des approches pragmatiques de la lecture et de l’expérience qu’elle procure. De manière synchrone, le récit contemporain français réinvestit les figures de la lecture et du lecteur. Habituellement rattachées à une tradition parodique et anti-romanesque, elles constituent en fait une force de relance narrative et permettent de repenser les imaginaires littéraires et critiques de la lecture. À l’heure où la démocratisation des outils numériques semble transformer le rapport des sujets au livre et aux savoirs, interroger ces représentations dans les textes littéraires permet de mettre en évidence l’influence du numérique sur les pratiques de lecture comme les attitudes de la réception. Par leur manière d’impliquer le lecteur, de mettre en récit ou en abyme la lecture, et d’accueillir dans le livre de nouvelles figures de la réception, les textes du corpus dessinent et déclinent différents arts de lire. En faisant un objet de fiction du rapport des sujets aux signes qui les entourent ou les traversent, ces récits mettent à distance les méthodes de déchiffrement héritées des théories du texte et du moment formaliste de la théorie. Une pensée de la lecture s’élabore ainsi depuis les textes littéraires. Matière fictionnelle et narrative, elle fonctionne comme relance romanesque, et fait ressurgir la tentation critique d’une parole théorique des écrivains / Theories of reading and reader-response criticism have, since the turn of the 21st century, emphasized pragmatic approaches to reading and the reading experience. Meanwhile, contemporary French fiction has also been focusing on representations of reading and the reader. Although such representations are usually seen as part of a parodic, anti-novelistic tradition, they have in fact had a revitalizing impact on contemporary narratives and suggest new ways of looking at fictional and critical visions of reading. At a time when the democratization of digital tools seems to be revolutionizing the reading subject’s relationship to books and knowledge, a study of the representations of reading in literary texts can illuminate the impact of digital data on reading practices and reception. By devising new strategies of reader involvement and new embodiments of reception in the text, as well as by their fictionalization or mise en abyme of reading, the narratives of our corpus evolve and express new and diverse “arts of reading”. They turn our relationship to the signs in our world and in ourselves into fiction and thus call for a rethinking of our interpretive processes, away from classical hermeneutics and from formalist-inspired theories. Innovative thoughts and imaginings about literature are thus produced by literary texts themselves. They have a re-energizing impact on contemporary fiction and also explain why writers of fiction are once again lured into adopting theoretical discourses

L’œuvre de Rick Moody échappe à toute tentative de catégorisation générique, elle est à la croisée de styles qui s’entrechoquent et se heurtent pour donner naissance à une prose hétéroclite. Cette fiction protéiforme n’en demeure pas moins traversée par la répétition d’un motif invariant : l’accident. C’est le paradoxe de cette observation qui constitue le point de départ de cette thèse. Comment l’accident, dont le surgissement paraît toujours fulgurant, instantané et unique, peut-il se voir répété, décliné et transformé en un principe structurant qui préside à la composition de l’oeuvre de Rick Moody ? Pour répondre à cette question, il faut nécessairement changer le présupposé sur lequel repose la définition de l’accident pour qu’il ne soit plus seulement envisagé comme ce qui arrive de manière accidentelle mais pour que soit révélée également sa dimension essentielle. Cela revient à proposer l’hypothèse que l’accident est toujours déjà là, qu’il est ontologique. Ce changement de perspective, rendu possible par une manipulation temporelle, encourage, sur le plan de l’analyse littéraire, une étude de la temporalité de l’accident. Son surgissement induit plus largement la question de la représentation de la réalité tandis que sa répétition autorise son inscription dans une durée. Provoquant toujours une rupture, la temporalité de l’accident est double car elle a la possibilité à la fois de mettre un terme et de faire éclore un nouveau début. L’accident crée des formes et des cycles, il surgit, dure, détruit, mais aussi régénère. / The books of Rick Moody evade all possibility for a generic categorization. They standat the crossroads of different styles which collide with one another and give birth to a heterogeneous prose. However, at the heart of Moody’s protean fiction is to be found a recurring motif : the accident. The repetition of this pattern and the paradox it arises are what started this dissertation. How can such a motif be repeated and transformed into an unvarying organization principle since, at its core, the accident is supposed to happen in a flash, only once? The answer to this question lies in a change of perspective. The definition of the accident needs to be challenged so that it allows for the possibility to consider it not only as what happens accidentally but what is bound to happen by necessity. It all amounts to suggesting that the accident is ontological ; it is always already present, on the verge of happening. This temporal shift makes it necessary, in aliterary perspective, to analyze the temporality of the accident. The sudden appearance of the accident raises questions about the strategies fiction has at its disposal torepresent reality. The repetition of the accident induces also a reflection on its duration.The break-up it necessarily generates reveals its dual temporality: it either comes as an ending or as a possibility for a new beginning. The accident creates different shapes, forms and cycles as it comes up, destroys and regenerates.

La fragmentation apparente de l’écriture de David Markson, de Reader’s Block (1996) à TheLast Novel (2007), s’assortit d’une continuité assumée par une voix narrative mise en scènejusque dans sa prétendue disparition. Malgré le rejet des conventions fictionnelles annoncédans This is Not a Novel (2001), Markson fait preuve d’un attachement paradoxal au roman,jouant du caractère protéiforme du genre jusqu’à l’excès plutôt que jusqu’à l’épuisement, dansun style aussi prolifique que minimaliste qui fait la part belle au non dit malgré la présenceoccasionnelle de commentaires métafictionnels. L’analyse de l’ensemble éclectique des écritsde David Markson (1927-2010) montre que la pratique de la citation, qui constitue l’essentielde la matière de ses derniers textes, est à l’oeuvre dès ses débuts d’auteur, et que sousl’apparence d’une différence radicale ses derniers « romans » comportent des traces de sonpassage par le roman policier, l’anthologie, le western, la poésie, ou des formesd’autobiographie et de monologue intérieur. L’influence de Malcolm Lowry dépasse le cadrede l’étude que David Markson consacra à Au-dessous du volcan, ou de son propre « romanmexicain ». Des instruments linguistiques, énonciatifs et cognitifs, permettent d’explorer lefonctionnement du roman « expérimental » de David Markson, et de mettre en évidence lerôle liant de l’anaphore et des marques d’énonciation dans une écriture faussement disjointe etneutre. Donnant à voir ce que masque l’idée de rupture, devenue conventionnelle, le lien soustendla phrase, le texte, et l’oeuvre, malgré un éclatement – partiel – de l’écriture en fragments,et un bouleversement – relatif – de la linéarité / The seeming fragmentation of David Markson’s writing from Reader’s Block (1996) to TheLast Novel (2007) is combined with a form of continuity led by a narrative voice whoseapparent vanishing is merely staged. Despite his claiming to reject all fictional conventions inThis is Not a Novel (2001), Markson proves paradoxically attached to the novel as a form,exploring the multiple possibilities of the genre rather than driving it to exhaustion. His styleis both minimalist and profuse, and leaves much unsaid despite existing – if occasional –metafictional comments. A close reading of the miscellaneous works by David Markson(1927-2010) shows that his extensive use of quotations, making up the main material of hislater works, was a very early hallmark of his writings. For all their apparently radicaldifference, his later texts still bear signs that can be traced back to previous literaryexperiments as varied as detective novels, an anthology, a western, poetry, quasiautobiographyand interior monologue. Malcolm Lowry’s influence on Markson’s workreaches beyond his early study of Under the Volcano and his own « Mexican novel ». Placingthe text under close scrutiny by means of linguistic tools, mainly enunciative and cognitive,provides evidence of the linking role of anaphoric devices and of a subjective handling of adeceitfully disconnected and neutral writing. The search for breaks and breaches has nowbecome conventional, but actually conceals what can be revealed when looking forconnections. Indeed, continuity still underpins sentence, text and work, despite a (partial)splitting of the text into fragments and a (relative) upsetting of linear order

Nuno Júdice est l’un des poètes portugais contemporains qui, tout au long de sa vie littéraire, a entretenu un rapport privilégié avec les arts. Le poète cherche, bien avant son premier recueil Noção do Poema (1972) et jusqu’à nos jours, à communiquer avec l’image peinte. Il instaure un subtil glissement entre poésie et peinture, mais aussi entre peinture et poésie. Il puise dans un univers de souvenirs indissociables du monde pictural. Ce dialogue fructueux et singulier avec la peinture nous permet d’observer comment l’ekphrasis devient un processus de transposition servant de base à une réflexion profonde sur le faire poétique. Notre recherche porte donc sur la relation ekphrastique qui se tisse dans toute l’oeuvre judicienne. Nous analysons, sous une approche thématique, les moyens que se donne le poète pour rapprocher la peinture du travail de l’écriture,en passant d’un atelier à l’autre. Nous partons de deux hypothèses : la première stipule que, pour Nuno Júdice, la peinture serait un moyen de relier les deux arts, permettant de récréer un autre tableau à partir des mots du poète. La seconde fait de la pratique de l’ekphrasis une possibilité de réveiller des souvenirs. En interrogeant le jeu intersémiotique et les analogies poésie-peinture, nous démontrons que paysage, lieu et corps s’articulent autour d’un seul et même principe. Peut-être s’agit-il, en dernière instance, de provoquer des sensations et de réinventer le monde ? / Nuno Júdice is one of Portugal's contemporary poets who has, during his entire literary career, held a privileged relationship with the arts. Even before his first published book, Noção do Poema(1972), the poet endeavored to communicate with the painted image. He establishes a subtle slippage between poetry and painting, but also between painting and poetry. He mines a universe of inseparable memories of the pictorial world. This singular and fecund dialogue with painting allows us to observe how ekphrasis becomes a process of transposition and a base for a profound reflection on the poetic 'how-to'. Our research thus concerns the ekphrastic relationships, which are woven through his whole work. We analyze, with a thematic approach, the means with which the poet brings painting to his writing in moving from one artist's studio to another. We start from two hypotheses: the first stipulates that for Nuno Júdice, painting is the means of linking the two arts, allowing the creation of an another painting from the poet's words; the second emphasizes that the practice of ekphrasis stimulates a possibility of retrieving memories. In our interrogation of the intersemiotic play and the poetry/painting analogies, we show that landscape, place and body articulate around one and the same principle. Is it perhaps, ultimately, about provoking feelings and reinventing the world?

Cette thèse porte sur la contribution de la culture aux compétences perceptives, s'attachant de manière spécifique aux formes familiales de la transmission des savoirs et savoir-faire olfactifs dans le cadre domestique. L'analyse s'ouvre par un travail théorique sur le statut des perceptions olfactives en psychologie cognitive, en anthropologie cognitive des sens et en sociologie pragmatique qui aboutit à la formulation d'une démarche que nous appelons « ethnographie cognitive des perceptions ». A partir des données issues de trois méthodes complémentaires – entretiens semi-directifs auprès d'informateurs Français et Belges francophones, analyse qualitative d'œuvres littéraires françaises et de forums de discussion sur Internet – nous montrons l'existence de formes de compétences olfactives attachées à l'exercice d'activités dans plusieurs domaines, notamment le domaine culinaire, celui des techniques de soins corporels (beauté, cosmétique) et celui de l'hygiène domestique. L'ethnographie contient les descriptions i) de l'enchaînement des compétences olfactives au cours de ces activités et ii) de l'organisation des apprentissages de compétences dans une trame biographique allant de la naissance à la parentalité. Plusieurs formes de transmission familiale des compétences olfactives sont décrites en lien avec la formation et le partage de patrimoines olfactifs. Dans la dernière section de l'étude consacrée aux jugements affectifs, les concepts de « préférence » et de « sensibilité » sont discutés. La thèse s'achève sur une proposition de programme de recherche qui prolonge les acquis épistémologiques et méthodologiques de cette étude : l'anthropologie des matériaux.

La seconde moitié du XXe siècle a été une période de mutation accélérée de l'architecture religieuse en France. À travers l'étude des églises paroissiales reconstruites et construites dans les diocèses de Lille, Cambrai et Arras entre 1945 et 2000, cette thèse aborde la question des rapports entre conditions de la commande et production architecturale. <br />L'adaptation de l'Église à l'accélération des mutations historiques, économiques et sociales de la seconde moitié du XXe siècle est visible dans les mutations formelles et structurelles du bâtiment-église, ainsi que dans ses rapports à l'urbanisme. En observant les mécanismes de la commande, ses acteurs et les enjeux de la construction d'église pour chacun d'eux – Église, État, société civile, créateurs –, on cherchera à comprendre en quoi le chantier d'église, entre 1945 et 2000, est le réflecteur des rapports entre les différentes composantes de la société contemporaine et de l'évolution de ces rapports sur un demi siècle. <br />La première partie porte sur les reconstructions d'églises détruites par les bombardements de la Seconde Guerre mondiale (1945-1965). Ces chantiers d'églises, propriétés communales, relèvent des services du ministères en charge de la Reconstruction. <br />La seconde partie présente les constructions nouvelles des Trente Glorieuses jusqu'à la mise en place du Plan Construction (1945-1971). Les églises nouvelles sont construites sous la seule responsabilité des évêchés, représentés juridiquement par les associations diocésaines. La troisième et dernière partie concerne les chantiers d'église de la période la plus récente (1971-2000). Après les nombreux chantiers d'églises menés dans le cadre des grandes campagnes d'urbanisation, le problème qui se pose aux institutions religieuses comme aux pouvoirs publics est moins celui des constructions nouvelles que celui de la gestion du patrimoine immobilier.

Ce travail propose d'observer l’effet de différentes structures musicales, extraites du courant musical minimaliste, sur la perception auditive temporelle d'adolescents musiciens et non-musiciens. Pour entreprendre cette recherche, nous avons dû d'abord définir notre conception du temps musical ainsi que son impact supposé sur la perception auditive.Une fois le corpus d’œuvres minimalistes sélectionné, une analyse musicale des extraits sonores retenus pour l’élaboration de deux expérimentations a été réalisée. Elle est destinée à justifier le choix de ces extraits et à définir les procédés d'écriture mis en œuvre, susceptibles d'altérer la perception de la durée chez les sujets. Deux expériences, une tâche de catégorisation libre et une tâche d’évaluation de durées, sont présentées sous la forme de protocoles expérimentaux, permettant d’exposer le déroulement de chacune, de commenter les résultats obtenus et d’expliquer les méthodes de calcul afin de formuler une interprétation des résultats.D’après les résultats observés, seulement certains procédés d’écriture utilisés par les compositeurs minimalistes semblent avoir un effet sur la perception des structures musicales et sur l’estimation de leur durée. Ces résultats sont valables pour les deux groupes de sujets, ce qui prouve que l’expérience musicale antérieure n’a pas d’effet majeur sur la perception de la durée dans un contexte musical. / This work proposes to observe the effect of various musical structures, extracted from the minimalist musical current, on temporal auditive perception of musician and non-musician adolescents. In order to undertake this research, we had to first define our conception of musical time as well as its supposed impact on auditive perception. Once the minimalist musical work corpus was selected, a musical analysis of the sound excerpts chosen for the elaboration of two experiments was done. It was destined to justify the selection of these excerpts and to define the writing processes at work, liable to distort duration perception of the subjects. Two experiments, a free categorization task and a duration evaluation task, are presented as experimental protocols in order to show their progression, to comment the obtained results and to explain the computing methods allowing to formulate an interpretation of the results. According to the results, only some writing processes used by minimalist composers seem to have an effect on perception of musical structures and their duration estimation. The results are valid for both subject groups, which proves that previous musical experience does not have a major effect on duration perception in musical context.

Le but de la présente thèse est de retracer le changement théorique qu'a réalisé Antonin Artaud de la notion du moi, et par là d'éclairer la poétique particulière qu'il a établie à la fin de sa vie. La 1ère partie focalise ses premiers écrits et surtout la maladie dans laquelle il ne pouvait penser. Qu'est-ce que l'impossibilité de penser ? Pour lui cette maladie n'est qu'un dysfonctionnement psychologique. Sa maladie consiste à son incapacité de faire correspondre rétrospectivement sa pensée intérieure aux paroles extériorisées. A l'époque le moi artaldien restait minimisé. Il s'agit dans la 2e partie de la théorie du théâtre qu'il développait toute sa vie. Certes sa théorie reste cohérente en ce sens qu'il s'agit toujours de la relation entre le texte et l'acteur. Mais dans les années 30 comme le texte fonctionne comme un double qui hante le moi de l'acteur et lui demande tel ou tel acte, le texte se trouve toujours antérieur à l'acteur. Par contre, dans les années 40, Artaud n'accepte plus l'antériorité du texte par rapport à l'acteur, ce qui rend impossible le théâtre au sens ordinaire du terme. La 3e partie aborde l'hypertrophie du moi artaldien. Or cette centralité du moi artaldien n'est pas un solipsisme car ce n'est que rétrospectivement qu'il peut dire " tout est sorti de moi ". Cette rétrospectivité lui permet de développer sa propre poétique à travers la lecture des Chimères de Nerval où il établit un nouveau sujet littéraire : sujet de lecture qui domine rétrospectivement l'espace poétique. L'hypertrophie du moi n'est point un symptôme de la schizophrénie, mais un support théorique à la poésie contemporaine, comme la poésie sonore ou littéraliste.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Qu'y a-t-il de commun entre F. Cheng, écrivain français d'origine chinoise, H. Bianciotti, enfant d'immigrés italiens en Argentine, G. Macé, dilettante du voyage, attiré par l'anthropologie, Rome ou encore l'Asie, et C. Magris, un Italien de Trieste qui a consacré sa vie à la littérature et à la géographie des frontières ? Au-delà de leurs divergences, on rencontre chez ces quatre auteurs une telle sensibilité à l'espace et aux déplacements qu'ils peuvent tous être définis comme des " écrivains non sédentaires ". La non-sédentarité n'est pas un nomadisme : très concernée par les frontières, avec tout ce qui en découle d'interférences et d'inquiétudes quant au sentiment et à la pratique de la langue, fascinée par les seuils et attirée par les refuges, cette posture non assise est issue d'un rapport aux lieux marqué par la volonté de se tenir debout tout en refusant l'errance. Il en résulte une écriture façonnée par tout ce qu'elle relie. Ainsi, notre corpus, constitué d'essais, de récits et de poèmes, entraîne une réflexion sur le langage à partir de l'appétit, à la fois avide et soucieux, de nos auteurs pour l'espace-monde. Il aborde les thématiques de la voix et du corps en tant que seuils pour l'existence, et situe l'homme en ses évolutions intérieures et historiques à partir de la représentation de jardins et de villes, dans lesquels se logent moins des histoires que des aspirations. La notion d' " écriture non sédentaire " nous a menée à définir son lieu par un néologisme, l' " antrait ", par lequel nous désignons des espaces qui sont à la fois " antre " et " entre ", qui contiennent le repli et l'ouverture, qui engagent l'hospitalité comme accueil et comme partir.